Danza en Madrid: los mejores estrenos de esta primavera

La era del contenido podría ser una traducción posible del título de esta pieza, que alude a este tiempo donde lo virtual ha copado nuestras relaciones y nuestra forma de estar en el mundo y donde ya no se crean cosas sino que se generan contenidos por doquier, una democratización que esconde un reverso perverso en el que surge la pregunta que sirve de acicate para levantar este espectáculo: ¿los avatares son solo un reflejo de nuestros cuerpos o son esas identidades virtuales las que nos impulsan hasta hacernos otros?

Dice el título de esta que cualquier intento terminará en cuerpos aplastados y huesos destrozados y se refiere a una declaración del presidente chino Xi Jinping. Rescatan tan dudosa sentencia para abordar de manera crítica ese lenguaje violento que incita a la violencia real, como ocurre con los trolls en internet o las soflamas de Donald Trump. El abordaje se hace desde la danza, con esa pequeña sociedad que es el cuerpo de baile que se mueve bajo la coreografía de Jan Martens para examinar los momentos en los que un individuo o un grupo va contracorriente, se detiene o traspasa los límites.

Artista, coreógrafa y travesti de Barcelona, el trabajo de Sara Manubens se mueve entre el site specific, la performance y la danza, y se centra en la trasncorporalidad y su impacto en la realidad. Tomando la práctica e identidad travesti desde una mirada crítica y experimental, en esta sinfonía entrega su cuerpo a sus últimas fantasías, creando escenas melodramáticas y con alta carga visceral, porque emocionarse, dice ella, es un acto disidente. Ese viaje corre parejo a la construcción de un lenguaje con herramientas híbridas que vienen de la danza y de la performance cruzada con el estudio emocional sobre el amor y la violencia que recibe el cuerpo trans-femenino. 

La crisis climática sin precedentes que sufre nuestro planeta debe ser puesta en primer plano a través de todos los medios posibles, también la danza. Y este espectáculo es precisamente una meditación conmovedora que explora la explotación, la destrucción y la apatía que nos ha llevado a esta situación medioambiental, pero también deja lugar a la esperanza. Inspirándose en la película de fantasía de Jim Henson 'The dark crystal', presenta una coreografía de alta tensión en diálogo con la palabra hablada, evocando el poder inseparable de la relación entre cultura humana y naturaleza. 

Aunque solo van a estar un día, el nombre de Anne Teresa de Keersmaeker es un reclamo inevitable para cualquier buen aficionado a la danza. La creadora belga es un puntal del presente de esta disciplina y con su compañía Rosas presenta con esta pieza una vuelta a sus elementos habituales: las raíces de la danza y la música pop occidental. "Mi caminar es mi bailar", es uno de sus lemas. Caminar como una forma de movimiento, una danza personal, tan familiar que casi nunca nos paramos a pensar en ella. 

Los amantes del ballet clásico están de enhorabuena porque el Real trae de nuevo la mítica coreografía original de Marius Petipa revisada por Patrice Bart, con música de Ludwig Minkus y libreto del propio Petipa junto a Serguéi Khudekov. Estrenada en el Bolshói Kámenny de San Petersurgo en 1877, hasta un siglo después no sale de la esfera rusa, cuando Nureyev la presenta en Nueva York y Londres y el mundo entero se percata de la obra maestra ahí contenida, un fenomenal vehículo de lucimiento para un cuerpo de baile y una primera bailarina de gran categoría. 

La nueva pieza de esta singular bailaora jerezana lleva como subtítulo, entre paréntesis: estampas y bailes a partir de los experimentos radiofónicos de Juan de Loxa. Este hombre, del que Leonor Leal dice que le rompió la cabeza, fue "poeta, intelectual, flamenco, orador, impulsor, generador de ideas y movilizador de fantasías", en palabras literales de la propia artista, cautivada por el humor, la elocuencia y la versatilidad de un amigo tardío y fugaz que le dejó las neuronas danzando para siempre. Juan de Loxa murió en 2017, pero esta pieza permite a Leal seguir conversando con él y profundizando en lo que él llamaba "jondismo", conocerlo a fondo, no solo para recordarlo sino para seguir creando cosas nuevas a partir de su magisterio y su existencia siempre sorprendente.

El Picasso del flamenco estrena en Madrid para consagrar esta primavera llena de danza en la capital. Especialista en desafiar las normas del género, ha puesto su interés y su obsesivo deseo artístico en la imponente partitura de Igor Stravinsky que ya bailara Nijinski, pero su aproximación subvierte y reconstruye la tradición, reevaluando todas las posibilidades del flamenco. Le acompañan en escena dos músicos, dos pianistas: Daria van den Bercken y Gerard Bouwhuis, pero el propio Galván es instrumento, porque en la percusión de la partitura, el bailaor identifica un alma flamenca que lleva al escenario en forma de solo con dos pianos. 

Estreno absoluto del bailaor y coreógrafo granadino Manuel Liñán, Premio Nacional de Danza en 2017, que despliega como un archivo de los amores que alteraron su cuerpo impulsando su baile hacia nuevas direcciones. Porque, reconoce Liñán, "todas esas historias reales y platónicas que he necesitado inventarme unas veces, exagerar otras, para conectar con lo sagrado, han sido un instrumento fundamental en mi baile". Permanentemente en diálogo con su sociedad y su tiempo, el flamenco de Liñán ha abierto puertas y ventanas para dejar entrar nuevos aires en un arte ancestral. En este nuevo espectáculo mira a Dios como manifestación de su necesidad constante por buscar el sustento y el impulso para dar con lo inexplicable. 

Estaba previsto que esta pieza se estrenara en marzo, pero un problema de salud de uno de los bailarines hizo que el estreno se trasladara a junio. Quizás esto haga que la obra llegue más afinada. Se trata de la segunda parte de la trilogía que la coreógrafa y bailarina brasileña afincada en Madrid Poliana Lima inició con 'Oro negro', y que está previsto que cierre con otra pieza titulada 'Carnaval'. Aquí ha dejado entrar monstruos, movimientos lascivos, retos al espectador y a sus miedos. Porque, ¿qué es lo que da miedo? Se pregunta Lima.