Carlo Ferri

Entre el 8 de mayo y el 1 de junio la Comunidad de Madrid presenta la edición número 40 del festival Madrid en Danza, que se celebrará en la capital (con los Teatros del Canal como epicentro) y en cuatro municipios de la región. Asistiremos a 7 estrenos absolutos y otros 7 estrenos en España en una edición muy especial que celebra cuatro décadas de entrega a las artes del movimiento y, por ese motivo, se recuperan algunas piezas míticas al tiempo que se reúne una nómina de artistas nacionales e internacionales de gran nivel. La coreógrafa y bailarina Blanca Li ha sido la encargada de confeccionar una programación innovadora y plural con nada menos que 25 espectáculos, de los que aquí destacamos 10 que no te deberías perder por nada del mundo si la danza es una de tus aficiones o de tus pasiones. RECOMENDADO: Centro Danza Matadero: obras que no te puedes perder esta primera temporada

La edición número 29 del Festival Internacional de Artes Escénicas para todos los públicos, Teatralia, que propone 26 espectáculos para niños y niñas a partir de 6 meses de edad, se celebra del 7 al 30 de marzo en 35 teatros de Madrid y otros 23 municipios de la comunidad. Este año, la muestra, que vuelve a ser dirigida por Lola Lara, estará dedicada a la memoria de Luis Matilla, fallecido en noviembre del pasado año, un autor que renovó el lenguaje del teatro para niños y que como gestor alumbró en los años 80 del siglo XX las pioneras Semanas Internacionales de Teatro para Niños, antepasadas directas de Teatralia. Llegan montajes desde Francia, Italia, Suiza, Bélgica, Reino Unido, República Checa, Dinamarca, Canadá o México, y desde diversos puntos de la geografía española. Aquí os dejamos una selección con los indispensables. RECOMENDADO: Las obras de teatro más esperadas en Madrid en 2025 

Con dirección artística de María Pagés y El Arbi El Harti, ha echado a andar este mes de febrero el nuevo Centro de Danza Matadero para convertirse en un proyecto abierto, plural, inclusivo y transversal dedicado a las artes del movimiento, con espacio para todas las danzas que se crean tanto en España como fuera de nuestro país. El proyecto toma la Nave 11, uno de los espacios escénicos más especiales de nuestra ciudad y en él vamos a poder disfrutar hasta que finalice esta temporada en junio, de dos docenas de espectáculos muy diversos de entre los que hemos destacado 7 propuestas que consideramos absolutamente imperdibles. Toma nota y prepárate para vibrar con la magia del cuerpo en movimiento. RECOMENDADO: Teatralia 2025: las mejores obras de teatro infantil

El nuevo año llega cargado de buen teatro en Madrid y aquí te avanzamos once estrenos que deberías ir agendando para no quedarte sin entrada, más una cita muy mágica que alcanza ya nada menos que su decimoquinta edición: el Festival Internacional de Magia de Madrid. Tendremos grandes figuras internacionales como Toni Servillo y clásicos de nuestra escena, comedias y dramas, adaptaciones cinematográficas y teatro documental. Esta selección es el mejor botón de muestra de la buena salud y la ingente actividad que disfrutan los escenarios de la capital. ¡Ni un día de 2025 sin teatro! RECOMENDADO: Los grandes conciertos de Madrid en 2025. 

Existe una fuerte identificación entre la Navidad y la infancia, por lo que sea. Es tiempo de descanso, de vacaciones, de reuniones familiares, de viajes, de celebraciones, de regalos y de mantener viva la magia con los más pequeños de la casa, en unas fechas envueltas en las historias de los personajes que, al final de un año y al principio de otro, nos obsequian con todo aquello o con parte de lo que deseamos y nos impulsan a alimentar nuevas ilusiones. También la Navidad es un tiempo de ocio, desde las primeras pistas de hielo a la Cabalgata de Reyes Magos, y consumo, mucho consumo, y puestos a consumir, consumamos cultura. Los teatros se llenan de propuestas variadas donde encontramos historias protagonizadas por chicos y grandes, con mucha música, algo de cine, un poco de circo, bailes y canciones, títeres, cuentos clásicos, personajes históricos irrepetibles y sobre todo diversión. Estar con tus hijos e hijas, nietas o sobrinos en un patio de butacas y ver cómo les brillan los ojos de asombro e ilusión, es impagable. RECOMENDADO: Los mejores planes navideños para hacer con niños.

Es la gran cita anual con los grandes nombres internacionales del teatro, la música, la danza y el circo. El Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid cumple 42 ediciones en un año muy especial, con la que fue su primera directora al frente, Pilar de Yzaguirre, que en 1984 puso la primera piedra de este certamen gracias al que han aterrizado en la capital los artistas que han escrito la historia de la creación escénica. "Una referencia cultural de nuevas tendencias y con influencia en todos los continentes", en palabras de Yzaguirre, que este año tan festivo presenta un cartel muy sugerente en busca de ese público madrileño interesado y preparado, deseoso de volver a ver las obras de Robert Lepage o de Wajdi Mouawad, pero también ansioso por descubrir nombres nuevos como Sarah Vanhee o Nat Randall. Aquí os dejamos una selección con lo mejor del festival 2024.  RECOMENDADO: Las obras de teatro que no te puedes perder en Madrid. 

Si estás por Madrid en verano, puedes ir a refrescarte los pies con los chorritos de agua en los parques o puedes ir a refrescar cerebro y corazón sentado en la butaca de un teatro, donde además hay aire acondicionado. La actividad escénica baja un poco el ritmo estos meses en la capital, pero ni mucho menos se acaba el teatro. Aquí te traemos unas cuantas opciones para los días de calor y las noches de amor efímero, con clásicos y modernos, zarzuelas y lo más rompedor del off, además de pasar por la gran cita estival de los Veranos de la Villa o dar un salto a la sierra en busca de otras sensaciones. ¡Hay de todo! RECOMENDADO: Los cines de verano imprescindibles de Madrid.

Lola Blasco ha tomado la sala Princesa del Teatro María Guerrero y la ha convertido en 'El teatro de las locas'. Así se llama una obra que interviene el espacio tanto como percute en nuestras mentes a través de un discurso coral que habla de locura, teatro dentro del teatro, del lugar de la mujer como objeto, de las luchas sofocadas, de las cobardías admitidas, de las cóleras reprimidas y de tantas otras cosas. Blasco explica cómo estando confinada durante los meses de pandemia, se topó con ese otro encierro que sufrían las mujeres diagnosticadas como histéricas en el infame hospital de La Salpêtriere de París, donde un médico célebre de la época, Jean Martin Charcot, las exponía como monos de feria para explicar sus teorías, recurriendo a personajes de Shakespeare. Por allí pasó Freud y desde ahí empezó a trazar los fundamentos de lo que luego se conoció como psicoanálisis. Mucha gente aprovechó el confinamiento para imaginar, para escribir, para crear. ¿Fue tu caso con esta obra? Qué va, yo tuve una experiencia muy traumática, porque me encerraron en un hospital de Santiago de Compostela, donde estaba ensayando con la compañía Voadora mi obra 'Siglo mío, bestia mía', incluso antes de que se decretara el confinamiento total. Vinieron dos señores vestidos de astronauta y me llevaron con lo puesto, todavía no se sabía nada sobre el virus. Luego me decían que escribiera sobre aquello, pero yo no podía escribir nada, yo no sabía si podría volver a Madrid, si volvería a ver a mi

En tiempos de pantallas e inteligencia artificial, se hace más patente la importancia para la educación social de nuestros pequeños de un deporte jugado en equipo o de un ritual eterno como es el teatro. Pocos lugares para reconectar con la vida real como un teatro, donde los niños y las niñas, "expertos en moverse por el universo virtual", como señala la directora de Teatralia, Lola Lara, pueden entregarse al "juego simbólico, el que pone al niño a representar, en la interacción lúdica con sus iguales, roles que observa en adultos o animales". Sensibilidad, cuerpo, juego, marionetas, danza, circo y teatro, ingredientes una vez más de un festival que la Comunidad de Madrid organiza desde hace 28 años. En esta edición, entre el 1 y el 24 de marzo, 40 espacios de toda la región acogen 24 espectáculos que llegan de 13 países y 6 autonomías españolas. Un fiesta pensada para el público del futuro que ya es presente, de la que destacamos estos montajes imprescindibles. Aunque imprescindibles, la verdad, son todos. RECOMENDADO: Todas las obras de la cartelera teatral madrileña. 

Alberto Cortés va cociendo sus obras a fuego lento y en el proceso, a veces, abre las puertas y deja que la gente mire lo que está haciendo. Esta pieza, 'One night at the golden bar', hermanada con otra suya, 'El Ardor', lleva dos años armándose y su germen se dejó ver ya en Réplika Teatro. Para el artista malagueño es importante, porque es en ese dejarse mirar como va entendiéndose a sí mismo y su trabajo, no le importa si la obra todavía se está haciendo. Con la mirada externa termina de afilar, pulir, limar; piensa y repiensa lo que hace y cómo lo hace. También esto forma parte de su afán por usar lo frágil como herramienta de trabajo. 'One night at the golden bar', dice él, es "la experiencia de vulnerabilizarme para encontrar la belleza que aparece en la declaración de amor cursi, afectada, desfasada y queer. Quería encontrar un canto que ponga en evidencia la fragilidad de los afectos desde la mirada marica". Y mientras, ya trabaja en un próximo montaje, buceando en el Romanticismo del siglo XVIII… De alguna manera, estás dando forma a una especie de romanticismo marica a partir de ese Romanticismo histórico. Es como tu poesía, donde al fin y al cabo, hay algo muy elevado pero al mismo tiempo muy terrenal. ¿Cómo es la convivencia entre esos dos planos?Lo marica aparece porque es inevitable. Y los dos planos tienen que estar ahí porque me definen bien, no estoy nunca ni muy en el cielo ni muy en la tierra, y ese lugar en el que juegas entre los dos parámetros es lo que s

La Muestra de Creación Escénica Surge Madrid alcanza su décima edición apostando por las salas de pequeño formato, lugares íntimos y cercanos donde disfrutar el arte escénico en todas sus expresiones a escasos metros. Obras de diversos estilos y géneros que reflejan debates sociales actuales como la inmigración, el feminismo, la memoria o los efectos de la pandemia a través del teatro, la danza, la música o la performance. Hemos seleccionado 11 montajes, sin dejar de lado dos apartados especiales de su programación: las ya tradicionales propuestas Transversas, y la novedosa Conexión México, que estrecha los lazos de este festival con la escena latinoamericana. RECOMENDADO: Las obras de teatro de la cartelera madrileña que no te puedes perder. 

Han pasado cuatro largos años desde el cierre del proyecto Pavón Teatro Kamikaze, que fue todo un revulsivo para la escena teatral madrileña, y uno de sus artífices, Miguel del Arco, desde entonces había estado alejado de los teatros, si no contamos su incursión en la ópera, porque montó Rigoletto en el Teatro Real en 2023. Precisamente la música clásica es piedra angular de esta vuelta a los escenarios, en un montaje portentoso donde vuelve a demostrar cómo de bien hilvana textos suyos y de otros en un ejercicio dramatúrgico de incontestable precisión; cómo de bien conoce, maneja, domina los mecanismos del espectáculo; y cómo de bien sabe rodearse para alcanzar un resultado casi operístico donde solo falta la orquesta. Pero siendo esto teatro y no ópera, basta con mentarla e imaginarla, y todo el público, bajo la batuta de Israel Elejalde, se convierte en mágica suma de vientos, metales y percusión. La Patética es el sobrenombre por el que es conocida la sexta y última sinfonía compuesta por el músico ruso Piotr Ilich Chaikovski. Y es también la obsesión de un director de orquesta de 53 años que está ultimando la grabación de la obra cuando le sorprende la enfermedad. Director y compositor (a los que dan vida magistralmente Elejalde y Jesús Noguero) conforman una pareja que emprende, juntos como Dante y Virgilio, un descenso a los infiernos del dolor y la muerte, la memoria, el sentido del arte, su relación con lo político, la identidad, el amor por la música, las mezquindad

María León se mete en la piel de Nora para abordar el clásico de Henrik Ibsen 'Casa de muñecas', que siempre se ha considerado uno de los textos que avanza el feminismo que se desarrolla como lucha social a lo largo del siglo XX. Con versión de Eduardo Galán y dirección de Lautaro Perotti, este nuevo abordaje de la obra se pregunta cómo daría Nora su famoso portazo al final de la historia en 2025. "¿Nora enfrenta a su marido, lucha por el rol de la mujer en la sociedad o sencillamente se anima a enfrentarse a sí misma?", se cuestiona el director como punto de partida. Ibsen es un autor que parece más contemporáneo a medida que pasan los años, su teatro no deja de hacernos preguntas y excitar el músculo del pensamiento crítico. Es un autor que siempre nos pone frente a frente con lo que somos y hemos construido socialmente. Es un teatro que, como dice Perotti, nos puede dar la oportunidad de "dar un portazo al pasado, a lo que se quería o esperaba de nosotros y animarnos a ser quienes deseamos ser realmente".

Dicen los que saben de esto que estamos ante una de las primeras obras que escribió Shakespeare. Dada esa circunstancia se entienden, por un lado, las ganas de diversión y exceso; por otro, la búsqueda de un lenguaje propio pero todavía usando las típicas herramientas del teatro de enredo y tapados tan de su época; y, finalmente, la preocupación por el tema del amor y la amistad y por saber si uno está por encima de la otra o viceversa. Para eso planta como protagonistas a dos amigotes que se ven forzados a separarse, porque mientras uno, Valentín, busca su futuro lejos de Verona, el otro, Proteo, se queda porque está enamorado de una muchacha, Julia. Parece esa típica escena en la que dos colegas están de fiesta y uno termina yéndose con una chica y el colega le dice: "¿En serio te vas a ir con una tía y me vas a dejar tirado, a mí, a tu amigo del alma?". Ese tipo de chantajes siguen vigentes, más de 400 años después. La cosa se da la vuelta más tarde, cuando Proteo es obligado a irse también a Milán, donde se reencuentra con Valentín, que resulta que ahora está colado por Silvia. Y al ver a Silvia, Proteo se olvida de Julia y se pone palote con la chica que le gusta a su amigo. Una chica que, por otra parte, es pretendida por un tal Thurio, amigo del padre de Silvia. Personajes femeninos que van como canicas de mano en mano sin poder decir mucho. La cosa se va enredando y más vale que no contemos nada más, que vayáis a verla y que comprobéis hasta qué punto Shakespeare podr

La célebre obra del cineasta alemán Rainer W. Fassbinder, que fue teatro antes que película -aunque el film ocupa ese olimpo de las obras de culto-, se ha montado mucho en España, pero hacía 40 años que no asistíamos a una puesta en escena con este nivel de producción. Porque solo en el montaje que protagonizó Lola Herrera en 1985, estrenado en el Teatro Reina Victoria, y donde le acompañaban en el reparto Amelia de la Torre o Victoria Vera, encontramos un parangón en cuanto a nombre y calidad de las actrices. Esto también da una idea de lo difícil que es afrontar esta pieza, donde exceptuando quizás el personaje de la madre de Petra, que en dos trazos gruesos aporta un severo contraste con el conflicto interior de su hija (y que en el montaje de Camacho es además la que trae un poco de humor a este melodrama expresionista), las otras cuatro mujeres son personajes complejos, aunque quizás aquí sus dificultades se desdibujan ante la apabullante propuesta plástica. Da la impresión de que las actrices se han quedado a medias en su búsqueda, que todavía pueden matizar mucho sus interpretaciones a lo largo de las funciones, pero que es un trabajo que deberán hacer solas. O junto al público, que es otra manera de verlo. Petra Von Kant (Ana Torrent) es una diseñadora de moda, exitosa y adinerada, que se acaba de separar de su marido. Vive junto a una especie de esclava, Marlene, que aquí interpreta con magnetismo Julia Monje, adueñándose de la atención del espectador sin decir ni un

Una rave. Una rave catártica, que es lo que deberían ser todas las raves. En este caso a cuento de generar una pieza para 15 bailarines que busca convertirse en una meditación sobre el amor y la violencia donde un grupo de jóvenes se abandona a la música electrónica y a lo que supuran los cuerpos sin atadura. Esta es una de las dos grandes obras (la otra es Le sacre du printemps de Marie Chouinard) que recupera el festival Madrid en Danza este año como hito de la danza contemporánea, y que se pudo ver en 2018 en Matadero. Al frente está la creadora franco-austriaca Gisèle Vienne, que explica cómo "la intensidad de la música y el sentimiento que une a estas personas en este lugar crean una situación propicia para una especie de montaña rusa emocional, o más específicamente, un gran número de trastornos interrelacionados". No es la primera vez que la coreógrafa y directora de teatro y cine se interesa por el lado oscuro de las personas y por la omnipresencia de la violencia en nuestras vidas, que es una de sus obsesiones creativas, pero aquí es capaz de perforar a cada espectador, que desea unirse a la catarsis colectiva o huir para no enfrentarse a sus propios demonios.

Guillermo Weickert es uno de esos imprescindibles de nuestra danza contemporánea, un creador que se pone tanto delante como detrás, que genera obras como director y coreógrafo, que merodea muchos proyectos como mentor, gestor o asesor, que enseña lo que sabe y que participa como intérprete en obras de danza, teatro y hasta circo. Esta Luz sobre las cosas surge de una idea suya, que ha coreografiado y dirigido para la escena y que ha sido concebida casi como una invitación a sumergirse en la oscuridad de la caja escénica como niños que bajan a un sótano tenebroso, sin mapa, sin argumento que seguir, sin guía alguna. ¿Para hacer qué? Pues para dejarse sorprender por ese placer infantil de recorrer a tientas una habitación familiar que, al quitarle la luz, se convierte, gracias a la imaginación, en un territorio extraordinario, alucinante, generador de aventura. En este mundo tan lleno de cosas desagradables, parece apremiante apagar la luz (y el ruido) por un momento y generar el ritual de la creación en el vacío, entre el silencio, para que algo nuevo pueda manifestarse.

Poco después de presentar de nuevo junto su trilogía Ciclo de los milagros en el Teatro de La Abadía, Luz Arcas, al frente de su compañía La Phármaco, presenta el estreno absoluto en Madrid en Danza de Tierras raras, título que alude a una serie de elementos químicos más en disputa que nunca en el concierto geopolítico actual, pero ese es otro tema. O no. Esos elementos químicos, como el itrio, el escandio y los 15 lantánidos, son fundamentales para el futuro de la tecnología. Luz Arcas lleva esta relación tensa del hombre con la tierra a una ceremonia tóxica, donde uno extrae de la otra la fuente de su progreso, sin transición verde que valga. Esta ceremonia de transformación de la materia se revela como transformación de los propios cuerpos, en una obra sobre la corteza terrestre, bajo la que acaban los muertos animales y vegetales que se multiplican en el planeta, donde yacen las ciudades tras los desastres naturales, pero de donde seguimos suministrándonos en nuestra deriva temeraria por emular, una vez más, a Ícaro y a Prometeo, hasta que la Pachamama nos condene por nuestra soberbia y avaricia.

Estreno absoluto del gran renovador de la danza flamenca, que actuará solo un día en Getafe, así que van a volar las entradas y se viene peregrinación hasta la ciudad del sur de Madrid en busca de El Dorado. Galván representa su herencia gitana, emprendiendo una búsqueda artística en las raíces de su madre, que siempre le decía: “Hijo, que te cante el Terremoto”. Su madre, que cuando acaba un espectáculo siempre le dice: “Hijo, cuándo vas a bailar por bulerías”. Pues aquí va a suceder. Va a suceder en lo que se ha concebido como una pieza flamenca sinfónica de palmas, poniendo en primer término a los palmeros, que en este caso son Los Mellis de Huelva, Antonio y Manuel Montes Saavedra. Los que suelen estar detrás, estarán delante. El que nunca baila por bulerías, lo hará. El Dorado es la esencia, la raíz, y los tres ejecutantes, el bailaor que ha llevado la revolución al flamenco y los palmeros, se entregarán a la desnudez del ritmo, sin más adorno ni instrumentación. A 20 años de recibir el Premio Nacional de Danza, Israel Galván va a volver a sorprender. Y a ver qué le dice ahora su madre cuando acabe el espectáculo…

Junto a Crowd, la rave de Gisèle Vienne, Madrid en Danza recupera Le sacre du printemps en esta edición número 40 del festival, una pieza de la coreógrafa canadiense Marie Chouinard que vivió su estreno en España en 2008 en el Teatro Albéniz. Fue el primer trabajo basado en una partitura musical, en este caso la célebre composición de Igor Stravinsky, que igual que en lo musical supuso un antes y un después, también en lo dancístico quiso explorar un nuevo mundo y llevar a la danza a un nuevo estadio de modernidad. Se trata de una obra de absoluta vanguardia, una consagración tejida con solos que despiertan misterios esenciales, con movimientos armónicos, firmes y convincentes. Lo atractivo también de la presencia este año de la actual directora de danza de la Bienal de Venecia es que viene con un programa doble, ya que además de su Consagración de la primavera, podremos asistir al estreno absoluto de Magnificat, inspirada en la obra de Johann Sebastian Bach, impregnada de divinidad, con una Virgen María jubilosa, apasionada y extasiada.

La Compañía Nacional de Danza ha entrado en una nueva época con el nombramiento el año pasado de Muriel Romero como nueva directora, tomando el testigo de nombres tan importantes como María de Ávila, Maya Plisétskaya o Nacho Duato. Y lo primero que vemos en España de esta nueva CND será este espectáculo de extraño nombre, una obra que reflexiona sobre la idea de que vivimos un momento en el que es cada vez más difícil aislarse de la sobreestimulación externa y conectar con uno mismo. De ahí la vuelta a una práctica ancestral conocida como incubatio, una técnica orientada precisamente a un proceso de reasociación y reorganización de la complejidad psicológica del ser humano, con el fin de posibilitar el desarrollo de un nuevo centro de la personalidad. Con coreografía de Muriel Romero y música de Pablo Palacio, la pieza invita a desconectarse de las redes sociales para conectarse a uno mismo y despliega la tecnología interactiva que Romero viene desarrollando los últimos años en su compañía Instituto Stocos, que traduce el movimiento a sonido, imagen y luz a través de sensores que portan los bailarines.

La jerezana Leonor Leal se ha convertido en una de las bailaoras más singulares del panorama flamenco actual, sobre todo a partir de sus colaboraciones con Pedro G. Romero, que dirigió su pieza J.R.T. pintor y flamenco, fundamental para su carrera, o María Muñoz, de la compañía Mal Pelo, que ha colaborado en la dirección de esta nueva obra, De voz, un cuerpo, que vivirá en Madrid en Danza su estreno absoluto. Aquí, Leonor Leal baila las palabras, porque es ella la que se queda sola, en un escenario vacío, con su cuerpo frente al espectador, bailando sus intimidades. Y las baila mientras escuchamos entrevistas a las bailaoras Blanca del Rey, Carmela Greco, Merche Esmeralda, Carmen Montiel o Pepa Coral, mujeres poderosas que transmiten los saberes del cuerpo hasta conformar el eje de la pieza de Leonor Leal, que se deja atravesar por ese legado, por esa memoria, para iluminar su lugar propio como bailaora actual. Así, baile, texto e imagen son tres estratos de lenguaje que están al mismo nivel y tienen la misma importancia. Se bailan las palabras lo mismo que se baila el deseo, el disfrute, la duda, el cansancio o el amor.

De origen lituano, Dovydas Strimaitis vive y trabaja desde hace 10 años entre Francia y Bélgica, donde se ha ido haciendo un nombre en el mundo de la danza contemporánea. Y lo ha hecho gracias a propuestas como la que presenta aquí, una coreografía para cuatro cuerpos y su pelo, en un ejercicio tan virtuoso como visualmente atractivo. El cabello es una de las pocas partes del cuerpo humano que no se puede mover de forma voluntaria y directa, hay que moverlo. Por su parte, la danza es un arte de autocontrol físico. Esa tensión es la que aflora en el intento de coreografiar el cabello: controlar lo incontrolable. El cabello es y no es cuerpo, está dentro y está fuera, es una frontera que separa pero recoge información, así que trabajar sobre este elemento es trabajar sobre el propio ser, la propia identidad, el cuerpo y su autonomía. Los pelos largos y sueltos, las cabelleras al viento, siempre han incorporado poderosos simbolismos en multitud de culturas. Libertad, romanticismo, naturalidad, liberación, opresión… todo este bagaje lo convierte Strimaitis en una herramienta formal apabullante.

Dos actrices españolas venidas a menos comparten camerino en un teatro de Miami. La una con maneras de diva, la otra una superviviente con ínfulas. Así arranca 'Estrelladas', la nueva comedia de Antonia Moreno, que está llamada a ser una de las fábricas de carcajadas más productivas de este verano en Madrid. Charlamos con sus directoras y protagonistas, Ana Belén Beas y Goizalde Núñez, antes de que desembarquen en el Teatro Lara para estrenar en España una obra que ya se ha visto, precisamente, en Miami. Vienes de hacer esta obra, Ana Belén, en Miami, en aquel caso sin Goizalde, y la obra transcurre en un teatro de Miami. Supongo que ficción y realidad no se parecen, pero ¿qué relación tienes con Miami?Ana Belén Beas: En realidad nada, pero últimamente hemos estado unos meses allí tanto por nuestro trabajo con la productora El Tío Caracoles, que estamos empezando a hacer producciones allí, como yo particularmente que tras hacer la premiere de 'Estrelladas' estuve como actriz en 'El inconveniente', una obra de Juan Carlos Rubio. Es verdad que la autora, Antonia Moreno, sitúa la acción en Miami, pero podría situarse en cualquier lado, lo importante es que sea un lugar lejano, distante y ajeno al origen de las protagonistas. Cuando uno está lejos, al estar más solo y lejos de sus afectos, todo se magnifica. Y eso es lo que les pasa a estas dos actrices, que están muy venidas a menos, que nadie las llama para trabajar, y en el peor momento de sus carreras, si es que alguna vez ha

Las Naves del Español en Matadero han acogido el estreno de '14.4', una obra escrita por Juan Diego Botto, dirigida por Sergio Peris-Mencheta y protagonizada por Ahmed Younoussi, un actor de origen marroquí que cuenta su propia vida, en primera persona. Él llegó a España escondido en un camión cuando solo tenía 9 años, después de estar viviendo en las calles de Tánger desde los 6 años y soñar con cruzar el Estrecho de Gibraltar, esos 14.4 kilómetros que dan título a la función. Lo intentó hasta 7 veces, y a la octava fue la vencida. El destino quiso que Peris-Mencheta y Ahmed se encontraran en un rodaje y ahí se selló un compromiso: algún día contarían su historia en un escenario. Una historia muy dura pero que ha podido ser contada desde un lugar amable y con mucho sentido del humor gracias al trabajo conjunto entre Ahmed y Botto, y con la dirección de Peris-Mencheta, que atraviesa también un momento delicado en su vida desde que le fue diagnosticada una leucemia, aunque esta obra, que dirigió a distancia mientras estaba ingresado en un hospital de Los Ángeles, ha sido un soplo de energía y fuerza para seguir luchando contra la enfermedad. Y es así como la obra se convierte a su vez en un acicate para humanizar lo que se ha deshumanizado y un antídoto contra el racismo. Como lo hacía Lorca en 'Una noche sin luna', tu obra anterior, también Ahmed nos pone delante un espejo, también su historia nos cuenta como comunidad, como ciudadanía. ¿Cuál es para ti lo fundamental de ese