Carlo Ferri

La primavera en Madrid siempre es sinónimo de movimiento. Los cuerpos salen de sus madrigueras invernales con ganas de reencontrarse con el sol, las calles, los parques floridos, las terrazas y los teatros, donde en estos meses encontramos un buen puñado de propuestas de danza para los amantes de esta disciplina escénica siempre en continua evolución. Con epicentro en los Teatros del Canal –que será sede principal entre mayo y junio de la edición número 39 del Festival Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid– y Matadero Madrid –por la celebración de Danzadero, un nuevo festival para celebrar el Día Internacional de la Danza el 29 de abril–, se despliegan las artes del movimiento en las programaciones, donde encontramos danza clásica, contemporánea, española, flamenco o sugerentes propuestas híbridas bajo el amplio marco de las artes vivas. Prepárense para dejarse llevar, dejarse sentir y dejarse emocionar. RECOMENDADO: Las obras de teatro que no te puedes perder. 

Lola Blasco ha tomado la sala Princesa del Teatro María Guerrero y la ha convertido en 'El teatro de las locas'. Así se llama una obra que interviene el espacio tanto como percute en nuestras mentes a través de un discurso coral que habla de locura, teatro dentro del teatro, del lugar de la mujer como objeto, de las luchas sofocadas, de las cobardías admitidas, de las cóleras reprimidas y de tantas otras cosas. Blasco explica cómo estando confinada durante los meses de pandemia, se topó con ese otro encierro que sufrían las mujeres diagnosticadas como histéricas en el infame hospital de La Salpêtriere de París, donde un médico célebre de la época, Jean Martin Charcot, las exponía como monos de feria para explicar sus teorías, recurriendo a personajes de Shakespeare. Por allí pasó Freud y desde ahí empezó a trazar los fundamentos de lo que luego se conoció como psicoanálisis. Mucha gente aprovechó el confinamiento para imaginar, para escribir, para crear. ¿Fue tu caso con esta obra? Qué va, yo tuve una experiencia muy traumática, porque me encerraron en un hospital de Santiago de Compostela, donde estaba ensayando con la compañía Voadora mi obra 'Siglo mío, bestia mía', incluso antes de que se decretara el confinamiento total. Vinieron dos señores vestidos de astronauta y me llevaron con lo puesto, todavía no se sabía nada sobre el virus. Luego me decían que escribiera sobre aquello, pero yo no podía escribir nada, yo no sabía si podría volver a Madrid, si volvería a ver a mi

En tiempos de pantallas e inteligencia artificial, se hace más patente la importancia para la educación social de nuestros pequeños de un deporte jugado en equipo o de un ritual eterno como es el teatro. Pocos lugares para reconectar con la vida real como un teatro, donde los niños y las niñas, "expertos en moverse por el universo virtual", como señala la directora de Teatralia, Lola Lara, pueden entregarse al "juego simbólico, el que pone al niño a representar, en la interacción lúdica con sus iguales, roles que observa en adultos o animales". Sensibilidad, cuerpo, juego, marionetas, danza, circo y teatro, ingredientes una vez más de un festival que la Comunidad de Madrid organiza desde hace 28 años. En esta edición, entre el 1 y el 24 de marzo, 40 espacios de toda la región acogen 24 espectáculos que llegan de 13 países y 6 autonomías españolas. Un fiesta pensada para el público del futuro que ya es presente, de la que destacamos estos montajes imprescindibles. Aunque imprescindibles, la verdad, son todos. RECOMENDADO: Todas las obras de la cartelera teatral madrileña. 

Alberto Cortés va cociendo sus obras a fuego lento y en el proceso, a veces, abre las puertas y deja que la gente mire lo que está haciendo. Esta pieza, 'One night at the golden bar', hermanada con otra suya, 'El Ardor', lleva dos años armándose y su germen se dejó ver ya en Réplika Teatro. Para el artista malagueño es importante, porque es en ese dejarse mirar como va entendiéndose a sí mismo y su trabajo, no le importa si la obra todavía se está haciendo. Con la mirada externa termina de afilar, pulir, limar; piensa y repiensa lo que hace y cómo lo hace. También esto forma parte de su afán por usar lo frágil como herramienta de trabajo. 'One night at the golden bar', dice él, es "la experiencia de vulnerabilizarme para encontrar la belleza que aparece en la declaración de amor cursi, afectada, desfasada y queer. Quería encontrar un canto que ponga en evidencia la fragilidad de los afectos desde la mirada marica". Y mientras, ya trabaja en un próximo montaje, buceando en el Romanticismo del siglo XVIII… De alguna manera, estás dando forma a una especie de romanticismo marica a partir de ese Romanticismo histórico. Es como tu poesía, donde al fin y al cabo, hay algo muy elevado pero al mismo tiempo muy terrenal. ¿Cómo es la convivencia entre esos dos planos?Lo marica aparece porque es inevitable. Y los dos planos tienen que estar ahí porque me definen bien, no estoy nunca ni muy en el cielo ni muy en la tierra, y ese lugar en el que juegas entre los dos parámetros es lo que s

Despedimos un 2023 que para el teatro ha sido un buen año aunque sigamos con algunas inercias de estos y otros tiempos sin resolver, como la sobreproducción, la precariedad en la base o las injerencias políticas en las programaciones públicas. Así que 2024 llega con muchos cambios en Madrid en las direcciones artísticas de centros municipales y autonómicos, y con un nuevo ministro de Cultura que, entre otras cosas, esperemos que le meta mano al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y termine por desarrollar el Estatuto del Artista. Y mientras vemos si esta carta a los reyes es fantasía o realidad, lo que sí tenemos ya son unas cuantas cosas programadas que seguro nos van a sorprender, nos van a divertir y nos van a emocionar. Abre la agenda del año nuevo y vete apuntando. RECOMENDADO: Los grandes conciertos de Madrid en 2024. 

Vuelve, un año más, la Navidad: los turrones, cortilandia, las pistas de patinaje, las reuniones familiares, las cenas de empresa, los amigos invisibles y los cuñados. Las entrañables y ultraconsumistas fechas que se inauguran con el Black Friday y se cierran, al menos en España, con la cabalgata de los reyes magos, con puente inmaculado y constitucional por medio y planes de esquí sin nieve por el calentamiento global, son siempre un periodo vacacional ideal para ir con niños, niñas y niñes a los teatros, a ver pequeños y grandes espectáculos, cuentos de siempre y circos llegados desde lejanos países, obras musicales o poéticas, gamberillas o didácticas. El teatro es un lugar de reunión y de libertad donde la imaginación bulle lejos de las omnipresentes pantallas. Estas son nuestras propuestas, donde hay opciones para todos los gustos. RECOMENDADO: Los mejores planes navideños para hacer con niños.

La gran cita con las artes escénicas de todo el mundo llega un año más, y van 41, a la ciudad de Madrid y a su comunidad, con un despliegue de 38 compañías, colectivos y artistas que llegan de 12 países y 6 autonomías españolas. En esta edición habrá 9 estrenos absolutos, 7 estrenos en España y 34 estrenos en la Comunidad de Madrid. Su director, el dramaturgo y director Alberto Conejero, destaca la convivencia sin jerarquías en esta programación "del teatro de texto, el de objetos, el teatro físico, la danza y, este año, con mucha mayor presencia que en anteriores, la música. Nuestra voluntad es trascender estas categorías, que la escena sea un lugar para la hibridación, para lo que escapa de las taxonomías". Hemos seleccionado 12 espectáculos que no te debes perder por nada del mundo si eres amante de las tablas. RECOMENDADO: Las obras de teatro que no te puedes perder en Madrid. 

La Muestra de Creación Escénica Surge Madrid alcanza su décima edición apostando por las salas de pequeño formato, lugares íntimos y cercanos donde disfrutar el arte escénico en todas sus expresiones a escasos metros. Obras de diversos estilos y géneros que reflejan debates sociales actuales como la inmigración, el feminismo, la memoria o los efectos de la pandemia a través del teatro, la danza, la música o la performance. Hemos seleccionado 11 montajes, sin dejar de lado dos apartados especiales de su programación: las ya tradicionales propuestas Transversas, y la novedosa Conexión México, que estrecha los lazos de este festival con la escena latinoamericana. RECOMENDADO: Las obras de teatro de la cartelera madrileña que no te puedes perder. 

Se va acercando el final de esta temporada 23/24 y si, llegado el momento de las listas de lo mejor del año, alguien me preguntara mi opinión, lo tengo clarísimo: dos obras, concebidas y dirigidas por dos mujeres, dos enormes talentos de nuestro teatro, que se enfrentan al tema del padre. Una fue Lucía Carballal con 'La fortaleza'. Otra es Andrea Jiménez con 'Casting Lear', una aproximación a un tema universal a través de un clásico de Shakespeare (también Carballal partía de un clásico, de Calderón en su caso, lo que demuestra hasta qué punto estas dos mujeres jóvenes han entendido mucho mejor que tantos otros señoros no solo el propio punto de partida, sino cómo tomar el pretexto y la inspiración de la tradición para hacer cosas rabiosamente contemporáneas).  Andrea Jiménez aprovecha para elevar una reflexión escénica potentísima sobre el perdón Por si alguien no está familiarizado/a con la obra inspiradora, 'Rey Lear' va de un rey que tiene tres hijas y que, llegada su vejez, quiere repartir el reino entre ellas, para lo que les pregunta hasta qué punto le quieren. La primera dice que mucho, la segunda que mucho muchísimo y la tercera, Cordelia, le dice que le quiere lo justo, lo normal, y que no tiene nada más que decirle. Y ese nada vuelve loco al padre que, en su delirio de grandeza, destierra a su hija pequeña. Luego será él mismo desterrado por sus otras dos hijas, que se hacen con todo el poder, y el hombre se convierte en una especie de viejo loco vagabundo que se a

Si hubiera que elegir un término para calificar esta obra podría ser ese injerto que no existe como palabra oficial en el diccionario: dramedia. Se trata de algo que bascula entre el relato de vidas difíciles y la forma de contarlo recurriendo a un tono humorístico, gamberrete a veces, ingenioso y único, Guardamino style. Ese tono general del texto desdramatiza las situaciones, pero no por restarle importancia a lo que les pasa a los personajes, sino porque así nos sentimos más cerca de ellos, hay una mayor empatía. Es cierto que el relato de la mayor de las tres mujeres protagonistas (sin hacer spoiler) está en una frontera peliaguda a punto de romantizar lo que se supone que cuestiona esta obra, pero finalmente se entiende bien que lo que se pone sobre el tablero de juego está por encima del relato mismo, que se trata de trazar el último siglo del largo invierno patriarcal que gobierna el mundo desde hace tanto tiempo y evidenciar quiénes fueron y son sus principales víctimas.  Lo bueno de estas tres mujeres que protagonizan la obra es que son heroínas del día a día La obra arranca con una escena proverbial, muy bien escrita, muy bien dirigida y muy bien interpretada. Belén Ponce de León es un gran acierto en este reparto. Sin traicionar sus condiciones naturales, que tienden a otorgarle personajes desgraciados y cómicos a su pesar, despliega una batería de recursos que perfilan a una mujer torpe emocionalmente y perdida en ese valle de la llamada mediana edad. Lo bueno de

Estaba previsto que esta pieza se estrenara en marzo, pero un problema de salud de uno de los bailarines hizo que el estreno se trasladara a junio. Quizás esto haga que la obra llegue más afinada. Se trata de la segunda parte de la trilogía que la coreógrafa y bailarina brasileña afincada en Madrid Poliana Lima inició con 'Oro negro', y que está previsto que cierre con otra pieza titulada 'Carnaval'. Aquí ha dejado entrar monstruos, movimientos lascivos, retos al espectador y a sus miedos. Porque, ¿qué es lo que da miedo? Se pregunta Lima. “¿La lengua, lo negro, el culo, la mujer, lo sexual? Aquí hago de espejo para encarnar lo que ha sido demonizado”, dice la propia coreógrafa. Al final, esta es otra derivada del tema troncal y predilecto que está presente en toda su producción: la identidad. Mujer, artista, latinoamericana, inmigrante, Poliana Lima nos habla de la percepción monstruosa que a veces tenemos de los otros, de la distorsión que vemos cuando no nos gusta nuestro cuerpo.

Estreno absoluto del bailaor y coreógrafo granadino Manuel Liñán, Premio Nacional de Danza en 2017, que despliega como un archivo de los amores que alteraron su cuerpo impulsando su baile hacia nuevas direcciones. Porque, reconoce Liñán, "todas esas historias reales y platónicas que he necesitado inventarme unas veces, exagerar otras, para conectar con lo sagrado, han sido un instrumento fundamental en mi baile". Permanentemente en diálogo con su sociedad y su tiempo, el flamenco de Liñán ha abierto puertas y ventanas para dejar entrar nuevos aires en un arte ancestral. En este nuevo espectáculo mira a Dios como manifestación de su necesidad constante por buscar el sustento y el impulso para dar con lo inexplicable. Él dice que ha muerto doce veces por amor. "Todas esas historias carnales, fraternales, tóxicas, platónicas… con carácter de copla, me han llevado a experimentar ese milagro indescriptible del éxtasis de la danza que solo a veces sucede". Y volverá a suceder, en el nombre del padre, de Liñán y de todos los hombres que amó.

Los amantes del ballet clásico están de enhorabuena porque el Real trae de nuevo la mítica coreografía original de Marius Petipa revisada por Patrice Bart, con música de Ludwig Minkus y libreto del propio Petipa junto a Serguéi Khudekov. Estrenada en el Bolshói Kámenny de San Petersurgo en 1877, hasta un siglo después no sale de la esfera rusa, cuando Nureyev la presenta en Nueva York y Londres y el mundo entero se percata de la obra maestra ahí contenida, un fenomenal vehículo de lucimiento para un cuerpo de baile y una primera bailarina de gran categoría. La historia está basada lejanamente en dramas del poeta hindú Kalidasa, donde entran en juego temas de toda la vida como la pasión, los celos o la venganza. La escena del Reino de las Sombras es una de las cimas del conocido como 'ballet blanco', que brilla especialmente en la revisión coreográfica de Patrice Bart, repertorio del Ballet de la Staatsoper de Múnich desde hace un cuarto de siglo, convertida en una de las más arraigadas de esta compañía que llega ahora a Madrid.

Que Dioniso era de Cádiz queda sobradamente demostrado –si se me permite la broma– en esta función loquísima que tira de histrionismo y guasa a partir de una tragedia clásica griega. Eso es, una tragedia griega, 'Las bacantes', de Eurípides, transformada en un cónclave matriarcal en el que la sororidad se despliega entre abrazos, pastillas, vino y carcajadas. Del original pueden rastrearse algunos restos del armazón argumental, pero poco importa; esto no es estrictamente una adaptación, más bien una inspiración para hablar de que lo dionisiaco no es patrimonio de los hombres y de que, cuando son las mujeres las que se permiten el descontrol hedonista, no es una desviación diabólica, sino un potencial más que no está reñido con otros atributos de lo femenino.  El pulso teatral de la comedia lo tiene muy bien cogido desde hace tiempo el director, José Troncoso De todas formas, la referencia a lo griego acaba en el título de la obra, porque pronto uno se olvida y entra en el juego teatral fácilmente, que para eso estas mujeres tienen el dominio de la escena que tienen (son muchos años ya, antes como chirigóticas y ahora como niñas de Cádiz) y porque el pulso teatral de la comedia lo tiene muy bien cogido también desde hace tiempo el director, José Troncoso. Y aunque toda esa idiosincrasia gaditana nos sea más o menos familiar, lo local se hace universal; y entre situaciones llevadas a la hipérbole y textos en verso oscilando entre pequeñas genialidades compositivas y ripios del

La crisis climática sin precedentes que sufre nuestro planeta debe ser puesta en primer plano a través de todos los medios posibles, también la danza. Y este espectáculo es precisamente una meditación conmovedora que explora la explotación, la destrucción y la apatía que nos ha llevado a esta situación medioambiental, pero también deja lugar a la esperanza. Inspirándose en la película de fantasía de Jim Henson 'The dark crystal', presenta una coreografía de alta tensión en diálogo con la palabra hablada, evocando el poder inseparable de la relación entre cultura humana y naturaleza. Al frente del proyecto se pone el director y coreógrafo británico Wayne McGregor, acostumbrado a sobrepasar los límites mentales, físicos y emocionales en sus creaciones. Los entornos digitales inmersivos y el vestuario de última generación crean una combinación sorprendente de fantasía y documental, donde los bailarines ponen cuerpo a un mito ecológico moderno que nos pregunta cómo podemos unirnos para volver a estar completos.

Aunque solo van a estar un día, el nombre de Anne Teresa de Keersmaeker es un reclamo inevitable para cualquier buen aficionado a la danza. La creadora belga es un puntal del presente de esta disciplina y con su compañía Rosas presenta con esta pieza una vuelta a sus elementos habituales: las raíces de la danza y la música pop occidental. "Mi caminar es mi bailar", es uno de sus lemas. Caminar como una forma de movimiento, una danza personal, tan familiar que casi nunca nos paramos a pensar en ella. En ese caminar intercala los ritmos del blues, ese tempo misterioso entre la tristeza y la alegría. Precisamente el punto de partida de esta pieza está en una canción del legendario músico de blues Robert Johnson, Walking blues, aunque el viaje musical regresivo llega hasta Der Wanderer de Schubert. La danza se completa, además, con otros ingredientes que representan el cantante Meskerem Mees, el músico Jean-Marie Aerts, que creó la mítica formación de rock belga de los 80 TC Matic, y el bailarín y guitarrista Carlos Garbin.

La nueva pieza de esta singular bailaora jerezana lleva como subtítulo, entre paréntesis: estampas y bailes a partir de los experimentos radiofónicos de Juan de Loxa. Este hombre, del que Leonor Leal dice que le rompió la cabeza, fue "poeta, intelectual, flamenco, orador, impulsor, generador de ideas y movilizador de fantasías", en palabras literales de la propia artista, cautivada por el humor, la elocuencia y la versatilidad de un amigo tardío y fugaz que le dejó las neuronas danzando para siempre. Juan de Loxa murió en 2017, pero esta pieza permite a Leal seguir conversando con él y profundizando en lo que él llamaba "jondismo", conocerlo a fondo, no solo para recordarlo sino para seguir creando cosas nuevas a partir de su magisterio y su existencia siempre sorprendente. "Y rozar, quizás, el techo de una carpa de circo o el raigón de su Andalucía cruda y peluda", dice la bailaora. Vanguardia pura de la que avanza lejos de los focos, en el día a día de los cuerpos, cantando y bailando.

El Picasso del flamenco estrena en Madrid para consagrar esta primavera llena de danza en la capital. Especialista en desafiar las normas del género, ha puesto su interés y su obsesivo deseo artístico en la imponente partitura de Igor Stravinsky que ya bailara Nijinski, pero su aproximación subvierte y reconstruye la tradición, reevaluando todas las posibilidades del flamenco. Le acompañan en escena dos músicos, dos pianistas: Daria van den Bercken y Gerard Bouwhuis, pero el propio Galván es instrumento, porque en la percusión de la partitura, el bailaor identifica un alma flamenca que lleva al escenario en forma de solo con dos pianos. Desde la primera nota, la música te lleva a lo ritual y se genera un trance donde lo preciso y lo primitivo conviven. Más adelante, el escenario respira más tranquilo con la 'Sonata K87' de Scarlatti y la pieza post-clásica 'Winnsboro Cotton Mill Blues' de Rzewski, contrapunto de la fuerza telúrica de Stravinsky. Y para el final del espectáculo, sorpresa muy sevillana.

La Compañía Nacional de Danza, dependiente del Ministerio de Cultura y bajo la dirección de Joaquín de Luz, presenta un programa triple en Canal que salta de Miami a Francia y de Francia a Italia. La primera de las tres piezas del programa es 'Heatscape', estrenada en 2015 por el Miami City Ballet, con coreografía de Justin Peck, ganador de un premio Tony, que fusiona sorprendentemente el ballet y el arte callejero del vibrante distrito artístico de Wynwood, en la capital de Florida. Luego llega 'Le jeune homme et la mort', una coreografía ya clásica de Roland Petit sobre música de Bach, ballet de dos escenas para dos bailarines que destaca por la modernidad, violencia e intensidad habituales en los trabajos de Petit. Y cierra el espectáculo 'Cantata', una coreografía algo más reciente, de 2001, firmada por Mauro Bigonzetti, que bulle con los típicos y vibrantes colores del sur de Italia. Danza instintiva y vital que explora las diferentes facetas de las relaciones entre hombre y mujer.

Perteneciente a la escuela madrileña de danza flamenca, Alfonso Losa se encuentra en el momento de su madurez artística, logrando articular un lenguaje propio con el que transmitir los conceptos más identitarios de este baile ancestral a través de códigos renovados en consonancia con las prácticas dancísticas de hoy. Junto a Patricia Guerrero despliega en escena la fuerza, los miedos, la austeridad, el compromiso con la tradición, la osadía y la alegría. Alfonso y Patricia no son solo dos. En este encuentro de espejos emocionales aparecen también sus otros yoes más sinceros, lejanos, comprometidos, desinhibidos y expuestos. Dejándose llevar por lo latente, por el yo que les acompaña, les protege y también les contradice. 'Alter ego' es un juego de espectros, de dos cuerpos que se enseñan y nos enseñan sus asteriscos, bailando al borde de lo propio. Juntos comparten un reto abierto y libre, un baile hecho de impulsos, sorpresas, preguntas, tesoros, entrañas y horizontes.