Álvaro Vicente

El monólogo es tan antiguo como el teatro, es casi el origen del teatro, la esencia que representaron esas personas que se paraban en cualquier lugar a contar cosas, como verdaderos hombres y mujeres orquesta, arremolinando gente alrededor para estimular su imaginación, su conocimiento o su risa. Género infinito, ha usado siempre el humor para atraer la atención y conservar en la memoria relatos a veces elevados y a veces populares, y la modalidad del stand up ha llevado en las últimas décadas esta modalidad escénica a cotas de irreverencia e ingenio que la ha hecho muy célebre. Hoy es una de las opciones de ocio preferidas por gente de toda edad y condición. Aquí os damos unas cuantasrecomendaciones, mezclando el puro monólogo de humor con otros espectáculos cómicosde formatos y temáticas variadas y obras unipersonales de esencia teatral. RECOMENDADO: Las obras imprescindibles de la cartelera madrileña

La diversión es el ingrediente fundamental en cualquier obra de teatro pensada para los pequeños de la casa. Pero no el único, desde luego. Hay belleza, hay música, hay educación en valores, hay sorprendentes piruetas, hay personajes televisivos, hay historias de toda la vida, hay guiños a los padres, para los culturetas y para los más hipsters, hay magia, hay aventuras y hay mensajes positivos que dibujan mundos mejores. También se puede disfrutar en familia del circo, de la danza y de los musicales. Aquí están nuestras propuestas favoritas de teatro para niños en Madrid.  RECOMENDADO: Planes para hacer con niños en Madrid

En Madrid nunca ha existido una escena off al estilo del Off Broadway de Nueva York, no al menos reflejada en las carteleras o en los folletos turísticos. Desde los años setenta, en la capital hubo teatro alternativo y luego salas independientes, pero no se empezó a hablar de off hasta hace poco más de una década. Hagamos un poco de memoria: en 2009, se estrena en el hall del Teatro Lara 'La función por hacer', una versión de 'Seis personajes en busca de autor' de Luigi Pirandello dirigida por Miguel del Arco (en lo que fue el origen también de la compañía Kamikaze), que sorprendió y conmocionó a propios y a extraños.   Podríamos hablar de un antes y un después de este montaje, porque hasta entonces a nadie se le había ocurrido que un espacio como aquel podía albergar una obra teatral. Fue el comienzo de un boom. Sin embargo, cuando el boom del teatro off de Madrid estaba en todo lo alto, se empezó a hablar de la burbuja que terminaría por pincharse. Aquel ecosistema era débil y tenía, por fuerza, que autorregularse. Muchos cayeron por el camino y otros sobreviven. Teatro, danza, música, circo, microteatro, monólogos cómicos, magia o propuestas para niños y niñas nutren estas salas que siguen en activo, de lunes a domingo, en el centro y en los barrios de la ciudad. Así, vamos a conocer algunas de ellas a continuación porque hay vida, y mucha, más allá del teatro convencional.

La temporada escénica en Madrid ha arrancado este año con una oferta dancística inaudita, a tenor de los lamentos que venimos escuchando en los últimos años sobre la escasa presencia de esta disciplina en los escenarios de la capital. Pero algo está cambiando. Es evidente.

Sus titubeos con Hollywood le han introducido en la cultura norteamericana y por eso ahora se fija en la 'Lehman trilogy', del italiano Stefano Massini, un retrato del ascenso y caída de la familia Lehman. Pero, como su osadía escénica no tiene límites, ha convertido una obra por la que desfilan 130 personajes en un musical ejecutado por 6 actores-músicos. Es un valiente. Un musical de tres horas sobre la historia del capitalismo contada a través de la familia Lehman. Además de dirigir, produces. A ti te va la marcha…He llegado a un punto en el que si no produzco o coproduzco, no hago teatro, porque meterme yo y meter a mi compañía, Barco Pirata, me da un plus de implicación. Y sí, nuestra versión de 'Lehman trilogy' dura tres horas, con dos descansos, pero la original son casi cinco horas. Mi socia me fue bajando a tierra y me dijo que una obra de cinco horas no nos la programa nadie. Bueno, si fuéramos dos extranjeros sí nos la programarían, pero como somos de aquí… ¿Por qué lo de 'Trilogy' en el título?Porque se cuenta en tres tiempos. Es la historia de los Lehman Brothers desde que el primer Lehman desembarca en Estados Unidos en 1844 con una maleta procedente de Baviera, hasta 2008, cuando quiebra la empresa y provoca la crisis financiera mundial. Son 160 años que nos sirven para echar un vistazo a la historia del capitalismo moderno, de lo que hoy estamos sufriendo. La historia de esta familia es la historia del siglo XX, porque ellos están en la creación de Hollywood,

Fernando Fernán Gómez ganó el Premio Lope de Vega con 'Las bicicletas son para el verano' en 1977. La obra, que cuenta la historia de una familia de Madrid durante la Guerra Civil Española, se estrenó en 1982 en el Teatro Español, de donde pasó al Centro Cultural de la Villa para seguir con éxito en cartel varios meses. En 2017 se volvió a montar y estrenar en el Teatro Fernán Gómez, con Llum Barrera en el papel de Doña Dolores, madre de la familia protagonista, papel que luego en gira haría Nieve de Medina y que ahora recae en Rocío Muñoz-Cobo en su vuelta a un teatro, el de los bajos de la plaza de Colón, que está celebrando su 40 aniversario.  Se cierra el círculo: 'Las bicicletas son para el verano', de Fernando Fernán Gómez, vuelve al Teatro Fernán Gómez.Vuelve conmigo, después de Llum Barrera y Nieve de Medina. Precisamente vine el año pasado al Fernán Gómez a ver a Llum hacer este personaje. Tengo una foto en la que estoy mirando el cartel que se me ve toda la carilla de: ay, cómo me gustaría hacer esta obra a mí. Así que cuando te llamaron tuvo que ser una fiesta…Fue una sorpresa increíble, porque también para mí era meterme en el reto de hacer un personaje completamente distinto a lo que venía haciendo hasta ese momento, después de Lady Macbeth  o de 'Alma', la adaptación de 'Persona', de Bergman. Es ese tipo de cosas que se vienen repitiendo y, claro, hacer a Doña Dolores, que no tiene nada que ver con esas mujeres, es un auténtico regalo.  Berta Riaza, Gloria Muñoz

En Madrid, el mundial que se juega no es de futbol. Una competición escénica con propuestas llegadas desde medio mundo, con más o menos folklore a cuestas. Es un broche de oro para una temporada que, más que nunca, nos ha puesto en contacto con la realidad del teatro y la danza que se hace más allá de los Pirineos y al otro lado del Atlántico. Un sueño de diversidad y heterogeneidad del que no queremos despertar. Ellos cantan gol y nosotros cantamos victoria. RECOMENDADO: Las expos de PHotoEspaña que no te puedes perder

A sus 35 años recién cumplidos, es una celebritie de nuestro cine con su trabajo en películas como 'Pagafantas', 'Los amantes pasajeros', 'Barcelona, noche de verano' y 'Barcelona, noche de invierno', además de presentar la edición de 2015 de los Premios Feroz. Por la tele también se ha dejado ver, pero como corazziana que es (discípula del gran maestro de actores Juan Carlos Corazza) el teatro le tira mucho y con este proyecto colaborativo y declaradamente vanguardista que es 'LA', junto al colectivo Mujer en Obras, Bárbara Santa-Cruz despliega todo su poder en escena junto a otras 10 actrices en una obra sobre personajes femeninos y feminidad, en Nave 73. Habéis montado una compañía teatral formada por 11 mujeres. Más que por la cuestión del género, la cifra me lleva a preguntarte: ¿valentía u osadía?Osadía, seguro. Hemos desarrollado una manera de trabajar, un lenguaje, un estilo y la idea que tenemos es que Mujer en Obras, que así se llama la compañía, sea un colectivo de creación con un carácter propio, nuestro, que se puedan hacer piezas de dos o tres actrices, aunque luego estemos todas trabajando sobre cada pieza. Porque lo estamos viendo ahora, mover una obra de 11 actrices es muy complicado y nos gustaría llegar a más sitios. Como colectivo vamos a seguir generando piezas, laboratorios de creación, vamos a seguir trabajando con ese lenguaje que estamos explorando, más allá de esta primera obra. Lo curioso es que la semilla de todo esto está en un hombre…Sí, Javier B

Las suyas son comedias tan amables como desternillantes, tan tiernas como valientes, tan sinceras como incómodas a veces, porque la carcajada te baja la guardia y entra a cuchillo en las emociones, en todas. Alfredo Sanzol acaba de recibir el Premio Valle-Inclán por 'La ternura', obra que se repone en el Teatro de La Abadía, y estrena 'La valentía' en el Pavón Kamikaze. Suficientes razones para volver a conversar con él, de lo que uno no se cansaría nunca. Enhorabuena por el Valle-Inclán. Gracias. Fue muy emocionante. Debió de haber un empate en el jurado entre Irene Escolar y yo, porque tardaron mucho en salir a decir el ganador.  'La ternura' ha sido aplaudida y casi vitoreada. Y ahora premiada. Y he leído por ahí que la semilla de 'La valentía' está en 'La ternura', así que esto promete… Hay un fragmento en 'La ternura', cuando está la princesa Rubí con el leñador Verdemar en lo alto del volcán, que ella le dice: “Vos merecéis llevar en vuestro estandarte la valentía, porque habéis elegido como compañero el miedo”. Eso era algo que me tocaba y cuando hay algo dentro de una función que me toca, que me conmueve especialmente, ahí puede estar la semilla del conflicto que en ese momento me está preocupando sin que yo sea muy consciente. Y lo dejas ahí aparcado, madurando… Sí, porque si me llama la atención es por algo. Es como si fueran boyas en el mar y si ves una boya que se enciende debe de tener pescadito.  A priori, 'La ternura' y 'La valentía' parecen dos obras muy difer

Lleva viniendo a Madrid desde 1982 y la última vez fue en 2014. Toni Servillo, uno de los intérpretes italianos más celebrados del momento, nos ha regalado momentazos en la gran pantalla ('Gomorra', 'Il Divo', 'Bella Addormentata' y, sobre todo, 'La grande bellezza'), pero su hábitat natural es el teatro desde 1977. Con su compañía Teatri Uniti llega de nuevo a nuestra ciudad y viene con 'Elvira', una pieza basada en 'Elvire Jouvet 40', en la que Brigitte Jacques recogió las lecciones que el maestro francés de la interpretación Louis Jouvet dio para la creación del personaje Doña Elvira del ‘Don Juan’ de Molière en el París ocupado por los nazis. En la producción de ‘Elvira’ participan el Piccolo Teatro de Milán, el Teatro d’Europa de Roma y Teatri Uniti di Napoli. Recorre de norte a sur el país: ¿casualidad, causalidad? ¿Simboliza una cercanía entre sensibilidades distintas o, a nivel teatral, Italia es toda una? Efectivamente, ‘Elvira’ es una producción de Teatri Uniti di Napoli, mi compañía, y del Piccolo Teatro de Milán, juntos de nuevo y por tercera vez envueltos en giras internacionales, después de los espectáculos ‘Trilogia della Villeggiatura’ de Carlo Goldoni y ‘Voces desde el interior’ de Eduardo De Filippo. Ambas las presentamos con éxito en Madrid, en los Teatros del Canal. Nápoles y Milán son, por diferentes aspectos, las ciudades más teatrales de Italia. ¿Por qué este texto y por qué ahora, en 2018, a sus 59 años? Por muchas razones, comenzando con una especie

Se acaba el invierno y la luz empieza a inundar los días, alargándolos como se alargan las extremidades que se desperezan al llegar la primavera. El cuerpo pide paso. El arte del movimiento cobra protagonismo en sus muchas variedades, con relecturas de ballets clásicos, con la danza contemporánea que se busca y se cuestiona a sí misma, con el homenaje a los maestros, con los nuevos aires del flamenco y con los bailes más puramente urbanos. Todo cabe, desde la experimentación y la vanguardia hasta las fórmulas que nunca fallan. Hablan las manos, los pies, los gestos y las miradas, los brazos, las piernas y las entrañas. Paso al cuerpo, paso a la danza.

En la pequeña historia del teatro madrileño, los comienzos del siglo XXI serán recordados como los de la explosión de la escena Off, con hitos de gran calado como 'La casa de la portera', donde se bregaron dramaturgias hoy respetadas a gran escala como las de Alberto Conejero, Antonio Rojano y Paco Bezerra. Pero si hay una obra que reúne todos los ingredientes necesarios para retratar aquella época, esa es 'Yogur Piano': gente joven, creadores genuinos e incipientes, temas contemporáneos, riesgo asumido desde la precariedad, visión de futuro, intérpretes versátiles y muy bien formados y pasión ciega.  Al frente de aquel grupo estuvo y está, como actor, autor y director, Gon Ramos, un tipo de mirada chispeante y sonrisa candorosa que, dos años después de aquella aventura, llega con esta obra al Centro Dramático Nacional. Su segunda obra, 'Un cuerpo en algún lugar', se repone en El Pavón Teatro Kamikaze tras agotar las entradas en su estreno el pasado mes de septiembre. Empecemos por el final, por ese cuerpo en algún lugar, una obra que habla de hasta dónde somos capaces de llegar en la búsqueda del amor. ¿Cómo has sido capaz de crear semejante maravilla solo con dos actores y dos sillas?Pues tiene mucho que ver con esos dos actores precisamente, Luis Sorolla y Fran Cantos, que tan importantes son para mí. Ha habido como un amor, por muy cursi que suene, latiendo inevitablemente todo el rato. No ha habido ni asomo de conflicto, sin que por ello hayamos dejado de hablar de todo,

Ahora que triunfa en la tele con su primer late night, estrena al mismo tiempo su primer espectáculo cómico teatral en solitario. Está que lo peta Henar, y no es para menos, porque esta cómica madrileña, que ya casi roza el millón de seguidores en Instagram, es capaz de ser mordaz y auténtica haciendo lo que le sale del coño con mucho arte. Su naturalidad, su tono reivindicativo, su compromiso con el feminismo y su humor salvaje son algunas de las claves de su éxito, y todo ello lo vamos a encontrar en la consulta de esta chochoctora, uno de sus personajes más icónicos, que eleva la voz una vez más contra este sistema que oprime la sexualidad de las mujeres. Performance, versiones de canciones con letras inéditas y un constante apelar a la participación del público seguro que harán de este show un momento inolvidable y, sobre todo, muy divertido. Coge cita, que seguro que te la dan más rápido que en la sanidad pública madrileña, y aprende a estimularte el punto G de la risa.

Berto vuelve a Madrid, pero solo tres días, maldita sea, con la de hordas de personas que están deseando ver lo nunca visto (tranquis, que volverá a finales de año). Un título prometedor, sin duda, sabiendo que este cómico tiene ya una edad y, como él mismo dice, ya cada vez le pasan menos cosas. Pero la caña está tirada, la de pescar, no la de cerveza, y puede que piquemos el anzuelo. Y que, contra todo pronóstico, caigamos en su red y flipemos con un show donde hay magia, música, efectos especiales, sorpresas y, sobre todo, risa, mucha risa. En realidad, lo que más hay es risa, pero queda muy bien ponerle antes un montón de cosas para que parezca el cénit, la cima del humor, porque es que es lo nunca visto, y es que hay que verlo, y el ingenio se le sale por los poros y va a reventar este hombre de tan gracioso que es. Ya sabéis, los que le conocéis, cuál es su estilo, un cachondo a veces disfrazado de señor huraño, una relación directa donde la broma y el improperio, lo tierno y lo soez, se combinan a la perfección. Y donde el reírse de uno mismo alcanza grandes cotas de genialidad… a pesar de su nariz, que no siempre deja ver lo nunca visto. Ja!

Hay quien quiere ser madre y lo hace. Hay quien no quiere ser madre y no lo hace. Y hay quien queriendo ser madre no puede hacerlo. Y Matriz es una obra que nace, precisamente, para dar voz a todas esas mujeres que desean ser madres y no pueden. La actriz Dolores Cardona recopila esas historias llenas de drama y renuncia para ponerlas juntas en un escenario y poner el foco sobre esas mujeres que luchan por un sueño y no logran cumplirlo. Es una dura realidad que conviene no dejar silenciada, porque la Yerma de Lorca sigue conviviendo entre nosotros, hay muchas Yermas que viven ocultas sus tragedias. Pero no por más trágico, este viaje es menos bello. El relato de una mujer que vive en la sala de espera de una clínica de fertilidad y atraviesa su duelo, comparte con el público sus anhelos, preocupaciones y esperanzas. Porque siempre cabe la esperanza. Adentrarse así en el concepto de maternidad, de manera cruda y hermosa, a través del teatro, nos da una idea de hasta qué punto ese mandato femenino está teñido también de soledades y profundidades.

Dani Rovira, qué vamos a decir ya, es un maestro en eso de ganarse al personal, tanto desde la risa y el cachondeo más desatado hasta con la ternura, el dolor, la tristeza o la pena. Vale la pena, ya lo dice el título de su nuevo trabajo unipersonal, que sigue en cartel en el Teatro La Latina desde su estreno en enero para seguir la estela de trabajos anteriores como ¿Quieres salir conmigo? y Odio, que han girado sin descanso por toda España. Pudiendo parecer el antiespectáculo de humor, Rovira se atreve a hacer reír desde lo triste y hacerte llorar desde la alegría de vivir. El malagueño se ha ganado el corazón de mucha gente desde todos los púlpitos, sean escenarios o pantallas grandes y pequeñas, hasta hacerse con un Premio Goya en 2015 como Actor Revelación. Ya no es una sorpresa que solo consigo mismo, vestido de negro, llene todos los auditorios, y eso que este espectáculo empieza así: “Voy a hablaros de la tristeza, os jodéis”, y es capaz de sacarte una carcajada citando a Platón, a Freud o a Descartes. Bueno, este último, dice, finalmente “lo descartó”. Hable de lo que hable, sea serio o ligero, es un tipo muy gracioso y muy honesto, y eso le ha servido para conquistarnos.

Un tío que es capaz de tenerte 100 minutos sentado en una butaca sumido en un descojono continuo es un pequeño gran genio. Y eso que, desde que es cómico, David Navarro no ha dejado de enfadarse con todo aquel que le hacía la vida imposible y con todo lo que le ponía de los nervios. Quizás ese es su secreto, que dice lo que todos pensamos, que nos identificamos muy fácilmente con esas historias y que nos hacen mucha gracia, sea por su fidelidad a la realidad, sea por ese toque con acento de Jaén que tan particular hace su forma de humor. Ahora, en una vuelta de tuerca más, va a hacer lo propio consigo mismo, va a dirigirse hacia sí mismo los dardos, porque es que él tampoco tiene remedio y va a exponer todos sus pecados, sus manías, va a hablar de lo insoportable que puede llegar a ser. ¿Por qué lo hace? Pues, parece ser, porque a estas alturas ya le toca buscar redención, buscar el perdón de dios o de quien sea, tú mismo que vas a ir a verle a La Latina un viernes de estos.

Miguel Noguera lleva años demostrando que no hay nada ni nadie que se le parezca, que su humor es tan genuino que no ha necesitado cambiar el concepto de su monólogo, sin dejar de renovarlo constantemente. Solo en escena, cada noche coge 20 o 30 ideas, ocurrencias, imágenes mentales, pensamientos y los va desgranando uno a uno según le place, acompañándose de sus propios dibujos y fotos hechas con el móvil, que suele proyectar para acompañar sus relatos. Él se apunta las cosas antes de salir a escena, y puede que a priori no tengan nada de cómicas, pero su alucinante mecanismo improvisatorio provoca divagaciones inesperadas que lo mismo suenan a telepredicador que a estudiante adolescente que se habla al cuello. Eso sí, siempre comienza con un breve canto improvisado, cuyo contenido e incidencia comenta inmediatamente después de cantarlo, y termina con la lectura de un texto autorreferente a modo de despedida.

Para toda una generación, coger el teléfono y decir "digamelón" es como un santo y seña, y una prueba de que en los 80 y los 90 vivimos pegados a la tele esperando los programas de Martes y 13, sobre todo los especiales de Nochevieja. Millán Salcedo estrena en Madrid su nuevo espectáculo unipersonal tirando de sus gracias de siempre, que no caducan. Él tampoco caduca, a pesar de que la vida le ha dado algún que otro toque en forma de ataque de epilepsia. Así lo cuenta el propio cómico, que se juró no volver a actuar nunca más, pero aquí está. Estuvo algún tiempo retirado pero antes de caer en las redes de la teletienda, se dijo a sí mismo que ya está bien, que sí, “jate tú”, que se podía volver a poner las pilas y ofrecer un “retonno”. “No me importa ser mi propio biógrafo en vivo y en directo. Tengo anécdotas tan increíbles, que sería una pena que el espectador no las disfrutase. Estoy encantado de ser el de la empanadilla de Móstoles o el de la cocreta de Alcorcón”. Así dice Millán, que ha venido a contar toda la verdad, aunque parezca mentira.

Amaia Vargas, la Vargas, es una crack. Y con esta comedia explosiva es capaz de dibujar nuestra españita desde la portería de un edificio de Madrid. Ya sabemos que las porteras y los porteros, esa figura ancestral en peligro de extinción, valen mucho por lo que callan y saben más de lo que podemos imaginar, aunque arrastren ese sambenito de ser unos cotillas irreductibles. Esta portera, sin embargo, conquista los corazones a base de jotas, filosofía y purrusaldas. En el monólogo que despliega, la Vargas no está sola, aunque suene a perogrullada, porque está el público. Pero el público está para participar, porque el público se convierte en esa comunidad de vecinos cualquiera en una ciudada como esta donde la gente busca ansiosamente una vivienda que pueda pagar, donde los alquileres turísticos lo han puesto todo patas arriba, donde las hipotecas conviven con las mascotas y los fondos buitre. Pero qué va a decir ella, que no es más que la portera… o bailar o quemar contenedores, no queda otra. Y así va contando este viaje, este sueño, este precio que pagamos por una cosa tan importante como es vivir.

El actor gallego Luis Zahera se convirtió en celebridad gracias a su peculiar forma de actuar, dejando un sello inolvidable en películas como 'El reino' o 'As Bestas', ambas a las órdenes de Rodrigo Sorogoyen y por las que ganó sendos premios Goya. También lo hemos visto en series como 'La unidad', 'Sky rojo' o 'Entrevías'. En muchas de esas apariciones en pantalla grande o pequeña, hace de tío chungo. Porque siempre deja esa sensación de ser un tío chungo. ¿Lo es? Quizás este monólogo nos dé la respuesta: un repaso de su vida repleto de historias e histerias, contadas con mucho humor… chungo. El relato empieza en su Compostela natal, en su infancia, hablando de su familia y de las anécdotas que entrega a los espectadores, que tras un rato empieza a entender que este hombre vive en un delirio surrealista cada día de su vida. Lo que está claro es que el público se lo pasa tan bien como el actor sobre el escenario, y esa comunión es impagable.

Qué vamos a decir a estas alturas que no hayamos dicho ya de Faemino y Cansado: los maestros de todos los cómicos de este país y parte del extranjero. Son los más grandes y los más imitados, siguen incombustibles y siguen representenado el espectáculo, dicen, más rupturista de su larga trayectoria. El dúo cómico abandona la sensatez, dicen… (¿alguna vez la tuvieron?). Siempre han hecho lo que les ha dado la gana y, ahora que son ya casi los abuelos del humor, pues con más razón. ¿Y de dónde sale ese título, 17 veces? La explicación es puro faeminismocansadismo: "Según la tradición Kaon Lin de la bimilenaria cultura china, el dios Kuan Lon, la única deidad que vive en una cantimplora, permite a un ser humano gozar de clarividencia 14 veces en una vida. Nosotros nos pasamos por el forro la tradición Kaon Lin de la bimilenaria cultura china, como otras muchas, y sostenemos que 14 son pocas y que vamos ya por 17". 

Seguro que te has encontrado algún vídeo de la Isa pasando el dedito por los reels de insta. Inmediatamente te engancha con sus pintas de diva de barrio, quintaesencia del chonismo, a mucha honra, orgullo de leopardo, de abrigo de leopardo del Bershka, claro. Isabel Rey derrocha naturalidad y humor ácido, que parece maja pero de pronto te suelta una fresca que te quedas tiesa, niña. Espontánea y alérgica al postureo, ella es así, es auténtica, es más de barrio que una mercería. A través de sus recuerdos, Isabel reclama que vivimos en un mundo en el que fingimos felicidad a través de una pantalla para enseñarlo a los demás y luego estamos más amargados que Cristo clavado en la cruz. Chonismo nostálgico de los 2000, cuando todavía las redes eran las de pescar o las de la mesa de pinpón. Tiene además una facilidad pasmosa para interactuar con el público y llevárselo de calle, porque ella es muy de calle, es directa y va a tope con la gente fiel. Te vas a reír y te vas a acordar de cosas que molaban, porque antes molábamos. Y la cosa acaba con musicote. ¡Vamos niño, vamos loko!

La mallorquina Clara Ingold pasa dos días por Madrid y no os la deberíais perder si os va el humor con retranca política. Presenta en el Teatro del Barrio su segundo espectáculo en solitario y habla de autodestrucción, individual y colectivamente. Todo parte de anécdotas y vivencias personales que caen como chistes afilados, porque si algo tiene esta cómica de particular es el uso del lenguaje viperino para hablar de los problemas de su generación, yendo de lo pequeño a lo universal. “Es de la mierda desde donde se hace la mejor comedia”, dice ella, que no duda en apelar a la risa como herramienta de denuncia. La actriz combina el formato monólogo stand up con canciones que compone y canta ella misma, con igual dosis de humor absurdo, ironía y autoparodia, porque ya se sabe que el mejor cómico es el que se ríe abiertamente de sí mismo. Y ahí es donde entran temas como el autoboicot, las relaciones, los ideales de belleza, el canon estético cuando eres mujer… Una celebración, en definitiva, donde cabe tanto el drama como, sobre todo, la comedia.

 Después del éxito de 'La Mesías' y peli a la vista con Julio Medem, y mientras prepara lo que será su primer largometraje como directora, basado en 'El desencanto', de Jaime Chávarri, Ana Rujas se deja poseer por Sara, una mujer que se ve a su vez poseída por la bestia de sí misma. Sumida en una crisis vital y de pareja, Sara ha olvidado quién era hasta que algo terrible empieza a expandirse dentro de ella. Es 'La otra bestia', la obra que podemos ver en Nave 10 Matadero hasta el próximo 2 de febrero. No te metes en proyectos ligeros precisamente… Pues no. Todo aquello en lo que me meto y me involucro, no suele ser sencillo, no. Pero eso me gusta, me seducen los proyectos donde me puedo involucrar y donde el resto de los actores también se involucran a tope. Este texto no nace para el teatro realmente, ¿no? No, esto parte de un libro que yo publiqué con poemas y textos más ensayísticos, que se llamaba así, 'La otra bestia' (Editorial Aguilar). Se lo mandé a Luis Luque (director artístico de Nave 10 Matadero), y le encantó, me llamó enseguida para proponerme hacer una dramaturgia a partir de ese libro, de esos textos, y que lo dirigieran Pedro Ayose y José Martret, él siempre tuvo en mente este equipo, ya sabía que yo con José quería trabajar, y con Pedro hemos hecho varias piezas antes. Luis nos unió y pusimos este texto sobre la mesa, cuando yo no pensaba hacer nada con él ya. ¿No tenías pensado en principio hacer teatro con este material? A ver, hay textos de otra obra mí

Con la bailarina Gloria Dorliguzzo en escena y el diseño sonoro de Scott Gibbons, músico experimental electroacústico, la videoinstalación performativa The Third Reich del siempre provocativo creador italiano Romeo Castellucci abrirá el 18 de septiembre el festival de electrónica visual y realidades extendidas LEV Matadero 2024. Se trata de una representación espectral de la violencia que esconde el lenguaje, que lleva la percepción del espectador hasta la pérdida de control. Tras una breve acción, el cuerpo de la bailarina sale de escena y solo queda sobre el suelo una espina dorsal, metáfora de ese esqueleto léxico que vertebra los idiomas. Parece que las palabras sueltas, lanzadas una a una a diversas velocidades, sin vínculos de sentido o significado, convierte su virtual inocencia en caos, en un peligro para aquellos que necesitan controlar lo que se dice y cómo se dice.  Nos cuesta desprendernos de la manía de entender, pero ensalada junto a democracia, bisexualidad junto a condensación o estriptis junto a sonambulismo no es más que eso, palabras. Sin embargo, su sucesión violenta, casi dictatorial, al ritmo del ruido concebido por Scott Gibbons, nos atraviesa el cuerpo, nos lleva a la sensación más que al raciocinio. Nos desconcierta. Nos apabulla. Nos engancha o nos expulsa. “Estamos inmersos en una palabra circular y autodesconocida -dice Castellucci-, en una especie de ruido blanco. A menudo imagino la lengua como un paisaje cambiante, y hoy tengo la impresión de qu

Proyección global. Ahora que Álex de la Iglesia se ha inspirado en El Palentino para su última película, ‘El bar’, el mítico esquinazo de la calle Pez adquiere patente de eternidad definitiva. A sus 75 años, habiendo resistido los embistes de la gentrificación y prohibida la entrada a los muffins, quizás pase a ser un destino de peregrinación masiva con recuadro especial en Lonely Planet Madrid: ya lo estoy viendo ascender como la espuma en las listas de keywords. Pero para espuma, justa y bien puesta, la de las cañas que Casto lleva tirando 60 años. Proyección local. Soy de pueblo. De un pueblo alicantino del que salí en 1994 rumbo a Madrid para hacerme periodista y escritor. Caí en la calle Ballesta, que entonces era un desfile de secundarios de David Lynch. Era el tiempo de las porno codificadas de Canal Plus, pero yo descorría las cortinas del salón y veía gente follando enfrente. Todo muy low cost, avant la lettre. Sin siquiera intuir que un día habría emoticonos, empecé a caminar el barrio desde allí como ese círculo amarillo ojiplático y boquiabierto del whatsapp. Y un día, entré en El Palentino. Me acomodé en la barra, le pedí una caña a ese señor enjuto del pelo blanco y me dejé ir mirando a los parroquianos. Pronto acabé siendo uno de ellos. Proyección nocturna. Cuando venían los colegas del pueblo, les decía: os voy a llevar al bar donde desayunan Calamaro y Sánchez Dragó. ¡Hostia! Fardar de Palentino molaba. Los pepitos de ternera sabían igual que los de mi madre

El Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid muestra músculo este año y recupera su esplendor con 31 espectáculos de 18 países, "un crisol de poéticas, lenguas, lenguajes y procedencias que lo hacen único", en palabras de su director Alberto Conejero. Todo vale mucho la pena. La programación completa la encontráis en www.madrid.org/fo y las entradas se ponen a la venta a partir del 15 de septiembre (13.00 horas).  CABEZAS DE CARTEL Abre fuego en Móstoles el canadiense Robert Lepage, un pope del teatro mundial que viene a presentar su monólogo 887. Otro monólogo, Soeurs, esta vez escrito y dirigido por Wajdi Mouawad, también nos dará duro en el corazón, igual que la belleza y poesía escénica de la compañía franco-catalana Baro d’Evel, que presentan Falaise. Ojo también a las dos piezas que trae desde Bélgica otra compañía mítica, tg STAN, una de ellas junto a Jérôme Bel (Dances for an actress). PROPUESTAS RADICALES Marcad en rojo dos propuestas argentinas, bueno tres, porque la bailarina y coreógrafa Marina Otero presenta su díptico Fuck Me y Love Me, y por otro lado la compañía La columna Durruti nos sacude con Nocturno de Ulrike o el sujeto histórico. Y a no perderse a la performer y malabarista francesa Phia Ménard en Vórtex. Y para radical, Fenómeno, de Moon Ribas y Quim Girón, circo y cyborgs sobre hielo. PEQUEÑOS GRANDES FORMATOS Todo mola mucho, pero dos solos de danza, 'Oro negro', de Poliana Lima, y 'Where is Janet?', de Janet Novás, os sorprenderán. Igual que las

A eso de las ocho de la tarde del sábado 13 de enero de 2018, varios de los actores y bailarines de ‘Mount Olympus’ hacían corro en la puerta de los Teatros del Canal. Algunos fumaban y bebían cerveza. Sí, después de llevar sus cuerpos hasta el límite de sus posibilidades, estaban como si nada bebiendo y fumando, recibiendo los tímidos aplausos y bravos y congratulations de los que estábamos allí exhaustos y con las entendederas vueltas del revés, sin comprender cómo era posible que esa gente no estuviera en una camilla recibiendo masajes y disponiéndose a dormir otras 24 horas seguidas. ¿Son extraterrestres? Más allá del talento del creador belga Jan Fabre, responsable de esta maravillosa locura escénica, el mayor mérito de la jornada, por derecho, por justicia, hay que reconocérselo a los intérpretes, 30 personas que literalmente nos llevaron al éxtasis con sus cuerpos. Poco importa que estuvieran desnudos, que enseñaran lo que todos tapamos en sociedad, que jugaran al sexo y a la muerte para representar lo que somos: humanos que para nacer usan el sexo y para morir usan la vida. Los cronistas pacatos que se escandalizan a sueldo harían bien en rascar la superficie y mirar libres de imperativos morales trasnochados. Y dicho esto, sí, ‘Mount Olympus’ ha sido lo que prometía ser: el acontecimiento teatral de la temporada, casi del siglo si me apuras, con permiso de ‘La trilogía de los dragones’ de Robert Lepage, ‘La barraca’ de los Hermanos Forman (ojo, que estos estrenan e

A veces parece que el teatro es mucho más importante de lo que es para la sociedad. En España, solo un 7% de la población va al teatro, y gran parte de ese porcentaje no va más de dos veces al año. Pero de pronto, una salida de tono de Leo Bassi, un bufonesco “cagarse en España” de Pepe Rubianes, una mofa de Albert Boadella sobre la conquista de América o la reciente utilización de la bandera española en espectáculos de la compañía El conde de Torrefiel y de Calixto Bieito, despiertan reacciones que trascienden y alteran la normalidad apacible del ecosistema escénico. Es en estas reacciones cuando el hecho artístico pasa a segundo plano y entra la política en escena. Pero es que la política siempre está en escena, porque cada acto humano es político y mucho más tratándose de actos artísticos. Grupos de poder (o aspirantes a poderosos) reaccionarios y sus voceros mediáticos, están al acecho para sobredimensionar estos acontecimientos que suceden sobre un escenario y sacar réditos políticos. Y gran parte de la sociedad entra al trapo, porque esa gran mayoría que vive de espaldas al teatro no sabe que el escenario es sagrado y lo que ocurre allí es solo un signo poético cuestionable solo desde parámetros poéticos, no reales. No es culpa suya, ni mucho menos. Es culpa de un sistema educativo que arrincona cada vez más la cultura, que nos ha ido hurtando las herramientas para enfrentarnos crítica y libremente a los acontecimientos. Si el arte desaparece del currículo escolar des

El 19 de octubre arranca la trigésimo quinta edición del Festival de Otoño a Primavera, festival de artes escénicas auspiciado por la Comunidad de Madrid. Será el último en esta modalidad en la que se lleva celebrando los últimos años, extendido y diseminado a lo largo de la temporada. En otoño de 2018 –feliz noticia- recuperará su esencia original. Será otra vez un festival concentrado en el mes de noviembre. Será de nuevo el glorioso Festival de Otoño que tantas alegrías ha dado a los aficionados al teatro, la danza y la música. Desde hace 35 años, lo mejor de la escena nacional e internacional se ha dado cita en este evento, que se ha caracterizado siempre por traer a Madrid la primera división del teatro mundial. Gracias a este festival pudimos disfrutar en nuestra ciudad de las creaciones de Peter Brook, Tadeusz Kantor, Robert Lepage, Pina Bausch, la Royal Shakespeare Company y un largo etcétera. Pero la presión de los empresarios privados de teatro, que se quejaban de que el festival suponía una competencia desleal para sus intereses en el inicio de temporada, propició que, primero, el festival pasara a celebrarse en primavera y, más tarde, se diluyera pespunteado a lo largo del año. Mientras llega el momento de su recuperación en noviembre de 2018, para esta edición actual, bajo la dirección artística de Carlos Aladro, se han programado 11 espectáculos que podrán verse en los Teatros del Canal, en La Casa Encendida, en el Teatro de La Abadía, en la sala Cuarta Pared

Hay un lugar en Madrid que quizás no mucha gente conozca. Se trata del Cementerio Británico, cuya entrada principal está en la calle Comandante Fontanes, 7, metro Urgel. Está allí desde mediados del siglo XIX y se construyó para dar sepultura a ingleses ilustres y no tanto que estiraron la pata en nuestra ciudad y no profesaban la fe católica. Allí tienen tumba y panteón las familias Loewe, Boetticher o Lhardy. También hay un monumento a la familia Parish, propietarios del Circo Price. William Parish fue el segundo dueño del Teatro Circo Price tras tomarlo de manos de su fundador, Thomas Price. Lo dirigió desde que en 1880 fue trasladado de su emplazamiento original del paseo de Recoletos a la Plaza del Rey, hasta 1916. Un año después, en noviembre de 1917, murió y fue enterrado en el Cementerio Británico, donde también se dio sepultura a su mujer, Matilde de Fassi, un año después. El Ayuntamiento de Madrid, titular ahora de este emblemático espacio, quiere conmemorar este centenario con una propuesta muy especial. Se trata de una visita creativa al cementerio, una experiencia escénica única en un espacio único, un jardín de otra época en el que un grupo de 25 personas por pase podrá conocer la vida de William Parish, su relación con el circo y con la ciudad de Madrid. La visita dura una hora y comienza en la puerta del camposanto. Dos performers guían y acompañan a los asistentes, que llevan unos auriculares inalámbricos a través de los cuales se escuchan diferentes audios

Desperté el sábado y ahogué un grito en la almohada tras el primer vistazo al timeline de Facebook. Era él. Mierda. Y me vino el recuerdo de esa risa suya tan contagiosa y esa mirada entre desafiante y seductora con la que me escrutaba, como examinándome para comprobar si era buen novio para su amiga. Era él. Pedrito. Qué putada. En este mundo y en este tiempo, cualquier acontecimiento, por pequeño que sea, es susceptible de convertirse en un fenómeno global. La muerte de Pedro Aunión el pasado viernes durante su actuación en el festival Mad Cool va camino de convertirse en símbolo, si no lo es ya, de un amplio arco de cosas que van de lo peor a lo mejor, de lo negativo a lo positivo, de lo oscuro a lo luminoso, de lo infame a lo sublime. La fortuna, que no es ni buena ni mala, quiso que todo ocurriera justo antes de la actuación de Green Day y que el líder de la banda estadounidense, Billie Joe Armstrong, se haya expresado, contrariado, en sus redes, con el consiguiente impacto mundial. “Ese acróbata valiente llamado Pedro”, que dijo en un tuit el de Green Day. Pedrito Aunión. Pedro exprimió la vida hasta encontrar la muerte. La exprimió pero mucho, no os hacéis una idea. Y se fue a lo grande, ante 50.000 personas, volando. Parece ser que no se enteró. Su forma de caer indica que él pensaba que estaba atado y la conciencia de estar muriendo puede que no le durara ni medio segundo. Eso hace el tránsito menos traumático y a los que nos quedamos aquí nos deja algo más tranqui

En las últimas semanas hemos ido conociendo la programación de la mayoría de las instituciones teatrales públicas de Madrid y de algún que otro teatro privado. La única que no se ha presentado ha sido la de las Naves de Matadero (Ayuntamiento), pero todo parece indicar que estará en la línea de lo que presentó Teatros del Canal (Comunidad), que estrena nueva dirección artística, compartida por Natalia Álvarez-Simó y Àlex Rigola. Un programa que, por cierto, ha sido acogido con el mismo entusiasmo que rechazo suscitó la llegada de Mateo Feijóo a Naves Matadero. No entraremos en estos misterios, dignos de Cuarto Milenio. Lo que queda claro es que tanto el Canal como Matadero y, en menor medida, el Pavón Kamikaze y el Teatro Español, suben el nivel de riesgo dando cabida a manifestaciones escénicas no tan habituales fuera de circuitos alternativos, programas residuales, festivales y ciclos periódicos. En frente tienen a otras instituciones como el Centro Dramático Nacional o la Compañía Nacional de Teatro Clásico (ambas dependientes del Ministerio de Cultura) cuya apuesta pasa más por un virgencita, virgencita, que me quede como estoy, lo mismo que ocurre con el Teatro de La Abadía, cuyo arranque de temporada estará cuajado de reposiciones. Sea como sea, tanto en un lado como en otro hay cosas muy interesantes que no hacen más que subir el nivel teatral de esta ciudad, porque ni el continuismo supone una merma de calidad, ni el cambio garantiza un maná semanal de joyas incuest

La nueva etapa de las tres naves dedicadas a las artes escénicas en el Centro de Creación Contemporánea Matadero Madrid ha empezado con tintes esperpénticos. Aquellos que temen –con razón- que el teatro más convencional desaparezca de su programación a partir de ahora, junto con la prensa de fango y carroña, más preocupada por buscar el desgaste político del gobierno municipal que por informar de lo que sucede sin sectarismos, están desarrollando una curiosa performance que haría las delicias de Valle-Inclán. Nadie es inocente, porque el nuevo equipo de gestión y dirección artística de las Naves, con Mateo Feijóo al frente, pese a declarar su intención dialogante, abierta y conciliadora, perdió un poco el control de la presentación del pasado 7 de marzo. Si era una rueda de prensa, mal porque tras apenas 3 preguntas se intentó dar por concluido el acto. Ahí, punto positivo para Feijóo que se negó a terminar y dijo alto y claro: que pregunten lo que quieran todos los que quieran. Y punto negativo para la responsable del Área de Cultura del Ayuntamiento, Celia Mayer, que respondió con evasivas a cuestiones importantes. Si era un debate sobre teatro sí o teatro no en Matadero, mal porque no se anunció como tal ni estaban allí representados todos los sectores escénicos. Ahí, punto negativo para Feijóo por la actitud chulesca y desafiante que desplegó ante la pregunta de un veterano actor, preocupado. Y punto negativo para los periodistas que, en sus crónicas, tomaron la parte por