Cynthia Arvide

Desde la Casa de los Azulejos hasta el Hotel Downtown, descubrirás joyas del muralismo mexicano, un movimiento artístico que surgió tras la Revolución mexicana. En estos murales se hace referencia a temas como los valores revolucionarios y la lucha de clases. Fue José Vasconcelos, secretario de Educación Pública durante el gobierno de Álvaro Obregón, quien impulsó un nuevo proyecto cultural y educativo y con ello también al movimiento muralista. Atrévete a descubrir obras de los muralistas mexicanos Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Manuel Rodríguez Lozano en el Centro Histórico.  Recomendado: Las obras de Diego Rivera en la CDMX. 

La Central de Abasto (CEDA) es una microciudad que se rige con sus propias leyes, que funciona a su propio ritmo, un laberinto que te come y te escupe a su antojo. Es el mercado mayorista más grande del mundo con 327 hectáreas, recibe a diario a 500 mil personas, y en su aniversario 35 estrena algo que nunca se había visto ahí: un programa de muralismo contemporáneo. Central de Muros es iniciativa de We Do Things, asociación enfocada a proyectos de cultura sustentable. “Nosotros somos creyentes de que el arte y el diseño trabajan para la sociedad, no al revés”, dice Itze González, socia fundadora de la asociación junto a Irma Macedo. El proyecto busca recuperar el espacio público y rehabilitar el tejido social mediante el arte. La CEDA era el escenario perfecto para poner a prueba la teoría de la ventana rota, la cual sostiene que si un entorno urbano está en buenas condiciones puede disminuir la inseguridad y criminalidad. Itze Gonzáles afirma: "Si un muro está jodido, la sociedad va a estar jodida. Entonces, ¿por qué no embellecemos el espacio y a través de eso generamos comunidad y pertenencia?”.  Se trata de la creación de 32 murales, en una primera etapa, a mano de artistas de gran talento nacionales y extranjeros, para generar un cambio en la comunidad inmediata. Las obras se inspiran en el mercado y sus personajes pero cada una con el estilo único que nace de los artistas urbanos; los primeros 16 ya lucen en la sección de frutas y legumbres. Uno de los murales lo rea

El muralismo no dejó de existir en México, sólo se ha transformado. Aunque ya no tiene una función primordialmente política como en la era de Diego Rivera o David Alfaro Siqueiros, el arte mural revive en los espacios públicos a través de artistas jóvenes que toman la calle como su lienzo. Como parte de un movimiento global de arte urbano. Visita estos cinco ejemplos de nuevo muralismo en la Ciudad de México. Descubre otras joyas del muralismo en la muestra Pinta la revolución: Arte moderno mexicano, 1910-1950. También te recomendamos estos murales de arte urbano para niños en la CDMX y las mejores fotografías de arte urbano en Instagram. 

Cuando pases por la esquina de Sonora y Nuevo León, en la Condesa, levanta la mirada y fíjate en el espectacular. Te parecerá conocido y a la vez extraño. Se trata de una intervención organizada por kurimanzutto que, a partir de marzo de este año y hasta el 2018, propondrá a una serie de artistas utilizar este espacio normalmente reservado para publicidad. En esta segunda edición del proyecto verás una pieza de una leyenda de arte conceptual colombiano: Antonio Caro. Una de sus piezas más conocidas es Colombia Coca-Cola, en donde pone al nombre de su país con la tipografía e identidad gráfica de la marca Coca-Cola. Este ejercicio de utilizar referencias conocidas de la publicidad para transmitir mensajes críticos ha sido en buena medida el sello de su producción artística. El espacio de Sonora 128 tendrá otra pieza icónica de Antonio Caro, Achiote (2002), en la que retoma la tipografía de los Chiclets Adams para colocar un mensaje sobre uno de los materiales con el que ha trabajado las últimas décadas en diversas obras, el achiote, una planta que en Colombia está asociada a tradiciones y prácticas indígenas. “La historia es muy larga. En 1990 intenté usarlo como pigmento. En el 2000, ya me puse en el problema de hacer esta obra. Primero fue como pigmento, después fue como tema”, explica el artista. “El achiote aquí está vivo. En Colombia ha sido desplazado y está un poquito marginado… es increíble que aunque son sitios ‘semejantes’, en Colombia lo que yo presento del achiote

La exposición Arqueología, Biología del artista inglés Anish Kapoor es sin duda una de las muestras más esperadas de este año. Charlamos con la curadora de la exposición de arte contemporáneo y nos contó algunas claves del proyecto.Aquí puedes ver las piezas imperdibles de Anish Kappor en el MUAC. El título de la muestra es Arqueología: Biología, ¿cómo se integraron estos dos conceptos en el ensamble de la obra expuesta?Es en parte por el nombre de una de las piezas de la última sala. Pero es también el sentido de arqueología como algo cultural e histórico, es ir al pasado; es algo que estamos haciendo todo el tiempo y es también algo muy específico de México. Y biología es algo de lo que aprendemos desde muy jóvenes. Nos dicen cómo digerimos la comida, cómo es el esqueleto y los órganos pero, aunque aprendemos de esto, tenemos nuestra propia concepción de la evidencia de lo que llevamos adentro. Mezclamos eso con nuestras propias emociones, recuerdos, terrores y complicaciones psicológicas. El trabajo de Anish, particularmente de los últimos 10 años, ha permitido que ciertos aspectos de su propia psique surjan, esto es común en otras personas no es especifico de él, así que hay un sentido de algo que puede ser feo, y que puede hacerse en unas pocas horas como sus trabajos de silicona de pared. Parecía correcto equilibrar estas dos nociones o disciplinas.  ¿Crees que si alguien encontrara estas obras de arte en el futuro, le hablarían de nuestro tiempo? ¿El tiempo afectaría l

Este año no es cualquiera para el artista Javier Marín. Celebra 30 años de trayectoria, en los que cuenta con 90 muestras individuales y más de 200 colectivas. Sin duda, es uno de los artistas mexicanos con más exposición en el extranjero, pues su trabajo se ha mostrado en sitios como la Plaza de Santa Flora, en Italia; el Brownsville Museum of Fine Art, en Texas; o la Nohra Haime Gallery, de Nueva York.Dos museos le dedican sus salas con exposiciones independientes, pero complementarias. Primero llegó al Palacio de Cultura Banamex la muestra Terra. La materia como idea, en la que se reúnen piezas producidas en barro. Ahora el artista presenta Corpus. La belleza de lo imperfecto en el Museo Antiguo Colegio de San Ildefonso. Al inicio de su carrera Javier Marín trabajó esencialmente con barro. La selección de piezas de ese material será expuesta en el Palacio de Iturbide hasta enero. Mientras que Corpus, en San Ildefonso, reúne 49 piezas en instalaciones y esculturas en bronce, resina y algunos materiales orgánicos como semillas, carne seca y pétalos de rosa.  “Después del barro, inmediatamente descubrí el bronce. Aunque era un material que tenía tachado de mi vida, empecé a investigar y me di cuenta de que tenía momentos muy ricos, valiosos estéticamente y apropiados para lo que quería hacer. Al ver la resina —que usaba solamente como apoyo para tener una memoria del trabajo— descubrí que posee características interesantes para hacer escultura”. Indudablemente el lugar y el a

Smithe es uno de los artistas mexicanos que se han proyectado de manera exitosa en el extranjero. Es uno de los máximos representantes del street art, ha participado en All City Canvas y ha expuesto en diferentes países. Ahora presentará su segunda muestra individual en Celaya Brothers Gallery. En tu primera exposición individual, Ladrillo y carne, había una reflexión de lo individual frente a lo colectivo, todo representado en cuerpos. ¿Ahora el tema tiene que ver con una cuestión mental?Sí, la idea era indagar sobre las enfermedades mentales. Partir de eso y hacer un retrato de lo que investigué, de cómo pienso que suceden esas cosas en las cabezas de las personas, que lo ven y sienten a su modo, pero no tienen cómo expresarlo de modo físico o plástico en una imagen. ¿Hubo algo que detonara tu interés por el tema?Todo empezó por el disco que hice con mi banda, .Stendal. Nos clavamos mucho en las enfermedades mentales. Quise retratar la música. Lo que está chido de esta exhibición es que hicimos audios para algunas obras.  Aquí usas colores que no habías explorado antes.Sí, me llamó el aplicar una paleta de colores que nunca había usado y técnicas que nunca había resuelto. Así es, los trazos también parecen diferentes a lo que habías hecho.Quise cambiar, también para saber hasta dónde puedo llegar. Estuvo bien porque las últimas cosas que creé las hice rápido, no tuve ese reto de decir: “ya no sé cómo resolver esto”. Con esta serie sí me rompí un poco la cabeza. ¿Te gustaría

Si Los modernos fuera una fiesta, sería la más esperada del año. La lista de invitados revienta la escena: George Braque, Pablo Picasso, Henri Matisse, Francis Bacon, reunidos con Saturnino Herrán, Dr. Atl, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Remedios Varo, entre otros. El MUNAL cierra el año con broche de oro a través de un panorama del arte moderno con obras de grandes maestros tanto del otro lado del Atlántico como de México. En ambas regiones el arte pasó por un momento revolucionario que rompió con los cánones y dio paso a corrientes innovadoras. Platicamos con Agustín Arteaga, director del MUNAL, sobre la muestra. Parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Lyon estará en México. ¿Esto es una oportunidad fuera de serie para el público mexicano? Sí, es una exposición que se conforma por más de 150 obras. La mitad proviene de Lyon y la otra mitad es mexicana. Es la primera vez que el Museo de Bellas Artes de Lyon desplaza un acervo tan grande fuera de sus muros. Es una ocasión para descubrir, con un nuevo diálogo y una narración diferente, una historia que hemos oído muchas veces. ¿De qué manera podemos ver el diálogo entre los maestros europeos y los mexicanos? Es un proyecto que ha sido curado por la directora del Museo de Bellas Artes de Lyon, Sylvie Ramond, y por mí, con participación de los equipos curatoriales de ambas instituciones. Es resultado de una investigación acuciosa, en la que queríamos encontrar similitudes y diferencias s

Este proyecto resume bien el momento que se vive en la escena del arte en la ciudad y la atracción de este barrio con rentas accesibles para los artistas. Lodos es una iniciativa de Francisco Cordero-Oceguera, graduado del School of the Art Institute of Chicago (SAIC), que tenía el objetivo de crear un espacio, siguiendo la tendencia de Chicago de abrir galerías en los departamentos, para entablar un diálogo crítico con artistas de su generación. “Me había graduado y seguía en Chicago trabajando en el Museo de Arte Contemporáneo pero ya no tenía ese diálogo diario con mis colegas, para mí esa fue la excusa para abrir un espacio”, dice Francisco. Al regresar a México en 2013, buscó un estudio donde pudiera retomar el proyecto y la gente que conocía en el medio (Galería Yautepec y Casa Maauad) estaba en la San Rafael, por eso rentó un lugar ahí. El espacio de exhibición es una habitación detrás de lo que era un taller mecánico. En 2016 se mudó a su nueva sede en el Centro.Francisco trae algo refrescante a la escena porque los artistas con los que estudió en Chicago y que invitó a Lodos, no eran mostrados aquí en México y están triunfando a nivel internacional, como el tailandés Korakrit Arunanondchai o el estadounidense Puppies Puppies. Su propuesta ha cautivado al público de las ferias de arte y ha logrado rentabilizarse; cada vez llega más gente a las inauguraciones en la pequeña galería, que funciona por citas, aunque Francisco quisiera expandirse este año y ofrecer horarios