Diego Vázquez

Procedentes del norte del país, Chihuahua, Apolo ofrecía un sonido crudo, riffs de guitarra y baterías ensordecedoras cuando, a mediados de los dosmiles, hicieron su aparición. Recomendado: Pahua, Renee Mooi y Ampersan lideran la edición más salvaje de Jardin Rouge Sus discos Apolo EP (2012), Tercer Solar (2013), Guardián (2015) y Rimuri (2019) complementan su trabajo como agrupación. Todos ellos con la energía explosiva que los caracteriza. Su propuesta los hizo consolidarse dentro del circuito de bandas emergentes de la CDMX, y lograron traspasar fronteras para pisar los escenarios de los principales festivales en Centroamérica e incluso Europa. Claro está: haciendo referencia al dios asociado con la música, Apolo fue uno de los dioses más importantes del Olimpo. Así fue como la banda decidió gestar un proyecto basado en la mitología griega. Han pasado 18 años desde su formación. Tras una pausa en 2019 para replantearse su camino, en este presente se dan cuenta de que no hay un porvenir, al menos no en un futuro cercano. Por eso, su camino los conduce a un adiós. Pero no sin antes ofrecer un concierto el próximo 26 de abril en Bajo Circuito, donde harán un recorrido representativo de su trayectoria con un show enérgico. Conversamos con Albar Alcántara, líder de Apolo, quien cómodamente sentado en un camastro desde su casa en Playa del Carmen, compartió detalles sobre esta última presentación en CDMX. Será memorable esta charla, Albar. Cuéntame, ¿cómo recuerdas es

Panteón Rococó surge también como una respuesta a eso, a cómo queríamos enfrentar el nuevo México que estaba despertando. No era el que nos vendía la tele, ni Salinas, que decía que llegaríamos al primer mundo; era uno muy diferente. Surgidos a mediados de los años noventa, en el contexto del levantamiento indígena, germinó lo que se convertiría en el proyecto más sólido que ha dado el ska en México: Panteón Rococó. Empezaron tocando en fiestas y pequeños bares. El primero que les abrió sus puertas fue La Faena, en el Centro Histórico de la CDMX, hace ya 30 años. Recomendado: ¿Quieres ganar boletos para ver a Hombres G en el Estadio GNP Seguros? Desde el norte de la ciudad, la banda traía claro que su mejor defensa era la música. Fue ahí cuando Luis Román Ibarra “Dr. Shenka”, Darío Espinosa, Leonel Rosales “Monel”, Rodrigo Bonilla “Gorri”, Felipe Bustamante, Misael Oseguera y Marco Huerta “Tanis” se unieron para formar la agrupación. Con una ideología de resistencia, y bajo el sello RCA, editaron su álbum debut A la izquierda de la Tierra en 1999. Ahí estaban “La dosis perfecta”, “Cúrame” y “Toloache pa’ mi negra”, y con ellas comenzó la historia que tres décadas después sigue escribiéndose. Platicamos con Monel y Gorri sobre este aniversario número XXX y su gira “Sonido Rococó, Generación del 95”, que llegará a la CDMX el 27 y 28 de noviembre en el Estadio GNP Seguros. ¿Qué sensación les da regresar al lugar donde todo germinó hace treinta años?Gorri: Siempre nos sorp

Los Planetas es una de las bandas más influyentes de las últimas décadas. Es el grupo más relevante de España después de la Movida, formado a comienzos de los años 90. Su álbum debut, Super 8 (1994), marcó una huella imborrable con su característico indie-pop. Recomendado: Acá los 10 shows que más nos emocionan del 25 aniversario del Vive Latino Así, Juan Ramón Rodríguez Cervilla (J), Florentino Muñoz Lozano (Florent), Ernesto Jiménez Linares (Eric), Esteban Fraile Maldonado (Banin) y Miguel López encontraron su identidad en el noise-pop, un sonido que permeaba los inicios de la década. Este primer material recibió elogios de la prensa española y contiene canciones memorables como "Qué puedo hacer", "Estos últimos días" o "La caja del Diablo", que se han convertido en referencias de la música granadina. Ahora, este disco celebra tres décadas de existencia, y Los Planetas han preparado una gira —que ya llevan un año arrastrando— en la que interpretan Super 8 en su totalidad. Como parte del 30 aniversario, la banda ofrecerá un par de presentaciones en CDMX, Guadalajara y Querétaro. Ahora sí, los planetas se alinearon. Conversamos con Jota, cantante de la banda, sobre esto. Llevan un año celebrando el aniversario de su álbum debut con una gira bastante extensa. Aunque, si pensamos en un disco tan memorable, el tiempo es relativo. ¿Cómo les ha ido?El disco salió en junio de 1994, así que estaremos celebrando prácticamente hasta esa fecha, hasta junio de este año. Tenemos un

En realidad, no sé hacia dónde me lleve esto, pero hay una conexión especial con las canciones. Emmanuel del Real —Meme—, reconocido tecladista y miembro fundamental de la icónica banda de rock latinoamericano Café Tacvba, presenta con orgullo “Princesa”, el primer sencillo de su esperado álbum solista. Recomendado: Descubre las nuevas sesiones en vivo en México. Los primeros invitados fueron Valgur Este nuevo proyecto lo lleva a explorar sus influencias, combinando tradiciones culturales latinas con sonidos contemporáneos, reflejando su pasión por la música. Las canciones fueron creadas en su casa-estudio en Valle de Bravo, Estado de México, lejos del bullicio citadino, donde Meme encontró el refugio y la musa para componer, rodeado de la naturaleza que lo inspiró en esta nueva faceta. “Princesa” es una balada adornada con cuerdas y arpa, evocando un aire futurista a lo José José, pero con tintes de synth-pop existencialista. La voz de Meme es la protagonista de la canción, y contó con la colaboración del legendario productor Gustavo Santaolalla, quien aportó su talento en la guitarra eléctrica y su visión artística para dar cohesión al álbum. El músico da un paso hacia nuevos horizontes, explorando su autonomía artística. Su álbum solista está programado para los próximos meses y promete sorprender con una propuesta fresca, introspectiva y profundamente emocional. Conversamos con Meme sobre este proceso creativo en una etapa en la que, por primera vez, se asume como fron

Ternura Radical es el nuevo disco disruptivo del compositor mexicano Vicente Jáuregui; un manifiesto político y una reflexión de nosotros mismos. El material tiene cinco temas: “Más Amor”, “Ternura Radical”, “Lava”, “Flechazo” y “Ataque de Pánico". Recomendado: Dónde comprar discos de vinil en la CDMX Producido por el músico Pepe Pecas, este álbum fue clave en la búsqueda del sonido que Vicente Jáuregui quería, desde su primer material, Petricor (2023), hasta esta nueva etapa en solitario. En esta nueva producción, el también guitarrista de San Pascualito Rey hace una crítica a un mundo donde la violencia se ha normalizado. Jáuregui sostiene que, ante la realidad violenta en la que vivimos, la mejor forma de resistir es con amor. Con tintes de rock ochentero, guitarras distorsionadas y sintetizadores, Ternura Radical se construye sobre una base creativa en la que el cantante expresa sus vivencias más personales. Desde su debut con Petricor, cada canción ha adoptado un sonido más crudo, moviéndose entre lo experimental y la psicodelia, creando así un álbum atmosférico y rockero. Ternura Radical es más que un manifiesto; refleja un desencanto y cuestiona a la sociedad. El tema que abre el disco, “Más Amor”, exalta este sentimiento como “la forma de cambio del mundo”. Con sus riffs distorsionados, “Ternura Radical” nos da la bienvenida, sacando a relucir los miedos internos al resaltar: “Vencí a mi peor demonio, ya no, ya no me perdí”'. El disco cierra de manera abrupta

Híbrido es el título con el que Los Daniels regresan para seguir catapultando su esencia rockera. Para esta, su octava producción, la banda capitalina apostó por un disco distinto, llevando su sonido a un nivel más potente y explorando con nuevas texturas, como arreglos de cuerdas y distorsiones. Este formato combina lo acústico, lo sinfónico y lo eléctrico. Para ello, el quinteto se alista para su regreso triunfal al Teatro Metropólitan tras varios años de ausencia. Recomendado: Proyectarán documental de The Mars Volta en salas de cine de la CDMX Esta producción no solo representa una nueva etapa creativa, sino que se despoja de todo pudor y enfrenta el reto de seguir siendo una banda estandarte del rock en México después de 18 años de trayectoria. “Deja que ladren los perros” es más que el nuevo sencillo y bandera de lo próximo de Los Daniels: es una declaración de resistencia ante las críticas en redes sociales Con Híbrido, la banda reafirma que el rock sigue siendo su territorio y que ahí permanecerán por mucho tiempo. Con un repertorio que incluirá lo mejor de sus discos anteriores, así como los temas que han marcado su trayectoria, este álbum les ha dado la sensación de reinventarse. Sin duda, un regreso a su propio génesis. Platicamos con Isma, Poncho, Daniel, Miguel y Rasheed sobre su próximo show y lo que implica mantenerse en la escena. ¿Cuál consideran que es su declaración de principios para llegar a 18 años en la escena?Miguel: Yo creo que nuestros principios son

Han pasado 22 años desde que el proyecto tapatío Sussie 4 publicó su álbum debut Música Moderna, por el sello Nopal Beat. Recomendado: 7 razones para no perderte el regreso de Justice a México Música Moderna fue un pilar para entender el acontecer de la música electrónica en México; resaltando la feminidad en sus colaboraciones con Ely Guerra, Denisse Guerrero —Belanova— y Valentina González.  En el LP se incursionó en el house, poniendo de referencia a ritmos latinos con icónicos temas como "Conciencia Latina", "El Rey del Biutiful" o "On time".  A más de dos décadas de su salida, este disco es un estandarte de la música electrónica que se ha quedado en la memoria colectiva.  César Gudiño, Cecilia Torres y Raúl "Picho" Torres conforman la alineación original.  Ahora han estado sacando un par de sencillos "Brujería", "Fuego" y recientemente "Este Silencio" con Alfonso Pichardo de Moenia, y que formará parte de un LP de la mano del productor Ghost L4tino. Aunado a esto, se le suma una gira que han tenido por diversos escenarios, esto por los 22 años de su disco, incluyendo un íntimo show el pasado 28 de diciembre en Departamento. Conversamos con César Gudiño, desde su estudio, sobre este aniversario. Gracias César, te agradezco este enlace para Time Out. ¿Cómo estás?Muy bien, acá estoy en el estudio dándole duro a lo que estamos preparando para el próximo año. Entre shows, tiempo en el estudio y arreglando los fierros, de vez en cuando hay que darles mantenimiento —risas—. Si

Poco más de dos décadas de historia lleva recorriendo Bengala en el rock mexicano, con cinco álbumes de estudio que han sido estandarte, capturando la esencia de sus líricas y riffs de guitarra. Se hicieron notar desde la salida de su álbum debut homónimo. Recomendado: Los mejores discos de 2024 Después de su último material, Tiempo Futuro (2023), su disco pandémico y el más nostálgico en su discografía, escuchamos "Grita". Este track marca el regreso de la banda del sur de la CDMX, con un sonido fresco y distinto a lo que habían mostrado anteriormente.   Este sencillo, viene acompañado de próximas presentaciones, una de ellas el 13 de diciembre en el Foro Indie Rocks! Conversamos con Amauri Sepúlveda y Diego Suárez sobre el proceso creativo de las nuevas canciones, el origen de su sonido y la escena rock.   Cuéntenme sobre esta nueva etapa en la que está la banda; pese a que van y vienen, siempre están presentesAmauri: Pues estamos muy contentos, la verdad ya extrañábamos sacar algo nuevo. Ha sido muy cómodo cómo hemos venido trabajando; hemos descuidado un poco los escenarios, pero tocamos cuando podemos. Muy pronto estaremos en el Foro Indie Rocks! Si algo caracteriza a Bengala, es que cada disco es distinto. Justo enfocándome en Tiempo Futuro, salió en un momento detonante para el mundo. Ese disco, creo, marcó un antes y un después…Amauri: Sí, como bien dices, fue una época difícil para todo el mundo. Tiempo Futuro lo hicimos en pandemia. Tiene un sonido muy melancólico,

Oriundos de Guadalajara, Jalisco, Troker encumbró a mediados de los 2000 el género jazz combinado con elementos de rock, psicodelia y mariachi. Recomendado: Los mejores conciertos filmados en la CDMX La banda da celebridad a sus tradiciones, resaltando su musicalidad y raíz, tal como lo han hecho desde su álbum debut Jazz Vinil (2007). A partir de entonces, la agrupación ha trazado una historia pilar en el género del jazz fusión, siendo ejemplo en otras latitudes.  El tiempo pasó y Troker decidió lanzar un disco de agradecimiento por sus primeras dos décadas: Tierra y Libertad, producido por Gerry Rosado. Este es su sexto álbum de estudio, sucesor de El Imperfecto (2018); es una ruleta rusa de éxitos y versiones con mariachi. Esta simbiosis de géneros crea un diálogo músico - espectador para resaltar que el jazz está presente en cada uno de sus temas. El disco contiene tracks como "Fíjate que Suave", “Tequila Death", “Chapala Blues" y "Príncipe Charro" que resaltan la mexicanidad y el amor por su tierra, el lugar donde se crea el tequila: Guadalajara. La banda presentará su disco el próximo viernes 29 de noviembre en el Foro La Paz para conquistar a nuevas audiencias y festejar con aquellos que los siguen desde hace 20 años. En un hotel de la colonia Roma, conversamos con Frankie Mares y El Tibu Santillanes sobre estos veinte años y su disco Tierra y Libertad. ¿Cómo es cumplir dos décadas en la escena del jazz mexicano?Frankie: Justo estamos festejando el haber llegado

Arrancamos en un momento especial del reggae, cuando el reggae latino estaba naciendo. Con casi cuatro décadas de trayectoria ininterrumpida, Los Pericos son una de las bandas que mejor representa la historia del reggae latinoamericano: inspirados por la música de Jamaica, dieron un toque e identidad particular al género, no solo al cantarlo en español, sino al imprimirle un toque distinto y propio. Desde su formación en su natal Buenos Aires a fines de los ochenta, transformaron la historia del reggae con sus más de diez álbumes de estudio; desde su debut El Ritual de la Banana (1987), producido por Javier Calamaro. Recomendado: El Cuarteto de Nos habla del potencial del español para escribir canciones Cuentan en su discografía con discos míticos. Uno de ellos es Big Yuyo (1992) que marcó una nueva etapa que ponía la mira en América Latina, Europa y Jamaica con canciones que se convirtieron en himnos para sus fans: "Waitin’", "Me Late", Bajo el mismo Cielo", "Voy Caminando Lento" y "Eso es Real".  Ahora, la emblemática banda argentina de reggae vuelve a México para celebrar tres décadas del disco que los lanzó al estrellato. Estarán de visita en suelo mexicano como parte de la Gira México 2024 Big Yuyo. Conversamos con Ariel "Topo" Raiman, baterista de la agrupación, sobre esta visita a México y la celebración del disco que abrió las puertas a Los Pericos.  ¿Qué tal les cae su regreso a México?Vamos como nueve veces por año, siempre contentos, gustosos de hacer otro viaje má

Las canciones: "¿Dónde quedó el amor?", "Huracán", "Lo que dejas Aquí" y "Esa Palabra". La aclamada agrupación de Ciudad Satélite, San Pascualito Rey, estrenó su sexto álbum de estudio Dark Guapachoso (2024) con el que rasgan sus raíces rindiéndole tributo a uno de los géneros acuñados a principios del nuevo milenio. Recomendado: El Cuarteto de Nos nos habla de la soledad, del encierro, de la incertidumbre y de la polarización Son nueve canciones las que integran el material. Destaca el desamor, el amor y el aferrarse a la vida cuando parece tender de un hilo. Así de una forma más madura, SPR nos regaló un disco producido de la mano de Gerry Rosado; un pilar para entender el concepto de la banda conformada por Pascual Reyes, Juan Morales, Vicente Jauregui, Chepo Valdez y Giancarlo Bonfatti. Con Dark Guapachoso el quinteto refrescó el rock nacional pero con la peculiaridad de su ritmo y las guitarras de Chente Jáuregui. En este disco los requintos destacan y nos remontan a Sufro sufro Sufro (2003), con el que San Pascualito Rey destacó en su género.  Como parte de las canciones del disco, se incluye una versión muy particular de "Necesito una Compañera" del disco Mi Fantasía de Los Bukis, ahora apropiada por SPR con su versatilidad y folclor. Abrazando el rock con influencias de la música popular mexicana, la banda ha perdurado en la escena más de dos décadas. Este disco es un simbolismo de la identidad que más de uno lleva dentro. Piezas claves para entender que la banda mues

El Cuarteto de Nos editó su último álbum Lámina Once en 2022 y se planteó problemáticas filosóficas: sobre la vida y el ser. Este disco contó ocho canciones producidas por Héctor Castillo y Eduardo Cabra Visitante en Vivace Music, en Uruguay. Fue grabado en la pandemia entre Montevideo, Puerto Rico y Nueva York, y se presentó como el primer material lanzado en su sello Porfiado Records. Cabe destacar que el título del nuevo disco de El Cuarteto de Nos surge de la técnica de Rorschach, una prueba psicológica que analiza la personalidad del sujeto. Dicho así, Lámina Once está en esa búsqueda de quienes somos. No pretende cambiar al mundo, pero sí la manera en la que vivimos.  Recomendado: ¡12 horas ininterrumpidas de música en este festival de reggae! En este concepto de criticar a la sociedad moderna y a cómo percibimos la realidad, sobresalen "Rorschach", " Cinturón Gris" y " Ciudad sin Alma".  La agrupación uruguaya conformada por Roberto Musso, Alvin Pintos, Gustavo Atuña y Santiago Marrero alistan una pronta visita a México para presentarnos su Lámina Once Tour 2024. Conversamos con su líder, Roberto Musso, sobre un poco de la historia de El Cuarteto de Nos, desde su casa-estudio en Montevideo. ¿Cómo estás Roberto?, ¿todo bien?Sí, vamos descansando, hace unos días estuvimos en Argentina, y ya estamos listos para regresar a la CDMX. Visitando a la familia, para que no se olviden de uno —risas—. Lámina Once es un disco pandémico. ¿Al retomarlo caes en cuenta de sus