Diego Vázquez

Capo, cantante, compositor y productor originario de Tijuana, México, lanza “Cuático”, sencillo que forma parte de su próximo EP. A lo largo de su carrera ha publicado cuatro discos de estudio: Un corazón se quema (2010), Florecer (2013), Navegantes (2016) y No soy un Celta (2021). Recomendado: Los 7 discos más esperados de junio 2025 Su propuesta mezcla rock con tintes western y dream pop. Aunque su proyecto nació en la CDMX, Capo integra influencias del norte del país con guitarras acústicas, synths y melodías de tono surrealista. Temas como “Es Natural”, “Qué”, “Fantasma” y “Dispara” reflejan esa mezcla de estilos. Tras una pausa, David “Tito” Vargas retoma el proyecto con nuevas canciones y un EP titulado Lo-Fi Collection, previsto para 2025, que incluye temas inéditos y algunas reversiones de su discografía anterior. De esto, conversamos con él: ¿Cómo ha sido el proceso creativo durante estos cuatro años después de la salida de No soy un Celta?Es un disco que trabajé con Adrián, quien siempre fue el baterista de Capo, y con Vicente. Al final, Vicente decidió salirse de la banda. Yo continué con el disco, estuve haciendo ruido un rato, pero se me atravesó la pandemia. Fue complicado porque mucha gente ya no estaba tan involucrada en la música, y eso fue cambiando un poco la escena. Me costó promocionarlo bien. Luego me aventuré con una rola que está en este nuevo EP, que se llama “Pedacito”, y ahora presento esta nueva que se llama “Cuático”. En este disco busqué

La banda más icónica del ska en México, Inspector, está celebrando sus primeras tres décadas de trayectoria, por lo que alistan un concierto en la Arena Ciudad de México el próximo 21 de junio. Dicha presentación estará plagada de los grandes éxitos que han cosechado desde su surgimiento en Monterrey, Nuevo León, en 1995. Recomendado: Los 7 discos más esperados de junio 2025 Con ocho discos de estudio, los regiomontanos han conquistado fronteras, llevando en alto el estandarte del ska. Con letras que se han quedado en la memoria colectiva, Inspector es una de las agrupaciones más longevas del género, reafirmando su legado en México y otros países. Su álbum Alma en Fuego (2001) es, indiscutiblemente, un referente del ska en nuestro país. Como referencia, canciones como “Amnesia”, “Amargo Adiós” o “Sombras en el Frío” forman parte de ese LP. Conversamos con Jesús Arriaga, “El Padrino”, sobre esta etapa que enfrenta Inspector. Es un gusto volver a platicar. Lo hicimos el año pasado, justo cuando regresaban de esa extensa gira por Estados Unidos…Pues sí, nos toca mucho esa combinación entre Estados Unidos y México desde hace ya bastante tiempo. Y bueno, siempre es un agasajo estar con toda la raza. Parece lejano, pero se pasa volando esto de la celebración de los treinta años. ¿Qué ha pasado desde esa gira por Centroamérica, Estados Unidos y México?No hemos parado para nada. Desde entonces, nos hemos embarcado en largas giras, como bien dices. Ahora, además de Estados Unid

Luego de 17 años de silencio, Los Látigos regresan con Centro (2024), un disco existencialista y honesto que marca un nuevo capítulo en su historia. Con más de tres décadas de trayectoria, la banda argentina, liderada por Marcelo Zeoli y Gonzalo Campos, reconoce a México como un punto clave en su carrera y como una fuente constante de inspiración. De gira por el país y antes de su show en Bajo Circuito, conversamos con ellos sobre su presente, sus recuerdos y lo que viene. Recomendado: 7 razones por las que The Black Parade de My Chemical Romance hizo historia ¿Qué representa volver a México después de tanto tiempo?Marcelo: Siempre es emocionante. En Argentina dicen que el público es el más entusiasta, pero por nuestra experiencia, el mexicano lo es aún más. Cada reencuentro acá nos llena de energía. ¿Cómo fue su primera vez en México?Marcelo: Muy loca. Cerati nos dijo en un antro de Buenos Aires que sonábamos un montón acá. A los días, su manager nos llamó para el Vive Latino. ¡Nos vinimos sin tener ni manager! (risas). Gonzalo: Fue increíble. No dimensionábamos lo que era el Vive. Terminamos compartiendo con colegas, conociendo gente y sintiendo ese cariño desde el inicio. Marcelo: Me acuerdo que Café Tacvba tocó “Chilanga Banda” y cambiaron una parte para decir: “¡En un concierto de Los Látigos!” (risas). Fue una señal de que algo había cambiado. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida de Los Látigos (@loslatigos) ¿Qué r

Con Gigante (2025), Leiva agudiza sus fantasmas y alza la voz por la salud mental, en un momento en que esta parece lejana, casi inexistente. Recomendado: El Bajío se llenará de distorsión con el ruido de Osees en Cervecería Hércules El cantautor madrileño atraviesa un problema de salud debido a una dolencia en las cuerdas vocales, lo que complica la creación de su sexto disco. Este camino hacia nuevas canciones comenzó en 2023, un periodo que le sirvió para analizar, reflexionar y canalizar esa reivindicación personal en su más reciente LP. A lo largo del disco, se muestra un Leiva introspectivo. El único fin es hacer catarsis; no hay auto-sabotaje, sino una suerte de canto a la reminiscencia. Dejando atrás la timidez, se adentra en su salud mental. Cada tema cantado por el ex Pereza resuena en cada letra. Desde la apertura del disco —que da título al material— suena el golpe de la batería, mientras se superpone un riff de guitarra que acompaña la crónica del desequilibrio emocional que Leiva interpreta: “A veces noto un temblor, un temblor gigante, me está agarrando un rencor, un rencor gigante”. Sin duda, son canciones que el cantante entrelaza con precisión, rindiendo cuentas de su estado emocional. “Bajo presión” detalla esa sensación de encierro, de una taquicardia provocada por la ansiedad; una ansiedad que muchas veces estaba presente, pero que no había notado: “Ya no hay dragón, ni adrenalina. Ni autoboicot a tu autoestima. Llevan razón, tú no funcionas bajo pre

Procedentes del norte del país, Chihuahua, Apolo ofrecía un sonido crudo, riffs de guitarra y baterías ensordecedoras cuando, a mediados de los dosmiles, hicieron su aparición. Recomendado: Pahua, Renee Mooi y Ampersan lideran la edición más salvaje de Jardin Rouge Sus discos Apolo EP (2012), Tercer Solar (2013), Guardián (2015) y Rimuri (2019) complementan su trabajo como agrupación. Todos ellos con la energía explosiva que los caracteriza. Su propuesta los hizo consolidarse dentro del circuito de bandas emergentes de la CDMX, y lograron traspasar fronteras para pisar los escenarios de los principales festivales en Centroamérica e incluso Europa. Claro está: haciendo referencia al dios asociado con la música, Apolo fue uno de los dioses más importantes del Olimpo. Así fue como la banda decidió gestar un proyecto basado en la mitología griega. Han pasado 18 años desde su formación. Tras una pausa en 2019 para replantearse su camino, en este presente se dan cuenta de que no hay un porvenir, al menos no en un futuro cercano. Por eso, su camino los conduce a un adiós. Pero no sin antes ofrecer un concierto el próximo 26 de abril en Bajo Circuito, donde harán un recorrido representativo de su trayectoria con un show enérgico. Conversamos con Albar Alcántara, líder de Apolo, quien cómodamente sentado en un camastro desde su casa en Playa del Carmen, compartió detalles sobre esta última presentación en CDMX. Será memorable esta charla, Albar. Cuéntame, ¿cómo recuerdas es

Panteón Rococó surge también como una respuesta a eso, a cómo queríamos enfrentar el nuevo México que estaba despertando. No era el que nos vendía la tele, ni Salinas, que decía que llegaríamos al primer mundo; era uno muy diferente. Surgidos a mediados de los años noventa, en el contexto del levantamiento indígena, germinó lo que se convertiría en el proyecto más sólido que ha dado el ska en México: Panteón Rococó. Empezaron tocando en fiestas y pequeños bares. El primero que les abrió sus puertas fue La Faena, en el Centro Histórico de la CDMX, hace ya 30 años. Recomendado: ¿Quieres ganar boletos para ver a Hombres G en el Estadio GNP Seguros? Desde el norte de la ciudad, la banda traía claro que su mejor defensa era la música. Fue ahí cuando Luis Román Ibarra “Dr. Shenka”, Darío Espinosa, Leonel Rosales “Monel”, Rodrigo Bonilla “Gorri”, Felipe Bustamante, Misael Oseguera y Marco Huerta “Tanis” se unieron para formar la agrupación. Con una ideología de resistencia, y bajo el sello RCA, editaron su álbum debut A la izquierda de la Tierra en 1999. Ahí estaban “La dosis perfecta”, “Cúrame” y “Toloache pa’ mi negra”, y con ellas comenzó la historia que tres décadas después sigue escribiéndose. Platicamos con Monel y Gorri sobre este aniversario número XXX y su gira “Sonido Rococó, Generación del 95”, que llegará a la CDMX el 27 y 28 de noviembre en el Estadio GNP Seguros. ¿Qué sensación les da regresar al lugar donde todo germinó hace treinta años?Gorri: Siempre nos sorp

Los Planetas es una de las bandas más influyentes de las últimas décadas. Es el grupo más relevante de España después de la Movida, formado a comienzos de los años 90. Su álbum debut, Super 8 (1994), marcó una huella imborrable con su característico indie-pop. Recomendado: Acá los 10 shows que más nos emocionan del 25 aniversario del Vive Latino Así, Juan Ramón Rodríguez Cervilla (J), Florentino Muñoz Lozano (Florent), Ernesto Jiménez Linares (Eric), Esteban Fraile Maldonado (Banin) y Miguel López encontraron su identidad en el noise-pop, un sonido que permeaba los inicios de la década. Este primer material recibió elogios de la prensa española y contiene canciones memorables como "Qué puedo hacer", "Estos últimos días" o "La caja del Diablo", que se han convertido en referencias de la música granadina. Ahora, este disco celebra tres décadas de existencia, y Los Planetas han preparado una gira —que ya llevan un año arrastrando— en la que interpretan Super 8 en su totalidad. Como parte del 30 aniversario, la banda ofrecerá un par de presentaciones en CDMX, Guadalajara y Querétaro. Ahora sí, los planetas se alinearon. Conversamos con Jota, cantante de la banda, sobre esto. Llevan un año celebrando el aniversario de su álbum debut con una gira bastante extensa. Aunque, si pensamos en un disco tan memorable, el tiempo es relativo. ¿Cómo les ha ido?El disco salió en junio de 1994, así que estaremos celebrando prácticamente hasta esa fecha, hasta junio de este año. Tenemos un

En realidad, no sé hacia dónde me lleve esto, pero hay una conexión especial con las canciones. Emmanuel del Real —Meme—, reconocido tecladista y miembro fundamental de la icónica banda de rock latinoamericano Café Tacvba, presenta con orgullo “Princesa”, el primer sencillo de su esperado álbum solista. Recomendado: Descubre las nuevas sesiones en vivo en México. Los primeros invitados fueron Valgur Este nuevo proyecto lo lleva a explorar sus influencias, combinando tradiciones culturales latinas con sonidos contemporáneos, reflejando su pasión por la música. Las canciones fueron creadas en su casa-estudio en Valle de Bravo, Estado de México, lejos del bullicio citadino, donde Meme encontró el refugio y la musa para componer, rodeado de la naturaleza que lo inspiró en esta nueva faceta. “Princesa” es una balada adornada con cuerdas y arpa, evocando un aire futurista a lo José José, pero con tintes de synth-pop existencialista. La voz de Meme es la protagonista de la canción, y contó con la colaboración del legendario productor Gustavo Santaolalla, quien aportó su talento en la guitarra eléctrica y su visión artística para dar cohesión al álbum. El músico da un paso hacia nuevos horizontes, explorando su autonomía artística. Su álbum solista está programado para los próximos meses y promete sorprender con una propuesta fresca, introspectiva y profundamente emocional. Conversamos con Meme sobre este proceso creativo en una etapa en la que, por primera vez, se asume como fron

Ternura Radical es el nuevo disco disruptivo del compositor mexicano Vicente Jáuregui; un manifiesto político y una reflexión de nosotros mismos. El material tiene cinco temas: “Más Amor”, “Ternura Radical”, “Lava”, “Flechazo” y “Ataque de Pánico". Recomendado: Dónde comprar discos de vinil en la CDMX Producido por el músico Pepe Pecas, este álbum fue clave en la búsqueda del sonido que Vicente Jáuregui quería, desde su primer material, Petricor (2023), hasta esta nueva etapa en solitario. En esta nueva producción, el también guitarrista de San Pascualito Rey hace una crítica a un mundo donde la violencia se ha normalizado. Jáuregui sostiene que, ante la realidad violenta en la que vivimos, la mejor forma de resistir es con amor. Con tintes de rock ochentero, guitarras distorsionadas y sintetizadores, Ternura Radical se construye sobre una base creativa en la que el cantante expresa sus vivencias más personales. Desde su debut con Petricor, cada canción ha adoptado un sonido más crudo, moviéndose entre lo experimental y la psicodelia, creando así un álbum atmosférico y rockero. Ternura Radical es más que un manifiesto; refleja un desencanto y cuestiona a la sociedad. El tema que abre el disco, “Más Amor”, exalta este sentimiento como “la forma de cambio del mundo”. Con sus riffs distorsionados, “Ternura Radical” nos da la bienvenida, sacando a relucir los miedos internos al resaltar: “Vencí a mi peor demonio, ya no, ya no me perdí”'. El disco cierra de manera abrupta

Híbrido es el título con el que Los Daniels regresan para seguir catapultando su esencia rockera. Para esta, su octava producción, la banda capitalina apostó por un disco distinto, llevando su sonido a un nivel más potente y explorando con nuevas texturas, como arreglos de cuerdas y distorsiones. Este formato combina lo acústico, lo sinfónico y lo eléctrico. Para ello, el quinteto se alista para su regreso triunfal al Teatro Metropólitan tras varios años de ausencia. Recomendado: Proyectarán documental de The Mars Volta en salas de cine de la CDMX Esta producción no solo representa una nueva etapa creativa, sino que se despoja de todo pudor y enfrenta el reto de seguir siendo una banda estandarte del rock en México después de 18 años de trayectoria. “Deja que ladren los perros” es más que el nuevo sencillo y bandera de lo próximo de Los Daniels: es una declaración de resistencia ante las críticas en redes sociales Con Híbrido, la banda reafirma que el rock sigue siendo su territorio y que ahí permanecerán por mucho tiempo. Con un repertorio que incluirá lo mejor de sus discos anteriores, así como los temas que han marcado su trayectoria, este álbum les ha dado la sensación de reinventarse. Sin duda, un regreso a su propio génesis. Platicamos con Isma, Poncho, Daniel, Miguel y Rasheed sobre su próximo show y lo que implica mantenerse en la escena. ¿Cuál consideran que es su declaración de principios para llegar a 18 años en la escena?Miguel: Yo creo que nuestros principios son

Han pasado 22 años desde que el proyecto tapatío Sussie 4 publicó su álbum debut Música Moderna, por el sello Nopal Beat. Recomendado: 7 razones para no perderte el regreso de Justice a México Música Moderna fue un pilar para entender el acontecer de la música electrónica en México; resaltando la feminidad en sus colaboraciones con Ely Guerra, Denisse Guerrero —Belanova— y Valentina González.  En el LP se incursionó en el house, poniendo de referencia a ritmos latinos con icónicos temas como "Conciencia Latina", "El Rey del Biutiful" o "On time".  A más de dos décadas de su salida, este disco es un estandarte de la música electrónica que se ha quedado en la memoria colectiva.  César Gudiño, Cecilia Torres y Raúl "Picho" Torres conforman la alineación original.  Ahora han estado sacando un par de sencillos "Brujería", "Fuego" y recientemente "Este Silencio" con Alfonso Pichardo de Moenia, y que formará parte de un LP de la mano del productor Ghost L4tino. Aunado a esto, se le suma una gira que han tenido por diversos escenarios, esto por los 22 años de su disco, incluyendo un íntimo show el pasado 28 de diciembre en Departamento. Conversamos con César Gudiño, desde su estudio, sobre este aniversario. Gracias César, te agradezco este enlace para Time Out. ¿Cómo estás?Muy bien, acá estoy en el estudio dándole duro a lo que estamos preparando para el próximo año. Entre shows, tiempo en el estudio y arreglando los fierros, de vez en cuando hay que darles mantenimiento —risas—. Si

Poco más de dos décadas de historia lleva recorriendo Bengala en el rock mexicano, con cinco álbumes de estudio que han sido estandarte, capturando la esencia de sus líricas y riffs de guitarra. Se hicieron notar desde la salida de su álbum debut homónimo. Recomendado: Los mejores discos de 2024 Después de su último material, Tiempo Futuro (2023), su disco pandémico y el más nostálgico en su discografía, escuchamos "Grita". Este track marca el regreso de la banda del sur de la CDMX, con un sonido fresco y distinto a lo que habían mostrado anteriormente.   Este sencillo, viene acompañado de próximas presentaciones, una de ellas el 13 de diciembre en el Foro Indie Rocks! Conversamos con Amauri Sepúlveda y Diego Suárez sobre el proceso creativo de las nuevas canciones, el origen de su sonido y la escena rock.   Cuéntenme sobre esta nueva etapa en la que está la banda; pese a que van y vienen, siempre están presentesAmauri: Pues estamos muy contentos, la verdad ya extrañábamos sacar algo nuevo. Ha sido muy cómodo cómo hemos venido trabajando; hemos descuidado un poco los escenarios, pero tocamos cuando podemos. Muy pronto estaremos en el Foro Indie Rocks! Si algo caracteriza a Bengala, es que cada disco es distinto. Justo enfocándome en Tiempo Futuro, salió en un momento detonante para el mundo. Ese disco, creo, marcó un antes y un después…Amauri: Sí, como bien dices, fue una época difícil para todo el mundo. Tiempo Futuro lo hicimos en pandemia. Tiene un sonido muy melancólico,