Irene Calvo

Colecciones de arte, muestras y exposiciones temporales se suceden en los principales museos, galerías y centros culturales de Madrid. Algunas solo pueden verse durante unas semanas, otras se quedan durante meses en la capital. Para que no te pierdas ninguna, apunta las que te sugerimos en esta lista, en la que hemos recopilado nuestras recomendadas y todas las que puedes ver en la ciudad. Si buscas algo más específico, puedes encontrar nuestras selecciones sobre muestras de fotografía, las que son gratis, o las experiencias inmersivas. Y si te quedas con ganas de más, siempre puedes comprar arte a buen precio (sabemos cuáles son las mejores tiendas para hacerlo). RECOMENDADO: Cuándo entrar gratis en los museos de Madrid Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Retrospectivas atípicas, reflexiones sobre el arte y el público, artistas por descubrir, jóvenes promesas que sorprenderán con sus propuestas o piezas históricas revisitadas desde nuevas miradas: el año que viene trae una programación expositiva de lo más variada y atractiva, perfecta para explorar, aprender y disfrutar del arte en 2026. RECOMENDADO: Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Además de los museos, como el Prado, el Thyssen o el Reina Sofía, los espacios institucionales o las grandes salas de exposiciones, las galerías son una de las alternativas para conocer artistas nacionales e internacionales, obras únicas y propuestas atrevidas en Madrid. Comienza la nueva temporada y las galerías arrancan sus programaciones expositivas con atractivas propuestas, nuevas producciones, retrospectivas e interesantes reflexiones. Y lo mejor de todo: estas son las exposiciones que no podéis perderos (¡y gratis!). RECOMENDADO: La agenda con las propuestas de arte imprescindibles del mes Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Son muchos los centros culturales, fundaciones, instituciones y museos en los que es posible disfrutar de una exposición en la ciudad. Ahora bien, tu alegría probablemente se incremente considerablemente cuando te digamos que son muchas también las galerías de arte de Madrid en las que esta misma experiencia, la de pasear entre cuadros, fotografías, esculturas y casi cualquier tipo de expresión que se te ocurra, puede realizarse gratis. Esta es nuestra selección para que salgas a empaparte de arte, pero dejando la cartera en casa. RECOMENDADO: Museos y centros culturales en Madrid donde ver arte gratis Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Antiguas naves industriales y talleres que acogen ahora espacios de encuentro e intercambio, estudios de artistas y residencias para creadores con propuestas experimentales e innovadoras, conviven con consolidadas galerías de arte contemporáneo, exposiciones de gran formato o jóvenes proyectos con ganas de revolucionar el panorama artístico. Todas estas iniciativas han convertido el distrito de Carabanchel en el lugar perfecto donde disfrutar del arte más actual y alternativo. RECOMENDADO: Las exposiciones que tienes que ver ahora mismo en Madrid Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

PHotoESPAÑA (PHE) celebra su XXVII edición bajo el lema Después de todo, que alude a la capacidad de la fotografía para adaptarse, innovar e impulsar cambios sociales. Por primera vez el festival cuenta con un país invitado, Chile, que mostrará grandes nombres de la fotografía andina en los espacios madrileños. Como cada año, PHE consta de una sección oficial, sedes invitadas y Festival Off, además de actividades paralelas como talleres, recorridos o encuentros. El festival se desarrollará hasta el 14 de septiembre y estas son las expos que no deberías perderte. RECOMENDADO: Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid

Del Prado al Thyssen, la ciudad cuenta con algunos de los mejores museos de Europa, y entre ellos hay algunas obras de arte que hay que ver al menos una vez en la vida. Pero el mejor arte no sólo se encuentra en las instituciones. Las calles de Madrid también son un museo en sí mismo, con esculturas, obras de arte callejero e incluso iglesias que esconden secretos para dejaros boquiabiertos. Os presentamos algunas de las obras imprescindibles que ver en la capital. ¿Cuántas os faltan por conocer?  RECOMENDADO: Cuándo visitar gratis los museos de Madrid

A Madrid no le van a faltar planes este 2025, como tampoco exposiciones que ver. Prometedores encuentros, investigaciones, antológicas y experimentaciones marcan las propuestas expositivas de las salas de los espacios culturales de Madrid. Desde grandes nombres de la Historia del Arte, hasta artistas de media carrera, pasando por consolidados creadores: el 2025 viene cargado de propuestas expositivas imprescindibles. Estas son las exposiciones imprescindibles. RECOMENDADO: Las exposiciones que puedes ver hoy en día en Madrid. 

El arte contemporáneo es el protagonista del Museo Reina Sofía. Pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías y otros soportes son conservados en este gran edificio, que se construyó en el siglo XVIII como hospital y que Jean Nouvel amplió en 2005.  El origen del museo se remonta al siglo XIX, cuando se reservó un ala del actual Museo de Arqueología para las pinturas posteriores a Goya. La colección fue aumentando y se trasladó primero a Ciudad Universitaria y, después, en 1986, se inauguró la sede actual. Su colección está centrada en las vanguardias españolas, pero también podemos encontrar artistas internacionales. RECOMENDADO: Las 10 obras del Museo del Prado que no te puedes perder

Recorridos virtuales, vídeos didácticos o información sobre las piezas más relevantes son algunos de los recursos online que los museos madrileños ponen a nuestra disposición para esos momentos en los que el cuerpo nos pide un chute de la belleza que encierran entre sus paredes, pero el tiempo o la distancia no nos permiten salir de casa y acercanos hasta ella. Estos son nuestros museos de Madrid preferidos para recorrer de forma virtual.  RECOMENDADO: ¿Quieres descubrir más contenidos interactivos? ¡Descubre nuestra Time Out Pocket!

Con la llegada del otoño, los museos y espacios culturales presentan sus nuevas programaciones y Madrid se llena de interesantes propuestas como la exposición de Santiago Sierra en el Museo CA2M, la muestra que explora la obra escultórica de Matisse en la Fundación Canal o la que dedica el Museo del Prado al taller de Rubens. Temas, estilos y planteamientos para todos los públicos que acercan el arte y la cultura a través de diferentes formatos.  RECOMENDADO: Todas las exposiciones inmersivas que vas a encontrar en Madrid

A diferencia de otros museos nacionales, el Thyssen parte de una colección privada, la del barón Thyssen-Bornemisza. La familia Thyssen siempre tuvo interés por el arte y a principios del siglo XX, comenzaron a adquirir obras. El coleccionismo se mantuvo a lo largo de todo el siglo sin que se expusiera de forma permanente. En 1992, gracias a un acuerdo con el gobierno español, se inauguró la actual sede del Museo Thyssen-Bornemisza. Las obras del nuevo museo complementaban a las colecciones del Museo Reina Sofía y del Prado y así surgió el llamado “Triángulo del Arte”, compuesto por las tres instituciones, que se encuentran muy cerca las unas de las otras. RECOMENDADO: Los 10 cuadros que tienes ver si visitas el Museo Reina Sofía en Madrid

Se dice que la Historia del Arte nunca le ha dado el lugar que se merece y posiblemente sea cierto. Antonio Raphael Mengs es, sin duda, un virtuoso de las bellas artes que suele pasar un tanto desapercibido. Esta exposición se ha propuesto ponerle remedio a esto y a través de 10 secciones recorre desde sus años de formación, hasta su llegada y evolución en la corte española, pasando por su relación con el historiador del arte Johann Winckelmann, sus incursiones en la filosofía o la influencia de Rafael en su obra. El virtuosismo del artista fue alimentado por la estricta educación y formación en dibujo y pintura que le impuso su padre, también pintor de corte de Augusto III de Sajonia. Mengs superó a su padre con facilidad y se fijó en su verdadero referente, Rafael. Esta relación de admiración e influencia se puede apreciar al ver Lamentación sobre Cristo Muerto (Mengs, 1768) junto a Caída en el camino del Calvario (Rafael, 1515-16). Si el dominio del color de Mengs es asombroso, los dibujos expuestos son pequeños tesoros que merecen la pena ser disfrutados. Su admiración por el arte grecorromano era compartida con teóricos como Johann Winckelmann y ambos trabajaron en el marco teórico y práctico de lo que se conocería como Neoclasicismo, un movimiento artístico inspirado en el arte clásico. Esta fructífera relación llegó a su fin cuando Mengs engañó a Winckelmann al realizar un mosaico romano falso que le dejó al teórico en ridículo ante la sociedad. En la muestra se exhibe

En 1971, Félix González-Torres llegó a Madrid, como parte de un programa para sacar niños de Cuba, donde el artista nació. Tras pasar un tiempo en España, González-Torres viajó a Puerto Rico y Nueva York, allí desarrolló una extraordinaria carrera artística multidisciplinar. El artista producía escultura, instalaciones o fotografías, a menudo relacionadas con prácticas performativas, ya que para González-Torres era muy importante la cualidad de mutabilidad de la obra que se conseguía a través de la performance. En 1990 Felix volvió a Madrid y escribió: "Volver a Madrid después de veinte años, dulce venganza"; es esa sweet revenge la que recoge ahora el Museo Reina Sofía en esta antológica que repasa algunas de las piezas más importantes del artista, fallecido en 1996 debido a complicaciones derivadas del sida.

En esta segunda individual del artista colombiano en Albarrán Bourdais, Iván Argote presenta sus obras más recientes, pertenecientes a las series Clouds y Breathing's, entre las que destaca una pieza de vídeo en torno a la cual gira la muestra. En este vídeo podemos ver unas acciones que el artista realiza en la vía pública mientras escuchamos un diálogo aparentemente inconexo en el que nos podemos reconocer a través de experiencias en el espacio público, vivencias positivas y negativas que han marcado y siguen marcando nuestra vida social, de forma que podemos ser conscientes de la importancia de este tipo de espacios en nuestra vida. A la vez, Argote aparece reparando de forma simbólica grietas del pavimento con cemento pigmentado, donde se inscriben varias palabras, como Sentir tu peso o Dignidad y respeto. La exposición se completa con otras obras que se inspiran en los materiales urbanos y en las palabras que marcan la forma de relacionarnos con los elementos patrimoniales que determinan los usos del espacio público. Con esta propuesta, el artista invita a cuestionar cómo vivimos los lugares comunes, cómo nos afecta su uso y estado y cómo podemos desafiar las estructuras autoritarias a través del lenguaje.

Aunque lleva muchos años creando, esta es la primera exposición de Inés Figaredo y la primera vez que es representada por una galería. El resultado no podría ser mejor. 50 obras recorren la producción de los últimos años de la artista, que vive apartada y en un estado de clausura en su casa por voluntad propia. Esto no es casualidad, ya que el hogar es el concepto en torno al cual Figaredo reflexiona, como refugio íntimo, pero también como lugar donde se forja una identidad. Las piezas de Casa están compuestas por materiales que han pertenecido a la familia de la artista, un ejercicio de arqueología familiar y etnografía personal que aporta una carga emocional a cada obra. Los diferentes elementos domésticos y materiales usados representan un nuevo espacio de abstracción al que acceder, una nueva oportunidad de soñar y volver a ese hogar donde solo tenemos que ser. Así, encontramos manteles y paños familiares, farolas del siglo XIX, colchones rellenos de lana virgen de los años 70 o columpios de la década de los 80 en una producción marcada por su atractivo colorido, obras llamativas que atraen visualmente y que atrapan una vez descubierta su procedencia e intencionalidad.

Philipp Fröhlich se integra en la plantilla de artistas de Juan Silió con esta exposición, en la que se muestran una selección de obras realizadas en los últimos cinco años. En estas pinturas se puede apreciar el estilo de Fröhlich, su uso de la luz y el color y la forma de encuadrarlas. Se trata de una serie de escenas urbanas, interiores y campestres, protagonizadas la mayoría por animales. El artista plasma momentos llenos de dinamismo, con mucha acción y movimiento, que harían pensar que se ha inspirado en una fotografía o un vídeo. Pero lo cierto es que el autor construye maquetas a partir de las cuales realiza sus pinturas. Un recurso curioso mediante el cual se puede reflexionar sobre el arte como reproducción de la realidad o -como en este caso- como una construcción a partir de la imaginación. Para sus piezas, Fröhlich toma referencias de otras obras de diferentes periodos de la Historia del Arte, las estudia y después realiza su propia composición. El resultado son estas pinturas en las que el dramatismo sostenido consigue atraparnos e invita a pensar qué pasaría después. Y lo cierto es que la respuesta está en nuestra propia imaginación.

Al decir que "Walter Benjamin ha muerto", parece que el filósofo y crítico alemán acaba de fallecer, a pesar de que lo hizo en 1940. En esta muestra, Dora García juega con la paradoja temporal que produce el presente o pretérito perfecto: algo ha sucedo en el pasado y sigue sucediendo en el presente. Con esta idea la artista se fija en un grupo de intelectuales del siglo XX: Asja Lācis, directora de teatro y pedagoga letona, Carla Lonzi, crítica de arte y feminista italiana y Alejandra Pizarnik, poeta argentina. Las acompaña Walter Benjamin, presente a lo largo de la exposición, a veces de forma sutil. A través de libros intervenidos, dibujos e instalaciones, la artista trae a estas figuras a ese extraño estado de pasado-presente gracias a que ahora ellas también forman parte de sus obras. La muestra también homenajea a Julio Cortázar y, en concreto, a su Rayuela, a través de unas instalaciones colocadas en el suelo donde se pueden ver datos biográficos de las figuras protagonistas. A pesar de este intento de insuflar un presente a un pasado cerrado, la artista deja en el aire la posibilidad de un futuro en el que las protagonistas seguirán muertas, una reflexión llena de desencanto y también de realismo.

En la primera individual del artista mongol Bekhbaatar Enkhtur en España, el artista presenta un conjunto de obras que encarnan criaturas fantásticas, relacionadas con leyendas y mitos de Asia, transmitidos de forma oral a través de los tiempos. Esta oralidad aporta, a ojos del artista, una mutabilidad de las historias que se refleja en las piezas de Tinct. Una de las obras más destacadas de la muestra es la escultura Untitled, de aspecto serpenteante y cabezas de dragón, que recoge en su morfología iconografías medievales de Aeshma-daeva de origen persa y turco, símbolo del exceso terrenal y precedente del demonio judeocristiano Asmodeo. De esta manera el artista no solo produce una nueva iconografía que suma a esa tradición oral, sino que también recoge las múltiples capas que han ido enriqueciendo el mito. Por otro lado, en Sumurgh se invoca al fuego como elemento transformador y revelador de posibilidades. En esta pieza, compuesta por unas máscaras de soldar, aparece el Simurgh, una antigua criatura alada persa asociada con ciclo de la vida y la muerte. Enkhtur propone una reflexión sobre los mitos, las leyendas, la oralidad y la transformación como motor de la vida a lo largo de los tiempos.

El tirarse como acto de valentía y la incertidumbre como forma de vivir se entrecruzan en el título de la muestra, tomado del poemario Que se contradicen de Carmen Rotger. Comisariada por Pedro Huidobro, la propuesta aborda las diferentes formas de estar en el mundo desde la experiencia de cuatro jóvenes artistas emergentes: Sofía Briales, Mario Manso, Isabel Merchante y Ángel Sevillano. Cada uno de ellos presenta una obra de gran formato en un pequeño espacio de CentroCentro que contiene los anhelos, sueños, miedos e ilusiones de una misma generación de artistas. Dejar el pincel a remojo, de Sofía Briales, está formado por dos enormes lienzos pintados de negro por los que discurre agua, que es recogida en un pilón y reutilizada después en un circuito cerrado. La artista propone reflexionar sobre la espera no como fin, sino como medio en sí mismo. A través de las capas de pintura que el agua dejará sobre los lienzos, la obra se irá conformando. Mario Manso también utiliza el agua en su pieza, Sal (del cuerpo), una instalación realizada a base de conductos de plástico que forman parte de un sistema mixto de riego hidropónico de agua y sal en continuo movimiento. Así, cuando el agua se evapora produce unos cuerpos salinos. De esta manera, la obra está formándose continuamente, pero también está inacabada todo el rato. En Órgano para ordenador, Isabel Merchante ha construido una instalación capaz de materializar un sonido que nunca vamos a escuchar y lo hace mediante burbujas. L

Siempre se ha mantenido al margen de las tendencias y ha trabajado su estilo personal durante más de 60 años. Esta muestra en la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid reconoce y pone en valor la trayectoria artística de Jordi Teixidor, uno de los máximos representantes de la abstracción española. Su recorrido profesional está marcado por su vinculación al Museo de Arte Abstracto Español, donde ejerció como conservador cuando apenas tenía 25 años. Y es que, a lo largo de su producción, si ha habido una constante, es la pintura abstracta, con la que el artista busca provocar un espíritu crítico y reflexivo. Premio Nacional de Artes Plásticas, Teixidor cuestiona el arte desde el arte, la pintura desde su práctica y la existencia desde el cuestionamiento de la misma.

Esta es una retrospectiva atípica. Arquitectura menor repasa el trabajo que Ester Partegás ha desarrollado durante las últimas tres décadas, pero no lo hace de manera cronológica, sino que propone un diálogo entre sus obras, honesto y transparente, donde podemos comprender a la artista, sus intereses y también sus equilibrios, resistencias y vaivenes. La muestra, pensada para el Museo CA2M de la Comunidad de Madrid y Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma, se fija en los pequeños detalles, esos que pasan inadvertidos muchas veces, aunque resultan clave para entender una obra, atisbar una contradicción de la artista, o cuestionar lo que estamos viendo. Como esa arquitectura menor que soluciona la estructura sin apenas atender a otras cualidades, Partegás ha creado todo este tiempo para responder a su necesidad creativa. En esta exposición reflexiona sobre su propia producción y evolución.

Fue una de las primeras mujeres que se pudo ganar la vida como fotógrafa, gracias una exposición individual que organizó el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1943. Sin embargo, la trayectoria de Helen Levitt arrancó en 1931, cuando comenzó a trabajar en un pequeño estudio de fotografía del Bronx. Los barrios más humildes de Nueva York son, a menudo, escenario de sus fotografías más conocidas. En esta muestra podemos ver estas imágenes y otras inéditas, así como los trabajos que realizó en México en 1941 y una excelente muestra de su obra en color, técnica que abordó a partir de la década de 1950. También se presenta el documental In the Street (1948), que codirigió. Como curiosidad, Levitt siempre evitó explicar o comentar sus imágenes. Esto ha dado lugar a muchas interpretaciones y versiones, todas válidas, porque el verdadero valor de las fotografías de Levitt es la forma en que conecta con las personas.

Ana Locking es una diseñadora de moda consolidada, con más de 20 años de trayectoria, y conocida por combinar propuestas arriesgadas con cuestiones sociales. En esta retrospectiva se repasa su carrera, desde que comenzó a trabajar en el taller de confección de su madre, sus estudios en Bellas Artes o la primera marca que creó, Locking shocking, en 1996, hasta llegar, en 2008, a la firma que lleva su nombre. En sus diseños, Locking fusiona artesanía y experimentación, sin dejar de lado la atención al detalle y la practicidad de las prendas. Cada colección responde a unos intereses sobre el arte contemporáneo, la actualidad y las propias vivencias de la diseñadora. Además, Locking colabora en proyectos artísticos de instituciones públicas y privadas.

En lo que llevamos de 2025, hemos disfrutado de propuestas artísticas novedosas y originales, pero este año todavía guarda sorpresas. Las salas de exposiciones de Madrid se llenan de arte en la nueva temporada: escultura, pintura, fotografía, vídeo... Estas son las muestras que están por venir y que deberías apuntar en tu agenda. Nuevos imaginarios (Condeduque) Lois Patiño. Flores de piedra cantan, 2024 ©Lois Patiño El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque arranca la nueva temporada expositiva con esta propuesta en la que convergen las prácticas cinematográficas y los espacios artísticos. La Sala de Bóvedas acoge las obras de una selección de cineastas con amplio reconocimiento en el panorama internacional: Helena Girón & Samuel Delgado, Isaki Lacuesta, Oliver Laxe, Laida Lertxundi, Lois Patiño y Susana de Sousa Dias. Esta relación entre arte y cine no es nada nuevo, ya desde las vanguardias del siglo XX existe y es el momento perfecto para comprobar en qué situación se encuentra en la actualidad. La muestra aborda desde acontecimientos contemporáneos hasta hechos históricos que dieron paso a las nuevas perspectivas del poscolonialismo. Los artistas de Nuevos imaginarios parten de lugares comunes y conocidos para construir e idear un nuevo imaginario, una nueva forma de expresarse que cuestione lo establecido y que incite a reflexionar desde lo cinematográfico todo aquello que caracteriza a las sociedades contemporáneas. Oro tejido con paja (La Casa Encendida)   J

Pintura, escultura, arquitectura, instalación, fotografía... En su práctica, Juan Navarro Baldeweg hace por buscar el arte en varias de sus manifestaciones, mientras que a veces, confiesa, se lo encuentra. Esta combinación de hacer y azar ha marcado su trayectoria, que comenzó a mediados de los años 50, poco antes de empezar a estudiar Arquitectura. La muestra abre con 'Interior II', una instalación abstracta formada por elementos que activan las energías generadoras en una habitación: fotografías, brújulas y piezas en equilibrio. Cerca, una enorme fotografía de 'El columpio (Luz y metales)' destaca por su belleza. Esta obra forma parte del proyecto que el artista desarrolló en el MIT de Massachussetts a principios de los años 70. Se trataba de una estancia vacía, donde Navarro había marcado cómo incidía la luz en ella. Después colocó el columpio estático, detenido en el punto más alto de su oscilación. En la muestra encontramos más materiales sobre esta instalación. De este mismo periodo es la imponente fotografía 'La columna y el peso'. Vista de la exposición. Foto Amapola Creativa Los grandes y coloridos lienzos, tan característicos del autor, tienen presencia constante a lo largo de todo el recorrido y, a pesar de pertenecer a periodos diferentes, el diálogo entre las pinturas es fluido y orgánico. Otro proyecto de Navarro que aúna diferentes facetas artísticas y que tiene presencia en la muestra es 'La casa de la lluvia', un encargo arquitectónico que tomó la lluvia co

El Museo Reina Sofía salda su deuda con la creadora Marisa González con esta antológica que reconoce la trayectoria de la artista, pionera en España en la utilización y combinación de nuevas tecnologías y que, a sus 81 años, sigue activa. Termofaxes, electrografías, fotocopias a color... eran algunas de las nuevas tecnologías en los años 70 y 80, cuando Marisa González las incorporó a su práctica artística. Un ejemplo es la gran instalación realizada con rollo de papel de colores para fotocopiadora, que nos recibe al acceder a la muestra y que parece rendir homenaje a Sonia Sheridan, profesora de González en el máster 'Sistemas Generativos: Arte, Ciencia y Tecnología' de la Escuela del Art Institute de Chicago, que marcaría para siempre su producción. Encontramos varias obras producto de esa experimentación en el departamento de Sistemas Generativos en la primera sala de la exposición. Marisa González. ‘Vértigos de identidad’ de la serie ‘Miradas en el tiempo’. 1992-1993, a partir de fotografía de 1917. Colección de la autora. Otro de los pilares clave de la producción de González es el feminismo. En la muestra podemos ver una de sus obras más impactantes, 'La descarga', realizada en los años 70. Consiste en una serie de fotografías que inmortalizan una performance de varias artistas que reaccionaron a una noticia sobre las torturas y violaciones de miles de mujeres encarceladas por el régimen de Augusto Pinochet en Chile. En 'Un modo de hacer generativo' también están pres