Irene Calvo

Colecciones de arte, muestras y exposiciones temporales se suceden en los principales museos, galerías y centros culturales de Madrid. Algunas solo pueden verse durante unas semanas, otras se quedan durante meses en la capital. Para que no te pierdas ninguna, apunta las que te sugerimos en esta lista, en la que hemos recopilado nuestras recomendadas y todas las que puedes ver en la ciudad. Si buscas algo más específico, puedes encontrar nuestras selecciones sobre muestras de fotografía, las que son gratis, o las experiencias inmersivas. Y si te quedas con ganas de más, siempre puedes comprar arte a buen precio (sabemos cuáles son las mejores tiendas para hacerlo). RECOMENDADO: Cuándo entrar gratis en los museos de Madrid Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Con una extensión de más de 100 hectáreas, el Parque del Retiro es una de las principales zonas verdes de Madrid. Su origen se remonta a 1633, cuando se inauguró el Palacio del Buen Retiro, un complejo de ocio y descanso para el rey, del que solo se conserva el Casón del Buen Retiro y el Salón de Reinos. Los jardines y huertas del palacio se transformaron en el Retiro, un parque que alberga numerosas historias y anécdotas gracias a sus casi 400 años de historia. RECOMENDADO: Los parques y jardines más bonitos de Madrid Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Del Prado al Thyssen, la ciudad cuenta con algunos de los mejores museos de Europa, y entre ellos hay algunas obras de arte que hay que ver al menos una vez en la vida. Pero el mejor arte no sólo se encuentra en las instituciones. Las calles de Madrid también son un museo en sí mismo, con esculturas, obras de arte callejero e incluso iglesias que esconden secretos para dejaros boquiabiertos. Os presentamos algunas de las obras imprescindibles que ver en la capital. ¿Cuántas os faltan por conocer?  RECOMENDADO: Cuándo visitar gratis los museos de Madrid

Las oportunidades de trabajo, las mejoras en las comunicaciones y las buenas condiciones que ofrecía Madrid durante la primera mitad del siglo XX provocaron que muchísimas personas procedentes de núcleos rurales se trasladaran a la ciudad. Sin embargo, el casco histórico madrileño no estaba preparado para este rápido aumento de la población, así que se comenzaron a construir colonias alrededor de lo que hoy es el centro de Madrid. Estos conjuntos muestran diferentes momentos de la historia, otra forma de vivir y trabajar y una arquitectura irrepetible. RECOMENDADO: Mapa del arte urbano actual en Madrid Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

El conocido festival mira hacia la juventud en esta edición y se propone reforzar las conexiones con este público, rompiendo con el concepto tradicional de fotografía. Además, por segundo año consecutivo presenta un país invitado, en este caso Países Bajos, con una destacada representación de artistas que aportan diferentes puntos de vista sobre la imagen en el mundo contemporáneo. Con artistas emergentes, figuras reconocidas y consolidadas y un festival OFF tan potente como la sección oficial, PHotoESPAÑA vuelve un año más, del 13 de mayo al 13 de septiembre, para hacernos disfrutar de la fotografía. ¡Estas son algunas de las expos que no te puedes perder en esta edición! RECOMENDADO: Cuándo visitar gratis los grandes museos de Madrid

Centros de arte, estudios de artistas o museos periféricos animan a salir del centro de la ciudad para explorar otros distritos y municipios. Romper con los límites marcados por la popular M-30 es también una oportunidad para descubrir otras formas de crear, conocer colecciones insólitas, encontrar el arte más actual o sorprendentes restos arqueológicos. Estas son algunas de las propuestas más allá de la M-30 para disfrutar de un plan cultural diferente. RECOMENDADO: Las exposiciones que no te puedes perder ahora en Madrid.  Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

La cuarta planta del Museo Reina Sofía incorpora 403 obras a su exposición permanente bajo el título 'Colección. Arte contemporáneo: 1975-presente'. Más de la mitad de estas piezas se muestran ahora por primera vez al público y muchas son adquisiciones recientes, trabajos muy actuales y de artistas nacionales. Esta es la primera fase de la reorganización de la permanente del museo, a la que seguirán la tercera planta, dedicada a los años 50, 60 y 70, y la segunda, centrada en las vanguardias.

El recorrido se articula en una introducción y tres itinerarios –no siempre cronológicos– que abordan diferentes momentos y temáticas presentes en los 50 años que abarca esta propuesta. Como cualquier selección, existen varios autores y obras que se han quedado fuera de esta propuesta, lo cual puede producir cierta frustración; no obstante, es positivo que el Museo Reina Sofía por fin preste atención al arte actual español en su permanente.

 RECOMENDADO: Otros 10 cuadros impresdindibles del Reina Sofía. Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Al margen de todas las exposiciones que puedes ver ahora en Madrid (y también gratis e inmersivas), coincidiendo con la celebración de la famosa feria ARCO, el calendario de este año de la ciudad se ha llenado de citas imprescindibles para los amantes de la pintura, la escultura, el arte moderno y el arte urbano. Es la Semana del Arte de Madrid, y las obras traspasan, además, los formatos y lugares habituales de exposición y llegan a hoteles y lugares de la ciudad e incluso a través de otras actividades culturales. Estas son las ferias que no te puedes perder. ¡El arte está en el aire!  RECOMENDADO: Las mejores exposiciones que veremos en Madrid este año

Retrospectivas atípicas, reflexiones sobre el arte y el público, artistas por descubrir, jóvenes promesas que sorprenderán con sus propuestas o piezas históricas revisitadas desde nuevas miradas: el año que viene trae una programación expositiva de lo más variada y atractiva, perfecta para explorar, aprender y disfrutar del arte en 2026. RECOMENDADO: Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Además de los museos, como el Prado, el Thyssen o el Reina Sofía, los espacios institucionales o las grandes salas de exposiciones, las galerías son una de las alternativas para conocer artistas nacionales e internacionales, obras únicas y propuestas atrevidas en Madrid. Comienza la nueva temporada y las galerías arrancan sus programaciones expositivas con atractivas propuestas, nuevas producciones, retrospectivas e interesantes reflexiones. Y lo mejor de todo: estas son las exposiciones que no podéis perderos (¡y gratis!). RECOMENDADO: La agenda con las propuestas de arte imprescindibles del mes Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Son muchos los centros culturales, fundaciones, instituciones y museos en los que es posible disfrutar de una exposición en la ciudad. Ahora bien, tu alegría probablemente se incremente considerablemente cuando te digamos que son muchas también las galerías de arte de Madrid en las que esta misma experiencia, la de pasear entre cuadros, fotografías, esculturas y casi cualquier tipo de expresión que se te ocurra, puede realizarse gratis. Esta es nuestra selección para que salgas a empaparte de arte, pero dejando la cartera en casa. RECOMENDADO: Museos y centros culturales en Madrid donde ver arte gratis Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Antiguas naves industriales y talleres que acogen ahora espacios de encuentro e intercambio, estudios de artistas y residencias para creadores con propuestas experimentales e innovadoras, conviven con consolidadas galerías de arte contemporáneo, exposiciones de gran formato o jóvenes proyectos con ganas de revolucionar el panorama artístico. Todas estas iniciativas han convertido el distrito de Carabanchel en el lugar perfecto donde disfrutar del arte más actual y alternativo. RECOMENDADO: Las exposiciones que tienes que ver ahora mismo en Madrid Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

La serie fotográfica de Robert Frank, 'Los Americanos' recopila todos los clichés de los años 50 que todavía existen sobre la sociedad estadounidense, pero, a la vez, muestra con crudeza la realidad de la vida desde un lenguaje arriesgado, moderno y poco entendido entonces. Cansado de trabajar en proyectos comerciales, Frank decidió llevar a cabo una propuesta totalmente personal y algo ambiciosa: recorrer Estados Unidos para realizar un libro que recogiera la esencia americana. Robert nació en Suiza, pero con 23 años se trasladó a Estados Unidos y verdaderamente quería conocer este país que le había acogido y sus habitantes. El fotógrafo recorrió durante años varios estados en un divertido y temerario viaje que le llevó a explorar una tierra marcada por grandes transformaciones sociales. El resultado de este proyecto se tradujo en 800 carretes (casi 28000 fotografías), de los cuales el autor seleccionó 83 imágenes, que son las que podemos ver en esta exposición. En la muestra también podemos ver unos minutos del documental 'Robert Frank, la mirada de América' (Laura Israel, 2015) donde el fotógrafo cuenta entre risas varias anécdotas que sucedieron mientras realizaba la serie 'Los Americanos', desde amenazas, huidas a toda prisa o acusaciones de ser comunista. En este documental Frank confiesa que la mejor foto es que la se hace cuando no te ven y esto tiene mucho que ver con el lenguaje visual que desarrolló Robert. Hoy no parece una gran novedad, pero en aquel momento la i

El silencio; el frescor de una casa de muros gruesos durante el verano; el canto de las cigarras a lo lejos y la quietud. Entrar a 'Carmen Laffón. Variaciones' en el Museo Thyssen es un viaje directo hasta un apacible verano andaluz. La muestra arranca sin muchos preámbulos para sumergirnos rápida y fácilmente en el universo de la pintora gaditana a través de nueve secciones que abordan sus temáticas más habituales. Se puede pensar que Laffón siempre pintaba cuadros muy similares, bodegones, interiores, paisajes… Sin embargo, en estas 'variaciones' se puede observar cómo la repetición lleva a una evolución técnica que dice mucho de la artista y de la manera en que concebía el arte, a través de la observación y del aprendizaje. La pintura de Carmen está compuesta por finas capas -en ocasiones, incluso se llega a ver lienzo- con el objetivo de componer atmósferas. Un ejemplo es la maravillosa serie de 'El Coto', de la cual podemos ver ocho grandes lienzos, dispuestos de una manera acertadísima, que facilita su lectura visual y su comprensión. El paisaje del coto de Doñana, visto desde Sanlúcar de Barrameda se torna abstracto bajo la luz y los colores, que incluso parecen indicar qué estación del año podía ser cuando Laffón pintaba cada cuadro. A pesar de ser una artista figurativa sus obras conectan con la abstracción y llegan a recordar a grandes figuras, como Mark Rothko, sobre todo, en la serie dedicada a los armarios, que desarrolló durante años y donde pintaba una pequeña

A finales de los años 70, Richard Avedon era un reconocido artista. Había expuesto en el MoMa y en el Metropolitan, era el fotógrafo oficial de las portadas de Vogue y había retratado a estrellas del cine y la moda, cuando recibió un inesperado encargo que marcaría los últimos años de su carrera. En 1979, el director del Amon Carter Museum of American Art de Fort Worth, en Texas propuso al fotógrafo actualizar la colección de fotografías sobre el Oeste norteamericano que conservaba el museo. Desde ese momento, y durante cinco años, Avedon y su equipo recorrieron 21 estados para retratar a 110 personas y ofrecer una mirada personal y actual del Oeste. El proyecto coincidió con la recesión económica que provocó la crisis del petróleo en Estados Unidos. Richard decidió que estas circunstancias estuvieran presentes en la serie. Así, podemos ver las fotografías de varios vagabundos, retratados con dignidad y sin prejuicios, junto a mineros, matarifes, estudiantes, amas de casa, publicistas o camareras, entre otras profesiones. Todas las imágenes tienen las mismas características: fondo blanco, persona de frente inexpresiva, foto en blanco y negro e iluminación natural. Sin embargo, cada obra cuenta una historia diferente. En estas personas se pueden discernir esperanza, cansancio, ilusión, derrota... Se puede averiguar un pasado y entrever un futuro. Cada retrato se acompaña del nombre del retratado, su oficio, edad y fecha de la foto. La muestra ofrece más información sobre algun

Un espectacular montaje en tono rosa chicle nos recibe en Alcalá 31. Al cruzar estas paredes rosadas viajamos en el tiempo a uno de los momentos más interesantes de la Historia del Arte nacional, la Movida. 'Mitologías modernas: Ouka Leele & Co' toma como punto de partida la obra 'Rapelle toi, Barbara!' realizada por Ouka Leele en 1987, una fotografía de la plaza de Cibeles que obligó a paralizar el tráfico del centro de Madrid para reflexionar sobre el mito de Atalanta e Hipómenes, los leones que tiran del carro de la diosa. El uso de las mitologías clásicas como elemento creativo es el eje vertebrador de la muestra, que reúne más de 100 piezas de artistas como El Hortelano, Ceesepe, Costus o Patricia Gadea, entre otros. Aún vigentes, los mitos siempre se han utilizado como herramienta para interpretar el presente. En el caso de la Movida, el uso de estas leyendas resulta más que interesante por el momento político y deshace prejuicios sobre el vacío de contenido del arte de los 80. La exposición dedica espacios individuales a Sigfrido Martín Begué, Carlos Franco, Ceesepe, El Hortelano y, por supuesto, a Ouka Leele. Las salas, señalizadas con carteles de neón, presentan a la entrada vídeos de entrevistas o reportajes de los artistas realizados en la época, donde, por ejemplo, podemos escuchar al propio Carlos Franco hablar sobre la figura de Proserpina que incluyó en el mural de la Casa de la Panadería, en la Plaza Mayor, o a Sigfrido Martín Begué hablar sobre si se consider

Caramelos, pósteres o cortinas de luces llaman la atención del público que acude a la exposición de Felix Gonzalez-Torres en el Museo Reina Sofía. Los visitantes pueden tocar, comer e incluso llevarse piezas; al hacerlo asoman algunas risas nerviosas provocadas por la emocionante sensación de transgredir lo prohibido. Y esa es solo una de las lecturas que la obra del artista, de origen cubano, ofrece. Esta es la primera gran exposición de Gonzalez-Torres en Madrid, ciudad a la que fue enviado de niño, en 1971, para alejarlo del régimen. Pasó muy poco tiempo aquí, pronto viajó a Puerto Rico y, después, a Nueva York. En 1991 volvió a Madrid y describió este regreso como una "dulce venganza", expresión que ahora titula esta individual. Felix Gonzalez-Torres supo utilizar lenguajes pop con una sencillez conceptual que logra conectar con casi cualquier persona. Sus obras, atravesadas por sus vivencias como hombre migrante, homosexual y seropositivo, invitan a menudo a interactuar con ellas, es decir, a involucrarse y activarse. Es el caso de la instalación sin título -no solía titular sus obras- que muestra miles de caramelos de menta dispuestos para el público o las pilas de copias ilimitadas, listas para llevar, con sutiles aunque demoledores mensajes impresos. A pesar de un montaje demasiado espacioso que desluce algunas piezas nos podemos emocionar con otras, como la instalación compuesta por una guirnalda de bombillas que delimita un espacio de baile para dos personas que esc

Más allá de la mera estética o de su función primitiva de protección, las uñas pueden vincularse con la economía, también pueden desafiar las ideas hegemónicas sobre el género o, sencillamente, convertirse en modificaciones del cuerpo. Las obras de Ana Laura Aláez, Laure Prouvost, Lisa Jäger, María Alcaide, Mika Rottenberg, Pilar Albarracín, Rasmus Nilausen y Vinh Mai Nguyen nos proponen pensar sobre estos conceptos en 'Uñas'. Al entrar a The Ryder, nos recibe la obra de Mika Rottenberg, 'Finger', un dedo hiperrealista que gira en un lento e hipnótico movimiento, gracias al cual vemos desde distintos ángulos una larga uña sobre la que hay pintada una galaxia. Al aislar una parte del cuerpo y rotarla de forma antinatural, la artista cuestiona todo lo referente a la uña, desde su connotación de género hasta un sistema capitalista sostenido por lo que se espera de quienes portan uñas como esta. Ya en la planta baja, escuchamos quejidos procedentes de una vieja olla exprés entreabierta. Asoma también una mano con las uñas pintadas de rojo y, en la parte posterior, una mata de pelo negro. Se trata de una obra de Pilar Albarracín que los comisarios, Carmen Lael Hines y Roberto Majano, categorizan como de "horror doméstico", ya que representa el cuerpo de una mujer que ha terminado convirtiéndose en una olla exprés y de ella solo quedan el pelo, las uñas y los suspiros. Una forma tan dolorosa como humorística de representar el trabajo doméstico sexuado. En medio del espacio de la pl

Gottfried Helnwein confunde, desafía y perturba con sus obras. El espectacular espacio de SOLO Independencia exhibe más de 40 obras del artista, algunas inéditas, realizadas en las últimas cuatro décadas. Pinturas y fotografías que invitan a adentrarse en el universo de Helnwein, nacido en 1948 en Viena y marcado profundamente por la posguerra europea y el imaginario nazi. Helnwein utiliza un lenguaje cercano y asequible, con presencia de figuras procedentes de la cultura popular, como Mickey o el Pato Donald, protagonistas de las primeras salas junto a personajes como Marylin Manson o el propio Hitler, quienes trastornan el carácter infantil de los dibujos animados creados por Walt Disney y producen un choque de sensaciones. El artista también bebe de la Historia del Arte y son claras las referencias a otros creadores, como por ejemplo Edward Hopper, Andrea Mantegna o Francisco de Goya, cuya influencia lleva a crear la serie 'The disasters of war', pinturas hiperrealistas donde aparecen escenarios catastróficos inspirados en sucesos reales, pero exagerados como si se tratasen de videojuegos o películas de acción; en estas piezas aparecen en primer plano figuras femeninas, similares a las del manga o el anime, en poses sugerentes. En la misma sala se encuentran obras de Toshio Saeki, Keiichi Tanaami o Ai Wei Wei que subrayan estas ideas de hipersexualidad, fragilidad y violencia, un completo homenaje a los 'Desastres de la guerra' de Goya desde el siglo XXI. La muestra incluy

Tanit Plana reflexiona sobre el cuerpo funcionarial que se encarga de administrar, registrar y conservar las colecciones de museos. Un cuerpo marcado por normas que contrasta con la realidad de una colección artística, viva, cambiante y que excede cualquier sistema de clasificación. Para “Disfuncionarias”, Plana ha ideado una instalación site specific compuesta por telas donde se han impreso imágenes, de tal manera que se desligan de la rigidez del formato habitual y se vuelven flexibles y deformes, una representación visual de ese encuentro entre lo funcionarial y lo artístico.

Los trabajos de María Ana Vasco Costa, Márcio Vilela y Ariamna Contino se dan cita en esta muestra que propone un viaje sensible y crítico por el paisaje tropical brasileño. Los tres artistas desarrollan una investigación artística del espacio natural desde diferentes perspectivas. Fotografía, vídeo, pintura e instalación invitan a comprender el paisaje y relacionarlo con conceptos como la memoria, el tiempo y la exuberancia o a explorar su complejidad desde una lectura contemporánea.

La primera gran retrospectiva de Viviane Sassen en nuestro país llega gracias al país invitado de esta edición, Países Bajos. La muestra repasa la trayectoria de la artista, con imágenes de reconocidas series como “Flamboya” o “Parasomnia”, así como fotografías de Kenia, donde Sassen pasó su infancia, una experiencia que marcó su relación con la luz. La muestra no sigue un esquema cronológico, sino que se configura como un recorrido poético donde conviven imágenes de diferentes series y épocas.

¿Y si la sombra no fuera un monstruo? A partir del título del relato de H. P. Lovecraft, Sebastián Díaz Morales plantea un proyecto que presenta la sombra como una señal de un mundo que ha dejado de ser, una realidad paralela que ha desaparecido. A través de vídeos, cajas de luz, instalaciones y sonidos, el artista intenta sintonizar con ese espacio que ya no está y, a la vez, nos recuerda constantemente que ese tiempo que se ha perdido, podría ser el nuestro en un futuro no muy lejano.

Fotografiar el viaje, en lugar del destino. Cano Erhardt se convierte en un deambulador de caminos y presta atención a aquello que suele pasar desapercibido, el paisaje del trayecto, la carretera, el polvo, el vacío. El fotógrafo se detiene en la belleza de los pequeños grandes detalles que quedan siempre en segundo plano y les otorga un inesperado protagonismo que también invita a los espectadores a plantearse qué es lo importante en un viaje.

La serie fotográfica de Robert Frank, “Los Americanos” recopila todos los clichés de los años 50 que todavía existen sobre la sociedad estadounidense, pero, a la vez, muestra con crudeza la realidad de la vida desde un lenguaje arriesgado, moderno y poco entendido entonces. Cansado de trabajar en proyectos comerciales, Frank decidió llevar a cabo una propuesta totalmente personal y algo ambiciosa: recorrer Estados Unidos para realizar un libro que recogiera la esencia americana. Robert nació en Suiza, pero con 23 años se trasladó a Estados Unidos y verdaderamente quería conocer este país que le había acogido y sus habitantes. Robert Frank. City Fathers – Hoboken, New Jersey, 1955. Collection Maison Européenne de la Photographie, Paris © Robert Frank Foundation, from The Americans.Robert Frank & Los Americanos. Espacio Fundación Telefónica El fotógrafo recorrió durante años varios estados en un divertido y temerario viaje que le llevó a explorar una tierra marcada por grandes transformaciones sociales. El resultado de este proyecto se tradujo en 800 carretes (casi 28000 fotografías), de los cuales el autor seleccionó 83 imágenes, que son las que podemos ver en esta exposición. En la muestra también podemos ver unos minutos del documental “Robert Frank, la mirada de América” (Laura Israel, 2015) donde el fotógrafo cuenta entre risas varias anécdotas que sucedieron mientras realizaba la serie “Los Americanos”, desde amenazas, huidas a toda prisa o acusaciones de ser comunista

A finales de los años 70, Richard Avedon era un reconocido artista. Había expuesto en el MoMa y en el Metropolitan, era el fotógrafo oficial de las portadas de Vogue y había retratado a estrellas del cine y la moda, cuando recibió un inesperado encargo que marcaría los últimos años de su carrera.
 En 1979, el director del Amon Carter Museum of American Art de Fort Worth, en Texas propuso al fotógrafo actualizar la colección de fotografías sobre el Oeste norteamericano que conservaba el museo. Desde ese momento, y durante cinco años, Avedon y su equipo recorrieron 21 estados para retratar a 110 personas y ofrecer una mirada personal y actual del Oeste. El proyecto coincidió con la recesión económica que provocó la crisis del petróleo en Estados Unidos. Richard decidió que estas circunstancias estuvieran presentes en la serie. Así, podemos ver las fotografías de varios vagabundos, retratados con dignidad y sin prejuicios, junto a mineros, matarifes, estudiantes, amas de casa, publicistas o camareras, entre otras profesiones.
 Richard Avedon. In the American West (Fundación Mapfre). Todas las imágenes tienen las mismas características: fondo blanco, persona de frente inexpresiva, foto en blanco y negro e iluminación natural. Sin embargo, cada obra cuenta una historia diferente. En estas personas se pueden discernir esperanza, cansancio, ilusión, derrota... Se puede averiguar un pasado y entrever un futuro. Cada retrato se acompaña del nombre del retratado, su oficio, edad y fe

En lo que llevamos de 2025, hemos disfrutado de propuestas artísticas novedosas y originales, pero este año todavía guarda sorpresas. Las salas de exposiciones de Madrid se llenan de arte en la nueva temporada: escultura, pintura, fotografía, vídeo... Estas son las muestras que están por venir y que deberías apuntar en tu agenda. Nuevos imaginarios (Condeduque) Lois Patiño. Flores de piedra cantan, 2024 ©Lois Patiño El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque arranca la nueva temporada expositiva con esta propuesta en la que convergen las prácticas cinematográficas y los espacios artísticos. La Sala de Bóvedas acoge las obras de una selección de cineastas con amplio reconocimiento en el panorama internacional: Helena Girón & Samuel Delgado, Isaki Lacuesta, Oliver Laxe, Laida Lertxundi, Lois Patiño y Susana de Sousa Dias. Esta relación entre arte y cine no es nada nuevo, ya desde las vanguardias del siglo XX existe y es el momento perfecto para comprobar en qué situación se encuentra en la actualidad. La muestra aborda desde acontecimientos contemporáneos hasta hechos históricos que dieron paso a las nuevas perspectivas del poscolonialismo. Los artistas de Nuevos imaginarios parten de lugares comunes y conocidos para construir e idear un nuevo imaginario, una nueva forma de expresarse que cuestione lo establecido y que incite a reflexionar desde lo cinematográfico todo aquello que caracteriza a las sociedades contemporáneas. Oro tejido con paja (La Casa Encendida)   J

Pintura, escultura, arquitectura, instalación, fotografía... En su práctica, Juan Navarro Baldeweg hace por buscar el arte en varias de sus manifestaciones, mientras que a veces, confiesa, se lo encuentra. Esta combinación de hacer y azar ha marcado su trayectoria, que comenzó a mediados de los años 50, poco antes de empezar a estudiar Arquitectura. La muestra abre con 'Interior II', una instalación abstracta formada por elementos que activan las energías generadoras en una habitación: fotografías, brújulas y piezas en equilibrio. Cerca, una enorme fotografía de 'El columpio (Luz y metales)' destaca por su belleza. Esta obra forma parte del proyecto que el artista desarrolló en el MIT de Massachussetts a principios de los años 70. Se trataba de una estancia vacía, donde Navarro había marcado cómo incidía la luz en ella. Después colocó el columpio estático, detenido en el punto más alto de su oscilación. En la muestra encontramos más materiales sobre esta instalación. De este mismo periodo es la imponente fotografía 'La columna y el peso'. Vista de la exposición. Foto Amapola Creativa Los grandes y coloridos lienzos, tan característicos del autor, tienen presencia constante a lo largo de todo el recorrido y, a pesar de pertenecer a periodos diferentes, el diálogo entre las pinturas es fluido y orgánico. Otro proyecto de Navarro que aúna diferentes facetas artísticas y que tiene presencia en la muestra es 'La casa de la lluvia', un encargo arquitectónico que tomó la lluvia co

El Museo Reina Sofía salda su deuda con la creadora Marisa González con esta antológica que reconoce la trayectoria de la artista, pionera en España en la utilización y combinación de nuevas tecnologías y que, a sus 81 años, sigue activa. Termofaxes, electrografías, fotocopias a color... eran algunas de las nuevas tecnologías en los años 70 y 80, cuando Marisa González las incorporó a su práctica artística. Un ejemplo es la gran instalación realizada con rollo de papel de colores para fotocopiadora, que nos recibe al acceder a la muestra y que parece rendir homenaje a Sonia Sheridan, profesora de González en el máster 'Sistemas Generativos: Arte, Ciencia y Tecnología' de la Escuela del Art Institute de Chicago, que marcaría para siempre su producción. Encontramos varias obras producto de esa experimentación en el departamento de Sistemas Generativos en la primera sala de la exposición. Marisa González. ‘Vértigos de identidad’ de la serie ‘Miradas en el tiempo’. 1992-1993, a partir de fotografía de 1917. Colección de la autora. Otro de los pilares clave de la producción de González es el feminismo. En la muestra podemos ver una de sus obras más impactantes, 'La descarga', realizada en los años 70. Consiste en una serie de fotografías que inmortalizan una performance de varias artistas que reaccionaron a una noticia sobre las torturas y violaciones de miles de mujeres encarceladas por el régimen de Augusto Pinochet en Chile. En 'Un modo de hacer generativo' también están pres