Julien Lambea

Envie d’un grand bol d’art frais ? Peu importe le mois ou la saison, Paris abrite un nombre pantagruélique d’expos à même de combler votre appétit en culture, si bien qu’il est parfois difficile de faire le tri entre le bon et le moins bon. C’est pourquoi, équipé de notre calepin et de notre flair légendaire, on a bourlingué dans toute la ville pour ne sélectionner que la crème de la crème des expositions à Paris, qu’elles soient consacrées à la peinture, la photo, l’art contemporain, la sculpture ou encore le design. Résultat ? Un dossier expo aussi costaud qu’une cuisse de Roberto Carlos, qui vous fera vous sentir aussi heureux qu’un écureuil devant la version longue de Casse-Noisette ! À lire aussi : Les 10 expos qui vont marquer le printemps à Paris ! Et pour encore plus de bons plans, inscrivez-vous à la newsletter de Time Out Paris.

*]:pointer-events-auto scroll-mt-[calc(var(--header-height)+min(200px,max(70px,20svh)))]" dir="auto" tabindex="-1" data-turn-id="request-WEB:d3ba8190-e937-45ff-9b45-dc0e78a2b038-2" data-testid="conversation-turn-6" data-scroll-anchor="true" data-turn="assistant"> Trop vu, trop banal, pas assez bien choisi : le faux pas n’est jamais loin quand il s'agit d'offrir un cadeau à quelqu'un qui aime la mode. Rassurez-vous, on a fait le tri. Des valeurs sûres aux jolies idées bien senties, voici une sélection de cadeaux pensée pour mettre tout le monde d’accord, et à tous les budgets.

Alors que nous écrivons ces lignes, Uniqlo vient d'inaugurer une nouvelle boutique à Bastille : sa 12ᵉ adresse parisienne et son 29ᵉ point de vente en France depuis son arrivée dans l’Hexagone en 2007. Selon un article du New Yorker paru le 22 septembre dernier, la marque japonaise compte aujourd’hui plus de 2 500 magasins répartis en Asie, en Europe et en Amérique du Nord. On y apprend également que Fast Retailing, la holding qui contrôle Uniqlo, est devenue le troisième plus grand fabricant et distributeur de vêtements au monde, derrière H&M et Inditex, et que sa croissance dépasse désormais celle de ces deux groupes. L’intemporalité plutôt que la tendance Pourtant, si l’on a souvent tendance à comparer ces trois géants du prêt-à-porter et à les ranger dans la même catégorie, Uniqlo ne se revendique pas comme une marque de fast fashion. Certes, ses volumes de production à bas coût, externalisés dans des usines situées en Chine, au Vietnam, au Bangladesh, en Indonésie ou en Inde, ont parfois été questionnés — notamment en 2021, lorsque des allégations de recours au travail forcé, finalement démenties par la société après des inspections d’organismes tiers, avaient émergé. Mais la marque rappelle dans son rapport intégré 2024 que ses « programmes de surveillance dans ses ateliers de couture et chez ses principaux fournisseurs de tissus contribuent à prévenir les violations des droits humains et à garantir de bonnes conditions de travail et des cadres de gestion adéquats dans

Désormais, c’est le terrain de chasse des chineurs stylés, des modeux en quête de pièces rares et de ceux qui préfèrent un Levi’s 501 bien patiné à n’importe quelle fast-fashion éphémère. Voici les meilleures adresses parisiennes où dénicher du vintage. À lire aussi : Les meilleures friperies et boutiques vintage de Paris

On a recensé les collaborations mode les plus excitantes du moment. Levi’s et Sacai réinventent le denim avec la précision déstructurée propre à Chitose Abe, Uniqlo UT célèbre l’héritage du Studio Ghibli à travers une série de t-shirts aussi nostalgiques qu’accessibles, Acne Studios flirte avec la douceur en convoquant les Moomins, tandis que Balenciaga rend hommage — avec une touche d’ironie — à Britney Spears. On note aussi le retour très attendu du duo Louis Vuitton et Murakami, les nouvelles lignes de sneakers adidas et Wales Bonner, ou encore les sacs techniques et floraux signés Cecilie Bahnsen x Porter. Autant de collaborations qui racontent, chacune à leur manière, les obsessions mode du moment.

Versace est l’un des noms les plus célèbres de la mode. Mais les plus jeunes et les non-initiés connaissent encore mal les origines du style flamboyant, immédiatement reconnaissable, de son fondateur, désormais entré dans la pop culture. C’est ce que l’on constate en visitant Gianni Versace Retrospective, présentée à partir du 5 juin au musée Maillol, à Paris, après plusieurs étapes européennes depuis 2017. Repensée avec des prêts inédits, l’exposition explore notamment le lien entre Gianni Versace et la capitale, où il présenta ses collections Atelier Versace dès 1990. Avec près de 450 pièces – silhouettes, accessoires, croquis, objets, photos et vidéos –, cette première grande rétrospective française depuis 1986 embrasse large. Parfois trop, au risque de noyer certaines pièces dans l’abondance. Pas toujours assez, aussi, pour les plus férus de mode en quête de détails techniques. Plutôt qu’un parcours chronologique, l’exposition choisit une scénographie inspirée des podiums, organisée autour de grands thèmes : création, inspirations, collections clés, personnalités habillées par Versace. Un parti pris défendable, souvent spectaculaire, mais foisonnant, parfois au bord de la saturation. On conseillera donc au visiteur curieux de se munir de l’audioguide, gratuit, non parce que le parcours serait illisible sans lui, mais parce qu’il ajoute une strate d’explications, aide à mieux comprendre certains choix et, surtout, à ralentir face aux pièces. C’est là que l’exposition devie

Artiste presque oubliée à sa mort en 1977, Lee Miller a retrouvé une seconde vie ces dernières années : expositions au début des années 2000, biopic sorti fin 2024, et surtout le travail patient de son fils et de sa petite-fille, qui gèrent les Lee Miller Archives — 60 000 photographies et négatifs exhumés du grenier de Farley Farm, sa résidence du Sussex. C'est d'ailleurs en lien avec ces archives familiales qu'a été organisée la grande rétrospective de la Tate Britain en 2025, la plus ambitieuse jamais consacrée à l'artiste, et l'exposition photo la plus fréquentée de toute l'histoire de la Tate. Elle traverse aujourd'hui la Manche pour s'installer au Musée d'Art Moderne de Paris jusqu'au 2 août, avec quelques ajouts pour rendre compte de l'attachement de Lee Miller à la ville. Dès l'entrée, un grand visuel mural la montre en pleine séance photo devant le parvis du MAM. Long mais sans temps mort, le parcours (environ 250 tirages, extraits multimédia et publications d'époque) retrace une vie commencée devant l'objectif, comme mannequin pour les grands magazines américains, avant que Lee Miller ne prenne elle-même la caméra en main pour ne plus jamais la lâcher. Plutôt qu'une hagiographie, l'exposition permet avant tout de prendre la mesure du talent de Lee Miller à travers un choix d'images saisissantes et richement expliquées. Initiée à la photographie par son père puis par Man Ray (qui contribuera aussi à son invisibilisation), elle découvre avec lui la solarisation et s'

Exposition itinérante née au Victoria and Albert Museum de Londres en 2022, Africa Fashion a depuis traversé New York, Portland, Chicago, Melbourne et Montréal avant de poser ses valises à Paris. Un passage peut-être symbolique dans la capitale mondiale de la mode, où la création africaine peine encore à s'imposer à la hauteur de son talent. L'exposition entend y remédier en offrant un panorama généreux d'une scène bouillonnante, aussi diverse qu'inventive. C'est bien la sensation que donne cette exposition-fleuve, triple en quelque sorte. L'exposition originale du V&A retrace l'émergence de la mode africaine depuis les indépendances des années 1950 jusqu'aux propositions les plus actuelles. Elle s'enrichit, grâce aux collections du musée du quai Branly, d'un regard chronologique sur la photographie africaine et son rapport au vêtement, ainsi que d'une section finale consacrée aux traditions textiles du continent. Des ajouts qui renforcent la profondeur d'un sujet loin d'être superficiel, tout comme la façon de le traiter. L'attention au détail se manifeste jusque dans la conception des mannequins, plus incarnés qu'à l'accoutumée, mais aussi dans la production d'interviews vidéo et d'un shooting photo signé par le styliste Ib Kamara. Plus qu'un panorama des créations africaines, l'exposition donne à saisir l'étendue et l'importance de la mode sur le continent et invite, au passage, à repenser notre propre rapport au vêtement : autant qu'ailleurs, sinon plus, le textile y rev

div]:bg-bg-000/50 [&_pre>div]:border-0.5 [&_pre>div]:border-border-400 [&_.ignore-pre-bg>div]:bg-transparent [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8"> _*]:min-w-0 gap-3 standard-markdown"> Les produits de beauté coréens sont devenus incontournables. Un phénomène K-pop, K-drama et compagnie que le musée Guimet s'attache à replacer dans son contexte avec « K-Beauty. Beauté coréenne, histoire d'un phénomène », visible du 18 mars au 6 juillet 2026, pour les 140 ans des relations diplomatiques franco-coréennes. Pour retracer l'évolution de ce concept, l'exposition remonte près de 300 ans en arrière, à la fin de l'époque Joseon, pour explorer les canons de beauté de l'époque — féminins surtout, masculins à la marge — immortalisés par des artistes comme Shin Yun-bok. Une introduction qui pose les bases historiques et montre comment cet idéal irrigue encore aujourd'hui des disciplines aussi diverses que la mode, le manhwa ou le webtoon. div]:bg-bg-000/50 [&_pre>div]:border-0.5 [&_pre>div]:border-border-400 [&_.ignore-pre-bg>div]:bg-transparent [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)

div]:bg-bg-000/50 [&_pre>div]:border-0.5 [&_pre>div]:border-border-400 [&_.ignore-pre-bg>div]:bg-transparent [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8"> _*]:min-w-0 gap-3 standard-markdown"> En 2026, trois expositions consacrées au XVIIIe siècle se tiennent simultanément : Une Journée au XVIIIe siècle, chronique d'un hôtel particulier au musée des Arts décoratifs (depuis le 18 février), La Mode du XVIIIe siècle : Un héritage fantasmé au Palais Galliera et Révéler le féminin. Mode et apparences au XVIIIe siècle au musée Cognacq-Jay — cette dernière présentée en collaboration avec le Palais Galliera. On peut donc dire qu'il y a du XVIIIe dans l'air, entre l'exposition sur Marie-Antoinette au V&A de Londres, une énième adaptation des Liaisons dangereuses ou encore les premières collections de Jonathan Anderson chez Dior. div]:bg-bg-000/50 [&_pre>div]:border-0.5 [&_pre>div]:border-border-400 [&_.ignore-pre-bg>div]:bg-transparent [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8"> _*]:min-w-0 gap-3 standard-markdown"

Véritable caverne d’Ali Baba consacrée aux œuvres sur papier, le Cabinet d’art graphique du Centre Pompidou aligne plus de 35 000 dessins, collages, estampes, carnets et objets divers. Une collection vertigineuse, parmi les plus importantes au monde, qui raconte à même la feuille les XXe et XXIe siècles. Même en dehors des périodes de travaux, ce trésor reste peu visible du grand public, en raison de la fragilité des œuvres sur papier et, sans doute, d’une tendance à réduire le dessin à un simple travail préparatoire. Une idée préconçue que s’attache à défaire Dessins sans limite, la nouvelle exposition du Grand Palais, qui donne par la même occasion la chance de contempler quelque 300 chefs-d’œuvre de la collection du Centre Pompidou, avant leur retour forcé à l’obscurité. Selon les règles de conservation, un dessin peut être montré au maximum trois mois, avec un certain degré d’éclairage, avant d’être « mis au noir » pendant trois ans. Cette exploration des possibilités du dessin montre comment, depuis le début du XXe siècle, il s’est affranchi de son statut secondaire pour s’imposer comme une œuvre à part entière. Un terrain d’expérimentation libre pour les 120 artistes réunis ici, prêts à dépasser la simple feuille de papier. Face à un tel sujet, titanesque par l’ubiquité du dessin mais aussi par la taille du corpus, les commissaires d’exposition ont choisi un parcours plutôt thématique que chronologique, en quatre grandes sections. Celles-ci font dialoguer des œuvres con

Piqués par la curiosité après avoir longé des mois durant ce chantier mystérieux, on attendait la visite de l’Exposition Générale de la Fondation Cartier avec impatience. Pas seulement pour l’expo, mais surtout pour découvrir la nouvelle architecture de Jean Nouvel, installée dans les anciens locaux des Grands Magasins du Louvre. Sur ce point, pas de déception : avec ses 6 500 m² – cinq fois plus qu’à Raspail – et son système de plateformes modulables à la machinerie apparente, cette « machine à voir » fascine… autant qu’elle risque d’éclipser ce qu’elle expose. Une muséographie appelée à évoluer, parfaitement intégrée à la ville grâce à ses arches vitrées qui laissent entrevoir les œuvres depuis la rue. Ajoutez une librairie, un café et bientôt un restaurant : tout pour faire de ce musée atypique un futur repaire parisien, même pour les réfractaires à l’art contemporain. Et si l’on parle tant du bâtiment, c’est peut-être parce qu’on n’a pas tout à fait réussi à saisir l’exposition qu’il abrite. En parcourant les trois étages, on est loin du voisin Louvre : ici, la circulation libre et la proximité avec les œuvres brisent la froideur muséale habituelle. Mais entre la profusion et la dispersion des pièces, le parcours labyrinthique et l’espace encore inconnu, on ressort parfois un peu perdu, désorienté autant par l’architecture que par l’abondance. Un sentiment sans doute renforcé par la perte de repères qu’induit ce bâtiment tout neuf, truffé de recoins malgré son apparente h

Souvent confondu avec l’Art nouveau, l’Art déco reste mal identifié malgré son statut d’emblème du patrimoine esthétique français et mondial. Le musée des Arts Décoratifs s’amuse d’ailleurs de cette ambiguïté dans sa nouvelle exposition inaugurée le 22 octobre. « Protéiforme, l’Art déco se métamorphose au gré des singularités artistiques comme des écoles nationales », annonce le texte d’introduction, rappelant qu’il émerge dans les années 1910 avant de triompher à l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925. C’est par une salle hommage à cet événement mythique auquel on rêverait d’avoir assisté que débute la traversée. Trois étages, plus de 1 200 œuvres, et une exploration foisonnante de l’Art déco dans toutes ses voix. De quoi saisir l’incroyable richesse d’un mouvement à la production simultanée et variée en France, en Italie ou au Japon, dans des disciplines allant de la joaillerie aux arts de la table, du graphisme à l’architecture d’intérieur. Territoire d’expression indissociable de l’Art déco dans l’imaginaire collectif, le mobilier, central dans le parcours, illustre lui aussi toute la diversité du mouvement. Salle après salle, la juxtaposition des créations de Jacques-Émile Ruhlmann, Eileen Gray ou Jean-Michel Frank souligne la pluralité des styles, malgré une grammaire commune rappelée dès la troisième salle. Si leur style reste emblématique d’une époque bien précise — celle des années folles —, on est frappé par l’intemporalité e

Après David Hockney, la Fondation Louis Vuitton consacre une rétrospective à Gerhard Richter jusqu’au 2 mars 2026. Moins connu du grand public qu’Hockney mais tout aussi coté, le peintre allemand né à Dresde en 1932 investit les quatre étages du bâtiment de Frank Gehry (sauf une salle réservée à une installation immersive de l’artiste danois Jakob Kudsk Steensen).  La visite laisse une impression durable tant l’exposition se révèle vertigineuse à plusieurs niveaux : par la profusion d’œuvres, la monumentalité de certains formats et ces tableaux qui semblent littéralement brouiller le regard. Elle impressionne aussi par la maîtrise avec laquelle l’artiste navigue entre médiums, disciplines et genres. Car s’il se définit comme un “peintre classique”, Richter s’éloigne de toute approche académique, même lorsqu’il s’attaque à la nature morte ou au paysage avec des sujets d’une banalité désarmante. En parcourant les galeries de la Fondation, qui retrace l’évolution chronologique de son œuvre, on a presque l’impression de découvrir plusieurs artistes. Les six décennies couvertes (il a détruit ses œuvres antérieures à 1962 et cessé de peindre en 2017, tout en poursuivant le dessin) révèlent un artiste qui, tout en travaillant à partir de photographies dans son atelier, a su s’ancrer dans son temps. Richter aborde des sujets historiques, dialogue avec les grands courants de l’art contemporain, sans se laisser enfermer.  Face aux 275 œuvres exposées, difficile de cerner un véritable “

Après Basquiat, Chagall, Klee ou Picasso, la Philharmonie poursuit ses croisements art/musique avec Kandinsky – La musique des couleurs (jusqu’au 1er février 2026). En collaboration avec le Centre Pompidou, le parcours déroule l’évolution du peintre, l’un des pères fondateurs de la peinture abstraite, au rythme d’une écoute au casque. La musique varie d’une salle à l’autre grâce à un système d’audioguide géolocalisé. L’idée fait évidemment écho à la Philharmonie, mais elle colle surtout à l’œuvre : Kandinsky doit beaucoup aux musiciens, ses toiles ont déjà leur musique que le dispositif souligne. On le dit volontiers synesthète (à l’instar de Pharrell Williams : une altération de la perception où les sens se croisent). Il aurait « entendu » les couleurs, et cela se lit dans ses titres à nomenclature orchestrale : Improvisation, Impression, Composition. Aucune preuve formelle de sa synesthésie, soit. Mais au fil du parcours, on comprend une chose : c’est la musique qui lui ouvre le regard et l’arrache à la figuration. Cette clé de compréhension éclaire son abstraction, en peinture comme dans ses compositions scéniques où les motifs semblent prendre vie. Et, bonus, c’est une porte d’entrée ludique dans une œuvre majeure qui peut paraître difficile d’accès. Au-delà de renforcer l’effet des œuvres, cette balade musicale, immersive et instructive, permet (même sans synesthésie…) d’éprouver l’idée d’« entendre » les formes et les couleurs, chez Kandinsky comme chez d’autres artiste

Conçu pour abriter la collection d’art de François Pinault, le musée de la Bourse de Commerce – Pinault Collection explore, avec Minimal, une facette essentielle de cette passion. « Pour la première fois, je lève le voile sur la part intime de ma collection. C’est le souffle qui m’accompagne depuis plus de cinquante ans », confie le collectionneur. *]:pointer-events-auto [content-visibility:auto] supports-[content-visibility:auto]:[contain-intrinsic-size:auto_100lvh] scroll-mt-[calc(var(--header-height)+min(200px,max(70px,20svh)))]" dir="auto" tabindex="-1" data-turn-id="request-WEB:8d25f868-c323-4b11-a7aa-8c606a2b72a0-8" data-testid="conversation-turn-18" data-scroll-anchor="true" data-turn="assistant"> À ne pas confondre avec le minimalisme actuel, l’art minimal est un mouvement né au début des années 1960 qui questionne le statut même de l’œuvre d’art. Son influence perdure, comme en témoignent plus d’une centaine de pièces de 52 artistes, dont certains encore en activité, exposées dans les différents espaces du musée. Hormis quelques salles dédiées, l’exploration du minimal se déploie en sept sections thématiques qui révèlent à la fois les préoccupations communes et la diversité d’artistes venus de contextes, d’époques et de zones géographiques variés. Qu’il s’agisse de matière, de forme ou d’interaction avec la lumière et l’espace, chaque approche trouve sa place dans le bâtiment restauré par Tadao Ando, propice à une déambulation paisible et sereine. Une s

Dans Citizen Kane, le chef-d’œuvre d’Orson Welles, on tente de percer le mystère du mot « Rosebud » en retraçant la vie du magnat de la presse. Un cheminement que reprend la Cinémathèque avec My Name is Orson Welles, une exposition qui explore l’énigme d’un homme qui « s’est montré tout en se cachant derrière des masques ». « Why are there so many of me and so few of you? », lançait George Orson Welles, génie touche-à-tout : acteur, réalisateur, producteur, scénariste, homme de radio, dessinateur ou magicien. Quarante ans après sa mort, on se souvient toujours du prodige de 25 ans derrière Citizen Kane (1940) et de sa légendaire adaptation radiophonique de La Guerre des mondes (1938), qui aurait semé la panique parmi des auditeurs persuadés d’une invasion extraterrestre. Des jalons que l’on retrouve dès les premières salles du parcours chronologique. La Cinémathèque orchestre ici un voyage érudit dans la vie et l’œuvre d’un créateur insaisissable, appuyé sur une documentation impressionnante : photos de famille et de tournage, unes de journaux, affiches, storyboards, scénarios… et, bien sûr, des extraits de films. Une matière riche (peut-être un peu trop parfois ?). Le parcours, généreux et foisonnant, assume l’abondance tout en proposant une vraie mise en perspective : de quoi suggérer l’homme derrière le mythe, tout en laissant au visiteur la liberté de tisser son propre fil. On s’y promène avec curiosité, quitte à s’y égarer (ce que nous avons fait, trois heures durant, s

Adidas x Rick Owens Déjà connu pour ses silhouettes radicales, Rick Owens a trouvé le moyen de rendre celles de son défilé printemps-été 2027 encore plus extrêmes : collaborer avec Adidas pour produire des vestes et des shorts littéralement gonflés grâce à un système de ventilation inspiré des « fan-jakketo » portées par les ouvriers japonais. Combinées au Climacool System, également utilisé par l’équipementier pour rafraîchir les athlètes Adidas pendant la Coupe du monde de football, ces tenues semblent idéales pour braver la canicule, tandis qu’une série de pièces moins techniques conjugue les trois bandes avec les codes esthétiques de Rick Owens. À porter avec une paire de chaussures de running Adidas x Rick Owens qui promet d’être aussi abordable que performante. Voir cette publication sur Instagram Une publication partagée par adidas Originals (@adidasoriginals) Converse x Kenzo Après une première collaboration très réussie en 2025, Kenzo et Converse remettent le couvert pour le printemps-été prochain en réinterprétant la Chuck Taylor et la Jack Purcell — l’autre modèle culte que la marque américaine est en train de relancer — avec des codes varsity qui font écho au style preppy de la collection de vêtements, mais aussi à ses imprimés floraux, notamment avec un motif bonsaï all-over. Pour ceux qui préfèrent les chaussures de ville, il y a également une collaboration avec Paraboot autour de la célèbre Michael, ornée d’un lettrage façon université

Que l’on puisse ou non s’offrir ses créations, il est possible de découvrir gratuitement la vision unique du joaillier milanais jusqu’au 20 juillet, grâce à la première exposition parisienne dédiée à Pomellato. Fondé à Milan en 1967 par Pino Rabolini, Pomellato s’est fait un nom dans le monde de la joaillerie en imaginant des pièces “faciles à porter”, davantage en phase avec son époque. Une vision novatrice, voire révolutionnaire, comme le suggère le titre de la première exposition parisienne dédiée à la maison, organisée du 27 juin au 20 juillet 2026 au Palais de Tokyo : Pomellato - Le joaillier révolutionnaire. Conçu comme un parcours immersif mêlant design, joaillerie et photographie, l’événement explore une série de révolutions dans le style et la conception des bijoux, mais aussi dans la manière de les présenter. Cette approche moderne de la joaillerie s’est notamment incarnée dans des campagnes publicitaires signées par de grands photographes de mode, parmi lesquels Helmut Newton, Gian Paolo Barbieri, Horst P. Horst, Herb Ritts ou Lord Snowdon. Une première dans ce secteur, qui a donné naissance à des images marquantes immortalisant autant les bijoux que les femmes qui les portent, au service d'une vision de la féminité puissante, inclusive et librement choisie”. Une vision également prolongée par la création de la plateforme Pomellato for Women, qui défend l’égalité des sexes, la diversité et l’inclusion. Une ode à la féminité, donc, mais aussi une invitation à s’émer

Après avoir ouvert sa première boutique parisienne en 1970 dans la galerie Vivienne, Kenzo Takada s’installe en 1976 au 3, place des Victoires, dans un immeuble de 3 000 m² qui accueillait une boutique, mais aussi les ateliers, showrooms et bureaux de sa marque. Connu pour son goût de la fête, le créateur japonais célébra l’événement par une grande soirée dont l’invitation, illustrée par Alain Leroy, vient d’être repartagée sur Instagram par la marque qui porte son prénom pour annoncer un retour en fanfare, cinquante ans plus tard, sur la place des Victoires pour la Fashion Week de juin 2026. Pendant une semaine, du lundi 22 au dimanche 28 juin, la maison, désormais placée sous la direction artistique de Nigo, y organisera « la Fête de Kenzo », un événement ouvert à tous qui permettra de présenter la nouvelle collection printemps-été 2027, mais aussi de s’immerger dans son univers franco-nippon en transformant la place circulaire en véritable petit village Kenzo. Au programme : un fleuriste signé Debeaulieu, un café imaginé avec We Are Ona et le chef Sugio Yamaguchi — derrière Wani, élu meilleur coffee shop aux Time Out Food & Drink Awards 2025 —, une boutique éphémère pour s’offrir la collection automne-hiver 2026 en avant-première, mais aussi un Kenzo Market inspiré des konbini japonais, avec une sélection de produits exclusifs. © Alain LerayKenzo va transformer la place des Victoires en village festif avec fleuriste signé Debeaulieu, café We Are Ona et market japonais ouv

Un peu à l’image des fan zones pour les matchs de foot, « la Watch Party » de l’influenceur Lyas permet aux amateurs de mode de se rassembler gratuitement pour regarder ensemble les livestreams de la Fashion Week, plutôt que seuls devant un écran de smartphone ou d’ordinateur. Une idée née en juin 2025, quand il donna rendez-vous à ses followers dans un bar de Strasbourg-Saint-Denis pour suivre sur grand écran le premier défilé de Jonathan Anderson pour Dior, et qui a pris rapidement de l’ampleur au point de rassembler 2 000 personnes au théâtre du Châtelet, et même d’accueillir sur place un vrai défilé (celui de la marque Zomer, le 3 mars dernier). Co-optées par les marques, plusieurs watch parties ont également été organisées à Londres, Milan ou New York à l’occasion de la Fashion Week ou d’événements locaux. Cette tentative de démocratisation prendra une ampleur supplémentaire en juin 2026 avec l’annonce d’une tournée dans plusieurs villes de France, dévoilée via une vidéo montrant un Lyas masqué chevauchant un camion en mouvement, habillé d’écrans projetant des images de défilés. « Nous avons eu des projections à Paris, Londres, Milan et New York, mais jamais dans des villes qui ne sont pas traditionnellement associées à la mode », explique Lyas au magazine « Perfect », tout en confiant vouloir « aller à la rencontre de gens qui ne peuvent pas nécessairement voyager dans les villes principales de la mode, et toucher des gens qui ne s’y intéressent pas et pourraient change

Vous avez peut-être aperçu la collaboration surprise entre Nike, Jacquemus et la Fédération française de football lors du match France-Côte d’Ivoire, jeudi 4 juin. En effet, le créateur français a participé au projet X2 de Nike : sept collections capsules pour lesquelles l’équipementier s’est associé à sept fédérations, sept collaborateurs et sept acteurs communautaires « pour imaginer l’avenir du sport chez les jeunes ». Porté comme tenue de pré-match par les Bleus lors de la Coupe du monde, le maillot met en avant le partenaire Sport dans la Ville, permettant au projet de renforcer « un engagement commun à autonomiser les jeunes et à soutenir les communautés à travers le sport ». Disponible chez Jacquemus et dans les boutiques de la Fédération à partir de ce 11 juin, puis chez Dover Street Market le 13 juin et chez certains revendeurs Nike – ainsi que sur SNKRS – à partir du 16 juin, la collection coche aussi toutes les cases mode avec « une garde-robe qui revisite la nostalgie de la culture football des années 1990 ». Simon Porte Jacquemus s’est inspiré d’un survêtement Nike de son enfance pour concevoir cette série de pièces reconnaissables à leurs rayures, à leur palette évidemment bleu, blanc et rouge, et à leur branding subtil. Le choix de Jacquemus, collaborateur régulier de Nike, s’explique aussi par l’attachement de son fondateur au football, qui a pour lui « toujours été bien plus qu’un sport » : « Grandissant dans le Sud de la France, il faisait partie du quotidie

En pleine course à l’IA, vous avez probablement entendu parler des ordinateurs quantiques, dont la puissance de calcul promet des avancées technologiques et scientifiques extraordinaires. Intriguée par la physique quantique, l’artiste Laure Prouvost a eu accès à l’un d’entre eux pour tenter de répondre à la question suivante : « Que pourrait-on ressentir en percevant la réalité d’un point de vue quantique ? » Après deux ans de recherches menées avec le philosophe Tobias Rees et le scientifique Hartmut Neven, cette réflexion a donné naissance à une première œuvre commandée par la LAS Art Foundation de Berlin, WE FELT A STAR DYING, adaptée pour être exposée au Grand Palais, à Paris, du 10 juin au 26 juillet 2026 sous le nom de Nous, frissons d’étoiles. Comme l’explique l’institution, cette œuvre monumentale mêlant vidéo, sculpture, sons, odeurs et lumière « propose de voir le monde autrement » autour d’une sculpture cinétique « animée par le son et la lumière, dotée de six membres qui se déploient dans l’espace ». À cela s’ajoutent une vidéo centrale et des éléments périphériques nommés Cute Bits – une référence aux qubits de l’informatique quantique – qui projettent sons et odeurs. De quoi promettre une expérience sensorielle, mais pas forcément extraterrestre : l’artiste ambitionne plutôt de nous révéler « un monde interconnecté dans lequel “nous ne faisons qu’un”, “we are we” ». Un avant-goût du futur ? À moins que cela ne soit déjà le présent…

Celles et ceux qui suivent de près les sorties sneakers auront sans doute remarqué que Salomon a sorti plusieurs paires inspirées du monde des ballerines, notamment lors de sa collaboration avec la créatrice Sandy Liang. Plutôt connue pour ses chaussures, vêtements et accessoires pensés pour le grand air, la marque vient de se rapprocher un peu plus des parquets de danse en annonçant devenir l’équipementier officiel du Ballet de l’Opéra national de Paris à compter de la saison 2025-2026. « Pendant trois saisons, les 154 danseurs et danseuses du Ballet seront équipés par Salomon pour accompagner les différentes phases de leur pratique quotidienne : échauffements, entraînements, répétitions, récupération et déplacements », explique le communiqué de presse envoyé ce 10 juin pour annoncer ce « partenariat inédit entre culture de la performance et excellence artistique ». Si, à notre connaissance, Salomon ne propose (pour l’instant ?) ni pointes ni tutus, les danseurs seront équipés de chaussures de training, vêtements techniques et accessoires conçus pour la performance afin de les accompagner « dans les différentes phases de leur activité ». Car, comme l’explique Guillaume Meyzenq, président et CEO de Salomon : « Le Ballet de l’Opéra national de Paris incarne une forme rare de performance : exigeante, précise, silencieuse, construite dans la répétition et l’engagement quotidien. Chez Salomon, nous reconnaissons cette même culture de l’effort auprès de nos athlètes. Ce partenaria

Lors du festival We Love Green 2026, qui se déroule ces 5, 6 et 7 juin, les amateurs de sneakers pourront assister aux concerts de Gorillaz, Theodora ou The xx, mais aussi redécouvrir l’histoire de la Moon Shoe, paire culte conçue dans les années 70 et commercialisée auprès du grand public depuis l’an dernier, d’abord via une collaboration avec Jacquemus. Premier modèle doté d’une semelle gaufrée, pensée pour offrir une meilleure adhérence sur les pistes d’athlétisme, la Moon Shoe aurait été conçue par Bill Bowerman, cofondateur de Nike – qui s’appelait encore Blue Ribbon Sports à l’époque –, à l’aide d’un gaufrier reçu en cadeau de mariage. Son nom lui vient des empreintes en forme de cratères que cette chaussure révolutionnaire laissait derrière elle lors des tests organisés pour les sélections olympiques américaines d’athlétisme de 1972, quelques années après la mission Apollo 11. Longtemps réservée aux athlètes (tout en inspirant le succès de la future Waffle Trainer), la Moon Shoe est aujourd’hui disponible pour le grand public, un peu plus d’un demi-siècle après sa création. Un retour pile dans l’époque, alors que les sneakers minimalistes ont repris le pouvoir. C’est justement cette histoire des origines que Nike cherche à raconter à travers des expériences immersives : après une première version organisée en mai dernier à Paris, la marque propose aux festivaliers de We Love Green un escape game pensé comme un véritable retour dans les seventies, au sein de l’espace Re

Calder. Rêver en équilibre, à la Fondation Louis Vuitton À sculpteur monumental, rétrospective monumentale ! Alexander Calder n’avait pas fait l’objet d’une rétrospective parisienne à la hauteur de son influence depuis les années 80. Un manque comblé aujourd’hui par la Fondation Louis Vuitton, de façon magistrale. Couvrant un demi-siècle de création, des années 1920 aux années 1970, l’expo s’appuie sur plus de 300 pièces, allant des petits jouets sculpturaux aux mobiles XXL qui ont fait la réputation de l’artiste. Lire notre critique ici.Quand ? jusqu'au 16 août 2026Où ? 8 avenue du Mahatma Gandhi - Bois de Boulogne, Paris 16e. © 2026 Calder Foundation, New York / ADAGP, Paris. Photo courtesy of Calder Foundation, New York / Art Resource, New York Gianni Versace Retrospective, au musée Maillol Né en 1946 et disparu tragiquement en 1997, Gianni Versace a fait de la marque éponyme l'un des noms les plus connus de l'industrie de la mode grâce à ses créations baroques et glamour et un certain sens de la provocation teinté d'appréciation pour l'art et la culture. Une exposition rétrospective (la première en France depuis 1986) va permettre de redécouvrir le travail du fondateur. Quelque 450 pièces sont réunies pour l'occasion : silhouettes originales, accessoires, croquis, objets décoratifs, photographies, vidéos et interviews. Quand ? du 5 juin au 6 septembre 2026Où ? 59-61 Rue de Grenelle, Paris 7e © Arches London Bridge / DreamrealizerGianni Versace Matisse 1941-

Avis aux amateurs de cosmétiques, et de Dua Lipa : il est désormais possible de trouver en France la gamme de soins imaginée par la chanteuse et Augustinus Bader Science, grâce à l’ouverture d’un pop-up parisien du 27 mai au 7 juin 2026. Présentée comme la « rencontre entre l’univers créatif et audacieux de l’artiste et l’expertise scientifique de pointe d’AB Science », DUA by AB promet une approche du soin « performante, sensorielle et résolument contemporaine », avec des formules simples enrichies de la technologie exclusive TFC5. Installée au sein de la boutique Augustinus Bader du Palais-Royal, cette adresse éphémère immersive permet aux visiteurs de découvrir la gamme DUA by AB, mais aussi de profiter d’un soin de 10 minutes « pour un Dua’s Glow instantané », accompagné de conseils personnalisés. Sur place, un bar propose également des « boissons saines pensées pour nourrir la peau et le corps de l’intérieur ». Une expérience testée et approuvée par Dua Lipa en personne, qui a bravé la chaleur pour s’y rendre ce 27 mai, comme en témoigne un post Instagram astucieusement légendé : « Bonjour Paris. Sun is out, skin is glowing and DUA by AB Pop-Up has arrived. »

« Un geste qui encourage la jeunesse à voir les choses plus grand » : c’est ainsi que l’artiste peintre Lassana Sarre explique son choix du tifo pour l’œuvre qu’il a créée en collaboration avec Nike. Pensée comme « un pont entre art et sport », en résonance avec l’ADN du Paris Saint-Germain, celle-ci prend la forme d’une version XXL du nouveau maillot domicile 2026/27 du PSG, dévoilé le 9 mai dernier. Comme l’explique la marque au Swoosh, le travail de l’artiste, qui sera exposé au Palais de Tokyo à partir du 5 juin prochain, explore « l’identité, la mémoire et les moments suspendus ». Autant de thèmes que l’on retrouve aussi bien dans les bannières des supporters – « où l’art devient une expression collective portée par la foule », selon Nike – que dans l’objet maillot. Un choix d’autant plus à propos que le graphisme de sa bande centrale « a été pensé pour évoquer le mouvement des drapeaux agités dans les virages Auteuil et Boulogne », comme l’expliquait le journal L’Équipe lors de sa sortie. Un uniforme devenu œuvre, hautement symbolique, porteur de valeurs chères aux fans du PSG, qui disputera la finale de la Ligue des champions à Budapest le 30 mai prochain. © Mugisha Zacharie BizimanaAu Parc des Princes, le nouveau maillot du PSG transformé en œuvre d’art géante par Lassana Sarre © Mugisha Zacharie BizimanaAu Parc des Princes, le nouveau maillot du PSG transformé en œuvre d’art géante par Lassana Sarre À lire aussi :  Johanna Tordjman : « Je suis une psychopathe d

Marque lancée par la mannequin, actrice et créatrice Jeanne Damas, Rouje fête ses 10 ans en 2026. Un anniversaire pas comme les autres que la ligne de vêtements et d’accessoires, doublée d’une collection de produits de beauté baptisée Les Filles en Rouje, célébrera avec une collection capsule « 10 Ans », mais aussi avec l’ouverture d’un café, le Café en Rouje, au sein de son flagship de la rue Bachaumont. © RoujeJeanne Damas ouvre un café à Paris pour les 10 ans de Rouje Décrit par la marque comme un projet « profondément personnel pour Jeanne Damas, qui a grandi dans le restaurant de ses parents », cette première incursion dans l’art de vivre prolonge l’univers très parisien de Rouje en célébrant « l’atmosphère des bistrots parisiens » : comptoir en bois, carrelage en mosaïque, banquettes rouges… L’adresse joue la carte de l’intemporel et propose même une sorte de clin d’œil à À la recherche du temps perdu en faisant de la madeleine sa spécialité. Sa version signature s’habille d’une coque en chocolat rouge marquée du R de Rouje, et sera préparée chaque matin selon une recette maison imaginée en collaboration avec Proost. © RoujeJeanne Damas ouvre un café à Paris pour les 10 ans de Rouje © RoujeJeanne Damas ouvre un café à Paris pour les 10 ans de Rouje On pourra également y acheter et moudre sur place le café maison en grains, torréfié par Fève, l’une des références parisiennes en la matière. Rendez-vous à partir du 30 mai 2026 au 11 bis, rue Bachaumont pour un café,