Julien Lambea

Envie d’un grand bol d’art frais ? Peu importe le mois ou la saison, Paris abrite un nombre pantagruélique d’expos à même de combler votre appétit en culture, si bien qu’il est parfois difficile de faire le tri entre le bon et le moins bon. C’est pourquoi, équipé de notre calepin et de notre flair légendaire, on a bourlingué dans toute la ville pour ne sélectionner que la crème de la crème des expositions à Paris, qu’elles soient consacrées à la peinture, la photo, l’art contemporain, la sculpture ou encore le design. Résultat ? Un dossier expo aussi costaud qu’une cuisse de Roberto Carlos, qui vous fera vous sentir aussi heureux qu’un écureuil devant la version longue de Casse-Noisette ! Pour encore plus de bons plans, inscrivez-vous à la newsletter de Time Out Paris.

On a recensé les collaborations mode les plus excitantes du moment. Levi’s et Sacai réinventent le denim avec la précision déstructurée propre à Chitose Abe, Uniqlo UT célèbre l’héritage du Studio Ghibli à travers une série de t-shirts aussi nostalgiques qu’accessibles, Acne Studios flirte avec la douceur en convoquant les Moomins, tandis que Balenciaga rend hommage — avec une touche d’ironie — à Britney Spears. On note aussi le retour très attendu du duo Louis Vuitton et Murakami, les nouvelles lignes de sneakers adidas et Wales Bonner, ou encore les sacs techniques et floraux signés Cecilie Bahnsen x Porter. Autant de collaborations qui racontent, chacune à leur manière, les obsessions mode du moment.

Après une rétrospective en 2014, Niki de Saint Phalle est de retour au Grand Palais jusqu’au 10 janvier 2026, et bien accompagnée ! Loin de la monographie classique, l’exposition Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten retrace les interactions entre ces trois figures de l’art du XXe siècle partageant une vision révolutionnaire du monde : le couple d’artistes formé par Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely et leur ami Pontus Hulten, premier directeur du Centre Pompidou, lequel a prêté plein d’œuvres au Grand Palais avant ses travaux.   Une dizaine de salles/chapitres montrent habilement l’influence de Pontus Hulten mais aussi la dynamique du couple artistique qui s’est rencontré et a partagé un atelier dans l’impasse Ronsin à Paris à la fin des années 50. Le Suédois est impliqué dans toutes les œuvres présentées, permettant d’envoyer un peu de lumière sur une personnalité moins médiatisée. Une forte dimension ludique Le parcours raconte également les relations entre artistes et musées, et comment les grandes expositions deviennent des jalons biographiques. À ce côté coulisses s’ajoute une forte dimension ludique propre aux œuvres exposées : souvent imposantes, les machines mi-amusantes mi-inquiétantes de Jean Tinguely sont conçues pour être mises en mouvement et bon nombre d’entre elles s’animent à intervalles réguliers, faisant d’abord sursauter les visiteurs avant de les fasciner.  Nombre de documents – photos, vidéos, ou même correspondances – permettent de montr

Pour beaucoup d’initiés, l’un des temps forts de la Fashion Week de Paris en juin 2025 ne se joue pas sur un podium, mais au Palais Galliera, le musée de la mode de la capitale. Une exposition consacrée à Rick Owens, seulement le troisième créateur — après Azzedine Alaïa et Martin Margiela — à recevoir un tel hommage de son vivant. Mais pourquoi lui, et pourquoi maintenant, alors que sa carrière est loin d’être terminée ? « À l’heure où la production de mode semble plus formatée que jamais, le Palais Galliera choisit de mettre en lumière l’exigence artistique et la vision sans compromis d’un créateur indépendant », lit-on dès les premières lignes du texte d’introduction de Temple of Love, l’exposition dédiée à Rick Owens, présentée du 28 juin 2025 au 4 janvier 2026. Rick Owens fait partie des rares créateurs indépendants à conjuguer reconnaissance critique et succès commercial dans une industrie largement dominée par les géants du luxe. Mais il est surtout l’un des stylistes les plus singuliers de sa génération ; voire de toute l’histoire de la mode. De ceux qui fascinent, parce qu’ils bâtissent un univers total. Un démiurge radical, maître d’un monde ténébreux que d’aucuns jugeront hermétique, mais qui fédère une véritable communauté de fidèles. C’est sans doute ce caractère “culte” qui frappe d’emblée lorsqu’on entre dans l’exposition scénographiée par Rick Owens lui-même. Dans la pénombre, sur des estrades, dans des alcôves ou suspendus au plafo

“Nosso Barco Tambor Terra” (“Notre Bateau Tambour Terre” en français) : la simple évocation du nom fantasmagorique de l’œuvre résonne comme un mantra, au rythme des percussions que l’on perçoit avant même d’entrer dans la nef du Grand Palais où est tendue cette gigantesque toile textile jusqu’au 25 juillet 2025. Originaire de Rio de Janeiro, l’artiste contemporain Ernesto Neto est connu pour ses installations immersives, que le public français a pu découvrir en 2006 au Panthéon ou plus récemment, début 2025, au Bon Marché. Il déploie ici l’une de ses plus grandes sculptures, déjà exposée l’an dernier au MAAT de Lisbonne. Cette structure en crochets multicolores, composée de 5 735 mètres de chintz brésilien imprimé, découpé à la main et noué, représenterait donc un navire, mais aussi une bête primitive et une forêt. Toutes ces choses à la fois, explique le commissaire d’exposition Jacopo Crivelli Visconti : “L’artiste dépeint le monde dans son ensemble.”  Une visite pieds nus On y entre après avoir retiré ses chaussures, comme pour mieux faire corps avec le sol recouvert d’écorce et de terre et les épices qui viennent chatouiller le nez. Si le spectacle visuel est impressionnant, l’ouïe joue ici un rôle central : des dizaines d’instruments de musique venus du monde entier sont intégrés à la structure, suspendus par du tissu ou amarrés au sol. Particulièrement apprécié par le jeune public, ce dispositif rappelle le pouvoir fédérateur de la musique, mais aussi sa dimension spiri

Premier photographe à remporter le Turner Prize en 2000, l’Allemand Wolfgang Tillmans a reçu carte blanche du Centre Pompidou pour sa dernière expo avant cinq ans de travaux. Faisant écho à cette période de “métamorphose”, comme dit l’équipe du musée, l’Allemand a transformé en galerie l’espace qu’occupait la Bibliothèque publique d’information – plus particulièrement le plateau du 2e étage – jusqu’au 2 mars dernier (elle rouvrira le 25 août au 40 avenue des Terroirs-de-France pendant la durée des travaux).   Etalée sur 6 000 m2, cette expo retraçant près de 40 ans de carrière avec pas moins de 3 000 œuvres est tout simplement “l’exposition la plus vaste jamais produite au Centre Pompidou”, comme l’annonce le fascicule. En effet, il faudra probablement une bonne demi-journée pour tout regarder !  Souvent crédité pour avoir révolutionné l’accrochage dans ses expositions, Wolfgang Tillmans a trouvé ici un terrain de jeu à sa mesure, mettant en dialogue son travail avec l’architecture de Beaubourg et surtout avec la vocation d’un lieu comme la Bpi qui donne gratuitement accès au savoir. Le titre de l’exposition, Rien ne nous y préparait - Tout nous y préparait, que Wolfgang Tillmans dit avoir en tête depuis plusieurs années, renvoie lui aussi à la question de la connaissance. “Dans ma vie, je me sens suspendu entre le sentiment de vouloir savoir, vouloir planifier, […] et en même temps de se résigner et faire la paix avec le fait que l’on ne peut pas toujours tout savoir”, expli

Il y a quelques années, le musée de l’Orangerie interrogeait les liens entre l’impressionnisme et la peinture abstraite avec l’exposition Nymphéas. L’abstraction américaine et le dernier Monet. Cette ultime série du maître impressionniste, véritable tournant dans l’histoire de l’art, sert aujourd’hui de point de départ à la nouvelle exposition du musée : Dans le flou – Une autre vision de l’art de 1945 à nos jours. Une plongée dans l’indistinction visuelle, amorcée par une citation extraite du roman de Grégoire Bouillier, Le Syndrome de l’Orangerie : « Au vrai, on ne voit rien. Rien de précis. Rien de définitif. Il faut en permanence accommoder sa vue. » Effet optique omniprésent dans les grands panneaux installés au musée depuis 1927, le flou a longtemps été attribué aux troubles de la vue dont souffrait Monet en fin de vie. Les commissaires de cette exposition choisissent une autre lecture : celle d’un geste esthétique délibéré, réinvesti par de nombreux artistes après lui – d’Alberto Giacometti à Christian Boltanski, en passant par Hans Hartung, Mark Rothko ou Hiroshi Sugimoto. Cette esthétique du flou, qui précède même Monet, se manifeste déjà chez William Turner – figure tutélaire des impressionnistes – qui s’inscrivait dans la tradition du sfumato renaissant. L’exposition ne suit pas un déroulé chronologique : dès la première salle, Monet et Turner côtoient des artistes contemporains. Le fil conducteur est thématique, et explore les usages du flou sous ses diff

Originaire, comme son nom l’indique, de Dover Street à Londres (il se trouve désormais au 18-22 Haymarket), le Dover Street Market – ou DSM pour les intimes – est tout bonnement une réinvention du concept de commerce physique par Adrian Joffe et Rei Kawakubo, la fondatrice de la marque japonaise Comme des Garçons. Après des ouvertures à Tokyo, New York, LA et ailleurs, il aura fallu attendre 20 ans pour voir DSM débarquer pour de bon à Paris. Mais ça en valait la peine : installé dans l’hôtel de Coulanges, ancienne demeure de Madame de Sévigné, cette boutique conceptuelle sans vitrines plonge ses clients dans l’avant-garde, aussi bien par sa façon de présenter les vêtements que par la sélection elle-même : les labels de la galaxie Comme des Garçons, les marques les plus pointues du moment, et des noms moins connus, mais déjà sur le radar de ceux qui savent. DSM Paris est aussi un hub créatif qui accueille expositions, signatures et autres événements, sans oublier une offre culinaire signée Rose Bakery.

Rendu célèbre par le succès de l’Officine Universelle Buly, l’entrepreneur Ramdane Touhami avait ouvert son premier concept store, l’Épicerie, en 1998. Vingt-six ans plus tard (en 2024 donc), il retente l’expérience avec WORDS, SOUNDS, COLORS & SHAPE, une boutique qui en cache en réalité plusieurs : le multimarques A YOUNG HIKER, dédié à la nouvelle génération de labels outdoor (qui avait un temps pignon sur cour au Palais-Royal), un écrin pour la collection de vêtements DIE DREI BERGE (du nom de l’hôtel de montagne rénové par Ramdane en Suisse), un café, une galerie, une librairie consacrée aux publications rares, un atelier de gravure et une sélection pointue de pièces vintage de marques japonaises comme Kapital ou Sacai. Autant de centres d’intérêt, éclectiques et exigeants, qui reflètent la personnalité du fondateur, fin connaisseur de ce qui plaît aux esthètes aussi avertis que lui.

Ces dernières années, les amateurs de l’œuvre d’Henri Matisse ont été gâtés par les musées parisiens : Matisse - Comme un roman au Centre Pompidou fin 2020, Matisse. Cahiers d’art, le tournant des années 30 à l’Orangerie en 2023 et L’Atelier rouge de Matisse à la Fondation Louis Vuitton l’an dernier ont rendu hommage à cet artiste majeur du XXe siècle. Pourtant, avec Matisse et Marguerite - Le regard d’un père, qui se déroule jusqu’au 24 août 2025, le musée d’Art moderne de Paris parvient à éviter toute sensation de déjà-vu grâce à une sélection et surtout un regard bien particulier sur la production du chef de file du fauvisme : celui que Matisse portait sur sa fille Marguerite, née en 1894, quelques années après ses débuts en peinture.  En suivant un parcours chronologique jalonné de plus d’une centaine de portraits de Marguerite, dessinée, peinte ou sculptée par son père entre les années 1900 et 1945 (mais aussi de documents personnels, de la propre production artistique de Marguerite Duthuit-Matisse et même de vêtements), l’exposition permet de redécouvrir cette figure souvent méconnue et pourtant très importante dans la vie et l’œuvre du peintre. La multiplication des tableaux, études, esquisses et autres représentations du même modèle ne lasse pas, bien au contraire, le visiteur, qui est ainsi témoin de la tendresse, si ce n’est de la fascination, d’un père pour sa fille. En plus de voir Marguerite grandir sous nos yeux, on constate l’évolution du style d’Henri Matisse

Pionnière de la Nouvelle Vague, immortalisée par les films qu’elle a réalisés à partir de 1955 et qui ont fait le tour du monde, Agnès Varda était aussi plasticienne et photographe. C’est cette dernière pratique (et première car elle a exercé à partir de 1950 le métier de “maître artisan photographe” après des études à l’École du Louvre et un CAP photographie) que le musée Carnavalet a décidé de mettre en lumière jusqu’au 24 août dans l’exposition Le Paris d’Agnès Varda.  Sous-titrée “de-ci, de-là”, une expression comme empruntée à la prose de l’artiste franco-belge, cette balade en 130 tirages photos – dont de nombreux inédits – et extraits de films part et revient au 86 rue Daguerre, son lieu de vie et de travail de 1951 à sa disparition le 29 mars 2019. On y découvre le “vrai” Paris des années 50 et 60, loin des cartes postales : son quartier, ses amis et ses voisins. “Je n’habite pas Paris, j’habite Paris 14e”, disait-elle. En voyant ces prises de vues, on ne peut s’empêcher de penser au cinéma qui viendra : elles témoignent d’un sens aigu de la composition et de la “mise en scène”, mais aussi d’un certain goût pour le surréalisme. Les artistes ne sont d’ailleurs pas loin : la Varda photographe a documenté le Théâtre national populaire (TNP) dirigé alors par Jean Vilar, la venue de Federico Fellini à Paris, ainsi que des moments de la Nouvelle Vague comme le mariage d’Anna Karina avec Jean-Luc Godard. Elle s’intéresse aussi aux anonymes et ses portraits de voisins et de

Chef de file de la photographie humaniste, Robert Doisneau est très probablement le photographe français le plus connu au monde : selon sa fille Francine, l’Atelier Robert Doisneau et son fonds de 450 000 négatifs ont contribué à 158 expositions depuis son décès en 1994. Un chiffre impressionnant qui témoigne d’une appréciation quasi universelle, mais qui sous-entendrait presque que tout a été vu et dit sur l’auteur de l’incontournable Baiser de l’Hôtel de Ville. Pourtant, la nouvelle exposition que l’on peut voir au musée Maillol jusqu’au 12 octobre – après deux ans de préparation et l’aide de ses deux filles, Francine Deroudille et Annette Doisneau – a pour ambition de faire passer quelque chose au-delà des images : “une manière de regarder les autres”. Pour ce faire, les commissaires d’exposition ont opté pour un parcours thématique qui montre les différents aspects de l’œuvre de Robert Doisneau tout en gardant un fil conducteur : le “réalisme poétique”, une notion que l’on comprend très rapidement en voyant les quelque 400 tirages de l’exposition. Le terme renvoie aussi à un courant cinématographique né dans les années 30 – tout comme la photographie humaniste –, ce qui n’est pas sans rappeler que ces photos, toujours impressionnantes de maîtrise dans leur composition, ont une certaine capacité à raconter des histoires. On (re)découvre d’ailleurs dans l’exposition sa proximité avec les écrivains, dont son ami Jacques Prévert, avec qui il partage un goût du surréalisme (la

L’exposition de David Hockney à la Fondation Louis Vuitton est l'événement artistique de la saison à plus d’un titre : superstar de l’art contemporain, David Hockney est peut-être le peintre le plus connu en activité, avec une carrière prolifique entamée dans les années 1960. C’est aussi une démarche assez exceptionnelle pour la Fondation Louis Vuitton, qui a invité l’artiste à choisir le thème et à s’impliquer personnellement – pendant près de deux ans de préparation – dans la conception de ce qui devient ici sa plus grande exposition à ce jour, avec plus de 400 œuvres réparties dans l’ensemble des galeries du bâtiment imaginé par l’architecte Frank Gehry. Événement, ou plutôt avènement, car cette exposition, visible jusqu’au 29 août, marque aussi l’arrivée du printemps comme il se doit : les arbres en fleurs du bois de Boulogne environnant font écho à de nombreuses œuvres célébrant la saison et le thème de la nature. Le sous-titre de l’exposition – Do remember they can’t cancel the spring – est d’ailleurs resté en anglais, tel que Hockney l’a écrit. Une phrase née pendant le confinement de 2020, accompagnant l’un de ses dessins réalisés en Normandie, et dont le message résonne encore cinq ans plus tard. On l’a dit, l’œuvre de David Hockney est vaste. Il ne s’agit pas ici d’une rétrospective au sens strict, comme celle que lui consacrait le Centre Pompidou en 2017, même si les “greatest hits” sont bien présents dès la deuxième galerie de l’exposition. Le niveau -1 de la Fond

Même chez les amateurs de mode les plus avertis, peu savent qu’Azzedine Alaïa a un jour signé des vêtements pour Thierry Mugler. À commencer par les smokings de l’automne-hiver 1979-80, pour lesquels Mugler le remerciera dans le programme de sa collection avant de l’encourager à lancer sa propre marque. Le tout bien avant que les collaborations ne deviennent monnaie courante dans l’industrie – parfois par affinité créative, souvent pour des raisons marketing. Si le contexte de l’époque rend la comparaison un peu bancale, c’est pourtant bien cette affinité créative qui a provoqué la rencontre entre les deux grands couturiers — point de départ d’une amitié, d’un respect mutuel, d’une entraide et d’un dialogue qui perdureront malgré des styles et des personnalités très différents. C’est aussi ce lien qui inspire l’exposition Azzedine Alaïa, Thierry Mugler – 1980-1990, Deux décennies de connivences artistiques, visible jusqu’au 29 juin à la Fondation Azzedine Alaïa. Un événement qui réunit une quarantaine de pièces signées Mugler, issues de la collection personnelle d’Alaïa (il en a conservé plus de 200), mises en regard de ses propres créations. Plutôt qu’une rétrospective, l’exposition propose ainsi le regard du couturier franco-tunisien sur le travail de celui qui se faisait aussi appeler Manfred Thierry Mugler. Cette idée de "connivence" — autrement dit d’"entente secrète ou tacite" – prend tout son sens dans la juxtaposition, orchestrée par le commissaire d’exposition Olivie

Craving a proper dose of art? No matter the season, Paris serves up a banquet of exhibitions so rich and varied it can be hard to know where to tuck in. But thankfully, you’ve got us on hand to help.  Recommended: I live in the world’s best city for culture – here are my 8 favourite places.  We’ve roamed the city to handpick the crème de la crème of exhibitions on display right now – whether you’re into painting, photography, contemporary art, sculpture, or design, there’s something on this list for you. Here are the very best exhibitions on in Paris right now. Dans le Flou – Another Vision of Art from 1945 to Today Hans Hartung (1904-1989) T1982-H31, 1982 Antibes, Fondation Hartung-Bergman © Collection : Fondation Hartung-Bergman © Hans Hartung / Adagp, Paris 2025 Following their deep dive into the link between Impressionism and abstraction, the Orangerie is now exploring what happens when things get a little... blurry. Inspired by Monet’s late masterpieces, the show journeys from the 1940s to today, demonstrating how artists have embraced visual ambiguity, abstraction, and indistinct forms to create emotion and tension. The exhibition opens with a quote from Grégoire Bouillier’s novel The Orangerie Syndrome: ‘In truth, we see nothing. Nothing precise. Nothing definite. One must constantly readjust one’s sight.’ And that’s exactly what this show makes you do – look again, and again. Where? Musée de l’OrangerieWhen? Until August 18 2025 Matisse et Marguerite – A Father’s Ga

Agnès Varda, de-ci, de-là, au musée Carnavalet Pionnière de la Nouvelle Vague, immortalisée par les films qu’elle a réalisés à partir de 1955 et qui ont fait le tour du monde, Agnès Varda était aussi plasticienne et photographe. C’est cette dernière pratique (et première car elle a exercé à partir de 1950 le métier de “maître artisan photographe” après des études à l’École du Louvre et un CAP photographie) que le musée Carnavalet a décidé de mettre en lumière jusqu’au 24 août dans l’exposition Le Paris d’Agnès Varda.  Lire ici notre chronique de l'expo Agnès Varda, de-ci, de-là. Quand ? jusqu'au dimanche 24 août 2025. Où ? musée Carnavalet, 16 rue des Francs-Bourgeois, Paris 3e. © Agnès Varda, autoportrait dans son studio rue Daguerre David Hockney 25, à la Fondation Louis Vuitton L’exposition de David Hockney à la Fondation Louis Vuitton est l'événement artistique de la saison à plus d’un titre : superstar de l’art contemporain, David Hockney est peut-être le peintre le plus connu en activité, avec une carrière prolifique entamée dans les années 1960. C’est aussi une démarche assez exceptionnelle pour la Fondation Louis Vuitton, qui a invité l’artiste à choisir le thème et à s’impliquer personnellement – pendant près de deux ans de préparation – dans la conception de ce qui devient ici sa plus grande exposition à ce jour, avec plus de 400 œuvres réparties dans l’ensemble des galeries du bâtiment imaginé par l’architecte Frank Gehry. Fondation Louis Vuitton ! Q