Julien Lambea

Envie d’un grand bol d’art frais ? Peu importe le mois ou la saison, Paris abrite un nombre pantagruélique d’expos à même de combler votre appétit en culture, si bien qu’il est parfois difficile de faire le tri entre le bon et le moins bon. C’est pourquoi, équipé de notre calepin et de notre flair légendaire, on a bourlingué dans toute la ville pour ne sélectionner que la crème de la crème des expositions à Paris, qu’elles soient consacrées à la peinture, la photo, l’art contemporain, la sculpture ou encore le design. Résultat ? Un dossier expo aussi costaud qu’une cuisse de Roberto Carlos, qui vous fera vous sentir aussi heureux qu’un écureuil devant la version longue de Casse-Noisette ! À lire aussi : Les expos gratuites à voir en ce moment à Paris Et pour encore plus de bons plans, inscrivez-vous à la newsletter de Time Out Paris.

*]:pointer-events-auto scroll-mt-[calc(var(--header-height)+min(200px,max(70px,20svh)))]" dir="auto" tabindex="-1" data-turn-id="request-WEB:d3ba8190-e937-45ff-9b45-dc0e78a2b038-2" data-testid="conversation-turn-6" data-scroll-anchor="true" data-turn="assistant"> Trop vu, trop banal, pas assez bien choisi : le faux pas n’est jamais loin quand il s'agit d'offrir un cadeau à quelqu'un qui aime la mode. Rassurez-vous, on a fait le tri. Des valeurs sûres aux jolies idées bien senties, voici une sélection de cadeaux pensée pour mettre tout le monde d’accord, et à tous les budgets.

Alors que nous écrivons ces lignes, Uniqlo vient d'inaugurer une nouvelle boutique à Bastille : sa 12ᵉ adresse parisienne et son 29ᵉ point de vente en France depuis son arrivée dans l’Hexagone en 2007. Selon un article du New Yorker paru le 22 septembre dernier, la marque japonaise compte aujourd’hui plus de 2 500 magasins répartis en Asie, en Europe et en Amérique du Nord. On y apprend également que Fast Retailing, la holding qui contrôle Uniqlo, est devenue le troisième plus grand fabricant et distributeur de vêtements au monde, derrière H&M et Inditex, et que sa croissance dépasse désormais celle de ces deux groupes. L’intemporalité plutôt que la tendance Pourtant, si l’on a souvent tendance à comparer ces trois géants du prêt-à-porter et à les ranger dans la même catégorie, Uniqlo ne se revendique pas comme une marque de fast fashion. Certes, ses volumes de production à bas coût, externalisés dans des usines situées en Chine, au Vietnam, au Bangladesh, en Indonésie ou en Inde, ont parfois été questionnés — notamment en 2021, lorsque des allégations de recours au travail forcé, finalement démenties par la société après des inspections d’organismes tiers, avaient émergé. Mais la marque rappelle dans son rapport intégré 2024 que ses « programmes de surveillance dans ses ateliers de couture et chez ses principaux fournisseurs de tissus contribuent à prévenir les violations des droits humains et à garantir de bonnes conditions de travail et des cadres de gestion adéquats dans

Désormais, c’est le terrain de chasse des chineurs stylés, des modeux en quête de pièces rares et de ceux qui préfèrent un Levi’s 501 bien patiné à n’importe quelle fast-fashion éphémère. Voici les meilleures adresses parisiennes où dénicher du vintage. À lire aussi : Les meilleures friperies et boutiques vintage de Paris

On a recensé les collaborations mode les plus excitantes du moment. Levi’s et Sacai réinventent le denim avec la précision déstructurée propre à Chitose Abe, Uniqlo UT célèbre l’héritage du Studio Ghibli à travers une série de t-shirts aussi nostalgiques qu’accessibles, Acne Studios flirte avec la douceur en convoquant les Moomins, tandis que Balenciaga rend hommage — avec une touche d’ironie — à Britney Spears. On note aussi le retour très attendu du duo Louis Vuitton et Murakami, les nouvelles lignes de sneakers adidas et Wales Bonner, ou encore les sacs techniques et floraux signés Cecilie Bahnsen x Porter. Autant de collaborations qui racontent, chacune à leur manière, les obsessions mode du moment.

Véritable caverne d’Ali Baba consacrée aux œuvres sur papier, le Cabinet d’art graphique du Centre Pompidou aligne plus de 35 000 dessins, collages, estampes, carnets et objets divers. Une collection vertigineuse, parmi les plus importantes au monde, qui raconte à même la feuille les XXe et XXIe siècles. Même en dehors des périodes de travaux, ce trésor reste peu visible du grand public, en raison de la fragilité des œuvres sur papier et, sans doute, d’une tendance à réduire le dessin à un simple travail préparatoire. Une idée préconçue que s’attache à défaire Dessins sans limite, la nouvelle exposition du Grand Palais, qui donne par la même occasion la chance de contempler quelque 300 chefs-d’œuvre de la collection du Centre Pompidou, avant leur retour forcé à l’obscurité. Selon les règles de conservation, un dessin peut être montré au maximum trois mois, avec un certain degré d’éclairage, avant d’être « mis au noir » pendant trois ans. Cette exploration des possibilités du dessin montre comment, depuis le début du XXe siècle, il s’est affranchi de son statut secondaire pour s’imposer comme une œuvre à part entière. Un terrain d’expérimentation libre pour les 120 artistes réunis ici, prêts à dépasser la simple feuille de papier. Face à un tel sujet, titanesque par l’ubiquité du dessin mais aussi par la taille du corpus, les commissaires d’exposition ont choisi un parcours plutôt thématique que chronologique, en quatre grandes sections. Celles-ci font dialoguer des œuvres con

Souvent confondu avec l’Art nouveau, l’Art déco reste mal identifié malgré son statut d’emblème du patrimoine esthétique français et mondial. Le musée des Arts Décoratifs s’amuse d’ailleurs de cette ambiguïté dans sa nouvelle exposition inaugurée le 22 octobre. « Protéiforme, l’Art déco se métamorphose au gré des singularités artistiques comme des écoles nationales », annonce le texte d’introduction, rappelant qu’il émerge dans les années 1910 avant de triompher à l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925. C’est par une salle hommage à cet événement mythique auquel on rêverait d’avoir assisté que débute la traversée. Trois étages, plus de 1 200 œuvres, et une exploration foisonnante de l’Art déco dans toutes ses voix. De quoi saisir l’incroyable richesse d’un mouvement à la production simultanée et variée en France, en Italie ou au Japon, dans des disciplines allant de la joaillerie aux arts de la table, du graphisme à l’architecture d’intérieur. Territoire d’expression indissociable de l’Art déco dans l’imaginaire collectif, le mobilier, central dans le parcours, illustre lui aussi toute la diversité du mouvement. Salle après salle, la juxtaposition des créations de Jacques-Émile Ruhlmann, Eileen Gray ou Jean-Michel Frank souligne la pluralité des styles, malgré une grammaire commune rappelée dès la troisième salle. Si leur style reste emblématique d’une époque bien précise — celle des années folles —, on est frappé par l’intemporalité e

Piqués par la curiosité après avoir longé des mois durant ce chantier mystérieux, on attendait la visite de l’Exposition Générale de la Fondation Cartier avec impatience. Pas seulement pour l’expo, mais surtout pour découvrir la nouvelle architecture de Jean Nouvel, installée dans les anciens locaux des Grands Magasins du Louvre. Sur ce point, pas de déception : avec ses 6 500 m² – cinq fois plus qu’à Raspail – et son système de plateformes modulables à la machinerie apparente, cette « machine à voir » fascine… autant qu’elle risque d’éclipser ce qu’elle expose. Une muséographie appelée à évoluer, parfaitement intégrée à la ville grâce à ses arches vitrées qui laissent entrevoir les œuvres depuis la rue. Ajoutez une librairie, un café et bientôt un restaurant : tout pour faire de ce musée atypique un futur repaire parisien, même pour les réfractaires à l’art contemporain. Et si l’on parle tant du bâtiment, c’est peut-être parce qu’on n’a pas tout à fait réussi à saisir l’exposition qu’il abrite. En parcourant les trois étages, on est loin du voisin Louvre : ici, la circulation libre et la proximité avec les œuvres brisent la froideur muséale habituelle. Mais entre la profusion et la dispersion des pièces, le parcours labyrinthique et l’espace encore inconnu, on ressort parfois un peu perdu, désorienté autant par l’architecture que par l’abondance. Un sentiment sans doute renforcé par la perte de repères qu’induit ce bâtiment tout neuf, truffé de recoins malgré son apparente h

Après David Hockney, la Fondation Louis Vuitton consacre une rétrospective à Gerhard Richter jusqu’au 2 mars 2026. Moins connu du grand public qu’Hockney mais tout aussi coté, le peintre allemand né à Dresde en 1932 investit les quatre étages du bâtiment de Frank Gehry (sauf une salle réservée à une installation immersive de l’artiste danois Jakob Kudsk Steensen).  La visite laisse une impression durable tant l’exposition se révèle vertigineuse à plusieurs niveaux : par la profusion d’œuvres, la monumentalité de certains formats et ces tableaux qui semblent littéralement brouiller le regard. Elle impressionne aussi par la maîtrise avec laquelle l’artiste navigue entre médiums, disciplines et genres. Car s’il se définit comme un “peintre classique”, Richter s’éloigne de toute approche académique, même lorsqu’il s’attaque à la nature morte ou au paysage avec des sujets d’une banalité désarmante. En parcourant les galeries de la Fondation, qui retrace l’évolution chronologique de son œuvre, on a presque l’impression de découvrir plusieurs artistes. Les six décennies couvertes (il a détruit ses œuvres antérieures à 1962 et cessé de peindre en 2017, tout en poursuivant le dessin) révèlent un artiste qui, tout en travaillant à partir de photographies dans son atelier, a su s’ancrer dans son temps. Richter aborde des sujets historiques, dialogue avec les grands courants de l’art contemporain, sans se laisser enfermer.  Face aux 275 œuvres exposées, difficile de cerner un véritable “

Après Basquiat, Chagall, Klee ou Picasso, la Philharmonie poursuit ses croisements art/musique avec Kandinsky – La musique des couleurs (jusqu’au 1er février 2026). En collaboration avec le Centre Pompidou, le parcours déroule l’évolution du peintre, l’un des pères fondateurs de la peinture abstraite, au rythme d’une écoute au casque. La musique varie d’une salle à l’autre grâce à un système d’audioguide géolocalisé. L’idée fait évidemment écho à la Philharmonie, mais elle colle surtout à l’œuvre : Kandinsky doit beaucoup aux musiciens, ses toiles ont déjà leur musique que le dispositif souligne. On le dit volontiers synesthète (à l’instar de Pharrell Williams : une altération de la perception où les sens se croisent). Il aurait « entendu » les couleurs, et cela se lit dans ses titres à nomenclature orchestrale : Improvisation, Impression, Composition. Aucune preuve formelle de sa synesthésie, soit. Mais au fil du parcours, on comprend une chose : c’est la musique qui lui ouvre le regard et l’arrache à la figuration. Cette clé de compréhension éclaire son abstraction, en peinture comme dans ses compositions scéniques où les motifs semblent prendre vie. Et, bonus, c’est une porte d’entrée ludique dans une œuvre majeure qui peut paraître difficile d’accès. Au-delà de renforcer l’effet des œuvres, cette balade musicale, immersive et instructive, permet (même sans synesthésie…) d’éprouver l’idée d’« entendre » les formes et les couleurs, chez Kandinsky comme chez d’autres artiste

Dans Citizen Kane, le chef-d’œuvre d’Orson Welles, on tente de percer le mystère du mot « Rosebud » en retraçant la vie du magnat de la presse. Un cheminement que reprend la Cinémathèque avec My Name is Orson Welles, une exposition qui explore l’énigme d’un homme qui « s’est montré tout en se cachant derrière des masques ». « Why are there so many of me and so few of you? », lançait George Orson Welles, génie touche-à-tout : acteur, réalisateur, producteur, scénariste, homme de radio, dessinateur ou magicien. Quarante ans après sa mort, on se souvient toujours du prodige de 25 ans derrière Citizen Kane (1940) et de sa légendaire adaptation radiophonique de La Guerre des mondes (1938), qui aurait semé la panique parmi des auditeurs persuadés d’une invasion extraterrestre. Des jalons que l’on retrouve dès les premières salles du parcours chronologique. La Cinémathèque orchestre ici un voyage érudit dans la vie et l’œuvre d’un créateur insaisissable, appuyé sur une documentation impressionnante : photos de famille et de tournage, unes de journaux, affiches, storyboards, scénarios… et, bien sûr, des extraits de films. Une matière riche (peut-être un peu trop parfois ?). Le parcours, généreux et foisonnant, assume l’abondance tout en proposant une vraie mise en perspective : de quoi suggérer l’homme derrière le mythe, tout en laissant au visiteur la liberté de tisser son propre fil. On s’y promène avec curiosité, quitte à s’y égarer (ce que nous avons fait, trois heures durant, s

Conçu pour abriter la collection d’art de François Pinault, le musée de la Bourse de Commerce – Pinault Collection explore, avec Minimal, une facette essentielle de cette passion. « Pour la première fois, je lève le voile sur la part intime de ma collection. C’est le souffle qui m’accompagne depuis plus de cinquante ans », confie le collectionneur. *]:pointer-events-auto [content-visibility:auto] supports-[content-visibility:auto]:[contain-intrinsic-size:auto_100lvh] scroll-mt-[calc(var(--header-height)+min(200px,max(70px,20svh)))]" dir="auto" tabindex="-1" data-turn-id="request-WEB:8d25f868-c323-4b11-a7aa-8c606a2b72a0-8" data-testid="conversation-turn-18" data-scroll-anchor="true" data-turn="assistant"> À ne pas confondre avec le minimalisme actuel, l’art minimal est un mouvement né au début des années 1960 qui questionne le statut même de l’œuvre d’art. Son influence perdure, comme en témoignent plus d’une centaine de pièces de 52 artistes, dont certains encore en activité, exposées dans les différents espaces du musée. Hormis quelques salles dédiées, l’exploration du minimal se déploie en sept sections thématiques qui révèlent à la fois les préoccupations communes et la diversité d’artistes venus de contextes, d’époques et de zones géographiques variés. Qu’il s’agisse de matière, de forme ou d’interaction avec la lumière et l’espace, chaque approche trouve sa place dans le bâtiment restauré par Tadao Ando, propice à une déambulation paisible et sereine. Une s

Jusqu’au 12 janvier 2026, le musée Guimet expose les polaroids de Nobuyoshi Araki. Ni rétrospective ni parcours thématique, mais le regard d’un collectionneur sur l’un des photographes les plus prolifiques de son temps. Pendant vingt-cinq ans, Stéphane André a réuni 906 polaroids d’Araki, actif depuis les années 1960, avant d’en faire don au musée fin 2024. Une « opportunité inouïe » pour Guimet, déjà auteur d’une rétrospective en 2016 et désormais ouvert à la photographie au sein de ses collections asiatiques. C’est aussi l’occasion d’explorer un pan méconnu de l’œuvre d’Araki : le polaroid, support idéal à sa pratique quotidienne. Intitulé ARAKI’S PARADISE par Stéphane André, l’ensemble réunit plusieurs motifs emblématiques : les rues de Tokyo, les femmes — dénudées ou non —, le bondage, les ciels, la nourriture, les chats, les jouets et, surtout, les fleurs. Un film de dix minutes accompagne l’exposition et revient sur leur rôle déterminant dans cet acte de collection. *]:pointer-events-auto [content-visibility:auto] supports-[content-visibility:auto]:[contain-intrinsic-size:auto_100lvh] scroll-mt-[calc(var(--header-height)+min(200px,max(70px,20svh)))]" dir="auto" tabindex="-1" data-turn-id="request-WEB:19fde3a9-f8c3-4f33-859a-b180383ec7f4-12" data-testid="conversation-turn-6" data-scroll-anchor="true" data-turn="assistant"> Le film dévoile aussi la collection telle qu’elle était accrochée chez le collectionneur, une scénographie recréée dans la rotonde du musée

Fondateur de la marque Off-White et ancien directeur artistique des collections masculines de Louis Vuitton, Virgil Abloh était aussi DJ, sculpteur, designer industriel, skateur et sans doute bien plus encore… Polymathe disparu trop tôt, emporté en 2021 par une forme rare de cancer à l’âge de 41 ans, il a laissé une empreinte durable sur notre époque, comme le montre « Virgil Abloh The Codes », l’exposition présentée du 30 septembre – date de son anniversaire – au 9 octobre au Grand Palais. Une célébration ponctuée de talks, workshops, DJ sets et même de la recréation de la boutique colette, qui coïncide avec la Fashion Week de Paris et marque la première grande exposition dédiée à la pratique de Virgil en Europe. Une immersion dans son univers créatif rendue possible par la Virgil Abloh Archive™, qui a réuni sous la direction de Shannon Abloh plus de 20 000 objets personnels, créations et collections accumulés au fil des décennies. Les deux étages de galeries du Grand Palais n’en présentent qu’environ 700, mais c’est largement suffisant pour donner l’impression d’une véritable caverne d’Ali Baba pour tout “hypebeast” qui se respecte, et surtout pour prolonger l’héritage de Virgil Abloh comme source d’inspiration. Les amateurs apprécieront de retrouver certains des greatest hits du créateur dans des disciplines aussi variées que la mode, l’art ou le design : des paires de sneakers en collaboration avec Nike, sa collection avec IKEA ou encore les sacs futuristes imaginés pour

Le New York Times l’a qualifié de « magasin qui comprend comment les gens s’habillent aujourd’hui » : un compliment qu’il ne faut pas prendre à la légère, et qui est mérité au vu de la quantité de clients, tous plus cool les uns que les autres, que The Archivist immortalise régulièrement sur son compte Instagram. C’est aussi une sorte de challenge, car il n’est pas simple de rester dans l’air du temps – surtout quand on parle de mode. Mais on peut compter sur l’œil avisé de l’acheteur de cette boutique vintage, pour laquelle les gens viennent de loin afin d’y trouver un mélange de streetwear américain usé juste comme il faut, de menswear japonais dans ce qu’il a de plus portable et d’autres pièces de créateurs européens choisies avec parcimonie. La sélection de bijoux, chaussures et accessoires vaut aussi le déplacement (prévenez votre banquier avant d’y aller).

Fondée par des passionnés ayant accumulé un peu trop de vêtements qui n’étaient pas forcément à leur taille, L’Épicerie a cumulé pas loin de dix ans de pop-ups avant de poser ses valises au printemps 2024 rue Notre-Dame-de-Nazareth (où les adresses de vintage se sont depuis multipliées). Suivi par une communauté d’un peu plus de 30 000 followers sur Instagram, qui se rassemble lors des événements qu’organise L’Épicerie, notamment pendant les Fashion Weeks, le duo derrière ce shop à la street créd’ indéniable oriente son choix mixte de pièces de seconde main en fonction de l’évolution de leur propre goût et des tendances dans lesquelles ils se reconnaissent. Cela se traduit aujourd’hui par des pièces issues de marques italiennes (Prada, Emporio Armani, Stone Island, C.P. Company) et japonaises (Comme des Garçons Homme, Junya Watanabe Man, Porter Yoshida) datant surtout des années 90, voire 80.

Son et Image, et sa fondatrice Shala Riazi, cultivent une affinité particulière avec la musique et le cinéma, deux domaines avec lesquels les vêtements font particulièrement bon ménage. La réciproque semble aussi être valable, étant donné que de nombreux rappeurs et autres célébrités fréquentent ce vintage store, qui dispose de trois adresses à Paris, et plus particulièrement la boutique du 77 boulevard de Sébastopol, où l’on trouve des pièces rares qui raviront les amateurs d’americana : jeans 501 de la bonne époque, baggys et vestes Carhartt usées juste comme il faut, t-shirts imprimés rares et autres pépites de l’âge d’or du vêtement de travail ou militaire made in USA. De quoi cocher toutes les cases du “vrai vintage”, celui pour lequel on vient de loin.

2026 marquant les 150 ans du fameux Bal du moulin de la Galette, le musée d’Orsay consacrera une grande exposition à Auguste Renoir, guidée par le sentiment amoureux. Elle s’attachera à déconstruire les idées reçues autour d’une peinture perçue comme “sentimentale”, tout en mettant en exergue le regard “amoureux” de son auteur, qui se traduit aussi bien dans les sujets que dans l’attention aux détails. Ce sera également la première fois depuis 1985 que l’on pourra voir autant de chefs-d’œuvre de la première partie de la carrière de Renoir à Orsay. Quand ? Du 17 mars au 19 juillet 2026Où ? musée d’Orsay, 1, rue de la Légion d'Honneur, Paris 7e Les expositions immanquables de l'année 2026 Entre les musées municipaux, les monuments nationaux, les fondations privées et les galeries d’art, 2026 s’annonce comme une grande année pour la culture avec des rétrospectives inédites, des expositions qui ont déjà fait parler d’elles à l’autre bout de la planète ainsi que la réouverture d’une des destinations artistiques favorites des Parisiens. Notre dossier complet à voir ici. Seagaia Ocean Dome, Miyazaki, Japan, 1996 © Martin Parr / Magnum Photos Les expos du moment à Paris Equipé de notre calepin et de notre flair légendaire, on a bourlingué dans toute la ville pour ne sélectionner que la crème de la crème des expositions du moment à Paris, qu’elles soient consacrées à la peinture, la photo, l’art contemporain, la sculpture ou encore le design. Résultat ici avec un dossier expo aussi

Focalisée sur les dernières années de la vie de celui qui est considéré comme le chef de file du fauvisme, l’exposition Matisse, 1941-1954 montrera la diversité de son œuvre et comment il a su se réinventer jusqu’au bout. Coproduite par le Centre Pompidou et le Grand Palais – RMN, elle présentera plus de 230 travaux tirés des collections de Beaubourg et de prêts internationaux, dont un ensemble exceptionnel de gouaches découpées, un médium auquel il a donné ses lettres de noblesse, ainsi que des peintures parmi les plus vibrantes de son œuvre. Voilà qui annonce un voyage riche en couleurs dans l’univers d’un artiste qui fascine toujours autant. Quand ? du 24 mars au 26 juillet 2026Où ? Grand Palais, 17 avenue du Général Eisenhower, Paris 8e Les expositions immanquables de l'année 2026 Entre les musées municipaux, les monuments nationaux, les fondations privées et les galeries d’art, 2026 s’annonce comme une grande année pour la culture avec des rétrospectives inédites, des expositions qui ont déjà fait parler d’elles à l’autre bout de la planète ainsi que la réouverture d’une des destinations artistiques favorites des Parisiens. Notre dossier complet à voir ici. Seagaia Ocean Dome, Miyazaki, Japan, 1996 © Martin Parr / Magnum Photos Les expos du moment à Paris Equipé de notre calepin et de notre flair légendaire, on a bourlingué dans toute la ville pour ne sélectionner que la crème de la crème des expositions du moment à Paris, qu’elles soient consacrées à la peinture, la

Face au ciel, Paul Huet en son temps, au musée de la Vie romantique © Paul Huet Ce n’est sans doute pas un hasard si le musée de la Vie romantique a choisi de rouvrir ses portes le 14 février 2026, après 17 mois de travaux. On pourra alors redécouvrir la maison et les ateliers d’Ary Scheffer post-restauration, avec un nouveau parcours pour les collections permanentes mais aussi une exposition présentant l’œuvre de Paul Huet. Influencé par Turner et Constable, ce précurseur oublié de la peinture de paysage romantique en France gagne à être connu, comme le prouvent ses majestueuses représentations du ciel qui seront mises en regard de tableaux de ses contemporains. Quand ? Du 14 février au 30 août 2026  Où ? musée de la Vie romantique, 16 rue Chaptal, Paris 9e Martin Parr. Global Warning, au Jeu de Paume    Benidorm, Espagne, 1997. © Martin Parr / Magnum Photos Préparée avec l’aide du photographe britannique (notre interview de l'artiste parue en 2023) avant sa disparition le 6 décembre dernier, l’expositionMartin Parr. Global Warning au Jeu de Paume se propose de revisiter son œuvre depuis les années 70“à l’aune du désordre généralisé de notre époque”. Portraitiste des temps modernes ayant écumé les cinq continents, Parr s’est fait le témoin de l’impact de l’Homme sur la nature, capturant ses congénères avec un regard critique teinté d’ironie. Une vaste exposition rassemblant près de 180 œuvres qui sera l’occasion de rendre hommage à l’un des plus grands noms de la photog

Préparée avec l’aide du photographe britannique avant sa disparition le 6 décembre 2025, l’exposition « Martin Parr. Global Warning » au Jeu de Paume revisite son œuvre depuis les années 70 « à l’aune du désordre généralisé de notre époque ».Portraitiste des temps modernes ayant écumé les cinq continents, Parr s’est fait le témoin de l’impact de l’Homme sur la nature. Cette rétrospective rappelle d’ailleurs que sa fascination pour les loisirs et le trivial n’a rien de superficiel. Derrière l’humour et l’apparente légèreté, le regard caustique de Parr, résolument documentaire et ancré dans nos modes de vie contemporains, devient matière à réflexion. Sur-tourisme, surconsommation… Sans jugement ni méchanceté, son objectif reste un outil d’analyse critique.L’occasion donc, à travers près de 180 œuvres (plusieurs de ses séries les plus emblématiques, en couleur et en noir et blanc), de rendre hommage à l’un des plus grands noms de la photographie contemporaine. Et, peut-être, de provoquer une prise de conscience. À découvrir du 30 janvier au 24 mai 2026.   Où ? au Jeu de Paume, 1 Pl. de la Concorde, 75001 ParisQuand ? du 30 janvier au 24 mai 2026

Figure de la mode new-yorkaise remarquée pour sa mode sexy et audacieuse (sa collection de sous-vêtements « sales » avait fait parler d’elle en 2024), inspirée par la culture latino-américaine, le créateur Willy Chavarria défilait pour la troisième fois à la Fashion Week de Paris le 23 janvier dernier.Prenant des allures de comédie musicale chorégraphiée par Damien Jalet (qui a récemment travaillé sur le film « Emilia Pérez »), la présentation de sa collection automne-hiver 2026 intitulée « Eterno » – et dédiée à « tous ceux qui croient au pouvoir de l’amour » – a marqué les esprits pour son ambitieuse scénographie, les performances musicales d’artistes comme Mon Laferte, Lunay ou Mahmood et, évidemment, pour ses vêtements mixant aisément tailoring et streetwear.Parmi eux, une nouvelle ligne appelée « Big Willy » (les anglophones apprécieront le jeu de mots « tongue-in-cheek »), ainsi que sa quatrième collaboration avec adidas Originals. Cette dernière revisite les sneakers et crampons de la marque aux trois bandes mais aussi l’uniforme de l’équipe du Mexique pour la Coupe du Monde 2026. Une preuve supplémentaire que la tendance blokecore n’a pas dit son dernier mot, mais aussi une démonstration de puissance et de créativité de la part de celui qui a remporté le prix du « Menswear Designer of the Year » du CFDA (Council of Fashion Designers of America) deux années consécutives, en 2023 et 2024. © Willy Chavarria

Habituellement réservés aux journalistes, influenceurs, célébrités et clients VIP, les défilés de la semaine de la haute couture (du 26 au 29 janvier 2026) restent rarement accessibles au grand public, en dehors des images véhiculées par les magazines et les réseaux sociaux. Un médium qui ne rend pas nécessairement justice aux milliers d’heures de travail des « petites mains » des ateliers des grandes maisons, si bien que Jonathan Anderson a souhaité rendre accessible au plus grand nombre la possibilité de voir en personne quelques-unes des créations de sa première collection de haute couture pour Dior, ainsi que les inspirations derrière leur création. C’est au sein de l’installation imaginée dans les jardins du musée Rodin pour le défilé du lundi 26 janvier que se tient, jusqu’à ce dimanche, l’exposition « Grammaire des formes », qui fait dialoguer quinze silhouettes de la collection de Jonathan Anderson, neuf modèles historiques de Christian Dior et sept œuvres de la céramiste Magdalene Odundo. Décrit par la maison Dior comme « intime et monumental à la fois », le travail de l’artiste kényane, que Jonathan Anderson admire de longue date, occupe une place centrale dans la collection, « inspirant des silhouettes sculptées, des tensions exagérées et des surfaces raffinées ». Une rencontre entre art, mode et artisanat qui se prolongera probablement par la contemplation des sculptures et des dessins de Rodin, un billet d’entrée étant nécessaire pour accéder à l’installation.

Pas la peine de vous faire un tableau : en ce mois de janvier, le moral est souvent aussi sombre qu’une toile de Pierre Soulages. Le pot (de peinture) qu’on a, c’est que cette nouvelle année 2026 charrie également une kyrielle de bonnes expos, à même de mettre un peu de fluo dans nos cœurs. Parmi elles, les rétrospectives de peinture brillent particulièrement avec, en file indienne : Auguste Renoir, Henri Rousseau, Henri Matisse ou un coup de projecteur (pictural, mais pas que) sur le clair-obscur, technique chère au Caravage. Face au ciel, Paul Huet en son temps, au musée de la Vie romantique Ce n’est sans doute pas un hasard si le musée de la Vie romantique a choisi de rouvrir ses portes le 14 février 2026, après 17 mois de travaux. On pourra alors redécouvrir la maison et les ateliers d’Ary Scheffer post-restauration, avec un nouveau parcours pour les collections permanentes mais aussi une exposition présentant l’œuvre de Paul Huet. Influencé par Turner et Constable, ce précurseur oublié de la peinture de paysage romantique en France gagne à être connu, comme le prouvent ses majestueuses représentations du ciel qui seront mises en regard de tableaux de ses contemporains. Quand ? Du 14 février au 30 août 2026 Où ? musée de la Vie romantique, 16 rue Chaptal, Paris 9e © Paul Huet Clair-obscur, à la Bourse de Commerce Au-delà de la technique picturale rendue célèbre par le Caravage – à laquelle elle emprunte son titre –, la prochaine exposition de la Bourse de Commerce envi

With its world-class museums, national monuments, private foundations and boutique galleries, there’s always a killer exhibition to catch in Paris. This year will be no different – in fact, 2026 is shaping up to be a blockbuster year for the city’s art scene. We’re talking world-first retrospectives, the grand reopening of a cult Parisian haunt, plus global art tours that have finally (finally!) landed on French soil. Clear your diaries and get booking your tickets: here’s a roundup of all the exhibitions worth travelling to Paris for this year.  Recommended: This cavelike, immersive artwork in Paris is Time Out’s top-rated thing to do in 2026 The best upcoming exhibitions in Paris for 2026 ‘Martin Parr: Global Warming’ at the Jeu de Paume  Seagaia Ocean Dome, Miyazaki, Japan, 1996 © Martin Parr / Magnum Photos Curated with the help of the legendary British photographer before his passing last December, Global Warning revisits Parr’s career from the 1970s onwards through the lens of our modern, chaotic world. A chronicler of the everyday across five continents, Parr captured humanity’s impact on nature with his signature wit and sharp, ironic eye. This massive tribute features nearly 180 works – a fitting farewell to a titan of contemporary photography. 📅 When: Jan 30 – May 24, 2026🖼️ Where: Jeu de Paume, 1 Place de la Concorde, 8th arrondissement  ‘Facing the Sky: Paul Huet in His Time’ at the Musée de la Vie Romantique  © Paul Huet It’s no coincidence that the Musée

Le voilà, le dossier le plus cliché de la rentrée ! Au milieu de la kyrielle d’expositions attendues en cette année 2026, les esthètes des négatifs auront particulièrement de quoi remplir leur fil Insta. Sur la pellicule, on trouve le tout juste disparu Martin Parr, les icônes américaines Nan Goldin et Lee Miller ou le Brésilien modeux Rafael Pavarotti. Martin Parr. Global Warning, au Jeu de Paume  Préparée avec l’aide du photographe britannique (notre interview de l'artiste parue en 2023) avant sa disparition le 6 décembre dernier, l’exposition Martin Parr. Global Warning au Jeu de Paume se propose de revisiter son œuvre depuis les années 70 “à l’aune du désordre généralisé de notre époque”. Portraitiste des temps modernes ayant écumé les cinq continents, Parr s’est fait le témoin de l’impact de l’Homme sur la nature, capturant ses congénères avec un regard critique teinté d’ironie. Une vaste exposition rassemblant près de 180 œuvres qui sera l’occasion de rendre hommage à l’un des plus grands noms de la photographie contemporaine. Quand ? Du 30 janvier au 24 mai 2026Où ? Jeu de Paume, 1 place de la Concorde, Paris 8e Benidorm, Espagne, 1997. © Martin Parr / Magnum Photos Nan Goldin, This Will Not End Well, au Grand Palais Présentée à Stockholm, Amsterdam, Berlin et Milan dans le cadre d’une tournée internationale, l’exposition Nan Goldin, This Will Not End Well fera escale à Paris du 18 mars au 21 juin avec une scénographie conçue par l’architecte Hala Wardé, constitu

Présentée à Stockholm, Amsterdam, Berlin et Milan dans le cadre d’une tournée internationale, l’exposition Nan Goldin, This Will Not End Well est présentée à Paris du 18 mars au 21 juin 2026. Organisée par le Grand Palais, elle se déploie dans le Salon d’honneur ainsi que dans la chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière, au sein de pavillons conçus par l’architecte Hala Wardé, collaboratrice régulière de l’artiste. Cette rétrospective est la première exposition en France à proposer une vue d’ensemble de l’œuvre de Nan Goldin, en tant que cinéaste, à travers ses diaporamas et vidéos documentant ses communautés proches et abordant des thèmes cruciaux comme la vie nocturne, l'identité, l'amitié et la lutte contre le sida. L’artiste née à Washington D.C. en 1953, dont l’influence sur la photographie et l’art contemporain demeure majeure, résume elle-même cette approche : « J’ai toujours voulu être cinéaste. Mes diaporamas sont des films composés de photos. »  *]:pointer-events-auto scroll-mt-[calc(var(--header-height)+min(200px,max(70px,20svh)))]" dir="auto" tabindex="-1" data-turn-id="request-WEB:e9f29ad9-3a51-404a-b6d5-3aec9cdd74a9-22" data-testid="conversation-turn-42" data-scroll-anchor="true" data-turn="assistant"> Le parcours traverse les grands chapitres de l’œuvre de Nan Goldin, à commencer par The Ballad of Sexual Dependency (1981–2022), son travail le plus emblématique, chronique intime des scènes underground new-yorkaises. Il se prolonge avec The Other Side (1992

Entre les musées municipaux, les monuments nationaux, les fondations privées et les galeries d’art, il y a toujours une expo cool à faire à Paris. Et 2026 s’annonce comme une grande année pour la culture avec des rétrospectives inédites, des expositions qui ont déjà fait parler d’elles à l’autre bout de la planète ainsi que la réouverture d’une des destinations artistiques favorites des Parisiens. Voici donc les prochaines occasions de se cultiver à marquer dans son calendrier ! Martin Parr. Global Warning, au Jeu de Paume  Préparée avec l’aide du photographe britannique (notre interview de l'artiste parue en 2023) avant sa disparition le 6 décembre dernier, l’exposition Martin Parr. Global Warning au Jeu de Paume se propose de revisiter son œuvre depuis les années 70 “à l’aune du désordre généralisé de notre époque”. Portraitiste des temps modernes ayant écumé les cinq continents, Parr s’est fait le témoin de l’impact de l’Homme sur la nature, capturant ses congénères avec un regard critique teinté d’ironie. Une vaste exposition rassemblant près de 180 œuvres qui sera l’occasion de rendre hommage à l’un des plus grands noms de la photographie contemporaine. Quand ? Du 30 janvier au 24 mai 2026Où ? Jeu de Paume, 1 place de la Concorde, Paris 8e Seagaia Ocean Dome, Miyazaki, Japan, 1996 © Martin Parr / Magnum Photos Face au ciel, Paul Huet en son temps, au musée de la Vie romantique Ce n’est sans doute pas un hasard si le musée de la Vie romantique a choisi de rouvrir ses po

Dernier volet d’une trilogie organisée en collaboration avec le Victoria and Albert Museum de Londres, l’exposition “Joyaux dynastiques” de la collection Al Thani réunira pierres précieuses, diadèmes et autres parures des grandes dynasties russes et européennes dans les galeries de l’Hôtel de la Marine à Paris du 10 décembre 2025 au 6 avril 2026. Ce trésor de plus de 140 pièces – dont beaucoup sont exposés pour la première fois à Paris – fera écho au passé de ce lieu (qui abrita le Garde-Meuble chargé de la gestion du mobilier royal et de la collection des joyaux de la Couronne entre 1767 et 1792... qui fut dévalisée du 11 au 17 septembre 1792 !) et rappellera le rôle qu’a pu jouer la joaillerie dans la mise en scène du pouvoir entre 1700 et 1950. Carats sutra Dans les cours royales, le bijou revêt en effet une signification politique et sociale en révélant le statut, la lignée et l’autorité de celui qui le possède, mais peut aussi se faire porteur d’une dimension intime par sa valeur sentimentale. Véritable voyage dans le temps, qui couvrira plusieurs siècles d’histoire et de faste, l’exposition convoquera des figures mythiques comme les impératrices Catherine II de Russie, Joséphine, Marie-Louise d’Autriche ou la reine Victoria, mais aussi de grands noms de la joaillerie comme Cartier, Chaumet ou Van Cleef & Arpels. Elle montrera également comment les modes et autres bouleversements historiques ont pu affecter ce segment très particulier de la parure féminine tout en rappe