Julien Lambea

Alors que nous écrivons ces lignes, Uniqlo vient d'inaugurer une nouvelle boutique à Bastille : sa 12ᵉ adresse parisienne et son 29ᵉ point de vente en France depuis son arrivée dans l’Hexagone en 2007. Selon un article du New Yorker paru le 22 septembre dernier, la marque japonaise compte aujourd’hui plus de 2 500 magasins répartis en Asie, en Europe et en Amérique du Nord. On y apprend également que Fast Retailing, la holding qui contrôle Uniqlo, est devenue le troisième plus grand fabricant et distributeur de vêtements au monde, derrière H&M et Inditex, et que sa croissance dépasse désormais celle de ces deux groupes. L’intemporalité plutôt que la tendance Pourtant, si l’on a souvent tendance à comparer ces trois géants du prêt-à-porter et à les ranger dans la même catégorie, Uniqlo ne se revendique pas comme une marque de fast fashion. Certes, ses volumes de production à bas coût, externalisés dans des usines situées en Chine, au Vietnam, au Bangladesh, en Indonésie ou en Inde, ont parfois été questionnés — notamment en 2021, lorsque des allégations de recours au travail forcé, finalement démenties par la société après des inspections d’organismes tiers, avaient émergé. Mais la marque rappelle dans son rapport intégré 2024 que ses « programmes de surveillance dans ses ateliers de couture et chez ses principaux fournisseurs de tissus contribuent à prévenir les violations des droits humains et à garantir de bonnes conditions de travail et des cadres de gestion adéquats dans

Envie d’un grand bol d’art frais ? Peu importe le mois ou la saison, Paris abrite un nombre pantagruélique d’expos à même de combler votre appétit en culture, si bien qu’il est parfois difficile de faire le tri entre le bon et le moins bon. C’est pourquoi, équipé de notre calepin et de notre flair légendaire, on a bourlingué dans toute la ville pour ne sélectionner que la crème de la crème des expositions à Paris, qu’elles soient consacrées à la peinture, la photo, l’art contemporain, la sculpture ou encore le design. Résultat ? Un dossier expo aussi costaud qu’une cuisse de Roberto Carlos, qui vous fera vous sentir aussi heureux qu’un écureuil devant la version longue de Casse-Noisette ! À lire aussi : Les expos gratuites à voir en ce moment à Paris Et pour encore plus de bons plans, inscrivez-vous à la newsletter de Time Out Paris.

Désormais, c’est le terrain de chasse des chineurs stylés, des modeux en quête de pièces rares et de ceux qui préfèrent un Levi’s 501 bien patiné à n’importe quelle fast-fashion éphémère. Voici les meilleures adresses parisiennes où dénicher du vintage. À lire aussi : Les meilleures friperies et boutiques vintage de Paris

On a recensé les collaborations mode les plus excitantes du moment. Levi’s et Sacai réinventent le denim avec la précision déstructurée propre à Chitose Abe, Uniqlo UT célèbre l’héritage du Studio Ghibli à travers une série de t-shirts aussi nostalgiques qu’accessibles, Acne Studios flirte avec la douceur en convoquant les Moomins, tandis que Balenciaga rend hommage — avec une touche d’ironie — à Britney Spears. On note aussi le retour très attendu du duo Louis Vuitton et Murakami, les nouvelles lignes de sneakers adidas et Wales Bonner, ou encore les sacs techniques et floraux signés Cecilie Bahnsen x Porter. Autant de collaborations qui racontent, chacune à leur manière, les obsessions mode du moment.

Après David Hockney, la Fondation Louis Vuitton consacre une rétrospective à Gerhard Richter jusqu’au 2 mars 2026. Moins connu du grand public qu’Hockney mais tout aussi coté, le peintre allemand né à Dresde en 1932 investit les quatre étages du bâtiment de Frank Gehry (sauf une salle réservée à une installation immersive de l’artiste danois Jakob Kudsk Steensen).  La visite laisse une impression durable tant l’exposition se révèle vertigineuse à plusieurs niveaux : par la profusion d’œuvres, la monumentalité de certains formats et ces tableaux qui semblent littéralement brouiller le regard. Elle impressionne aussi par la maîtrise avec laquelle l’artiste navigue entre médiums, disciplines et genres. Car s’il se définit comme un “peintre classique”, Richter s’éloigne de toute approche académique, même lorsqu’il s’attaque à la nature morte ou au paysage avec des sujets d’une banalité désarmante. En parcourant les galeries de la Fondation, qui retrace l’évolution chronologique de son œuvre, on a presque l’impression de découvrir plusieurs artistes. Les six décennies couvertes (il a détruit ses œuvres antérieures à 1962 et cessé de peindre en 2017, tout en poursuivant le dessin) révèlent un artiste qui, tout en travaillant à partir de photographies dans son atelier, a su s’ancrer dans son temps. Richter aborde des sujets historiques, dialogue avec les grands courants de l’art contemporain, sans se laisser enfermer.  Face aux 275 œuvres exposées, difficile de cerner un véritable “

Après Basquiat, Chagall, Klee ou Picasso, la Philharmonie poursuit ses croisements art/musique avec Kandinsky – La musique des couleurs (jusqu’au 1er février 2026). En collaboration avec le Centre Pompidou, le parcours déroule l’évolution du peintre, l’un des pères fondateurs de la peinture abstraite, au rythme d’une écoute au casque. La musique varie d’une salle à l’autre grâce à un système d’audioguide géolocalisé. L’idée fait évidemment écho à la Philharmonie, mais elle colle surtout à l’œuvre : Kandinsky doit beaucoup aux musiciens, ses toiles ont déjà leur musique que le dispositif souligne. On le dit volontiers synesthète (à l’instar de Pharrell Williams : une altération de la perception où les sens se croisent). Il aurait « entendu » les couleurs, et cela se lit dans ses titres à nomenclature orchestrale : Improvisation, Impression, Composition. Aucune preuve formelle de sa synesthésie, soit. Mais au fil du parcours, on comprend une chose : c’est la musique qui lui ouvre le regard et l’arrache à la figuration. Cette clé de compréhension éclaire son abstraction, en peinture comme dans ses compositions scéniques où les motifs semblent prendre vie. Et, bonus, c’est une porte d’entrée ludique dans une œuvre majeure qui peut paraître difficile d’accès. Au-delà de renforcer l’effet des œuvres, cette balade musicale, immersive et instructive, permet (même sans synesthésie…) d’éprouver l’idée d’« entendre » les formes et les couleurs, chez Kandinsky comme chez d’autres artiste

Dans Citizen Kane, le chef-d’œuvre d’Orson Welles, on tente de percer le mystère du mot « Rosebud » en retraçant la vie du magnat de la presse. Un cheminement que reprend la Cinémathèque avec My Name is Orson Welles, une exposition qui explore l’énigme d’un homme qui « s’est montré tout en se cachant derrière des masques ». « Why are there so many of me and so few of you? », lançait George Orson Welles, génie touche-à-tout : acteur, réalisateur, producteur, scénariste, homme de radio, dessinateur ou magicien. Quarante ans après sa mort, on se souvient toujours du prodige de 25 ans derrière Citizen Kane (1940) et de sa légendaire adaptation radiophonique de La Guerre des mondes (1938), qui aurait semé la panique parmi des auditeurs persuadés d’une invasion extraterrestre. Des jalons que l’on retrouve dès les premières salles du parcours chronologique. La Cinémathèque orchestre ici un voyage érudit dans la vie et l’œuvre d’un créateur insaisissable, appuyé sur une documentation impressionnante : photos de famille et de tournage, unes de journaux, affiches, storyboards, scénarios… et, bien sûr, des extraits de films. Une matière riche (peut-être un peu trop parfois ?). Le parcours, généreux et foisonnant, assume l’abondance tout en proposant une vraie mise en perspective : de quoi suggérer l’homme derrière le mythe, tout en laissant au visiteur la liberté de tisser son propre fil. On s’y promène avec curiosité, quitte à s’y égarer (ce que nous avons fait, trois heures durant, s

Conçu pour abriter la collection d’art de François Pinault, le musée de la Bourse de Commerce – Pinault Collection explore, avec Minimal, une facette essentielle de cette passion. « Pour la première fois, je lève le voile sur la part intime de ma collection. C’est le souffle qui m’accompagne depuis plus de cinquante ans », confie le collectionneur. *]:pointer-events-auto [content-visibility:auto] supports-[content-visibility:auto]:[contain-intrinsic-size:auto_100lvh] scroll-mt-[calc(var(--header-height)+min(200px,max(70px,20svh)))]" dir="auto" tabindex="-1" data-turn-id="request-WEB:8d25f868-c323-4b11-a7aa-8c606a2b72a0-8" data-testid="conversation-turn-18" data-scroll-anchor="true" data-turn="assistant"> À ne pas confondre avec le minimalisme actuel, l’art minimal est un mouvement né au début des années 1960 qui questionne le statut même de l’œuvre d’art. Son influence perdure, comme en témoignent plus d’une centaine de pièces de 52 artistes, dont certains encore en activité, exposées dans les différents espaces du musée. Hormis quelques salles dédiées, l’exploration du minimal se déploie en sept sections thématiques qui révèlent à la fois les préoccupations communes et la diversité d’artistes venus de contextes, d’époques et de zones géographiques variés. Qu’il s’agisse de matière, de forme ou d’interaction avec la lumière et l’espace, chaque approche trouve sa place dans le bâtiment restauré par Tadao Ando, propice à une déambulation paisible et sereine. Une s

Jusqu’au 12 janvier 2026, le musée Guimet expose les polaroids de Nobuyoshi Araki. Ni rétrospective ni parcours thématique, mais le regard d’un collectionneur sur l’un des photographes les plus prolifiques de son temps. Pendant vingt-cinq ans, Stéphane André a réuni 906 polaroids d’Araki, actif depuis les années 1960, avant d’en faire don au musée fin 2024. Une « opportunité inouïe » pour Guimet, déjà auteur d’une rétrospective en 2016 et désormais ouvert à la photographie au sein de ses collections asiatiques. C’est aussi l’occasion d’explorer un pan méconnu de l’œuvre d’Araki : le polaroid, support idéal à sa pratique quotidienne. Intitulé ARAKI’S PARADISE par Stéphane André, l’ensemble réunit plusieurs motifs emblématiques : les rues de Tokyo, les femmes — dénudées ou non —, le bondage, les ciels, la nourriture, les chats, les jouets et, surtout, les fleurs. Un film de dix minutes accompagne l’exposition et revient sur leur rôle déterminant dans cet acte de collection. *]:pointer-events-auto [content-visibility:auto] supports-[content-visibility:auto]:[contain-intrinsic-size:auto_100lvh] scroll-mt-[calc(var(--header-height)+min(200px,max(70px,20svh)))]" dir="auto" tabindex="-1" data-turn-id="request-WEB:19fde3a9-f8c3-4f33-859a-b180383ec7f4-12" data-testid="conversation-turn-6" data-scroll-anchor="true" data-turn="assistant"> Le film dévoile aussi la collection telle qu’elle était accrochée chez le collectionneur, une scénographie recréée dans la rotonde du musée

Fondateur de la marque Off-White et ancien directeur artistique des collections masculines de Louis Vuitton, Virgil Abloh était aussi DJ, sculpteur, designer industriel, skateur et sans doute bien plus encore… Polymathe disparu trop tôt, emporté en 2021 par une forme rare de cancer à l’âge de 41 ans, il a laissé une empreinte durable sur notre époque, comme le montre « Virgil Abloh The Codes », l’exposition présentée du 30 septembre – date de son anniversaire – au 9 octobre au Grand Palais. Une célébration ponctuée de talks, workshops, DJ sets et même de la recréation de la boutique colette, qui coïncide avec la Fashion Week de Paris et marque la première grande exposition dédiée à la pratique de Virgil en Europe. Une immersion dans son univers créatif rendue possible par la Virgil Abloh Archive™, qui a réuni sous la direction de Shannon Abloh plus de 20 000 objets personnels, créations et collections accumulés au fil des décennies. Les deux étages de galeries du Grand Palais n’en présentent qu’environ 700, mais c’est largement suffisant pour donner l’impression d’une véritable caverne d’Ali Baba pour tout “hypebeast” qui se respecte, et surtout pour prolonger l’héritage de Virgil Abloh comme source d’inspiration. Les amateurs apprécieront de retrouver certains des greatest hits du créateur dans des disciplines aussi variées que la mode, l’art ou le design : des paires de sneakers en collaboration avec Nike, sa collection avec IKEA ou encore les sacs futuristes imaginés pour

Le New York Times l’a qualifié de « magasin qui comprend comment les gens s’habillent aujourd’hui » : un compliment qu’il ne faut pas prendre à la légère, et qui est mérité au vu de la quantité de clients, tous plus cool les uns que les autres, que The Archivist immortalise régulièrement sur son compte Instagram. C’est aussi une sorte de challenge, car il n’est pas simple de rester dans l’air du temps – surtout quand on parle de mode. Mais on peut compter sur l’œil avisé de l’acheteur de cette boutique vintage, pour laquelle les gens viennent de loin afin d’y trouver un mélange de streetwear américain usé juste comme il faut, de menswear japonais dans ce qu’il a de plus portable et d’autres pièces de créateurs européens choisies avec parcimonie. La sélection de bijoux, chaussures et accessoires vaut aussi le déplacement (prévenez votre banquier avant d’y aller).

Fondée par des passionnés ayant accumulé un peu trop de vêtements qui n’étaient pas forcément à leur taille, L’Épicerie a cumulé pas loin de dix ans de pop-ups avant de poser ses valises au printemps 2024 rue Notre-Dame-de-Nazareth (où les adresses de vintage se sont depuis multipliées). Suivi par une communauté d’un peu plus de 30 000 followers sur Instagram, qui se rassemble lors des événements qu’organise L’Épicerie, notamment pendant les Fashion Weeks, le duo derrière ce shop à la street créd’ indéniable oriente son choix mixte de pièces de seconde main en fonction de l’évolution de leur propre goût et des tendances dans lesquelles ils se reconnaissent. Cela se traduit aujourd’hui par des pièces issues de marques italiennes (Prada, Emporio Armani, Stone Island, C.P. Company) et japonaises (Comme des Garçons Homme, Junya Watanabe Man, Porter Yoshida) datant surtout des années 90, voire 80.

Son et Image, et sa fondatrice Shala Riazi, cultivent une affinité particulière avec la musique et le cinéma, deux domaines avec lesquels les vêtements font particulièrement bon ménage. La réciproque semble aussi être valable, étant donné que de nombreux rappeurs et autres célébrités fréquentent ce vintage store, qui dispose de trois adresses à Paris, et plus particulièrement la boutique du 77 boulevard de Sébastopol, où l’on trouve des pièces rares qui raviront les amateurs d’americana : jeans 501 de la bonne époque, baggys et vestes Carhartt usées juste comme il faut, t-shirts imprimés rares et autres pépites de l’âge d’or du vêtement de travail ou militaire made in USA. De quoi cocher toutes les cases du “vrai vintage”, celui pour lequel on vient de loin.

Comme son nom le suggère, L’OBSCUR est une boutique avec un parti pris. Cachée dans une cour d’immeuble (si bien qu’il vous faudra trouver le code de la porte qui donne sur la rue sur son site Internet ou sur le compte Instagram @lobscur_paris), cette boutique vintage pas comme les autres ne vend – et n’achète – que des pièces de designers avant-gardistes. Les plus connus sont Ann Demeulemeester, Comme des Garçons, Martin Margiela, Rick Owens ou Yohji Yamamoto, mais attendez-vous également à y faire des découvertes, peu importe votre degré d’érudition en matière d’histoire de la mode (il y a aussi de la documentation sur place pour parfaire celle-ci). Si la localisation et la démarche peuvent paraître intimidantes pour certains, l’équipe est plus qu’accueillante, les prix sont justes vu la rareté des trouvailles qu’on peut y faire, et on y vient aussi pour parler de mode et de musique ou bien jouer avec Link, le chien devenu la mascotte de L’OBSCUR.

Concept store dédié aux archives de la mode en plein cœur du Marais, SELECTION est plus qu’une boutique vintage : en plus de pièces de luxe de seconde main de maisons comme Balenciaga, Chanel, Saint Laurent ou Versace, on y trouve aussi des pièces neuves de jeunes créateurs (comme COUCOUBEBE75018, également repéré par A$AP Rocky). Alban Bardin, le fondateur de SELECTION, a même poussé sa volonté de découverte de nouveaux talents encore plus loin en collaborant avec l’École Duperré via un concours où il donne la possibilité aux étudiants lauréats de vendre leur première collection dans sa boutique. SELECTION, c’est aussi un magazine disponible au Palais de Tokyo et à la librairie Yvon Lambert, en plus de la boutique du 26 rue de Poitou.

Le mot japonais “Gaijin” peut être traduit en français par “étranger”, ou plus précisément “personne de l’extérieur”. Comme le sous-entend sur son site Internet le duo derrière Gaijin – qui évoque par la même occasion une version modernisée du concept de “japonisme” – c’est justement ce regard externe qui leur sert à transmettre leur passion pour le style des rues de Tokyo. Un œil que Chahine et Thomas utilisent également pour chiner les articles, tous issus de labels japonais (de Kenzo à Ambush, en passant par kolor, sacai, 45R ou Engineered Garments), que l’on trouve dans leur boutique de la rue du Pont-aux-Choux, qui donne une bonne idée de la créativité et de la diversité de la mode nippone.

Le 23 janvier 2003, au 18 rue de la Verrerie – aujourd’hui siège de la Fondation Azzedine Alaïa –, celui que Naomi Campbell surnommait affectueusement « Papa » faisait son grand retour au format défilé, onze ans après sa dernière apparition, avec sa collection couture Été-Automne 2003. Sacré « plus grand créateur du moment » au milieu des années 80, Alaïa refusait de céder aux diktats de l’industrie de la mode, préférant prendre le temps nécessaire pour mener à bien ses idées et sa vision. C’est ce « renouveau créatif et stylistique », ce moment charnière de la carrière d’Azzedine Alaïa, qui fait l’objet de cette nouvelle exposition dont le titre semble renvoyer à la discrétion et à la concentration d’un créateur virtuose de la coupe, qui préférait laisser les vêtements parler pour lui. Il n’était d’ailleurs pas sorti saluer le jour de ce défilé sans podium ni scénographie, que le visiteur pourra revivre – au même endroit – par le biais d’une trentaine de silhouettes accompagnées de vidéos mais aussi d’une série de photos réalisée par Bruce Weber pour Vogue Italia. Des vestes, manteaux et robes que le texte qui présente l’exposition qualifie de « manifestes de cette virtuosité technique qu’il est le seul à dominer » et « le comble de l’achèvement de toute une vie menée à l’atelier ». © Bruce Weber Vous l’aurez compris, voilà l’occasion de (re)découvrir une collection saluée par la presse de l’époque et toujours aussi actuelle, 22 ans plus tard. Et de se rappeler, surtout, q

Le compte à rebours est lancé. D’ici la fin du mois, plusieurs expositions marquantes de cet été 2025 s’apprêtent à quitter l’affiche. Parmi elles, une plongée dans la jeunesse queer réunionnaise au jardin des Tuileries, une installation monumentale signée Ernesto Neto au Grand Palais, ou encore une incursion dans l’univers cinématographique de Wes Anderson à la Cinémathèque. Tour d’horizon des expos à ne pas manquer avant fermeture. Kwir Nou Éxist, Exposition de Raya Martigny et Édouard Richard, au Jardin des Tuileries (Espace bar - Carré du Sanglier) Dans le cadre du festival Paris l’été et de la saison France-Brésil, le jardin des Tuileries – ce sera précisément à côté du bassin – abrite jusqu'au 25 juillet l’exposition photo Kwir Nou Éxist des artistes Raya Martigny et Édouard Richard. Une série qui retrace cinq ans d’un projet durant lequel le couple d’artistes a cherché à documenter et célébrer la jeunesse queer réunionnaise, île dont est originaire Raya. « Ça me rend fière pour mon histoire, mon enfance, et les pièces du puzzle que je retrouve aujourd’hui et que je peux transmettre à la jeunesse de l’île », nous confiait-elle à l’occasion de notre Une sur les personnes trans qui font Paris. Majoritairement pris en extérieur, les clichés laissent voir une jeunesse à la vivifiante beauté et diversité, dont l’intensité des regards et la fierté des poses deviennent des poings levés face aux violences subies. © Raya Martigny et Édouard Richard Jusqu'au 25 juillet. Ernest

Kwir Nou Éxist, dans le jardin des Tuileries Dans le cadre du festival Paris l’été et de la saison France-Brésil, le majestueux jardin des Tuileries – ce sera précisément à côté du bassin – va abriter du 15 au 25 juillet l’expo photo Kwir Nou Éxist des artistes Raya Martigny et Édouard Richard. Une série qui retrace cinq ans d’un projet durant lequel le couple d’artistes a cherché à documenter et célébrer la jeunesse queer réunionnaise, île dont est originaire Raya. « Ça me rend fière pour mon histoire, mon enfance, et les pièces du puzzle que je retrouve aujourd’hui et que je peux transmettre à la jeunesse de l’île », nous confiait-elle à l’occasion de notre Une sur les personnes trans qui font Paris. Majoritairement pris en extérieur, les clichés laissent voir une jeunesse à la vivifiante beauté et diversité, où l’intensité des regards et la fierté des poses deviennent des poings levés face aux violences subies. Quand ? Du 15 au 25 juillet 2025 Où ? Jardin des Tuileries, Paris 1er. ©Raya Martigny, Édouard Richard Afterparty, au Point Éphémère Extérieur jour. Dans le cadre de sa saison d’été, le Point Éphémère accueille sur ses cimaises jusqu’au 29 août l'expo photo « After Party » de François Prost, une série extraite de l’ouvrage du même nom sorti en 2018 et réédité l’an dernier. Le topo ? Pendant des années, le photographe a sillonné le pays pour shooter plus de 200 façades de discothèques alors en activité. Une série en forme de célébration des années 1970, cet âge d’o

Craving a proper dose of art? No matter the season, Paris serves up a banquet of exhibitions so rich and varied it can be hard to know where to tuck in. But thankfully, you’ve got us on hand to help.  Recommended: I live in the world’s best city for culture – here are my 8 favourite places.  We’ve roamed the city to handpick the crème de la crème of exhibitions on display right now – whether you’re into painting, photography, contemporary art, sculpture, or design, there’s something on this list for you. Here are the very best exhibitions on in Paris right now. Dans le Flou – Another Vision of Art from 1945 to Today Hans Hartung (1904-1989) T1982-H31, 1982 Antibes, Fondation Hartung-Bergman © Collection : Fondation Hartung-Bergman © Hans Hartung / Adagp, Paris 2025 Following their deep dive into the link between Impressionism and abstraction, the Orangerie is now exploring what happens when things get a little... blurry. Inspired by Monet’s late masterpieces, the show journeys from the 1940s to today, demonstrating how artists have embraced visual ambiguity, abstraction, and indistinct forms to create emotion and tension. The exhibition opens with a quote from Grégoire Bouillier’s novel The Orangerie Syndrome: ‘In truth, we see nothing. Nothing precise. Nothing definite. One must constantly readjust one’s sight.’ And that’s exactly what this show makes you do – look again, and again. Where? Musée de l’OrangerieWhen? Until August 18 2025 Matisse et Marguerite – A Father’s Ga

Agnès Varda, de-ci, de-là, au musée Carnavalet Pionnière de la Nouvelle Vague, immortalisée par les films qu’elle a réalisés à partir de 1955 et qui ont fait le tour du monde, Agnès Varda était aussi plasticienne et photographe. C’est cette dernière pratique (et première car elle a exercé à partir de 1950 le métier de “maître artisan photographe” après des études à l’École du Louvre et un CAP photographie) que le musée Carnavalet a décidé de mettre en lumière jusqu’au 24 août dans l’exposition Le Paris d’Agnès Varda.  Lire ici notre chronique de l'expo Agnès Varda, de-ci, de-là. Quand ? jusqu'au dimanche 24 août 2025. Où ? musée Carnavalet, 16 rue des Francs-Bourgeois, Paris 3e. © Agnès Varda, autoportrait dans son studio rue Daguerre David Hockney 25, à la Fondation Louis Vuitton L’exposition de David Hockney à la Fondation Louis Vuitton est l'événement artistique de la saison à plus d’un titre : superstar de l’art contemporain, David Hockney est peut-être le peintre le plus connu en activité, avec une carrière prolifique entamée dans les années 1960. C’est aussi une démarche assez exceptionnelle pour la Fondation Louis Vuitton, qui a invité l’artiste à choisir le thème et à s’impliquer personnellement – pendant près de deux ans de préparation – dans la conception de ce qui devient ici sa plus grande exposition à ce jour, avec plus de 400 œuvres réparties dans l’ensemble des galeries du bâtiment imaginé par l’architecte Frank Gehry. Fondation Louis Vuitton ! Q