Ro Banda

El establecimiento de lugares seguros para el esparcimiento de las poblaciones LGBTQ+ siempre ha sido una búsqueda constante, y es que aunque se crea que nuestras prácticas de socialización debieran mantenerse guardadas, pues muchas de ellas se llevan a cabo a través de nuestra sexualidad. Y es que más bien, se trata de preservar estas prácticas con apertura y dentro de espacios que permitan la libertad de ser y expresión de todas las personas en la diversidad. Parte de esto es la base del ManInFest, que lleva realizándose desde el 2013. Te puede interesar: RuPaul's Drag Race: Werq The World Tour.  ¿De qué trata ManInFest? Esta, es una fiesta de hombres que gustan de otros hombres, que gira alrededor de los fetiches. Si bien se podría pensar que va alrededor de los estereotipos de los hombres hiper masculinizado, este "manifiesto" es una celebración a los de toda la diversidad que envuelve a los hombres gays, bi, pan o que simplemente se relacionan con otros hombres con toda las formas posibles de explorarse. ManInFest se desarrolla en medio de una gran instalación de luz y sonido con la mejor música con las sesiones de importantes DJs de la escena electrónica mundial. Este evento, se puede contar ya como una tradición dentro del ambiente de hombres diversos en donde los protagonistas son los fetiches de cada uno de los asistentes, por lo cual, esta fiesta cobra un sentido único.  Hay que aclarar qu aquí no hay cuarto oscuro, sino que se considera la pista es el espacio indic

Las obras de encuerados deberían ser un género teatral aparte. Existen en la cartelera y pareciera que actualmente proliferan dentro de las opciones teatrales, pero en realidad no, siempre han estado ahí solo que ahora gozan de mayor apertura y visibilidad. Este es el caso de La Fiesta: la comedia gay de los 90, una de las recientes producciones de Mejor Teatro que acaba de reestrenar en una versión “a la mexicana”, y la cual está escrita por David Dillon y dirigida por Gerardo González (antiguo protagonista de la pieza).  Como su título lo dice, La Fiesta es una comedia gay ubicada, contextualizada y escrita originalmente en los 90, época en la cual fue montada en México, bajo la dirección de Laura Luz, y donde, como ya dijimos, actuaba su ahora director.  ¿De qué trata La Fiesta?  Es una de esas obras donde un grupo de amigos gais se reúnen en medio de unos tragos, y con un juego coqueto de por medio que nos permite asomarnos muy someramente a sus vidas, sus amores, sus experiencias, sus temores, su ropa íntima, y posteriormente, sus genitales. Todo esto, en medio del contexto de la crisis del SIDA y tras las muertes de cientos de amigos, lo cual aterrizado a este terreno, se toma como un lugar en el que ellos encuentran un momento para pasarla bien, en una época en la que la inmediatez de los celulares y las apps de ligue no existía.  Sus aciertos En ese sentido, La Fiesta es un retrato íntimo muy acertado al entorno de los hombres gais en una década donde la visibilidad d

Directamente de la pluma del escritor y director sueco Marcus Lideen llega a México de nueva cuenta, Los Arrepentidos, una obra montada hace 10 años basada en el documental del mismo nombre que trata del testimonio de Orlando y Mikael, dos hombres de casi 70 años que comparten su experiencia después de destracionar en su identidad de género. Es decir, han pasado de ser Mikaela y Ana Margarita a restablecerse en su identidad asignada al nacer.  Este montaje, hecho de nueva cuenta por el director Sebastián Sánchez Amunategui, decide esta vez, que estos dos hombres "arrepentidos" sean interpretados por mujeres trans, para así espejear e interpelar de manera directa con sus experiencias.  Por ello, quisimos hablar con Roshell Terranova y Libertad Palomo, dos de las actrices de esta obra, para asi saber más sobre su proceso de montaje y su visión acerca de él.  ¿Esta es una nueva versión o una nueva temporada?  Libertad: El autor de esta obra ha pedido en esta ocasión que se haga con mujeres trans para poder complementar mejor la experiencia, a comparación del montaje pasado que era con un actor y una actriz cis. Así que en definitiva es una nueva versión de la obra a comparación de la montada hace 10 años.  Cómo fue el primer acercamiento al texto  Roshell: Fue fuerte, pero es algo que como mujer trans creo que es importante hablar. Tenemos que mostrar las realidades que vivimos cuando transicionamos y también de quienes se dan cuenta que no querían pasar por ahi, y no tiene nada

Luego de que se estrenara en diciembre del año pasado la serie Smiley en Netflix, hace un par de meses se estrenó la obra teatral de Guillen Clua,  en la cual está basada el programa de televisión.  La puesta en escena en nuestro país corre bajo la dirección de Joserra Zuñiga y la producción de La Teatrería con las actuaciones de Jesús Zavala, Martin Barba, Sergio Velasco y Jerry Velazquez, quien acaba de estrenar recientemente.  Smiley cuenta la anécdota de dos hombres que se conocen por una accidente telefónico donde uno recibe una llamada equivocada, y a partir de ahí ambos, muy diferentes el uno del otro, empiezan a relacionarse a partir de todo lo que no tienen en común, creando una atracción entre el odio y el amor.  Pero aunque la esencia de SMILEY es la misma tanto en el teatro como en la tele, las diferencias del lenguaje entre cada uno de estos medios hace que la experiencia que entrega de cada una de las entregas sea placentera. ¿Pero cuáles son las diferencias?, ¿dónde suman y dónde restan?... Pues, bien, aquí te contamos algunas cosas. Para empezar la trama de la obra no es tan coral como la de la serie, es más unilateral entre Alex y Bruno, los dos personajes principales. Si a caso, vemos a dentro de la narrativa a Vero, la amiga lesbiana de Alex, a y algún galán argentino por ahí que resulta clave en la trama. La trama de la serie se centra en varias historias, la de la amiga de Alex, los amigos de Bruno, sus ligues en turno, la madre y el padre de Alex, y Pepo

Hace un par de semanas estrenó en México el musical británico Todo el Mundo habla de Jamie, sobre un chico de 16 años, qué quiere ser drag queen e ir de vestido a su baile de graduación. Esta, es una celebración a la diversidad y a la libertad de ser quienes somos. Por ello, aquí te traemos algunas cosas que no sabías sobre Todo el mundo habla de Jamie para que disfrutes más tu experiencia en el teatro, o bien, por fin te decidas a ir a verlo. Está basado en un documental qué salió al aire en 2911 por la BBC sobre Jamie Campbell, un niño de 16 año que quiere ser drag queen Jamie Campbell acepto que un equipo de grabación lo siguiera para así protegerse del bullying qué sufría en la escuela por ser abiertamente homosexual Mientras la acción de la historia real ocurre en el condado de Dunham, pero para el musical se movió de locación a Sheffield. Dan Gillespie y Tom McRae se conocieron de hecho, en una marcha de orgullo en Sheffield, y ahí, el director del teatro regional les comisionó crear un musical sobre un documental que acaba de ver. Para crear Todo el mundo habla de Jamie, los creadores solo vieron el documental una vez para sentirse con la libertad de ampliar el universo de lo que ahora es el musical El musical fue estrenado por primera vez en Sheffield y tardó solo unos meses para trasladarse a la gran capital del teatro en Londres, teniendo una gran recepción, y siendo nominada a 5 premios Olivier a lo mejor del teatro británico Parte de las regalías de

Vanya, Sonya, Masha & Spike no sólo es el nombre original de esta obra ganadora del Premio Tony  en 2013, sino que varios de estos nombres hacen referencia a los emblemáticos personajes del clásico autor ruso Antón Chejov. Para cualquier teatrero de hueso colorado, esto resultaría toda una fantasía, pues Los guajolotes salvajes (como decidieron ponerle aquí) juega con el universo del dramaturgo ruso para recrear una comedia sobre la desolación, el fracaso y el sinsentido de la vida, Pero para contextualizar a Chejov, hay que saber que fue ese escritor quien codificó el mundo contemporáneo del teatro, el cine y la televisión sin estar muy consciente de ello. Y es que, gracias a él, a sus tramas y personajes, se gesta la existencia del realismo en el teatro, el naturalismo en cine y el melodrama en la televisión. Es decir, le dio vida al lenguaje contemporáneo de lo que consumimos ahora hasta volverlo todo un clásico. Cabe mencionar que Chejov ha sido retomado por grandes como Bergman, Woody Allen y Cate Blanchett con su compañía de teatro en Australia. Así pues, entendamos que referenciar al tal Antón Chejov en una comedia de gran formato no es cualquier cosa. De hecho, en Estado Unidos esta obra fue protagonizada por más ni menos que por David Hyde Pierce y Sigourney Weaver.  Traerla a nuestro país y hacer que el contenido de esta pieza importe sin el deber de tener que entenderlo todo desde su contenido más culto es el verdadero reto que aquí se logra de manera eficaz y so

Grinder, El musical llega a su nueva temporada en nuestro país. Inicialmenteestrenada como Grinder, el show, por allá del 2018, esta franquicia española regresade manos del creador escénico Salvador Nuñez en colaboración con el coreógrafoJacobo Toledo y el actor Josafat Haro, quienes apuestan más por un tono fársicoque por algo crítico y político, como bien lo plantea su material original. Si bien, de entrada, sabemos que se trata de una sátira que invita a la diversióndesde los estereotipos gais, la verdad es que esta puesta termina teniendo másproblemas que virtudes, pues es en su misma “critica” que no encuentra algo quedemostrar y termina quedándose en una burla sin un objetivo que lograr. Para ser claros, pareciera que el texto va por un lado y la dirección sobre la cual semaneja esta versión mexicana, va por otro. Esto provoca un dispar discursivo quedeja desdibujadas las intenciones del humor que a veces, por querer marcar un líneadesfachatada termina rayando en el clasismo, la misoginia y la sexofobia; lo quedeja a la “critica” de Grinder, el musical en una falta total de perspectiva. Por ejemplo, el personaje de Grinder, interpretado por Tanya Valenzuela, parece noimportarle nada sobre sus usuarios; sólo quiere que se diviertan y generen tráfico yestancia en la aplicación. Ese una situación totalmente acertada, casi política, pueses bien sabido que la aplicación es operada por el mercado chino, al cual no leinteresan sus usuarios, pero en lugar de saltar a la geniali

Últimamente pienso mucho en Larry Kramer; ése hombre que a inicios de los 80s vio a sus amigos morir y reaccionó con enojo y furia hacia el estado, acusándolos por su lenta respuesta hacia  lo que, en ese entonces, se pensaba era una especie de plaga que “sólo les daba a los gais”. Larry era esa persona que no temía en decirle a los otros lo que estaba sucediendo. De hecho, antes de ser ese aguerrido activista que conocemos ahora, Larry se echó encima a toda la comunidad de homosexuales de Nueva York al criticar sus modelos relacionales basado en el sexo y el consumo de sustancias. Luego, pasó a defender esas mismas prácticas cuando - en medio de lo que después sabríamos era la crisis del sida- les pidieron a los hombres gais que dejaran de tener sexo en lugar de contener, lo que hasta la fecha es una de las epidemias más grandes en las que seguimos viviendo. Muchas de estas discusiones y toda esta travesía está en The Normal Heart; ese casi documento histórico escrito primero como una obra de teatro, y luego perpetuado en una cursi versión fílmica (de la mano de Ryan Murphy) que sirvió como herramienta de incidencia a principios de la epidemia. Con el paso del tiempo, El corazón normal ha ido cobrando fuerza en la realidad que retrata y en el discurso que replica. Y es que no sólo se trata de una historia llena de coraje, sino de verdades puntuales sobre la persecución y la opresión de las autoridades (en ese entonces y ahora)  a las poblaciones clave de una emergencia sa

Han sido semanas vertiginosas y llenas de información para la comunidad de hombres de la diversidad; volvemos a estar en el foco y hasta hace unas semanas, no sabíamos bien qué estaba pasando. El asunto vuelve a sonar parecido a hace 41 años: primeros casos "aislados" y misma población afectada. La viruela símica existente de manera endémica en África desde los 70’s, solo que ahora ha empezado a brotar en países dónde no solía hacerlo. La mayoría de los casos detectados en EEUU. y otros países se identifican en hombres homosexuales, bisexuales y HSH (hombres que tienen sexo con hombres) y algunos de ellos viven con VIH. En los medios de comunicación pasa la información pero no se aclara por qué es importante saber la focalización de estas poblaciones. Algunas asociaciones y activistas comenzaron a reclamar esta acción como estigmatización, mientras salubristas y académicos LGBT+ pidieron dejar a un lado el mal manejo de los medios y empezar a informar adecuadamente a las poblaciones clave. Y ahí, justo, se inserta uno de los grandes retos de esta ya declarada emergencia sanitaria internacional: la viruela símica. Porque, ¿cómo comunicamos lo que necesitamos que la gente sepa, pero sin caer en el señalamiento y el estigma de una población per sé afectada? Cómo le damos perspectiva. Pero al mismo tiempo y sin estigmatizar, ¿cómo damos la información pertinente para que los hombres gais, bi, y demás HSH tomen sus precauciones y comiencen a procurarse entre sí? Es toda una labor

¡Ocesa y su división de teatro, cumplen 25 años! 25 años desde que abrieron el telón por allá de 1997 en el Teatro Orfeón con el estreno de La Bella y la Bestia, el musical de Broadway, producida originalmente por Disney Theatrical, el cual cambió por completo la forma de hacer y producir obras de gran formato en nuestro país. A este éxito se le unió una tradición de musicales de réplica en gran formato al que se le añadieron títulos como RENT, El fantasma de la ópera, El violinista en el tejado, Los miserables, Wicked, El rey león y más recientemente Aladdín.  Así que, a colación de esto, hablamos con Julieta González, directora de teatro y eventos familiares de CIE, quien tiene una gran experiencia en el negocio y ha sido -incluso- productora internacional del Festival Cervantino. Habló sobre cómo es ser una mujer productora en un negocio liderado regularmente por hombres, pero también, sobre cómo ha cambiado la producción en dos décadas y media y después de una pandemia.  ¿Después de 25 años cómo definirías tu trabajo? Soy una traductora de los financieros, los fiscalistas y los inversionistas al mundo del teatro. Mi labor es convertir la comunicación entre las producciones originales y el negocio del teatro en México, amalgamar las diferentes áreas que hacen posibles la producción y el levantamiento de una obra como las que hacemos, así como los momentos complicados, el  manejo de crisis, y todo los procesos hacia el estreno. ¿Cómo ha cambiado la producción de cuando inic

Estamos a nada de celebrar la marcha del orgullo en la CDMX, y no sé ustedes, pero para mí el VIH y el sida están directamente relacionados con sentir Orgullo. Y es que, no es casualidad que el sida haya atacado justo en el momento en que la población LGBT+ empezaba a ganar visibilidad, justo cuando los hombres gais nos estábamos divirtiendo y disfrutando de la liberación, después de los disturbios en el Stonewall y la despatologización de la homosexualidad. Nuestra comunidad había logrado abrirse un lugar cuando llegó la denominada “plaga gay”, provocando que la sociedad golpeara literalmente a los hombres cis-gais y de paso a las mujeres trans, sometiéndoles desde ese entonces al escarnio y la violencia sistemática por vivir con VIH. Todo esto aunado a la poca importancia que los Estados y los gobiernos decidieron dar, ignorando lo que después de convertiría en una pandemia, y haciéndola el problema de unos cuantos. Es decir, se eligió comunicar un virus que afectaba a cientos y miles de personas en el mundo, como algo de ciertas poblaciones, causa de las prácticas y el goce de nuestra sexualidad. Digamos que el sida y el VIH les vino muy bien a los discursos odiantes, pues fue el “castigo” perfecto por hacer lo que se “supone” que no debíamos hacer. Desde ahí, se decanta la eterna condena de la “irresponsabilidad sexual” y de aquello que históricamente nos ha limitado cuando se vive con VIH en un mundo en el que se nos sigue diciendo que fue esa decisión sobre nuestras c

La aceptación de las vidas con VIH parece ser más "común" en una sociedad diseñada para rechazarlas sistemáticamente, pero esta aceptación al VIH -y a quienes lo vivimos- a veces es más una simulación que una realidad concreta. Cuando se trata de incluirnos abiertamente dentro de nuestros entornos sociales y laborales, parece que el VIH sí es un impedimento y que todos los avances científicos de los que hemos sido testigos los últimos años se van por la borda. Pareciera que no existen. Y ese es el problema: que la ciencia propone avances, pero el sistema social y legal que enmarca a la sociedad los ignora deliberadamente. En las últimas semanas, por ejemplo, hemos leído al menos tres denuncias por discriminación laboral; la más resonada fue el caso de Estrella Roja en Puebla. Caso en el que Ernesto fue separado de su grupo de trabajo, limitado a una oficina, acosado e intimidado, no sólo por ser homosexual sino por ser homosexual y vivir con VIH. A ése, se le suma el caso Soriana, donde le dijeron a una persona (de quien preferimos no poner nombre) que no seguirían con los filtros de contratación después de enterarse que vive con VIH; eso mismo se repitió en la misma empresa en 2020 y 2021. Y esto no es todo, el VIH y la vida laboral de quienes lo vivimos sigue siendo un cuadrilátero en el que aún hay que seguir peleando. Ya que aún sabiendo que es un delito ser discriminado por ello, las empresas siguen exigiendo pruebas de VIH, o  la pregunta de si lo padeces viene de entra

Las parábolas son pequeñas historias que se valen de la ficción para sugerir una semejanza con la realidad, y desde la metáfora, poder dejar una enseñanza moral. Y eso, es exactamente lo que escribe John Patrick Shanley en Duda, la cual, creemos es su obra más emblemática.  Te puede interesar: Cenas literarias: Arráncame la vida.  ¿De qué trata Duda, una parábola? Duda es una obra que se centra principalmente en tres personajes: un padre, una madre superiora y una novicia dentro de una escuela católica en Estados Unidos a mediados de los 70’s. Esto después del asesinato de John F Kenedy y justo cuando la escuela está recibiendo a su primer alumno negro, a quien el padre Flynn protege de sobremanera. Esto comienza a generar sospechas en la madre Aloysius, quien a su vez, llena de dudas a la hermana James, quien hasta ese momento, creía tener sus convicciones muy bien cimentadas. La relevancia de la obra Esta, es una de las obras más montadas de su época, incluso tiene una versión fílmica con Meryl Streep, Phillip Seymour Hoffman y Amy Adams. En México tuvo una versión por ahí del 2005; o sea, muy pegada con su estreno en Broadway. Ahora es nuevamente retomada por el director José Sampedro en esta tendencia artística de directores mexicanos, principalmente hombres, rehaciendo obras que en su momento fueron un parteaguas en la cartelera mexicana. Nuestra opinión Se desarrolla de manera consecuente entre una conversación y otra, en la que siempre, sólo hay dos personajes en escen

En los años 70 hubo una revolución en la escena teatral de Broadway en la que las personas negras y afrodescendientes, empezaron a tomar los teatro para contar sus propias historias desde su contexto, lo cual dio pie a The Wiz, una de las producciones que marcaría un antes y un después en la escena neoyorquina para después darle la vuelta al mundo. Y es que The Wiz, no cuenta una historia propia de la comunidad negra, sino que toma la anécdota del famoso Mago de Oz (llevado a la pantalla grande de manera exitosa en los 40) y lo empapa de la cultura afroamericana para así crear una versión propia que enaltece las raíces e influencias de esta en la vida americana. Como referencia es un poco lo que hizo Beyoncé con su versión de Él Rey León en The Gift, y un tanto lo que pasó con Hamilton.   El resultado fue un fenómeno que inundó la sala del teatro, ganó todos los premios de la temporada en Broadway y no tardó mucho en ser considerada material como una película protagonizada por las estrellas del momento Diana Ross y Michael Jackson. Pero el camino The Wiz no solo quedó ahí, sino que que pudo colocarse como un referente clave que marcó un referente para la música que se escuchaba popularmente, muchas de sus canciones fueron lanzadas como sencillos en la radio en la voz de famosos cantantes, y aunque la película en un inicio contó con muy malas reseñas, el tiempo le dio la razón y el público la ha ido colocando como una película de culto, convirtiendo a The Wiz no solo como un r

Glee es uno de los fenómenos no solo televisivos sino musicales, que al mismo tiempo nos han acercado al teatro y a los musicales broadway, tanto a los más modernos como los clásicos. En esta serie producida originalmente por Fox, sobresalieron una serie de jóvenes gracias a su talento (o también a sus polémicas). Desde la primavera vimos nacer estrellas como Naya Rivera y Lea Michelle; una ya fallecida, y esta última triunfando actualmente en Broadway con el clásico Funny Girl, que hiciera famosa a Barbra Streisand.Pero también está otro grupo del Glee Cast que reflejan verdaderamente el espíritu de la serie como lo han sido Ali Stroker y Alex Newell, quienes triunfan en el teatro neoyorquino y se han convertido en la primera persona en silla de ruedas y la primera persona no binaria, respectivamente, en ganar un Premio Tony a lo mejor del teatro. Es justo, dentro de grupo que se encuentra Darren Criss, quien después del famoso programa de televisión ha despuntado desde el teatro, alternando su protagónico con Daniel Radcliffe (Harry Potter), o bien, lanzando y produciendo material discográfico, y que ahora, visitará la Ciudad de México en su más reciente tour. En el terreno de lo musical, Darren destaca por su EP Human, del que fue lanzado el single “Don’t you”. Posteriormente, lanzó el álbum A Very Darren Crissmas con algunos clásicos navideños y otros de su autorìa, seguido de Homework en el 2017. Recientemente lanzó Masquerade que recopila en parte los sencillos “f*ch

Bien dicen que la mente humana es muy poderosa. Y es que es impresionante cómo un pequeño pensamiento se puede salir de proporción y llevarnos a escenarios completamente distintos a los de nuestro contexto actual; desde ahí todo puede resultar encantador o bastante catastrófico. A partir de una pareja joven que se preguntan si quisieran ser padres, Pulmones, la obra de Duncan Macmillan del 2011, transforma esta pregunta y la toma como pretexto para exponer todo lo que les aqueja y les conflictúa generacionalmente en un mundo que parece caerse a pedazo y del que hay que estar atento, haciéndonos ansiosos, histéricos y aprehensivos. Es a partir de esta sencilla premisa que Macmillan explora temas como el calentamiento global, el desgaste ecológico, el sentido humanitario, etc., gracias a lo cual salen todos los problemas de los personajes. Pulmones es en sí una vorágine de sentires y pensares que se vuelcan en las mismas preocupaciones de un mundo que está en constante movimiento pero también en un desgaste constante. Lo que llama la atención es que este texto británico, que le ha dado la vuelta al mundo, fue estrenado en 2011, pero pareciera que fue escrito para el mundo que vivimos hoy. En nuestro país, esta obra tuvo su primera versión en nuestra cartelera de la mano de Roberto Cavazos y la dirección de Alberto Lomnitz. En esta primera impresión la obra se sentía redundante, exacerbada e incluso un poco larga. Pero el tiempo le ha venido muy bien. Esto, sumado a la fresca

Estrenada en el 2016 en Estados Unidos, The Wolves - en su título original- es una obra de la dramaturga Sarah DeLappe salida de un taller que explora en las experiencias de un grupo de adolescentes que juega fútbol y que sirve como escaparate para hablar de temas sociales y políticos, así como de intereses particulares de cada una de las chicas. Lobas, título qué se le dio en su traducción en México, ha llegado a nuestro país después de mucho planearla y gracias a la producción de Camila Brett y Prospero Teatro, con la dirección y traducción de Paula Zelaya, quien nos trajo recientemente 245 actos de maldad extraordinaria y anteriormente,  La historia de Lobas es muy sencilla, pero no por eso, simplista. Esta, se concentra más en lo anecdótico que una historia con orden convencional, lo cual recae en una serie de viñetas que suceden durante los calentamientos de cada uno de los partidos que juegan las Lobas en un torneo local. En estas charlas, se habla de muchos temas, desde la menstruación, la migración, los privilegios, el feminismo, la falta de accesos, pero sobre todo, la amistad. Y aunque no tiene un desarrollo y un conflicto, es en el paso de cada una de las escenas que se va desvelando más el entorno de ellas y entre ellas. Eso sí, no se profundiza tanto. Pero se crea una cercanía con cada jugadora, que cuando llega la parte climática es imposible no sentir empatía por ellas. Al final, hay una sensación de que falta algo más para complementar el tránsito de la ficció

12 año se dice fácil, pero no se cumplen tan fácil. 12 años es lo que la compañía de danza LGBTQ+, México de Colores, lleva danzando y llevando un mensaje de empatía y no discriminación. Por supuesto, que no podía faltar su presentación para celebrar el orgullo en junio. Se llama Viva la vida, será en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris el domingo 25 de junio y te contamos los detalles.  Para Carlos Antúnez, director y creador de la agrupación, la idea surgió como una manera de reapropiarse y dar una resignificación a lo mexicano desde una vocación activista de las sexualidades distintas y el orgullo de ser diferentes. Por ello, el poder de la compañía radica en la reinterpretación del género binario a través de la reapropiación de lo femenino, para cuestionar las masculinidades que marcan nuestras tradiciones.  De ahí, Carlos y su compañía de 25 bailarines crean un abanico de posibilidades para tratar temáticas como la discriminación, el machismo y las LGBT+ fobias en un espectáculo diseñado para todo tipo de público que les ha permitido romper la temática los esquemas y empezar a insertarse en tópicos más recientes como la vejez LGBT, la visibilidad de la lucha trans y el trabajo sexual. Inspirado en las muñecas de cartón y en la hiper masculinización de la época del Cine de Oro nacional, México de Colores posee la virtud de llevar al espectador a través de diferentes lugares y costumbres de nuestro país con un toque fresco y una mirada que invita a la celebración de las

Estrenada en el 2016 en Massachusetts, Coast of living (en su idioma original) es una obra originaria de los Estados Unidos que la ha valido a su autora Martyn Majok, numerosos premios de la crítica y el gremio teatral especializado en EUA, entre ellos el Pulitzer de Drama 2018, y actualmente contiende por el premio Tony a lo mejor del Teatro en Broadway a Mejor Obra.  No hace falta indagar mucho en el porqué de tantos elogios, sólo basta ver el trabajo que su autora ha hecho con el texto. Costo de vida (título traducido), ha llegado desde el pasado mes de Mayo al Teatro Helénico de la Ciudad de México bajo la dirección de Samuel Sosa y la producción de La Teatrería.  Costo de vida nos cuenta dos historias. Por un lado, la de una ex estudiante de Princeton que va a pedir trabajo como cuidadora de un estudiante de doctorado cuadraplejico de Boston. Por otro lado se cuenta la historia de un hombre que va a buscar a su esposa, qué ha quedado en una silla de ruedas después de un accidente y se ofrece a cuidarla. Ambos cuidadores tendrán que hacerse cargo de sus entenados, mientras contrastan su accesos y contraponen aquello que los vulnera, cuestionandonos acerca de quién necesita más cuidado y quién de verdad necesita más de quién.   Esta premisa hace que la experiencia de ver Costo de vida se tribuladora, pues desde esa sensación de necesidad y soledad humana es que logra conectar -en silencio- con su público, creando una experiencias incoado, seca y a veces un poco triste y mu

Hace poco menos de una década que Incendios, la emblemática obra del quebequense Wajdi Mouwad cerró su montaje en nuestro país. Montaje dirigido por Hugo Arrevillaga y producido por Rebeca Trejo, esta obra se convirtió en un referente de la escena mexicana. Mucho de esto tuvo que ver el contexto en el que surgió; ése conflicto bélico por el que atravesaba nuestro país, pero también, otro tanto tenía que ver con el montaje de que creaba Arrevillaga en el que, en conjunto con las actuaciones y su propuesta, lograba una experiencia verdaderamente tribuladora con un texto por demás revelador.  Es ahora que, 9 años después de su última presentación, Incendios es retomada por una joven compañía llamada Parvada, quienes eligen a José Sampedro (quien, de hecho, cabe mencionar debe sus últimos trabajos a reposiciones de otras obras) como director para reponer esta icónica pieza.  En este montaje, llevado casi enteramente por jóvenes egresados, recarga sus bondades en el talento de sus actores y actrices, y lo poderosísimo que sigue resultando el texto. Sin llegar a los spoilers, podemos decir que a parte de la premisa nos relata cómo una madre deja una misiva a sus mellizos, la cual los llevará a un viaje hacia el origen de su madre y al de ellos mismo. La historia da verdaderos giros inesperados durante dos horas cuarenta y cinco minutos, y es ahí en dónde Incendios encuentra su complejidad; la cual, aun en su juventud, actores y actrices salgan avantes. Ahora, si bien es cierto que

Hace casi 27 años surgió un fenomeno que revolucionó no sólo los escenarios del off-Broadway y el mundo, sino también el de los movimientos feministas. Y es que las vaginas era algo de lo que poco se hablaba de manera abierta y sin tapujos, que una vez que esto empezó, no tuvo forma de parar. Los monólogos de la vagina, fue ideada y escrita por Eve ensler, una sexologa y terapeuta feminista que tenia experiencia con mujeres hablando y ayudando a explorar sus vginas; había muchas que no se habían atrevido ni hablar ni a ver la suya. Así que a través del nacimiento de su nieta, una experiencia que la marcó, decidió comenzar a dar voz a todas esas historias que había escuchado durante años, para así crear una comunidad de vaginas.Estos monólogos fueron estrenados en un pequeño teatro en off-Broadway por primera vez en 1996 y han sido actuamos por Jane Fonda, Salma Hayek, Whoopi Woolberg, entre otras. A México llegaron dos años después de su estreno original bajo la producción de Morris Gilbert y Ocesa teatro, y han sido interpretados no sólo por actrices sino por personalidades sociales y políticas de nuestro país, así como activistas y luchadoras sociales. Los Monólogos de la Vagina llevan más de 20 años en la cartelera mexicana dentro y fuera de la ciudad de México, y su vigencia radica en la importancia del tema y el discurso de perder el miedo y la vergüenza a la sexualidad femenina impuesta sistemáticamente pornuestra sociedad. Es por eso que ahora, en pleno 2023 el texto d

Después de haber estrenado la nueva producción de Mentiras, el musical, se veía venir el estreno de Mentidrags como parte del nuevo brand que acoge a la obra, bajo la producción de Alejandro Gou y Bobo Producciones, el cual incluye la versión original, un concierto y esta versión drag visionada por su creador y director José Manuel López Velarde en conjunto con la reconocida drag Letal. Mentidrags fue concebida en 2020 con la idea de ver la obra representada por un grupo de hombres en Drag como un homenaje al público LGBT+ que mayoritariamente ha sostenido la vida de la puesta. Esta versión vio la luz de manera exitosa en su producción anterior, antes de que tuviéramos que resguardar todos por la contingencia del Covid, y ahora regresa más y mejor armada, con un montón de brillantina, tacones altos, pelucas estrafalarias y vestuarios. Y si su versión anterior era ya un gran acierto, la verdad esta supera las expectativas, y al igual que su predecesora resulta mucho más acorde con el tono, el humor y las intenciones de la obra que su versión original. Y es que, todos los tropiezos que da la recién estrenada versión "normal" de la obra, aquí suceden con todo el tiempo necesario para que la historia suceda y se vuelve entrañable. Quizás sólo hay detalles muy pequeños en escena que el gran formato no aguanta, pero el resultado en general es esa esencia del musical que conocimos ya, pero con la nueva y espectacular producción que como ya dijimos en su primera reseña, está muy

De la mano de Miguel Septien, y en conjunto con el mismo equipo con el que se reveló prodigiosamente con Urinetown en el 2018,  Nación Primordial cuenta una historia digna de cualquier Shakespere (o de Aaron Skin) en las que se revelan las verdades de la condición humana como amor, dolor, poder y traición, pero con una colonia de levaduras antes de que existan los seres pluricelulares y los humanos.  Es así que Greg Kotis, también escritor de Urinetown, crea una ficción bastante sui generis sobre cómo aquellas formas que nos antecedieron, nos codifican y condicionan de raíz como humanidad. Y si bien, la premisa es irrisoria y digna del MTV de los 90s, su progresión en la trama se torna novedosa y fresca, aunque si se conoce Urinetown, puede caer en algunos lugares comunes, pero eso solo si se es muy quisquilloso. Abordar un musical como Nación Primordial puede resultar difícil, pero la verdad es que  revela un interes creativo por abordar otro tipo historias desde el género del musical, e incluso darle otro significado para poder encontrar no sólo otras narrativas, sino otras formas de narrar aquellas historias clásicas y épicas.  Con imaginación e ingenio, la dirección logra salir avante aún con sus forcejeos por encontrar el verdadero tono del texto y la diversidad de géneros en las canciones. Y aunque su manufactura es fina y con una tesis interesante, su calidad en momentos tan experimental la hace oscilar entre muchas vertientes  Aún con esta lucha, Nación Primordial bri

El Primer Encuentro de Salud Integral LGBTIQPA+ se va a realizar, y ahora te contaremos todos los detalles al respecto. Este se llevará a cabo los días 12, 13 y 14 de agosto del presente año en el Hotel Fiesta America de Reforma en la CDMX.  Con el objetivo de generar conocimiento sobre diversos temas de interés para la comunidad LGBTQIPA+, este primer encuentro, organizado por la Asociación Mexicana de Atención a Grupos Vulnerables (AMAAGV) no sólo pretende llamar a la población diversa sino a sus familiares y personas que conviven con ellas con el fin de lograr una verdadera inclusión basada en el conocimiento que desmitifique estigmas y prejuicios. En este primer ENSAIN LGBTIQPA+ se tocaran temas relacionado no sólo a la salud como la conocemos, sino que se de doblará este concepto pasando desde lo físico, lo mental, lo emocional y lo social. Aquí también se abordarán temas del ámbito legal, laboral y de reproducción.  La invitación a este encuentro está abierta para todo público y se puede asistir registrándose en la página de la AMAAGV, y los costos del evento son de  $1500 de manera presencial por los 3 días, pero también tendrá la cualidad de ser híbrido y se podrá monitorear de manera virtual y la menra de acceso es de la misma forma a través de un registro con un costo accesible de $200 pesos con acceso a las conferencias, talleres y pláticas. Durante la conferencia en que se presentó el encuentro se apuntó que se aprovechará para hablar de los avances en cuanto al t