Rodrigo Broschi

Si a la energía post distanciamiento social le sumamos las ganas que dan de mover el cuerpo escuchando a Jungle, el resultado es un show que prende como gasolina. Afortunados los asistentes que vieron a la banda londinense en la edición 2022 del Festival Vaivén. Sobre su experiencia en conciertos, su más reciente álbum Loving In Stereo (2021) y la influencia del soul de los años sesenta, platicamos con Tom McFarland y Josh Lloyd-Watson. ¿Qué es lo que más disfrutan hacer cuando están en la Ciudad de México?Nos gusta salir a caminar y de repente detenernos en alguna cafetería local —nos encanta el café—. Comer tacos y tomar mucho tequila también. ¿Cómo se sintieron en su presentación en el Festival Vaivén?Amamos este país. Siempre son muy nobles y entregados. No habíamos estado en México desde hace tres años y la energía del festival fue un empujón hacia arriba. ¿Qué prefieren, los conciertos íntimos o los festivales abarrotados?Cuando la audiencia es pequeña se disfruta mucho porque se saben todas las canciones. Los festivales son divertidos pero arriesgados. Muchas veces pensamos que cantarán todas y resulta que no se las saben, entonces nos toca intentar ganarnos su cariño. En un festival nunca sabes qué esperar. Su más reciente material Loving In Stereo se publicó en su propia disquera, Caiola. ¿Qué tanto les benefició la libertad creativa?¡Muchísimo! Las cosas fluyeron mejor porque no hubo tanto intercambio de ideas. Confiamos en nuestros instintos y nos dej

El 1 de octubre las paredes del domo de cobre retumbarán con “Ciclones”, “Inevitable” y “Eco”, sencillos pertenecientes al próximo material de Camilo VII —a estrenarse en mayo de este año—. Emocionado por retomar los shows en vivo, platicamos con Luigi, el bajista de la banda sobre lo que veremos en sus próximos shows. ¿Cómo han vivido el regreso a los escenarios?La gente ha sido muy cálida. Ha sido muy interesante todo el proceso porque justamente antes de que empezara la pandemia tocamos en el Vive Latino. Nos llamaron para cubrir a una banda que había cancelado por temas de COVID. En ese momento nos abrazamos; supimos que era importante aprovechar ese concierto porque seguramente sería el último en quién sabe cuánto tiempo. Hubo mucho miedo e incertidumbre. Y luego, dos años después, saliendo de todo esto, nos volvimos a presentar en el Vive Latino. Fue muy emotivo. No hay nada como tocar en festivales y pocas cosas se comparan a tocar en ese en particular. ¿El lanzamiento de Ecos se atrasó por la pandemia?Sí. Nos tuvimos que ir adaptando poco a poco a lo que sucedía. Ecos se empezó a gestar en 2019. Teníamos la idea de lanzar el álbum entre 2020 y 2021 pero cayó la pandemia y decidimos que en lugar de publicar todo el material, íbamos a lanzar sencillos. Ya tenemos listo todo el disco, con más canciones y más colaboraciones. ¿Cómo definirías Ecos?Es diferente a Navegantes (2019) y a Óleos (2017). En este disco nos centramos mucho en lo terrenal. Hablamos de cosas más

“Significa valorar la melodía, casi por encima de cualquier cosa. Se trata de crear arreglos con delicadeza. Nuestra música no es ruidosa, no la aventamos a la cara. De cierta forma, Pink Martini define a la elegancia musical” dice China Forbes, vocalista principal. Y sí. La banda mezcla jazz –principalmente swing–, cabaret, lounge y música de películas de los años cuarenta y cincuenta. Una orquesta contemporánea que utiliza la nostalgia como eje conductor: “Con frecuencia nos gusta traer el pasado a nuestras vidas. Nos gusta mirar hacia atrás para entender de dónde venimos”, comenta Forbes. Pink Martini se fundó en 1994 por el pianista Thomas Lauderdale. Un año después se sumó China en los vocales, después de conocer a Thomas en la Universidad de Harvard. “Nos unió nuestro gusto por coleccionar piezas de arte y fotografías. Tenemos los recuerdos muy cerca de nosotros todo el tiempo. A Thomas le gustan las maletas vintage, los carros vintage, todo vintage. Por eso entre más crezco, más me quiere”, comparte a carcajadas la cantante. La banda se creó con la intención de recaudar dinero para una causa política. Y actualmente, conservan el sentido de responsabilidad social: “Puede que no lo hagamos tanto como antes, pero cuando alguien nos lo pide de favor y creemos que es una causa digna, aceptamos. Sólo no se lo digan a todos”, agrega China mientras se le escapa otra risa. La cantante, además de ser muy agradable para conversar, tiene una sorprendente habilidad para la interp

La vida está hecha de finales y nuevos comienzos. 00:00 es el sexto material de Siddhartha pero, de cierta forma, se siente como el primero. El sencillo homónimo “00:00” incorpora música de mariachi y los temas “Mapa” y “80 Días” cuentan con la participación de Ana Torroja y Carlos Sadness. El riesgo va de la mano del descubrimiento; Siddhartha está en una nueva etapa musical y a los fans les encanta. El 1 y 2 de septiembre el cantante se presentará en el Domo de Cobre de la Ciudad de México y en entrevista, nos cuenta los detalles. ¿Recuerdas tu primer concierto?Se podría decir que hubo dos primeros conciertos. Uno en Guadalajara y otro en Ciudad de México. El de Guadalajara fue el típico show en el que va tu familia y te va bien porque están ahí todos los porristas. El otro fue en el sur de la CDMX, en un lugar muy pequeñito, pero me gustó mucho porque aunque había 20 personas, los 20 eran fans. El concierto fue bastante malo, la verdad. Yo tenía muy poca experiencia cantando. Pero bueno, por algo se empieza. Nunca has tocado en solitario en un venue tan grande como el Palacio de los Deportes. ¿Cómo te sientes?Estoy muy sorprendido. Era un gran paso hacer una fecha en el Palacio de los Deportes pero nunca imaginé que podrían ser dos, el público tuvo una respuesta muy emotiva. Desde ahorita estoy planeando ese par de noches, quiero que sean especiales. Entonces ya estás pensando en el setlist…Sí, pero es una cosa muy complicada. El setlist es un arma de dos filos. Por una p

El future funk es un derivado del house y del vaporwave que tiene como característica principal la influencia de canciones de los sesenta y setenta –así como algunos guiños a la cultura japonesa–. Cotton Dallas, mejor conocido como Yung Bae es pionero de este estilo. En entrevista, el artista de Portland, Oregón, nos contó cómo ha sido el desarrollo del género, cómo fue la creación de su más reciente disco y lo mucho que le entusiasma presentarse en el Tecate Emblema en CDMX. ¿Qué música creciste escuchando?Empecé escuchando rock y la música disco se fue haciendo camino después. A mi abuela le gustaba mucho toda esta onda de Motown y tenía una gran colección de discos, que yo fui heredando poco a poco. Así fue como me clavé en todo lo de la época de los sesenta y setenta. Eres pionero del future funk. ¿Cómo has visto evolucionar al género?En el último año, o dos, ha crecido bastante. Hay una escena gigante de city pop con elementos de música disco japonesa. Salió de la nada y la gente dijo: “Oye, no sabía que esto podía gustarme tanto”. Ahora es muy cool porque ves plataformas como Spotify o Apple Music haciendo playlist oficiales de future funk. Años atrás eso no hubiera sido posible. ¿Qué relación tiene la cultura japonesa con el future funk?No recuerdo exactamente quién lo hizo primero. Creo que fue la escena por sí misma. ¿Sailor Moon y música funk mezclados en un video de Youtube? ¡Sí, por favor! Es súper divertido. Es un combo rarísimo, pero funciona perfectamente. A m

Olivia Rodrigo: Driving Home 2 U (SOUR: La película) se estrenó el 25 de marzo en Disney+. La cinta es un viaje desde Salt Lake City hasta Los Ángeles; ciudades donde Olivia compuso su álbum debut. El formato es una mezcla de narraciones de historias personales de la cantante y nuevos arreglos de las 11 canciones del disco. En este recorrido cinematográfico, la joven estrella de pop explora los orígenes de SOUR, reflexionando sobre la tristeza que le cruzaba en ese momento por una decepción amorosa. Olivia se da la oportunidad de mostrar su vulnerabilidad, que también es su parte más humana y la que finalmente, la ha hecho conectar con millones de personas alrededor del mundo. Platicando con ella en rueda de prensa, la artista nos contó cómo es componer canciones con letras tan personales: “Es muy extraño. El proceso de escribir es súper íntimo, pones tu corazón y tu alma en el trabajo. Pero cuando lanzas la canción, tienes que separarte de ella. Ya no es sólo tuya. Es de todos. Aún así, estoy muy emocionada por compartir en la película las partes más íntimas de la creación de SOUR.” En el metraje, la artista comparte con el público cómo fue el proceso de composición del disco y las inseguridades que rodearon su efervescente éxito. Dan Nigro, el productor de SOUR, aparece en varias escenas de la película, trabajando de la mano de Olivia. Juntos le dan sentido a todas las emociones contradictorias por cargar con el corazón roto; la rabia, la tristeza, la desolación y finalment

Se escribe DIIV pero se pronuncia “Dive”. Su nombre está influenciado en la canción homónima de Nirvana y en la astrología, porque todos los integrantes de la banda son signos de agua –y dive en inglés es bucear–. Eso, en gran medida, concentra su esencia. Medio psicodélica, medio alternativa. Se formaron en 2011 en Brooklyn, Nueva York y debutaron en 2012 con Oshin. Disco en el que aparecen algunas de sus canciones más populares, “Doused” y “How Long Have You Known”. Después de cuatro años, DIIV estará de vuelta en la Ciudad de México para presentarse el 22 de abril en Quarry Studios. La banda está muy emocionada: “Hay una energía específica y única en la audiencia mexicana. Cualquiera que haya estado aquí te dirá que es una de las mejores ciudades en el planeta”, comentan. Este 2022 se conmemoran 10 años del lanzamiento de su primer disco y aunque aún no definen cuál será el setlist de su próximo concierto en CDMX, confiesan que sí habrá algunas sorpresas para festejar el aniversario. Los neoyorquinos, así como todos nosotros, necesitamos regresar a la música en vivo. Porque con la pandemia –evidentemente– la banda no pudo salir de tour. Aunque no todo estuvo tan mal, porque escribieron nueva música. “Hicimos varias cosas para no dejar de estar metidos en esto: grabamos sesiones en vivo y un montón de canciones. Fue un buen recordatorio de las raíces de la banda, que siempre ha tenido este lado DIY. En términos de creatividad, fue una gran experiencia”, agregan con un ciert

Indudablemente, su voz es una de las más queridas en México. Acompañada de su acordeón, temas como “Me Voy”, Limón y Sal” y “Andar Conmigo” son referentes de toda una generación. 26 años después de su álbum debut Aquí (1996), Julieta ha evolucionado junto con la música y su público. Prueba de ello es su más reciente éxito “Lo Siento BB:/” en colaboración con Bad Bunny y Tainy. De este crecimiento como compositora y su regreso al Vive Latino, uno de los festivales más grandes e importantes del país, platicamos con ella. ¿Cómo viviste la pausa por la pandemia?Fue muy raro. Aunque en este tiempo empecé a escribir nueva música, hay algo en la ausencia del encuentro, de los shows, que sí me hacía falta. Fue como si una parte de mí no estuviera ahí. El Vive Latino tiene una vibra muy particular. La gente conecta muchísimo con la música, grita, canta, baila. ¿Se percibe igual como artista? ¿Qué es lo que más disfrutas de tocar ahí?Totalmente, el Vive Latino tiene algo especial. Yo siento que se ha ido transformando y eso también es parte de lo bonito, que no se quedó atorado en un “tipo” de festival. Entre más mezcolanza más crece y eso ha hecho más grande su significado, porque representa lo que vemos por todos lados. Además, el público mexicano es bien entregado y eufórico. No importa cuántas veces haya estado ahí, siempre siento que es como una primera vez porque nunca sé qué va a pasar. Y por más que tenga expectativas, el Vive Latino siempre me da más. Es increíble la experienc

Natalia Pérez, mejor conocida como Cancamusa, es una cantante, baterista y compositora chilena. Llegó a México en 2019 para integrarse a la banda de Mon Laferte y a la par, desarrolló su proyecto solista. Su propuesta es autodefinida como “pop cinemático” porque se relaciona con el arte de manera integral. A ella la música la hace pensar en colores y texturas. Así que con sus canciones, busca transmitir esa misma experiencia sensorial. Platicamos con ella acerca de este apartado visual, su más reciente sencillo “Horas Contigo” y el álbum que está por estrenar. ¿Cómo ves las posibilidades de desarrollo musical en Chile, en comparación con México?La escena en Chile y en México es muy distinta porque de entrada, en México hay mucho público dispuesto a escuchar diversos géneros. Ustedes disfrutan mucho del arte y la cultura. No estoy diciendo que en Chile no, pero aquí hay mucha más gente. Siempre he pensado que México es tierra fértil para desarrollar distintos proyectos. Chile es un país con una industria más pequeña y aunque allá también hay una escena indie, cuesta un poquito más de trabajo. Hablando de artistas chilenas, ¿sigues rotando con Mon Laferte o estás concentrada en tu proyecto solista?Una buena parte de este año estaré enfocada en mi música, pero quizás ya para el segundo semestre vuelva a tocar con ella. Platícame de tu próximo álbumMi primer disco, Cisne: Lado Negro (2020), es como una caja de recuerdos de mi infancia. Lo hice durante una etapa muy introsp

Diego El Cigala cruza la frontera y le canta al pueblo mexicano, mezclando bolero, ranchera y canto hispánico. José Alfredo Jiménez, Manuel “Wello” Rivas, Consuelo Velázquez, Alfredo Gil y Armando Manzanero son algunos de los compositores presentes en el álbum Cigala Canta a México. Un regalo para todos los que amamos este país, sus canciones y el tequila.  El Cigala tendrá una gira por la República Mexicana, pasando por el Auditorio Nacional el próximo 5 de mayo de 2022. En la antesala de escucharlo cantar en el gran recinto de la CDMX, Diego nos platicó de su pasión, el flamenco y las rancheras. ¿Qué le viene a la cabeza cuando piensa en México?Alegría. Fiesta. ¿Cuáles fueron sus primeros acercamientos a la música mexicana y de dónde surge la idea de hacer este disco?Cuando yo era un chamaco de 10 años, jugaba al balón en el parque de la Corrala donde nací y me crié. En una ocasión, unos mariachis llegaron a poner un busto de Agustín Lara –que todavía está ahí–. Ese fue mi primer contacto. Cuando vi los trajes y escuché su música, me enamoré. Ahora, cada que voy a México visito Garibaldi. Tuve el honor de acompañar a Chavela Vargas durante su estancia en Cuernavaca. Siempre voy a tener presentes los consejos de esa mujer. Ella fue la que me dijo que al bolero y al ranchero les iba muy bien mi manera de cantar. Y le tomé la palabra. Siempre lo he hecho con miedo, pero sobre todo con mucho respeto, porque gracias a México es que Latinoamérica me conoce. Ustedes fueron mi puer

La primera vez que escuché a Silvana Estrada fue con una versión en vivo de “Marchita” –canción que da título al disco–. Su voz, me dejó las emociones a flor de piel. Me hizo pensar en el amor que me acompañaba en ese momento y en el que se me había escapado de las manos. Me dieron ganas de llorar.  Silvana es una artista prodigiosa que tiene la garra y el corazón necesarios para representar a la nueva generación de cantautoras latinoamericanas. Del dolor, de Marchita y de las particularidades de ser una artista mexicana con reconocimiento internacional, platicamos. ¿Cómo descubriste tu pasión por la música?Un momento clave fue la primera vez que me subí a un escenario, cuando tenía 13 años. Canté boleros y bossa nova. Me encantó sentir el vértigo de no saber si a la gente le gustaba o no. Los géneros con los que iniciaste, ¿fueron herencia familiar?En mi casa sonaba mucho jazz, música clásica y folclore. Crecí escuchando artistas como Miles Davis, Ella Fitzgerald, Billie Holiday y Betty Carter. Entonces, yo quería cantar así de bien y ser igual de libre con mi voz. Yo soy de Coatepec, Veracruz. No muy lejos de ahí, en Xalapa, está una de las pocas escuelas de jazz en México y ahí me formé. Entonces, fue mitad herencia familiar y mitad interés personal. Eres una artista que ha causado un gran impacto, en México y en el extranjero. Tu nombre comenzó a hacer eco después de la publicación de “Si Me Matan”. En relación a esta canción, ¿crees que las propuestas musicales latinas s

El llamado Bahidorá regresa y está preparando una fiesta de las mejores fiestas del año . A ti sólo te toca alistar el traje de baño y los lentes de sol, porque nosotros ya armamos el itinerario con los 10 shows que sí o sí, tienes que ver. En ediciones anteriores, artistas como Mac Miller, Channel Tres y Erykah Badu nos regalaron momentos inolvidables. Este año, el cartel no se queda atrás y desde Kings of Convenience hasta Vacación, estas son las presentaciones que más nos emocionan. Recomenadado: Guía del Carnaval de Bahidorá 2022.

En el Centro de la Ciudad de México abrió sus puertas Vavava Shop. Un punto de encuentro para los entusiastas de la música y el arte. Los colaboradores de este proyecto son Mercadorama y Faramalla; Mercadorama es una empresa de merchandising oficial y un colectivo de artistas gráficos internacionales; Faramalla es un club de vinilos por suscripción, mes con mes se encargan de llevar hasta la puerta de tu casa el disco que sus curadores seleccionan, acompañado de una reseña y una obra alusiva realizada por algún artista visual. Vavava Shop tiene esa misma apuesta de mezclar la música, con diseño y arte. En la tienda encontrarás pósters de ilustradores independientes y también diseños de Mercadorama. Así como playeras de las marcas Cotton Candy Machine, Lstbys y Ames Bros, además de pines, stickers y merch oficial de bandas. La ventaja es que todos los estantes son móviles y la mercancía se rota cada semana, para que siempre haya algo nuevo que ver. El catálogo musical es cortesía de Faramalla –lo que es garantía–. La intención es replicar el mismo modelo del club, pero en físico. Cuidar la selección de los discos y acompañarlos de su respectiva reseña y print. El espacio también cuenta con sillones y una tornamesa, para que ahí mismo pongas a girar tus nuevos vinilos. Y se agradece. En una era dominada por el streaming y la inmediatez, pocas veces nos sentamos con calma a escuchar música. Además, para conectar con la gente se estarán organizando noches de coleccionistas, prese

Una de las cosas más aplaudibles de Metric es su capacidad para juntar lo mejor de dos mundos. Su música es para la gente que creció escuchando New Order, pero también para la que ama cantar “One Way Or Another” de Blondie a todo pulmón. Su sonido es fácilmente identificable por la mezcla de synth-pop, new wave y rock –con sus detalles pop–. Así como por la voz de Emily Haines, frontwoman y tecladista de la agrupación canadiense. Todo empezó con un dúo. Emily y James Shawn –el guitarrista– formaron un proyecto llamado “Mainstream”, aunque de mainstream no tenían nada porque sus canciones eran downtempo. Publicaron un EP Homónimo en 1998 y al poco tiempo, cuando se sumaron Joshua Winstead al bajo y Joules Scott-Key a la batería, se cambiaron el nombre a Metric. Su álbum debut —con esta alineación—, Old World Underground, Where Are You Now?, llegó en 2003. En este material la banda aceleró el beat y comenzó a distinguirse por el uso del piano y el sintetizador. Aunque, con el paso de los años y el lanzamiento de sus siguientes discos comenzaron a inclinarse al rock con baterías agresivas. Es evidente su evolución musical pero nunca han dejado de sonar a lo que son; una banda indie con mucha visión para retomar la esencia de varios géneros. Art of Doubt, su más reciente disco es de 2018 y aunque se han mantenido activos sacando sencillos. El último se titula “All Comes Crashing” y formará parte de su octavo material de estudio, Formentera, a estrenarse el 8 de julio. Para prese

La música analóga suena mejor y Nochenegra lo sabe. Desde hace cinco años, esta fiesta tocada a puro vinyl nos hace sacar nuestros mejores pasos de baile. Hasta dejar la pista limpia. Este 2022 la celebración tendrá lugar en el Foro Indie Rocks!. Y como ya extrañamos mucho estar cerca, serán dos fechas, sábado 5 y domingo 6 de marzo. El sábado 5 se convocarán invitados de México, Venezuela, Colombia, Inglaterra y Estados Unidos. El baile será intenso desde las 9pm y nos llevará por distintos ritmos como cumbia, salsa, funk, latin funk, boogaloo, hip hop, R&B, batida, baile funk, disco, boogie, soul, latin soul, rare grooves, música basileira, tropicálica, forró, xore, bomba, plena, funaná, carimbó, psicodelia, house, italo disco y dance. Habrá dos escenarios acompañados de VJ art de Melissa Santamaría y un after party secreto. La preventa para esta fecha es de $350 y el día del evento el boleto estará en $500. El domingo 6 tocará talento local. En un horario de 2-9 pm se presentarán algunos de los mejores selectores y djs del país como Joyce Musicolor, Love-Maker, Carlos René B2B Rhea Louise, Sonido Chakabó, Basuritas Discos, Sabor a Mí, Hugo Quezada y Girasola. El otro escenario tendrá una actividad de roller skate de 12-4 pm, con Katana en la tornamesa poniendo canciones con mucho sabor. Para escuchar a los DJs mexicanos el costo es de $100 y para la fiesta en patines $300 —pero debes traer tu propio equipo y protección—. Asegura tu entrada al fin de semana más bailable en

Juntando la sabiduría del gurú indio "Sai Baba" y la buena onda de la caricatura "Los Supersónicos", se creó Babasónicos en 1991. Formaron parte del movimiento denominado "Nuevo Rock Argentino" que llegó para romper con los parámetros de la escena nacional establecida. Desde sus orígenes la banda fue atrevida, lo que conquistó a su público y los puso en el radar de artistas de talla mundial. ¿Quién no voltearía a ver a unos jóvenes que no tenían miedo de mezclar hip hop, soul, hardcore y hasta música disco? Después de su primer álbum Pasto (1992), la agrupación pudo ser telonera de los también argentinos, Soda Stereo. Para 1994, en su etapa de Trance Zomba, abrieron conciertos de INXS y Depeche Mode. Y en 1999 acompañaron a U2; mismo año en el que colaboraron con el frontman de The Stone Roses, Ian Brown, en la canción homónima de su disco Golden Greats. Esta primera etapa en la extensa trayectoria de Babasónicos estuvo determinada por la presencia de DJ Peggyn, el primer DJ formalmente incorporado a una banda de rock argentina. Fueron años de mucha experimentación. Por ejemplo, su disco Babasónica (1997), el más oscuro de su carrera, surgió a partir de la obsesión de su vocalista Adrián Dárgelos con Black Sabbath y el clan Manson –sólo Nine Inch Nails había llegado a tanto–. Su segunda etapa, después del lanzamiento de Jessico en 2001, los colocó en el estilo pop rock que los caracteriza hasta la fecha. De cualquier forma, este brinco a su "zona de confort" no decepcionó, ni

La primera vez que vi a Iron Maiden en vivo tenía nueve años. Me atrevo a decir que ese concierto fue determinante para que quisiera dedicarme al periodismo musical. Tengo grabada la imagen de Eddie The Head, enorme, flotando sobre miles de asistentes en el Foro Sol. Hoy sigo creyendo que existen pocas bandas que además de hacer música, saben cómo dar un excelente espectáculo. Iron Maiden es un proyecto con historia. Tienen una trayectoria de 46 años y un catálogo de 17 discos. Su comienzo se remonta a mediados de los setenta, durante el apogeo del punk en Inglaterra. Ellos no querían tener el cabello puntiagudo, así que lideraron un movimiento contracultural denominado "la nueva ola de heavy metal británico". The Number of the Beast (1982) los llevó a lo más alto de la colina. Un disco musicalmente elaborado y melódico. Diferente a todo lo que se había escuchado hasta el momento. Con temas como “Hallowed Be Thy Name”, “The Prisoner”, “Run to the Hills” o el himno que le da título al disco, cambiaron las reglas del juego y le abrieron camino a todo el metal que vendría después. Indiscutiblemente Iron Maiden es una de las bandas más icónicas del género. En parte por los arreglos musicales a dos guitarras y la voz de Bruce Dickinson, pero también por la figura de Eddie. El personaje de ficción —¿zombie?— que ha ilustrado todas sus portadas y los ha acompañado en cada uno de sus conciertos. Después de abarrotar tres fechas en 2019, los británicos regresarán a México el 7 de sept

Fobia es una banda capitalina nacida en 1987. Comenzaron a figurar en la escena musical mexicana cuando, aún sin tener material grabado, lograron tocar en el legendario Rockotitlán. Este espacio, conocido como “el lugar del rock”, fue fundado en 1985 por Sergio y Fernando Arau de Botellita de Jerez. Después de hacerse de un nombre aquí, decidieron participar en el concurso Rock En Tu Idioma de la disquera RCA de México. No ganaron, pero el sello les dio la oportunidad de firmar un contrato. Su primer álbum Fobia (1990) tuvo como sencillo “El Microbito”, canción que a la fecha es la más popular. Un año después salió Mundo Feliz (1991) y con él otro de sus grandes éxitos, “El Diablo”. Le siguió Leche (1993), que aunque nos regaló grandes temas como “Miel del Escorpión” y “Fiebre” fue un disco que recibió poca difusión debido a su contenido explícito. Esta situación, en lugar de hacer que bajaran las revoluciones, los llevó a hacer una auténtica “Revolución Sin Manos”. Su siguiente material, Amor Chiquito (1995), lo produjo Gustavo Santaolalla y se convirtió en el favorito del público. De aquí se desprenden los himnos “Vivo”, “Hipnotízame” y “Veneno Vil”. Una pieza fundamental para entender el desarrollo del rock en México a finales del siglo XX. Después del lanzamiento de este álbum se sumó Jay de la Cueva en la batería y en 2005 sacaron Rosa Venus; en el que aparecen las canciones “2 Corazones” y “Hoy Tengo Miedo”. Destruye Hogares (2012) salió unos años después. A finales de

Luego de meses de no dar señales de vida corrieron muchos rumores sobre la separación de Reyno. A todos nos tomó por sorpresa el anuncio de sus conciertos en el Auditorio BB, el próximo 10 y 11 de junio. Aún no está del todo claro si será la gira del adiós, o por el contrario, un reencuentro –pero deseamos de todo corazón que sea lo segundo–.  Christian Jean y Pablo Cantú conforman esta banda. Debutaron en 2014 y su ascenso fue como la espuma. Su primer disco, Viaje Por Lo Eterno, se grabó en Panoram Studios, el espacio dirigido por los miembros de Zoé; en el que además han trabajado artistas como Kamasi Washington, The National y Björk. En este material aparecen “Dos Mundos”, “Nunca Me Dejes” y “Amarrados”, algunas de sus canciones más populares. Un año después salió Dualidad (2015) y haciéndole justicia al nombre, presentaron canciones súper románticas, como “Química” y otras para rasgarse las vestiduras, como “Fluye”. La facilidad con la que conectan con las emociones es una de sus más grandes cualidades. En 2018 lanzaron Fuerza Ancestral y abarrotaron el Teatro Metropólitan. El concierto se grabó y salió poco tiempo después bajo el nombre Todo Permanece (En Directo). No hubiéramos podido imaginar que el futuro de la agrupación poco después se pondría en duda.  Luego de su presentación en el Vive Latino 2020 se cruzó la pandemia, Christian se hizo solista, Pablo sacó música bajo el nombre “Polaris” y con un silencio ensordecedor, asumimos que se trataba del fin de Reyno. N

La música popular, en esencia, viene y va. Las listas de éxitos nunca permanecen igual. Y es que cuando alguien intenta mantenerse vigente por 20 años, lo más probable es que su sonido se vuelva aburrido o fracase intentando reinventarse. Pero no Maroon 5. Desde su debut, sencillo que sacan, sencillo que tiene éxito comercial.  Su primer disco Songs About Jane (2002) lanzó sus primeros dos hits, "This Love" y "She Will Be Loved". En esta etapa consiguieron un Grammy como Mejor Artista Revelación en 2005 y otro como Mejor Actuación Pop de un Dúo o Grupo Vocal en 2006. Con "Makes Me Wonder", parte de segundo material It Won't Be Soon Before Long (2007) alcanzaron su primer #1 en la lista Billboard Hot 100. Los otros sencillos —también famosísimos— fueron "Wake Up Call" y "Won't Go Home Without You". Su siguiente álbum Hands All Over (2010) incluyó "Moves Like Jagger", una de las 20 canciones más descargadas, según datos de Universal Music Mexico. Canción que además, contó con la participación de Christina Aguilera. En 2012 llegó Overexposed y con él otro bombazo. "Payphone" con Wiz Khalifa. Dos años después lanzaron V (2014) y debutaron en el #1 de Billboard. "Maps", "Animals" y "Sugar" fueron de las canciones más escuchadas ese año. Creímos que la banda ya lo había dado todo, pero en 2018 se armaron con su sexto disco Red Pill Blues. "Don't Wanna Know", "What Lovers Do" y "Girls Like You" nuevamente sonaron sin parar. En esta etapa de su carrera fue que encabezaron el espectác

Dua Lipa es hija de un matrimonio albano-kosovares, aunque nacida en Westminster, Londres. Su padre fue vocalista de la banda de rock Kosovar Oda —desintegrada en 1998—, y la música estuvo siempre presente en su ambiente familiar. En los estantes no faltaban discos de David Bowie, Bob Dylan, Radiohead y Sting. Pero no fue hasta que Dua escuchó el Whoa, Nelly! de la canadiense Nelly Furtado, que se le abrió el mundo. Durante su adolescencia temprana se mudaron a Kosovo, ya que su padre había conseguido trabajo en una empresa de marketing. Este puesto lo llevó a adentrarse en la industria musical y a tener una fuerte influencia de los artistas de rap norteamericanos. Este fue el combo decisivo, al poco tiempo Dua decidió regresar a Londres para formarse como cantante. Ella tenía una sola cosa en mente: sonar a una mezcla entre Nelly Furtado y el rapero J. Cole. De aquí salió el sencillo "Hotter Than Hell" que le ganó su contrato en Warner Records. Ya firmada en la disquera lanzó "New Love", pero obtuvo el reconocimiento público hasta la salida de "Be the One". Su álbum debut homónimo salió en 2017 y alcanzó el número tres en la UK Albums Chart. Los sencillos "DGAF" y "New Rules" le consiguieron miles de fans y el ojo de la crítica puesto para considerarla como la próxima reina del pop. Future Nostalgia (2020) fue su segunda entrega —uno de nuestros discos favoritos de 2020—, en plena pandemia. Un material pop con espíritu funk que reclutó a productores como Kirkpatrick y Stuart

En “Pole Star”, uno de los más recientes sencillos de Motorama, Vladislav Parshin canta: For both sides of the world, it will bring us together through the snow and the storm. Y es así como entre la tormenta y una contingencia sanitaria, el proyecto ruso de post punk, anuncia su regreso a la CDMX. Concretamente, al Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes. Motorama es uno de los grupos más representativos de la música independiente en Rusia. Y una de las bandas más queridas por el público mexicano, principalmente por quienes gustan de usar ropa negra y delineador. Su nombre está inspirado en una película estadounidense de 1991, llamada de la misma forma. Y es una excelente analogía, porque el sonido de la banda es casi tan fantasmal como el argumento de la cinta dirigida por Barry Shils. El embrujo que los ha llevado al éxito es la habilidad que tienen para hacer canciones oscuras lo suficientemente ligeras para bailar como Ian Curtis. La influencia de Joy Division es indiscutible. Así como de Nick Cave & The Bad Seeds, A Certain Ratio y Kraftwerk. Su más reciente material, Before the Road (2021), nos recuerda su relevancia dentro del género. Ellos son una máquina del tiempo. La posibilidad de escuchar otra vez la esencia del post punk de los ochenta. Motorama se presentó por última vez en la Ciudad de México en 2019, en el —ya clausurado— Plaza Condesa. Este 10 de septiembre de 2022 darán otro show, ahora en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes, donde tocarán tema

Desde muy pequeña Ximena Sariñana incursionó en las artes. Sus primeros pasos fueron en teatro musical, cuando tenía sólo siete años. Después hizo cine y televisión. De esta etapa se destaca su participación en la telenovela Luz Clarita (1996), así como en las películas Amarte Duele (2002) y Niñas Mal (2007). Todas icónicas y parte de la cultura popular mexicana. Ximena estudió música en la reconocida universidad Fermatta y después fue becada en el Five Week Program de Berklee College of Music. Su primer álbum, Mediocre (2008), la hizo acreedora del disco de oro en México. Curiosamente, este premio se lo entregó Miguel Bosé, músico español con el que años después colaboraría en la canción “Aire Soy”. Este material también le consiguió el galardón como Artista Revelación en MTV y nominaciones en los Premios Grammy y Premios Grammy Latinos. A este exitoso debut le siguieron los discos Ximena Sariñana (2011), No todo lo puedes dar (2014), ¿Dónde Bailarán Las Niñas? (2019) y el más reciente Amor Adolescente (2021). Una carrera implacable que la ha llevado a colaborar con artistas del calibre de Ana Torroja, Jarabe de Palo, Natalia Lafourcade y Los Ángeles Azules. Luego de más de 10 años de trayectoria, Ximena ha evolucionado sustancialmente la forma de componer y presentar su música. Empezó con producciones pequeñas y hoy sus conciertos son una fiesta con escenografía, luces y bailarinas. Su próximo show, el 19 de febrero en la Ciudad de México, genera mucha expectativa. El Teatr

En 2004, Death from Above 1979 llegó para desafiar el sonido característico del indie, mezclandólo con un punk tan ruidoso que nos dejó aturdidos; la banda conformada por Jesse Keeler y Sebastien Grainger comenzaron su trayectoria con mucho alboroto al tener que pelear por los derechos del nombre. La persona con la que disputaron fue nada más y nada menos que James Murphy, el vocalista de LCD Soundsystem, cuya disquera también se llamaba Death from Above. Al final se arreglaron añadiendo el 1979, correspondiente al año de nacimiento de Sebastien.Su primer material, You’re a Woman, I’m a Machine, fue disco de oro en su natal Canadá en 2006. Mientras que en el resto del mundo vendió 175,000 copias, según datos del reconocido periódico Toronto Star. Los números abofetearon igual que las guitarras distorsionadas, posicionando al dúo como una de las propuestas más escandalosas del género alternativo, que a principios de los dosmiles conquistaba las listas de popularidad.Su ascenso fue efervescente. Una vez estando en la cima decidieron separarse abruptamente en 2006, como resultado de inconformidades sobre el sonido que querían adoptar en álbumes posteriores. La espera fue larga y silenciosa, hasta que en 2011 aceptaron reunirse para un festival Coachella. Tres años después, en 2014, publicaron su emblemático disco The Physical World, con el que a la fecha muchos recuerdan a la agrupación por temas como “Virgins”, “Trainwreck 1979” y “Crystal Ball”.En marzo de 2021 publicaron Is 4