Stivi de Tivi

Andy y Barbara Muschietti nacieron en Argentina y comenzaron su carrera dirigiendo y produciendo historias personales, un camino que poco a poco los llevó más lejos. Primero con Mamá y después con IT, dieron el gran salto a Hollywood y entraron de lleno a las grandes ligas. Sin embargo, no se conformaron con su propio éxito: decidieron abrir la puerta a nuevos talentos, tal como alguien lo hizo por ellos en su momento. Hoy son dueños de su propia casa productora, Nocturna, y Te van a matar es su carta de presentación. La trama sigue a Asia (Zazie Beetz), una mujer recién salida de prisión que acepta un trabajo como empleada en un edificio de lujo en Nueva York. Pero desde su llegada, nota que algo no cuadra. Pronto descubre que no se trata de un simple empleo, sino de una trampa orquestada por una comunidad de gente poderosa que lleva años desapareciendo personas. Lo que ellos ignoran es que Asia no llegó ahí por accidente... y no planea irse sin pelear. Además de Beetz, el elenco cuenta con las actuaciones de Patricia Arquette, Tom Felton, Myha’la y Heather Graham. La cinta es dirigida por Kirill Sokolov, un cineasta con un estilo muy particular: altamente visual, violento y cargado de humor negro. Te puede interesar: Flamingos: La vida animal narrada con la calidez de Julieta Venegas Time Out México conversó con los hermanos Muschietti sobre cómo elegir una nueva voz creativa y hasta qué punto es posible reinventar el cine de terror. Más allá de su relación personal, hay un

Flamingos: la vida después del meteorito es un documental que no intenta explicarte a los flamencos, sino acercarte tanto a ellos que terminas entendiendo cómo funciona la vida cuando nadie la controla. El cineasta Lorenzo Hagerman se internó durante 700 días en el norte de la Península de Yucatán para observar el ciclo completo de estas aves: su migración, apareamiento, nacimiento y supervivencia. Lo que encontró no es solo naturaleza, sino una historia de resistencia colectiva. A esto se suma la voz de Julieta Venegas —quien no narra, sino que acompaña— y la música envolvente de Bryce Dessner. Hagerman no viene del cine de naturaleza; su mirada se ha centrado en lo humano dentro de contextos complejos (como en H2Omx, Aquí sigo o Fifaliana), y como fotógrafo ha participado en proyectos tan crudos como Heli. En esta nueva entrega no cambia su forma de hacer cine, pero sí el universo que observa. No estamos ante un simple documental de animales, sino frente a una película que reflexiona sobre el tiempo, la paciencia y lo poco que realmente controlamos. No te pierdas: Mary Bronstein: "Empecé a escribir como una forma de salvarme" Time Out México conversó con Hagerman sobre el arte de soltar el control, aprender a esperar y cómo, al final, las historias no las eliges tú; ellas te encuentran. En tus trabajos anteriores has filmado conflictos, ciudades y lo humano. Aquí, en cambio, te enfrentas a algo que ya existe sin tu intervención. ¿Cómo es entrar a un universo donde no puedes

Nadie imaginó que cuando la película Si pudiera te patearía (If I Had Legs I’d Kick You) se presentó en la Berlinale hace un año, llegaría tan lejos. Lo que comenzó como un drama independiente, pequeño e incómodo, terminó convirtiéndose en uno de los títulos más comentados de la temporada. La historia sigue a Linda, una terapeuta cuya vida comienza a desmoronarse cuando su hija enferma gravemente y su departamento se inunda, obligándola a enfrentar la crisis prácticamente sola. A partir de ahí, la cinta se transforma en un retrato intenso y sumamente honesto sobre el desgaste emocional de una madre que intenta sostener el trabajo, la culpa y el miedo al mismo tiempo. La protagonista es Rose Byrne, quien entrega una actuación aclamada por la crítica y que hoy le vale una nominación al Oscar. El reparto lo completan figuras como Conan O'Brien, Christian Slater y A$AP Rocky. Detrás de esta historia se encuentra Mary Bronstein, directora del cine independiente estadounidense que regresa al largometraje después de 17 años con una obra profundamente personal. Gracias al impacto de este filme, Bronstein ahora desarrollará una nueva serie para Apple TV+ titulada The Nanny Squatter, protagonizada por Julia Louis-Dreyfus. Time Out México tuvo la fortuna de conversar con la directora sobre el extraordinario viaje de su película y su relación creativa con Rose Byrne. ¿Qué te inspiró a escribir esta historia? Nace de un lugar muy personal. Cuando mi hija tenía siete años —ahora tiene 16 y

Durante más de veinte años, Steve Carell ha demostrado algo muy raro en Hollywood: que se puede pasar de la comedia más incómoda a los dramas más oscuros del cine. Primero conquistó la televisión con The Office gracias a Michael Scott, uno de los personajes cómicos más influyentes del siglo XXI. Después, expandió su carrera con películas como The 40-Year-Old Virgin y Little Miss Sunshine, y sorprendió con interpretaciones dramáticas como Foxcatcher, que incluso le valió una nominación al Oscar. Ahora, Carell regresa a la televisión con Rooster (HBO Max), una comedia creada por Bill Lawrence, el productor detrás de exitosas series como Scrubs, Ted Lasso y Shrinking. La historia sigue a Greg Russo, un novelista exitoso que llega a una universidad para dar una charla y termina quedándose mucho más tiempo de lo previsto cuando la vida de su hija —profesora en ese mismo campus— comienza a desmoronarse. Lo que parecía una visita breve se convierte en una convivencia incómoda entre dos adultos que tienen que volver a aprender a relacionarse: un padre que ya no puede proteger a su hija como antes, y una hija que intenta construir su propia vida sin sentirse juzgada. Rooster le permite a Carell volver a un terreno que domina: la comedia que nace de lo humano, de personajes imperfectos, incómodos y profundamente reales. Time Out México conversó con el actor sobre lo que pasa cuando, tras pasar media vida haciendo reír, decide regresar a ese territorio, pero con toda la experiencia que

For All Mankind empezó con una pregunta simple: ¿qué habría pasado si Estados Unidos no hubiera sido el primer país en conquistar la Luna? Cuatro temporadas después, la respuesta ya no está en nuestro satélite natural… está en Marte. La serie creció, el universo se expandió y ahora lo que está en juego no es llegar, sino quedarse. Para quien nunca la ha visto, es una historia de ciencia ficción cargada de política, dinámicas familiares y decisiones que se heredan. Para los fans, es el momento exacto en el que todo lo construido empieza a pasarle factura a la siguiente generación. Ahí es donde aparece Alex Baldwin. Lo interesante es que no es el típico protagonista de una epopeya espacial: él no eligió este mundo, nació en él. Es hijo y nieto de figuras clave en la historia, lo cual lo coloca en una posición incómoda. Carga con un apellido que pesa, una expectativa que nunca pidió y un entorno donde todo fue conquistado mucho antes de su llegada. Alex no busca ser el primero; simplemente intenta entender quién es en medio de todo ese caos. Te puede interesar: "Es lo mejor que he hecho": Lisa Kudrow sobre la nueva era de The Comeback Y es justo ahí donde entra Sean Kaufman. Tras darse a conocer en proyectos juveniles como The Summer I Turned Pretty, se suma a una serie que le exige contención, peso emocional y una compleja historia detrás de cada decisión. Platicamos con Sean sobre su integración a la serie y sobre cómo encontrar tu propio lugar cuando parece que todo ya está e

Lisa Kudrow creó The Comeback como una comedia incómoda sobre una actriz que intenta volver a Hollywood; sin embargo, la serie siempre fue una crítica adelantada sobre cómo la industria convierte la humillación en entretenimiento. La primera temporada se estrenó en 2005, en pleno boom de los reality shows, y resultó tan incómoda que no conectó con el público en su momento. Nueve años después, en 2014, regresó consolidada como una serie de culto, cuando el mundo ya entendía mejor esa obsesión por mirar la vida ajena. En su segunda temporada, la historia ya abordaba cómo el dolor se transforma en contenido. Ahora, en esta nueva etapa, el tema es todavía más inquietante: la inteligencia artificial, la identidad y el miedo a volverse irrelevante. Valerie Cherish ya no solo pelea por un papel, sino por existir en un sistema que podría dejar de necesitar humanos. En el centro de todo sigue Lisa Kudrow, quien, más allá de Friends, ha construido una carrera mucho más arriesgada de lo que parece. Con este personaje no solo actúa, sino que escribe, produce y se adentra en terrenos poco cómodos. Este trabajo le ha valido nominaciones al Emmy y un reconocimiento de la crítica que no ha hecho más que crecer con los años. Time Out México conversó con Kudrow sobre el regreso de The Comeback a HBO, una serie adelantada a su época que hoy se entiende mucho mejor que hace 20 años. Han pasado diez años desde la última temporada. ¿Cómo cambió Valerie en este tiempo? Envejeció diez años. Pero, má

Lo que empezó como un grupo de amigos en Monterrey contando historias de terror, terminó convirtiéndose en una de las comunidades de investigación paranormal más seguidas en México. La Sociedad de las Pesadillas —integrada por Raiza Revelles, Claudia y Andrea Ramírez, Gerardo Avendaño, Pato Ramírez y Renata Revelles— dio el salto de narrar miedo a enfrentarlo. Primero desde lo digital, y ahora desde el cine con la película El Museo de los Warren, un proyecto que los obliga a dejar la comodidad del relato para meterse, literalmente, a los lugares donde esas historias nacieron. El punto de partida es el legado de Ed y Lorraine Warren, los investigadores que marcaron la historia moderna de lo paranormal y que inspiraron casos como El Conjuro, Annabelle y Amityville. El grupo viaja a Estados Unidos para entrar a los espacios reales: el Museo del Ocultismo de los Warren en Monroe, Connecticut; la casa donde vivieron, y la famosa vivienda del caso Perron en Rhode Island, mejor conocida como la casa de El Conjuro. Lugares con historia y una carga que no se puede ignorar. Time Out México platicó con los integrantes de La Sociedad de las Pesadillas sobre el momento en que el juego se volvió real, su salto del contenido digital a la pantalla grande y lo que implica enfrentarse a los espacios que marcaron la historia de los Warren. La Sociedad de las Pesadillas empezó como algo para entretenerse entre ustedes, pero terminó llevándolos a lugares reales, físicos. ¿En qué momento dejó de s

El thriller policiaco en México no es un género nuevo, pero posee una personalidad muy distinta a la de otras latitudes. Aquí no se trata solo de resolver un caso, sino de entender el contexto que lo rodea: la corrupción, la violencia y las instituciones que no siempre funcionan. En cintas como Bajo la sal o Miss Bala, e incluso en obras más oscuras y contenidas como Heli, lo policiaco se mezcla con lo brutalmente cotidiano. Este es el terreno en el que se mueve Psicópata asesino del conejo blanco, pero con una vuelta de tuerca: en lugar de enfocarse únicamente en el crimen, se adentra en la mente de quienes lo experimentan. La historia sigue a Nora, una mujer que habita en un equilibrio muy frágil entre la razón y el quiebre emocional; y a Eder, un hombre que ha visto demasiado a lo largo de su carrera. Lo interesante es que la película no lleva al espectador de la mano: suelta piezas, oculta otras y obliga a completar el rompecabezas. Aquí no hay un "caso" tradicional ni un villano claro, sino decisiones, traumas y una sensación constante de que algo anda mal. El "conejo blanco" funciona más como un símbolo que como un elemento literal. Detrás de este proyecto hay un elenco y un equipo que entienden a la perfección dicho tono. Adriana Llabrés lleva tiempo moviéndose en proyectos arriesgados, con personajes incómodos y emocionalmente complejos. Hoze Meléndez suele apostar por interpretaciones contenidas, alejadas del cliché, lo cual juega a su favor en esta entrega. Por su p

La serie Mujeres imperfectas arranca con un asesinato, pero lo que realmente pone sobre la mesa es algo mucho más incómodo: la fragilidad de las amistades de toda la vida, los secretos que decidimos guardar y las versiones de nosotros mismos que construimos para sobrevivir. Basado en la novela de Araminta Hall, este proyecto revela la historia desde distintas perspectivas, cuestionando constantemente qué es verdad y qué es percepción. Al centro de la trama se encuentran tres mujeres unidas por años de historia compartida, pero también por silencios, lealtades rotas y decisiones que pesan más de lo aparente. Es ahí donde entran Elisabeth Moss (Mad Men) y Kerry Washington (Scandal), no solo como protagonistas, sino también como productoras. Moss interpreta a Mary, una mujer aparentemente estable cuya vida comienza a resquebrajarse. Washington, por su parte, da vida a Eleanor, una figura de apariencia fuerte, pero llena de contradicciones internas sobre la identidad, el amor y el sentido de pertenencia. La serie, recién estrenada en Apple TV, abraza la imperfección como punto de partida. Más que un thriller, es un retrato emocional sobre lo que sucede cuando la verdad finalmente sale a la superficie. En Time Out México pudimos platicar con Moss y Washington sobre la identidad, la amistad y quiénes somos cuando nadie nos está mirando. La serie explora cómo mostramos una versión de nosotros que no siempre es real. ¿Este papel les hizo reflexionar sobre eso en su vida? Kerry Washin

Un hombre despierta solo en una nave, sin memoria y sin contexto; apenas cuenta con su cuerpo mientras intenta recordar cómo ser humano. Poco a poco entendemos que es Ryland Grace, un profesor de ciencias convertido en la última esperanza de la Tierra frente a una amenaza cósmica que apaga las estrellas. Pero la película no trata solo de salvar al mundo, sino de reconstruir quién eres cuando no tienes pasado y descubrir que, incluso en la soledad más absoluta, la conexión (aunque venga de otro planeta) puede ser lo único que te sostenga. Esta es la trama de Proyecto Fin del Mundo, adaptación de la novela de Andy Weir que, bajo la mirada de los directores Phil Lord y Christopher Miller (La gran aventura LEGO), construye una experiencia física y tangible, evitando depender del típico exceso digital. Apostaron por sets reales, efectos prácticos y un trabajo de cámara muy controlado para que el espacio se sienta habitable y no artificial. En el centro de la historia se encuentra Ryan Gosling, asumiendo uno de los retos más arriesgados de su carrera. Lejos del arquetipo del héroe de acción, aquí encarna a un hombre común obligado a pensar, adaptarse y sobrevivir. Time Out México conversó con el actor nominado al Oscar sobre la ciencia, la familia y el desafío de sostener una historia completamente solo. Tu personaje despierta sin memoria en el espacio. ¿Cómo construyes a alguien que no sabe quién es? Ryan Gosling: Más que interpretarlo, tuve que experimentarlo. Rodamos casi todo e

Nacida en 1736 en Manchester e hija de un herrero, Ann Lee estuvo marcada por la pobreza y la devastadora pérdida de todos sus hijos. Ese dolor inabarcable la empujó hacia una experiencia espiritual radical que terminaría convirtiéndola en la líder del movimiento Shaker, una comunidad religiosa que predicaba la igualdad de género, la vida en común y el celibato absoluto. Sus seguidores llegaron a creer que ella era la segunda venida de Cristo encarnada en mujer, una idea casi inconcebible en pleno siglo XVIII. De esta fascinante figura histórica nace El testimonio de Ann Lee, una cinta que se aleja de la biografía tradicional. La directora Mona Fastvold construye un relato que entrelaza el drama histórico con una suerte de musical espiritual, donde la fe se manifiesta a través del canto, la danza y el trance colectivo. En el epicentro de la historia se encuentra Amanda Seyfried, entregando uno de los trabajos más arriesgados y transformadores de su carrera. La estrella desaparece para dar paso a un personaje crudo y profundamente humano que sostiene todo el peso de la trama. Resulta inevitable, por tanto, cuestionarse cómo una actuación tan comprometida y excepcional quedó fuera de la conversación de los premios Oscar. Time Out México conversó con Seyfried sobre el reto de dar vida a Ann Lee, su propio viaje espiritual y su relación con la música. Cuando conociste la historia de Ann Lee, ¿qué fue lo que más te sorprendió? Que una mujer del siglo XVIII pudiera liderar un movim

Mamoru Hosoda es, sin duda, uno de los grandes autores del anime contemporáneo. Comenzó su carrera en los años noventa en Toei Animation y, con el tiempo, se convirtió en una voz única dentro de la animación mundial gracias a películas como Wolf Children, The Boy and the Beast y Belle; historias donde la fantasía siempre sirve para hablar de algo profundamente humano: la familia, la pérdida y el crecimiento. Con Mirai, obtuvo una nominación al Oscar a Mejor Película Animada —algo muy poco común para un director japonés fuera de Studio Ghibli— y con Belle alcanzó su mayor éxito internacional, estrenando en Cannes y consolidándose como uno de los cineastas más respetados de la actualidad. Además, fundó Studio Chizu para tener libertad creativa total sobre sus proyectos. Ahora regresa con Scarlet, probablemente su película más oscura hasta la fecha. La historia sigue a una princesa guerrera consumida por la venganza, quien atraviesa un extraño mundo intermedio que refleja su rabia, su dolor y las cicatrices de la violencia. El propio Hosoda ha señalado que no quería mostrar la violencia como un espectáculo, sino evidenciar las marcas que deja en el cuerpo y en el corazón. Por ello, esta es una obra más dura y emocionalmente intensa que sus trabajos anteriores. Es una historia que comienza con sed de venganza, pero que en el fondo plantea una interrogante mucho más profunda: ¿qué pasa cuando la rabia deja de sostenerte y tienes que decidir cómo vivir después de la pérdida? Time O