Stivi de Tivi

La serie animada Un show más (Regular Show) logró lo que parecía imposible: transformar la flojera y los trabajos monótonos en aventuras absurdas que desembocaban en viajes en el tiempo, guerras espaciales o, incluso, la destrucción del universo. Creada por J.G. Quintel junto a Sean Szeles, quien se encargó de la dirección y el storyboard, la serie se estrenó en 2010 y se extendió por ocho temporadas. Con más de 240 episodios y varios premios Emmy en su haber, concluyó en 2017 con uno de los finales más emotivos de la animación moderna. Casi una década después, sus creadores regresan con Un show más: Las cintas perdidas, una suerte de continuación construida a partir de "historias no contadas" que ocurrieron dentro del universo original. El atractivo de este regreso radica en el reencuentro con Mordecai, Rigby y compañía, así como en la posibilidad de disfrutar sus aventuras desde una perspectiva adulta y cargada de nostalgia. Conversamos con Quintel y Szeles sobre lo que significa retomar una historia que ya contaba con un cierre perfecto. Porque, más allá de los monstruos, los VHS extrañísimos y el humor surrealista, el corazón de este mundo siempre fue la importancia de disfrutar el presente.   CortesíaEntrevista J.G. Quintel y Sean Szeles Ustedes construyeron una serie sobre una etapa de la vida que no puede durar para siempre. Ahora que regresan a este mundo, ¿sienten que están celebrando ese momento o negándose a dejarlo ir? J.G. Quintel: Es curioso porque terminamos

Dick Wolf ha construido uno de los universos más grandes y reconocibles de la televisión: series donde policías, agentes y fiscales enfrentan el caos intentando mantener el orden. Sin embargo, algo interesante de esos mundos es que los personajes más poderosos no son quienes corren detrás del criminal o entran armados a una operación, son quienes entienden cómo funciona realmente el sistema. Ahí entra Nikki Reynard en CIA, una serie que lleva ese universo hacia un terreno más político y moralmente gris. En este proyecto no solo se trata de resolver un caso, sino de preguntarse qué estás dispuesto a sacrificar para proteger a un país, mientras dos agentes completamente opuestos, interpretados por Tom Ellis y Nick Gehlfuss, intentan navegar entre amenazas que crecen episodio tras episodio. Necar Zadegan es una actriz que ha construido su carrera interpretando a mujeres que proyectan autoridad, inteligencia y conflicto interno. Desde 24 hasta NCIS: New Orleans, pasando por el teatro en Broadway, Necar da vida a personajes que dominan la escena. Tambien puedes leer: "Controlar la vida es imposible": Annette Bening sobre el poder y el caos en Dutton Ranch Time Out México conversó con la actriz sobre CIA, serie que se estrena esta semana en Universal+ y que forma parte del universo de Dick Wolf. Nikki tiene una autoridad que se siente sin tener que decir nada. ¿De dónde viene ese tipo de poder para ti como actriz? ¿De la precisión, de la contención o de algo más personal? Necar

Annette Bening es una actriz que ha construido una carrera a partir de personajes complejos, inteligentes y profundamente humanos. No en vano ha sido nominada al Oscar en cinco ocasiones por The Grifters, American Beauty, Being Julia, The Kids Are All Right y Nyad. Bening transita con naturalidad entre el cine de prestigio, el teatro y las grandes producciones sin perder su identidad. Ahora, tras décadas de dominar dramas políticos e historias íntimas, se adentra en uno de los universos más grandes y absorbentes de la televisión moderna: Yellowstone. Dutton Ranch, creada por Taylor Sheridan, es la serie que continúa la historia de Beth Dutton (Kelly Reilly) y Rip Wheeler (Cole Hauser) tras el fenómeno cultural que supuso Yellowstone. En esta ocasión, la trama se traslada a Texas, donde Beth y Rip intentan construir una nueva vida, aunque el conflicto no tarda en alcanzarlos. Es aquí donde entra Annette Bening en el papel de Beulah Jackson: una poderosa ranchera, elegante, controladora y peligrosa, que no les pondrá las cosas fáciles a los Dutton. Time Out México tuvo el privilegio de platicar con Bening sobre esta nueva serie de Paramount+, la cual llega con expectativas altísimas y la misión de expandir el universo de Yellowstone hacia nuevos horizontes. No te puedes perder: "Obsesión": El fenómeno de terror que incomodará a las salas de cine Has trabajado en dramas de muchísimo prestigio, historias políticas y con personajes muy complejos. ¿Qué fue lo que realmente te atraj

En la película Obsesión, Bear y Nikki son dos mejores amigos que lo comparten todo. Sin embargo, Bear oculta un amor profundo y obsesivo por ella, lo que lo lleva a pedir un deseo que cambiará sus vidas para siempre: que Nikki le corresponda. Lo que inicia como una idílica fantasía romántica no tarda en descarrilarse hacia una pesadilla emocional sin control. Michael Johnston (Teen Wolf) e Inde Navarrette (13 Reasons Why) protagonizan este viaje incómodo y profundamente perturbador. Detrás de esta producción se encuentra Curry Barker, director, guionista y creador originario del ecosistema digital, reconocido por su destreza para entrelazar la tensión incómoda y el humor negro. Obsesión consolida su salto al largometraje cinematográfico, posicionándose como una de las cintas de terror más comentadas de 2026. Time Out México conversó con Inde y Michael sobre esta propuesta fílmica que promete marcar un antes y un después en sus carreras, gracias a un trabajo actoral tan oscuro como demandante en el plano físico. La música, las series, los libros y el cine suelen romantizar el deseo, el ser elegidos y los sueños cumplidos. Sin embargo, rara vez abordan los sacrificios implícitos. Con esto en mente, ¿cuál ha sido el costo más inesperado de construir la carrera que siempre quisieron? Inde Navarrette: Desde una perspectiva personal, considero que hay un valor inmenso en el anonimato que conservas, incluso cuando estás expuesta al ojo público. Pasamos la vida cometiendo errores, y

Un nahual es un vínculo, un espíritu que puede protegerte o juzgarte. Desde esta premisa arranca El ritual del nahual, la ópera prima de Carlos Matienzo Serment, una película que toma este concepto y lo lleva a un terreno incómodo y muy real. La historia sigue a Gabriel (Gerardo Oñate), un forajido que llega herido a una comunidad en la Huasteca potosina donde han desaparecido varios niños, todo esto mientras un agente federal intenta descifrar lo que está ocurriendo. El pueblo vive bajo sus propias reglas, y lo que parece una amenaza también puede ser una forma de justicia. La cinta, hablada en español y tének, nace de una experiencia personal del director en la Huasteca, donde alguien le habló del nahual como un protector. Esa idea, que algo pueda cuidarte y, al mismo tiempo, imponerte consecuencias, se convirtió en el corazón del proyecto. Caraly Sánchez también actúa en el filme. Su presencia en pantalla busca pertenecer a ese universo. La película, que ya tuvo un recorrido internacional y llamó la atención por su manera de usar el terror como lenguaje cultural más que como fórmula genérica, llega a las salas de cine. Platicamos con Carlos y Caraly sobre este filme que se estrena en 500 pantallas del país esta semana. También puedes leer: Nina Kiri y el arte de la incomodidad en Undertone Carlos, al ser una ópera prima, esta película no busca agradar fácilmente. ¿Qué estabas dispuesto a perder con tal de mantenerte fiel a tu visión? Carlos Matienzo: Es un proyecto que, de

El filme Undertone fue uno de los más mencionados en la pasada edición del Sundance Film Festival; era una película que resonaba en los pasillos mucho antes de verse en pantalla. Un proyecto pequeño e íntimo que provocó una de las reacciones más fuertes del festival y que después llegó al Sundance Film Festival CDMX, donde conquistó al público mexicano. Aquí, el miedo entra por los oídos. La historia sigue a Evy, una podcaster escéptica que, mientras cuida a su madre enferma, comienza a recibir grabaciones inquietantes que poco a poco dejan de ser ajenas para reflejar algo mucho más cercano y personal. El director Ian Tuason convierte una experiencia íntima en una película que se siente casi como adentrarse en la mente de alguien que se niega a enfrentar su realidad. Todo el peso recae en Nina Kiri, quien sostiene el silencio, la tensión y todo aquello que no se dice, encarnando a un personaje que se rompe sin necesidad de dar explicaciones. Esta semana se estrena en todo el país Undertone, razón por la cual Time Out México conversó con su realizador y su actriz principal sobre esta producción. Una cinta que busca incomodar y obligar al espectador a seguir escuchando justo cuando más desearía desconectarse. Te puede interesar: "El dolor hace que la gente haga cosas terribles": Richard Gadd y su nueva apuesta en HBO Ian, algo que me llamó la atención es cómo el sonido y el silencio se sienten como una presencia, casi como algo tangible. ¿Cuál era tu mayor preocupación al utili

Leopoldo Aguilar lleva años impulsando algo que en México no es tarea fácil: hacer animación. Después de proyectos a gran escala como Condorito: La película, ahora da un giro hacia una obra mucho más íntima con Bem, un lémur en fuga, una historia de apariencia sencilla que en realidad aborda temas profundos. La película sigue a Bem, un lémur que es extraído de su hábitat y termina en la Ciudad de México, donde se cruza con Irene, una niña que vive encerrada en su propio mundo. Son dos personajes completamente distintos, pero unidos por lo mismo: el miedo y la necesidad de superarlo. Detrás de este proyecto se encuentra Chiltepín Estudios, apostando por una técnica poco común en la actualidad: la animación 2D. Como un recurso de una firme decisión narrativa. Time Out México conversó con Leopoldo Aguilar sobre su trayectoria en la animación mexicana, el porqué esta es su película más personal y lo incómodo —pero necesario— que resulta salir al mundo cuando aún no te sientes listo. ¿Te interesan los personajes que están en un lugar al que no pertenecen, o este tema viene de una inquietud más personal? De todas las películas que he tenido la oportunidad de dirigir, esta es la cuarta, creo que es la más personal. En mis tres trabajos anteriores los protagonistas eran masculinos; esta es la primera vez que dirijo una historia con una protagonista femenina, y tiene mucho que ver con algo reciente en mi vida: me convertí en tío. Cuando empecé a observar qué tipo de contenido veían mi

Miranda Priestly y Andy Sachs. Eran dos versiones del éxito chocando de frente. Miranda, impecable, exigente y casi impenetrable; Andy, curiosa, brillante y tratando de no perderse mientras aprendía a jugar el juego. Ellas fueron la razón por la que El diablo viste a la moda se convirtió no solo en una película taquillera, sino en un ícono generacional que sigue resonando. La secuela plantea un mundo donde el poder editorial ya no manda como antes y lo digital lo redefine todo. Miranda enfrenta este cambio en un escenario donde la balanza de poder se ha invertido. Es un duelo generacional, pero también una historia de evolución: del control absoluto a la necesidad de adaptarse. Si la primera cinta trataba sobre entrar al sistema, esta parece ser sobre cómo sobrevivir cuando el sistema cambia sin pedir permiso. Meryl Streep convirtió a Miranda en un personaje eterno. Entre la primera y la segunda película, la actriz sumó dos nominaciones al Oscar (The Post e Into the Woods) y ganó una estatuilla por The Iron Lady; por su parte, Anne Hathaway se llevó el Oscar por Les Misérables. Veinte años después, la historia solo sigue siendo relevante y se siente más actual que nunca. Time Out México conversó con Streep y Hathaway sobre esta nueva entrega, que habla de moda, identidad, ambición y las decisiones que nos definen. También puedes leer: Entrevista exclusiva con el elenco de Malcolm in the Middle ¿Creen que El diablo viste a la moda cambió la manera en que hablamos sobre la ambi

La carrera del actor británico Matthew Rhys despegó al interpretar a Philip Jennings, un espía contenido y emocionalmente fracturado en The Americans, papel que le otorgó un premio Emmy a Mejor Actor Dramático. Luego lo vimos como un fino abogado cargado de sombras en Perry Mason; y ahora, en la serie La Maldición de Widow's Bay, da un giro interesante al encarnar a un hombre que no controla absolutamente nada. Esta nueva producción de Apple TV+ nos transporta a una isla aislada y olvidada, donde su alcalde intenta convertir el lugar en un destino turístico… ignorando que todos a su alrededor creen que está maldita. Lo que empieza como una idea absurda, pronto se vuelve inquietante. La historia juega con un concepto muy atractivo: no sabes si lo que ves es real, paranoia colectiva o algo peor. Es ahí donde entra un tono original que mezcla el horror con la comedia, pero no desde el chiste fácil, sino desde lo incómodo, lo humano y lo que te hace reír genuinamente. Detrás de cámaras se encuentran Katie Dippold (Parks and Recreation), conocida por su excelente ritmo cómico, e Hiro Murai (The Bear), un experto en crear atmósferas raras, casi hipnóticas. Juntos construyen una serie que se siente distinta, con un elenco que incluye a actores como Stephen Root y Kate O’Flynn, y que ya está generando excelentes reacciones por su propuesta. No es terror tradicional, ni comedia convencional; es un juego constante entre lo que creemos ver y lo que preferimos no enfrentar. También pued

La casa de los espíritus es una herida, una memoria y una familia que se rompe y se reconstruye con el tiempo. Amazon Prime Video acaba de estrenar la adaptación en formato serie de esta icónica novela, la cual pone en el centro a tres personajes que sostienen toda la trama. Primero está Esteban Trueba, un hombre que construye poder pero no sabe amar, interpretado por Alfonso Herrera. Luego tenemos a Clara del Valle, el alma espiritual de la historia, dividida entre la mirada joven de Nicole Wallace y la fuerza silenciosa de Dolores Fonzi. Finalmente está Férula, un personaje doloroso y contenido que vive entre el amor y la renuncia, a cargo de Fernanda Castillo. Entre ellos se teje algo profundamente íntimo: poder, silencio, deseo y todo lo que se queda sin decir. Esta serie no llega de la nada. La novela de Isabel Allende se publicó en 1982 y, desde entonces, se convirtió en un clásico imposible de ignorar, aunque muy difícil de adaptar. Existió una versión anglosajona en 1993 que no logró capturar la esencia latinoamericana. Hoy, décadas después, finalmente vemos una adaptación hecha desde este lado del mundo, con una mirada más cercana y honesta que entiende el peso histórico, político y emocional que atraviesa a los personajes. Esta es una historia que sigue hablando de nosotros, de lo que heredamos, callamos y repetimos sin darnos cuenta. En Time Out México conversamos con Alfonso Herrera, Dolores Fonzi, Fernanda Castillo y Nicole Wallace sobre esta megaproducción, con

Genki Kawamura es el productor detrás de fenómenos como Your Name, Weathering With You y Suzume, historias que mezclan emoción, destino y la sensibilidad particular del cine japonés. Ahora, en su faceta como director, tiene una obsesión clara: adentrarse en la mente humana y explorar qué sucede cuando la percepción comienza a fallar. Su segundo filme detrás de las cámaras, Exit 8, parece sencillo, pero no lo es. Todo ocurre en un pasillo de metro infinito. Las reglas son claras: si todo luce normal, avanzas; si notas una anomalía, te das la vuelta. Si te equivocas, regresas al inicio. Solo acertando ocho veces puedes salir. Así de simple y así de perturbador. Pronto, deja de ser un juego para convertirse en una experiencia incómoda: una historia sobre las decisiones, lo que elegimos ignorar y esas señales que vemos, pero decidimos no enfrentar. La película adapta un videojuego indie que se volvió viral precisamente por eso: hacerte dudar de lo que ven tus ojos. En Japón fue un fenómeno que conectó con una ansiedad muy urbana y actual. Ahora llega a México respaldada nada menos que por Guillermo del Toro, quien la ha recomendado públicamente. No te puedes perder: Entrevista a Lee Cronin y Jack Reynor sobre "La Posesión de la Momia" Time Out México platicó en exclusiva con Kawamura sobre este thriller minimalista que nos obliga a prestar atención, a cuestionarnos y a descubrir en qué momento, nosotros también, dejamos de ver lo que tenemos enfrente. A Hundred Flowers habla de l

Karime Pindter es una figura que no puedes ignorar. Nació en el caos del reality Acapulco Shore y, desde ahí, entre fiesta, polémica y frases virales, convirtió el ruido en identidad. No llegó con el molde de la "actriz tradicional"; llegó con actitud, con excesos, con una energía que o te engancha o te incomoda. Y justo ahí radica su poder. Su consolidación llegó al conectar con un público completamente distinto tras su paso por La Casa de los Famosos. Al entrar a la televisión abierta y adentrarse en la conducción, demostró una narrativa en construcción. Karime entendió algo clave: si no te abren la puerta, la produces tú. Así nace su documental La Verdadera Matryoshka, donde seguimos su día a día durante las últimas semanas de 2025 mientras se prepara para su debut como cantante. Karime platicó con Time Out México sobre esa figura suya que sobrevivió al rechazo, la que incomoda, pero que también es profundamente honesta y personal. La Verdadera Matryoshka ya está en cines desde el 22 de abril, proyectándose en más de 65 salas de Cinemex Alternativo. También puedes leer: "El dolor hace que la gente haga cosas terribles": Richard Gadd y su nueva apuesta en HBO ¿Recuerdas ese momento en el que sentiste que la industria te dijo: “te creemos, apostamos por ti”? Karime Pindter: Llevo 12 años en esta industria, la cual amo profundamente. Amo la respuesta del público y estoy muy agradecida con quienes me han dado oportunidades. Al final, hay gente con más años, más consolidada, co