Stivi de Tivi

Verónica Falcón trabajó durante años en México como coreógrafa y actriz, hasta que decidió irse a Estados Unidos a probar suerte. Desde entonces, ha construido una trayectoria muy particular interpretando a mujeres fuertes como Camila Vargas en Queen of the South, Camila Elizondo en Ozark o Lupe Gibbs en Perry Mason, personajes con autoridad e historia, que no necesitan levantar la voz para imponerse. En La posesión de la momia, Falcón nos lleva a un horror más íntimo. La película sigue a una familia marcada por la desaparición de la pequeña Katie, quien regresa años después, pero ya no es la misma. Lo que comienza como un reencuentro se transforma en una pesadilla que se instala dentro de la casa, donde el miedo viene de lo más cercano. Aquí hay una familia tratando de entender algo que simplemente no tiene explicación. No te puedes perder: "El amor es un concepto de Disney": Alexander Skarsgård sobre "Pasajero" Falcón interpreta a Carmen Santiago, la matriarca: una mujer que sostiene a los suyos y que intenta mantener la calma cuando todo empieza a romperse. Time Out México conversó con Verónica Falcón sobre esta película donde el horror invade lo cotidiano. ¿Cómo recibes la noticia de que La posesión de la momia debutó en el segundo lugar de la taquilla en México? De verdad, no tienes idea de lo que trabajamos para que esta película sea lo que es. Lee Cronin, el director, es uno de los realizadores más apasionados con los que he colaborado, y eso se siente. Me da muchísimo

El taiko es una tradición japonesa con siglos de historia. Nació en rituales, en festivales e incluso en contextos de guerra, donde el sonido marcaba el ritmo, la comunidad y la presencia. Además de música es cuerpo, coordinación y energía colectiva. Cada golpe implica técnica, resistencia y una conexión muy profunda entre quien toca, el instrumento y el espacio. El taiko es una experiencia física y emocional. Nahoko Kobayashi lleva años construyendo un puente entre Japón y México desde ese lenguaje. Nació en este país, pero se formó en Japón y ahora regresa para reinterpretar el taiko sin perder su esencia. Su trabajo es entender una tradición lo suficiente para compartirla con nuevos públicos. Ha llevado el taiko a escenarios culturales, pero también a espacios donde la gente llega sin contexto y, aun así, logra conectar. Esa energía llegará a la CCXP México 2026 de la mano de Crunchyroll. En un escenario donde el anime y la cultura pop dominan la conversación, habrá un elemento distinto: antes de las historias animadas, estará el pulso original. Time Out México conversó con Nahoko sobre la presentación que acompañará a la plataforma de anime en la edición que se realizará este fin de semana. También puedes leer: CCXP México 2026 en Centro Citibanamex Vas a abrir un escenario donde mucha gente viene por el anime y la cultura pop. ¿Qué le pasa al taiko cuando el público no conoce su raíz, pero está dispuesto a sentirlo?  Afortunadamente, el público es muy abierto. El mexican

Santita, la nueva serie de Netflix, es una serie que se atreve a preguntar qué pasa después, cuando ya no hay vuelta atrás. María José Cano, “Santita”, es una doctora brillante que vive al margen de la ley ayudando a mujeres en situaciones límite y que, tras sufrir un accidente, pierde la movilidad en las piernas. Es una historia sobre las consecuencias, el cuerpo, la culpa y las decisiones irrevocables. La actriz colombiana Paulina Dávila es quien carga con todo el peso emocional en pantalla. Este personaje marca un antes y un después en su trayectoria. Junto a ella están Gael García Bernal, Ilse Salas y Erik Hayser, quien interpreta a la única persona que ve esperanza en la vida de la protagonista. Detrás de este proyecto se encuentra Rodrigo García (Las locuras), un director que observa a los personajes desde la intimidad y los deja ser. Time Out México conversó con Paulina Dávila y Erik Hayser sobre las decisiones y contradicciones que nos definen. El nombre "Santita" carga con una expectativa: ser la correcta, la que no se equivoca. ¿Alguna vez en su carrera sintieron la presión de ser esa “versión correcta” para encajar? ¿En qué momento decidieron soltarla? Paulina Dávila: Sí, totalmente. Creo que a lo largo de mi vida me he sentido condicionada —no solo en mi carrera, sino como persona y como mujer— por esa idea de lo correcto y lo incorrecto. Ha sido un trabajo muy consciente y de todos los días liberarme de esas ataduras, de esos cánones y sentencias sociales que, en

Durante casi un siglo, la momia ha sido una figura de la que el cine jamás ha podido prescindir. Desde la inmortal imagen de Boris Karloff envuelto en vendas en los años 30 y la espectacular aventura de Brendan Fraser en los 90, hasta los intentos más recientes por modernizar el mito. Se estrena La Posesión de la Momia, pero esta nueva versión no incluye exploradores ni grandes desiertos. Su propuesta es terrorífica: ¿qué pasa cuando el horror no está afuera, sino que vive contigo? La historia sigue a una familia cuya hija desaparecida es hallada años después. Sin embargo, ya no es la misma. En lugar de huir de ella, deberán convivir con algo que no comprenden, pero que aman profundamente. Detrás del filme se encuentra Lee Cronin, un director que ha construido su carrera llevando el horror a la cotidianidad con cintas como The Hole in the Ground y Evil Dead Rise. Esta nueva momia lleva dicha obsesión un paso más allá: le interesa reinventar al monstruo desde la emoción. Desde lo que duele. Jack Reynor interpreta a un padre que, a todas luces, no está listo para la situación que enfrenta. Reynor lleva años construyendo personajes complejos: hombres que parecen funcionales en el exterior, pero que por dentro están completamente rebasados. Time Out México conversó con el realizador Lee Cronin y el actor Jack Reynor sobre cómo esta nueva entrega rompe con el mito clásico para convertirlo en una historia sobre la familia y la pérdida. Esta película no parece hablar solo del miedo,

Malcolm in the Middle se volvió una tradición familiar mexicana. La historia de un niño genio atrapado en una familia caótica, con una madre implacable, un papá entrañable y hermanos imposibles, rompió las reglas de la comedia al prescindir de las risas grabadas. El protagonista hablaba directo a la cámara y encontraba humor en lo incómodo, en lo cotidiano, en lo real. La serie ganó siete premios Emmy y un Peabody, convirtiéndose en un éxito global. Pero lo más importante es que en Latinoamérica, y especialmente en México, nunca dejó de vivirse. Ahora, la historia acaba de estrenar su regreso dos décadas después: Malcolm es un padre soltero con responsabilidades, Reese sigue navegando la vida a su manera y Francis carga con esa eterna tensión entre libertad y estabilidad. El reencuentro gira en torno a un momento familiar (el aniversario de Hal y Lois), pero en el fondo habla de algo mucho más incómodo: lo que pasa cuando creces y te das cuenta de que no te convertiste en quien pensabas.  Time Out México se sentó con Frankie Muniz, Justin Berfield y Christopher Masterson, los tres hermanos que marcaron a toda una generación. Platicamos sobre el impacto que la serie sigue teniendo hoy y lo que significa volver a habitar personajes que, de alguna forma, nunca se fueron. DisneyRegreso Malcolm in the Middle En México, Malcolm in the Middle se ha convertido en un refugio; un lugar al que la gente vuelve cuando quiere sentirse bien, cuando necesita desconectarse o buscar algo de

Pasajero (Pillion) arranca con una premisa contundente: Colin, un joven tímido que siente que la vida le pasa de largo, conoce a Ray, un hombre seguro, directo y completamente dueño de sus deseos. Lo que sigue es una relación que, en apariencia, gira en torno al BDSM (una dinámica donde una persona cede el control y la otra lo asume), pero que en el fondo aborda un anhelo mucho más universal: la necesidad de pertenecer, de sentirse visto y de explorar hasta dónde se está dispuesto a llegar por conseguirlo. No es necesario conocer ese mundo para sumergirse en la historia, porque lo que verdaderamente está en juego no es el sexo, sino la identidad. Detrás de cámaras se encuentra Harry Lighton, quien debuta en el largometraje tras una exitosa trayectoria en cortometrajes y televisión. En la novela Box Hill, Lighton encontró una historia capaz de llevarlo a un terreno profundamente personal. El resultado es una película que se siente específica, pero nunca ajena. El protagonista es Alexander Skarsgård (Big Little Lies), quien ha forjado una carrera explorando personajes intensos y a menudo incómodos. Aquí interpreta a Ray, alguien que no da explicaciones, no se abre y no busca complacer a nadie. Es un auténtico enigma. Precisamente en ese contraste con Colin (Harry Melling) radica la verdadera fuerza de la cinta. Time Out México conversó con Lighton y Skarsgård sobre este filme independiente que ha conquistado al público y ha sido galardonado con diversos premios internacionales.

En 2021, la serie Hacks nos presentó a Deborah Vance, una comediante que ya lo había logrado todo, pero que no soportaba la idea de dejar de importar; a Ava Daniels, una joven escritora que creía tener siempre la razón... hasta que la vida le demostró lo contrario. Dos mujeres tan distintas que podían empujarse, lastimarse y, al mismo tiempo, volverse indispensables la una para la otra. Cinco temporadas después son una dupla creativa y una dependencia emocional disfrazada de comedia brillante. Esta semana, Max estrena su temporada final. Ahora, Deborah debe enfrentar algo que le aterra: que otros empiecen a contar su historia por ella e, incluso, a definir su legado sin su permiso. Regresa el humor afilado, pero también una reflexión muy clara sobre el control, el ego y el miedo a desaparecer. Deborah y Ava enfrentarán este último reto juntas porque, en el fondo, ya no saben existir la una sin la otra. Gracias a este papel, Jean Smart ha ganado cuatro premios Emmy consecutivos, convirtiendo a Deborah Vance en un ícono moderno de la televisión. Por su parte, Hannah Einbinder empezó siendo una revelación y terminó consolidándose como una fuerza real dentro de la serie, creciendo a la par de Ava hasta encontrar una voz propia. Juntas poseen una química que, simplemente, no se puede fabricar. No te puedes perder: Patricia López Arnaiz y Miguel Garcés: “En Los domingos, lo que no se dice sostiene a la familia” Time Out México conversó con las actrices sobre el estreno de la última

La película Los domingos fue el fenómeno español del año pasado. Además de su excelente resultado en taquilla, arrasó en los premios Goya, incluyendo Mejor película, Mejor dirección y Mejor actriz, generando algo que no es tan común: una conversación real después de salir del cine. La cinta sigue a Ainara, una joven que toma una decisión que rompe por completo a su familia: entrar a un convento de clausura. Un drama religioso y una reflexión profunda sobre cómo reaccionamos cuando alguien que amamos elige un camino que no entendemos. Dirigida por Alauda Ruiz de Azúa, quien ya había demostrado en Cinco lobitos su capacidad para retratar a la familia sin romantizarla, la película vuelve a ese terreno donde el amor también duele y se equivoca. Los protagonistas son dos de las figuras más sólidas del cine español actual: Patricia López Arnaiz y Miguel Garcés, quienes construyen dos formas opuestas de enfrentar esa ruptura. Time Out México conversó con ambos sobre los silencios, la fe, los límites y las decisiones. CortesiaEntrevista a Patricia López Arnaiz y Miguel Garcés: Los domingos La historia habla todo el tiempo de control y libertad. Con eso en mente, ¿cómo dirige Alauda Ruiz de Azúa? ¿Desde el control o les da espacio para perderse dentro de la escena? Patricia López Arnaiz: Alauda es una directora que tiene muy claro lo que quiere contar. Llega con un guion muy trabajado, muy documentado, con mucho fundamento. Pero, al mismo tiempo, deja una parte abierta a la investig

The Boys se estrenó en 2019 y, desde el primer episodio, dejó claro que no venía a jugar bajo las reglas de siempre. Aquí los superhéroes complican el día y lo rompen. Lo que empezó como una sátira irreverente fue creciendo hasta convertirse en algo mucho más incómodo, una historia donde el poder, la fama y la moral chocan sin filtros, y donde cada temporada ha ido empujando los límites un poco más lejos. En ese viaje, Hughie, Starlight, Homelander y Soldier Boy dejaron de ser simples piezas del género para convertirse en algo más complejo, más humano y también más oscuro. Jack Quaid, Erin Moriarty, Antony Starr y Jensen Ackles interpretaron a estos personajes durante cinco temporadas, llevándolos a lugares que ni ellos mismos esperaban cuando empezaron. La exitosa serie de Prime Video se acerca a su final, por lo que Time Out México platicó con estos cuatro actores sobre el pasado, el presente y todo aquello que hace de The Boys una de las producciones más provocadoras de los últimos años. En la serie, la moral se siente como un lujo que ya nadie puede permitirse. Ustedes empezaron siendo el centro moral, pero todo se ha ido rompiendo. ¿En qué momento sus personajes dejan de ser “buenas personas” o simplemente se adaptan para sobrevivir? Jack Quaid: Creo que, en cierto sentido, sí abrazan la oscuridad, porque en un mundo como este tienes que hacerlo para sobrevivir. Pero no diría que dejan de ser buenas personas. Erin Moriarty: Se adaptan. Jack Quaid: Exacto. Y la única form

Durante décadas, la autora canadiense Margaret Atwood ha construido universos que parecen ficción, pero que están hechos con fragmentos de nuestra propia historia. Su legado es tan incómodo como necesario. Cuando escribió The Handmaid’s Tale, estaba inventando un futuro imposible y advirtiendo sobre un presente que ya existía. La adaptación televisiva de esta obra, además de llevarse los galardones más importantes —como el Emmy a Mejor Serie Dramática—, generó una conversación que trascendió fronteras. A lo largo de sus seis temporadas, la serie nos sumergió en Gilead a través de los ojos de quienes lo habían perdido todo, haciéndonos sentir la opresión, la rabia y la resistencia. Esta semana se estrena en Disney+ su esperada secuela, Los Testamentos, una producción que cambia por completo la premisa original: ¿Qué pasa cuando no sabes que te falta algo? La historia nos sitúa 15 años después de los eventos de la primera serie y se centra en una nueva generación de mujeres que crecieron dentro del sistema; para ellas, ese mundo no es una cárcel, es la normalidad. Se trata de un viaje de despertar, de búsqueda de identidad y de cuestionar aquello que siempre les enseñaron que era lo correcto. Disney+Ann Dowd, Chase Infiniti y Rowan Blanchard hablan sobre Los Testamentos El puente entre el pasado y el futuro lo tiende Ann Dowd, actriz que ganó el Emmy por su magistral interpretación de la tía Lydia. Ella no solo conecta ambas historias, sino que abre la puerta para entender es

Gore Verbinski es un director que crea mundos en sus peliculas. Desde el terror elegante de The Ring hasta la acción perfectamente orquestada de la trilogía de Piratas del Caribe, siempre ha tenido una obsesión: los sistemas que colapsan. Pasó casi una década sin dirigir, pero ya está de nuevo en el cine con Buena suerte, divierte, no mueras, una película que se siente como un regreso y una reacción. La historia arranca con una idea simple: un tipo del futuro ha intentado salvar al mundo más de cien veces... y ha fallado en cada ocasión. Así que lo intenta una vez más, reuniendo a un grupo de personas que no son héroes, ni los más preparados, ni siquiera los más estables. Son gente común, rota, distraída; básicamente, nosotros. Entre ellos está Mark, interpretado por Michael Peña, un actor que lleva años haciendo algo muy raro: desaparecer dentro de cada película. Lo has visto en dramas, comedias, blockbusters y cine independiente, y siempre se siente real. Nunca forzado. Time Out México conversó con Gore Verbinski y Michael Peña sobre los fracasos que te forman y por qué sentimos que las películas ya no se ven como antes. Te alejaste del cine durante algunos años. ¿Qué cambió en la industria, en el mundo o en ti, que te hizo regresar para contar esta historia? Gore Verbinski: Si miras alrededor, el mundo prácticamente ya está respondiendo esa pregunta. Hay una sensación muy clara de desilusión, como si estuviéramos perdiendo algo. La gente lo percibe; ya sea por las redes so

La producción Lobo, Morir Matando de Telemundo Studios arranca planteando un mundo donde la violencia es un evento aislado y el contexto. Ahí conocemos a Antonia Lazo, una agente que no solo persigue criminales, intenta sostener algo mucho más frágil: la idea de justicia. Entre persecuciones, decisiones al límite y una niña que lo cambia todo, la serie avanza como un thriller, pero en el fondo es una historia sobre en quién decides convertirte cuando todo a tu alrededor está roto. Y justo ahí entra Fátima Molina. Su versión de Antonia no es una heroína de pose; es una mujer que carga con el peso de hacer lo correcto en un sistema que no siempre responde. Hay fuerza en ella, pero también contención, dudas y una profunda sensibilidad. Es el tipo de personaje que no trata de caer bien, busca ser verdadero y eso, en una producción de acción, se siente distinto. Time Out México conversó con Fátima para entender que esa verdad en pantalla no es casualidad. Su carrera ha sido todo menos lineal: ha pasado desde proyectos íntimos en el cine independiente como Sueño en otro idioma, hasta producciones masivas como Te acuerdas de mí. Cuando leíste el guion de Lobo, Morir Matando por primera vez, ¿qué sentiste? ¿Hubo algo que te incomodara? Para ser muy honesta, lo que más me gustó es que en esta historia los buenos son los policías, los héroes, y que ya no estamos regresando al formato donde los villanos son los protagonistas. Me atrapó muchísimo porque estamos viviendo momentos críticos