Stivi de Tivi

Scary Movie tomó el terror que dominaba el cine a finales de los 90 y lo rompió sin pedir permiso. Con los hermanos Shawn y Marlon Wayans al frente, y una inesperada protagonista como Anna Faris, la película se burló de Scream y redefinió la comedia de parodia: más rápida e incómoda. Fue un éxito inmediato, pero lo más interesante es que nunca se fue. Encontró nuevas generaciones, nuevos públicos y hasta nuevos idiomas; en México, por ejemplo, vive con fuerza en español a través de memes y frases que siguen circulando más de dos décadas después. En junio regresa Scary Movie con algo que parecía imposible: los Wayans recuperando el control creativo y el elenco original reuniéndose otra vez (Regina Hall y Cheri Oteri también están), es un regreso al origen. Time Out México conversó con Anna Faris, Shawn Wayans y Marlon Wayans sobre el impacto de la saga y lo que significa volver hoy a un universo que, sin buscarlo, terminó siendo parte de la cultura pop. También puedes leer: Slashers famosos (que nos encantan) y legendarios del cine Cuando piensan en la primera Scary Movie, antes del dinero, de la franquicia y de que fuera lo que es hoy, ¿qué recuerdan realmente? Anna Faris: Honestamente, estaba aterrada. No sabía lo que estaba haciendo, no tenía agente y no tenía experiencia en comedia. Sentía que en cualquier momento alguien iba a decir: “Ok, ya descubrimos que no eres graciosa”. Llegué a Los Ángeles como una extraña, como una estudiante de intercambio en un lugar donde todos

Emilio Treviño lleva prácticamente toda su vida dentro de una cabina de doblaje. Con apenas 27 años, suma más de dos décadas de carrera prestándole su voz a personajes que marcaron a toda una generación: desde Miles Morales en Spider-Man, Denji en Chainsaw Man y Paul Atreides en Dune, hasta producciones provenientes de Japón, Australia, Estados Unidos y, ahora, China. Para Emilio, la animación se ha convertido en un lenguaje universal donde el país de origen pasa a segundo plano, pues al final, el público conecta con las emociones. Ahora, el actor llega con La ladrona del tiempo, una cinta animada china que entrelaza romance, fantasía, acción y viajes temporales. La historia sigue a una joven que descubre un artefacto capaz de alterar el tiempo, cuyo camino se cruza con Diecisiete, un asesino criado estrictamente para obedecer órdenes. Aunque por fuera Diecisiete parece frío, serio y casi imposible de leer, en realidad es alguien roto emocionalmente; un joven que nunca aprendió a expresar cariño ni a sentir sentido de pertenencia. Es ahí donde Emilio encaja a la perfección: si algo ha demostrado en su trayectoria es su habilidad para interpretar personajes con una profunda emoción contenida. Lo hemos escuchado dar vida a héroes, villanos, adolescentes perdidos y seres llenos de dolor, siempre con una naturalidad que trasciende el doblaje tradicional. A propósito del estreno de La ladrona del tiempo esta semana en cines, Emilio conversó con Time Out México. No te puedes perder

Spider-Noir toma todo lo que conocemos de Spider-Man y lo traslada a un escenario completamente distinto. Basada en los cómics de Marvel Noir, la historia nos ubica en la Nueva York de los años 30, en plena Gran Depresión, un mundo asfixiado por la corrupción, el crimen y la desesperanza. Seguimos a Ben Reilly, un detective privado cansado, marcado por su pasado y que solo intenta sobrevivir. La serie ya se estrenó en Amazon Prime Video con Nicolas Cage como protagonista, bajo la pluma de Oren Uziel (escritor de 22 Jump Street), quien esta vez apuesta por una narrativa mucho más oscura, silenciosa y atmosférica. En medio de este caos aparecen Lamorne Morris y Karen Rodriguez. Lamorne viene de triunfar en comedias como New Girl, aunque recientemente demostró en Fargo, trabajo que le valió un Emmy, que también domina los mundos densos. Para Karen, en cambio, este es el primer gran papel de su carrera; interpreta a Janet, la secretaria de Ben. Ambos actores logran el equilibrio perfecto frente a la intensidad de Cage y el tono sombrío de la serie. Spider-Noir es una historia detectivesca clásica, llena de humo, sombras y personajes que buscan una chispa de esperanza. Time Out México conversó con Lamorne y Karen sobre el reto de entrar a este universo y convivir con una de las versiones más peculiares de Spider-Man. No te puedes perder: "El cine es un truco de magia": El reto de Jon Favreau para hacer gigante a The Mandalorian Nicolas Cage es conocido por su intensidad y por ser

Dos niños se quedan solos en casa mientras su mamá sale a resolver un problema que podría cambiarles la vida. Parece una situación cotidiana, incluso familiar para muchos mexicanos que crecieron escuchando el clásico “no abran la puerta y no se maten”; sin embargo, en No dejes a los niños solos, esa idea se convierte en algo mucho más oscuro. Lo que empieza como una noche normal, poco a poco se transforma en paranoia, miedo y una sensación constante de que algo terrible está por pasar. Lo más inquietante es que la película nunca te dice exactamente de dónde viene el peligro: si de la casa, de la mente o de las personas a su alrededor. La nueva cinta de Emilio Portes, responsable de producciones como Pastorela y Belzebuth, es protagonizada por Ana Serradilla (Cansada de besar sapos) y Jesús Zavala (Club de Cuervos). Time Out México platicó con los tres sobre el terror sobrenatural de la casa donde se quedan los niños y del otro terror de la película: una fiesta llena de adultos manipuladores, silencios incómodos y personajes que dan más miedo que cualquier fantasma. El humor negro fue, de cierta manera, la puerta para que nos conociéramos. Desde Pastorela o Conozca la cabeza de Juan Pérez, Emilio, ese tono siempre estaba muy presente. Aquí sigue existiendo, pero ya no domina la película. ¿Sentías que era momento de contar algo distinto? Emilio Portes: Sí. Belzebuth todavía era una película muy brutal, muy violenta. Pero No dejes a los niños solos es un terror mucho más psicoló

En Deseo, una familia aparentemente estable comienza a fracturarse cuando Lucero conoce a Matías, un joven entrenador de natación que despierta en ella algo que llevaba mucho tiempo dormido. Sin embargo, lo interesante de la película no radica solamente en la tentación o en el thriller, sino en cómo aborda el vacío. Ludwika Paleta interpreta a la protagonista. Tras años de verla transitar desde personajes luminosos o entrañables hasta proyectos más maduros en cine y streaming, y después de ganar el premio Ariel a Mejor Actriz de Reparto por Todo el silencio, la actriz se adentra en papeles más complejos, humanos e incómodos; mujeres que no buscan caer bien, sino sentirse reales. Por su parte, la joven actriz Pili Pascual representa el otro extremo emocional de la historia: una adolescente que aún está descubriendo quién es. Time Out México conversó con Ludwika y Pili sobre la culpa, el crecimiento, el sentirse observadas y la construcción de una relación madre-hija vulnerable. Cuando una mujer desea, el mundo inmediatamente le exige explicarse. Y justo Deseo confronta esa mirada social. ¿Qué querían decir con esta idea de que la mujer siempre tiene que justificarse? Ludwika Paleta: Totalmente. Creo que la película plantea una mirada muy interesante sobre algo que sigue siendo tema cuando se trata de mujeres. Si el personaje principal fuera un hombre que, después de muchos años de matrimonio, entra en este dilema, aparece una tentación y toma malas decisiones, probablemente na

El actor canadiense Adam DiMarco lleva años construyéndose un camino en la industria. Después de pasar por series como The Magicians o The Order, llegó The White Lotus y con ella el personaje de Albie, un chico aparentemente amable y sensible que terminó convirtiéndose en una de las figuras más comentadas de la serie. Tras ese gran salto, Adam empezó a buscar proyectos más incómodos, oscuros y psicológicos. Así es como aparece Undertone, una película que no intenta asustar con monstruos o sobresaltos fáciles, sino con algo mucho más raro: el sonido, el silencio y la sensación de que algo no está bien, aunque no puedas verlo. Dirigida por Ian Tuason y protagonizada por Nina Kiri, la cinta sigue a una podcaster que empieza a recibir grabaciones perturbadoras mientras cuida a su madre enferma. Adam interpreta a Justin, la voz del podcast, un personaje que prácticamente existe solo a través del audio y que se vuelve una presencia constante dentro de la cabeza del espectador. Adam DiMarco conversó con Time Out México sobre las distintas maneras de actuar, incluso cuando la cámara, muchas veces, ni siquiera lo está apuntando. CortesíaEntrevista con Ian Tuason y Nina Kiri Undertone sugiere muchísimo desde lo que permanece oculto. Como actor, ¿cómo navegas por una historia donde lo psicológico pesa más que las palabras? Fue un reto muy divertido. Antes de grabar, Ian, Nina y yo tuvimos muchas conversaciones sobre todo lo que no estaba dicho, la historia previa entre los personajes,

Durante cuatro temporadas, Tom Clancy's Jack Ryan convirtió el espionaje político en una experiencia profundamente humana, retratando a hombres exhaustos, operaciones clandestinas y personajes que comprendieron, tal vez demasiado tarde, que cumplir una misión a menudo cuesta una vida normal. Aunque el rostro principal siempre fue Jack Ryan (John Krasinski), junto a él había dos figuras que terminaron robándose el corazón de los fans: James Greer y Mike November. Greer, interpretado por Wendell Pierce, representa la conciencia cansada de la CIA; un veterano que ha visto cómo el sistema quiebra a las personas. Por su parte, Mike November (Michael Kelly) es el operador más pragmático y peligroso del universo de Jack Ryan, un hombre que conoce a la perfección los engranajes más sucios del espionaje. Si nunca has visto la serie, esto es lo único que necesitas saber antes de sumergirte en Ghost War: estos personajes no son superhéroes, son sobrevivientes. Wendell Pierce lleva décadas construyendo personajes de enorme peso emocional en series como The Wire, mientras que Michael Kelly se consolidó como uno de los rostros definitivos del thriller político moderno gracias a House of Cards. Conversamos con ambos actores sobre esta película, que pone el broche de oro a la franquicia y se estrena esta semana en Amazon Prime Video. No te puedes perder: "Es una historia de reinvención": Tatiana Maslany sobre Maximum Pleasure Guaranteed Hay muchísimos thrillers de espionaje en la actualidad.

La canadiense Tatiana Maslany lleva más de una década demostrando que es una de las actrices más versátiles y arriesgadas de su generación. El mundo la descubrió con Orphan Black, donde interpretó múltiples clones con personalidades completamente distintas; un trabajo tan impresionante que terminó dándole un premio Emmy. Desde entonces, ha construido una carrera llena de personajes emocionalmente complejos en producciones como She-Hulk: Attorney at Law y Perry Mason. Sin embargo, en Maximum Pleasure Guaranteed, Maslany encuentra algo distinto: una mujer que no cambia de identidad, sino que lentamente parece romperse desde dentro. La nueva serie de Apple TV+ sigue a Paula, una madre recién divorciada que cae en una peligrosa red de mentiras y estafas mientras intenta recuperar el control de su vida. Lo interesante es que la trama nunca la trata como una heroína perfecta; al contrario, la acompaña mientras toma decisiones incómodas, desesperadas y profundamente humanas. Time Out México conversó con Tatiana Maslany sobre este nuevo paso en su carrera, en el que da vida a una mujer con la sensación constante de que todo podría derrumbarse en cualquier momento. También puedes leer: "El cine es un truco de magia": El reto de Jon Favreau para hacer gigante a The Mandalorian En Orphan Black interpretaste múltiples identidades que sabían que eran distintas. Aquí, Paula es una sola persona, pero parece estar fracturada. ¿La abordaste como una sola identidad o como alguien ya dividido s

La saga de Star Wars estuvo definida por profecías, apellidos legendarios y batallas que decidían el destino de la galaxia. Entonces llegó la serie The Mandalorian con una idea mucho más simple: un hombre solo y un niño silencioso. Lo que parecía un experimento terminó convirtiéndose en el corazón moderno de Star Wars y en una de las razones por las que Disney+ logró consolidarse tan rápido. Din Djarin y Grogu conectaron con el público que redefinieron cómo podía sentirse esta franquicia. Ahora, esa historia da el salto al cine con The Mandalorian & Grogu, una película que busca expandir la escala del universo y recuperar algo que el propio Jon Favreau considera esencial: la experiencia colectiva de ver cine. Después de años viviendo principalmente en streaming, Star Wars vuelve a la pantalla grande apostando por una historia íntima que ahora quiere sentirse enorme sin perder lo que la hizo especial. Una película diseñada tanto para fans de toda la vida como para quienes apenas entran a esta galaxia. Favreau es una de las figuras más importantes del entretenimiento moderno. Desde Iron Man hasta la revolución de la producción virtual con The Mandalorian, su carrera ha estado marcada por tomar mundos gigantes. Time Out México habló con el realizador sobre llevar esta historia al cine, la responsabilidad de devolverle a Star Wars ese sentido de evento cinematográfico y por qué, incluso en una galaxia muy, muy lejana, las historias más poderosas siguen siendo las más humanas. Di

La serie animada Un show más (Regular Show) logró lo que parecía imposible: transformar la flojera y los trabajos monótonos en aventuras absurdas que desembocaban en viajes en el tiempo, guerras espaciales o, incluso, la destrucción del universo. Creada por J.G. Quintel junto a Sean Szeles, quien se encargó de la dirección y el storyboard, la serie se estrenó en 2010 y se extendió por ocho temporadas. Con más de 240 episodios y varios premios Emmy en su haber, concluyó en 2017 con uno de los finales más emotivos de la animación moderna. Casi una década después, sus creadores regresan con Un show más: Las cintas perdidas, una suerte de continuación construida a partir de "historias no contadas" que ocurrieron dentro del universo original. El atractivo de este regreso radica en el reencuentro con Mordecai, Rigby y compañía, así como en la posibilidad de disfrutar sus aventuras desde una perspectiva adulta y cargada de nostalgia. Conversamos con Quintel y Szeles sobre lo que significa retomar una historia que ya contaba con un cierre perfecto. Porque, más allá de los monstruos, los VHS extrañísimos y el humor surrealista, el corazón de este mundo siempre fue la importancia de disfrutar el presente.   CortesíaEntrevista J.G. Quintel y Sean Szeles Ustedes construyeron una serie sobre una etapa de la vida que no puede durar para siempre. Ahora que regresan a este mundo, ¿sienten que están celebrando ese momento o negándose a dejarlo ir? J.G. Quintel: Es curioso porque terminamos

Dick Wolf ha construido uno de los universos más grandes y reconocibles de la televisión: series donde policías, agentes y fiscales enfrentan el caos intentando mantener el orden. Sin embargo, algo interesante de esos mundos es que los personajes más poderosos no son quienes corren detrás del criminal o entran armados a una operación, son quienes entienden cómo funciona realmente el sistema. Ahí entra Nikki Reynard en CIA, una serie que lleva ese universo hacia un terreno más político y moralmente gris. En este proyecto no solo se trata de resolver un caso, sino de preguntarse qué estás dispuesto a sacrificar para proteger a un país, mientras dos agentes completamente opuestos, interpretados por Tom Ellis y Nick Gehlfuss, intentan navegar entre amenazas que crecen episodio tras episodio. Necar Zadegan es una actriz que ha construido su carrera interpretando a mujeres que proyectan autoridad, inteligencia y conflicto interno. Desde 24 hasta NCIS: New Orleans, pasando por el teatro en Broadway, Necar da vida a personajes que dominan la escena. Tambien puedes leer: "Controlar la vida es imposible": Annette Bening sobre el poder y el caos en Dutton Ranch Time Out México conversó con la actriz sobre CIA, serie que se estrena esta semana en Universal+ y que forma parte del universo de Dick Wolf. Nikki tiene una autoridad que se siente sin tener que decir nada. ¿De dónde viene ese tipo de poder para ti como actriz? ¿De la precisión, de la contención o de algo más personal? Necar

Annette Bening es una actriz que ha construido una carrera a partir de personajes complejos, inteligentes y profundamente humanos. No en vano ha sido nominada al Oscar en cinco ocasiones por The Grifters, American Beauty, Being Julia, The Kids Are All Right y Nyad. Bening transita con naturalidad entre el cine de prestigio, el teatro y las grandes producciones sin perder su identidad. Ahora, tras décadas de dominar dramas políticos e historias íntimas, se adentra en uno de los universos más grandes y absorbentes de la televisión moderna: Yellowstone. Dutton Ranch, creada por Taylor Sheridan, es la serie que continúa la historia de Beth Dutton (Kelly Reilly) y Rip Wheeler (Cole Hauser) tras el fenómeno cultural que supuso Yellowstone. En esta ocasión, la trama se traslada a Texas, donde Beth y Rip intentan construir una nueva vida, aunque el conflicto no tarda en alcanzarlos. Es aquí donde entra Annette Bening en el papel de Beulah Jackson: una poderosa ranchera, elegante, controladora y peligrosa, que no les pondrá las cosas fáciles a los Dutton. Time Out México tuvo el privilegio de platicar con Bening sobre esta nueva serie de Paramount+, la cual llega con expectativas altísimas y la misión de expandir el universo de Yellowstone hacia nuevos horizontes. No te puedes perder: "Obsesión": El fenómeno de terror que incomodará a las salas de cine Has trabajado en dramas de muchísimo prestigio, historias políticas y con personajes muy complejos. ¿Qué fue lo que realmente te atraj