Stivi de Tivi

Echo Valley es el nuevo thriller psicológico de Apple TV+ escrito por Brad Ingelsby (Mare of Easttown) y dirigido por Michael Pearce (Beast). La historia se sitúa en un rancho aislado de Pensilvania, donde Kate, una entrenadora de caballos interpretada por Julianne Moore, enfrenta una situación límite cuando el pasado turbulento de su hija Claire (Sydney Sweeney) irrumpe con violencia. La cinta también cuenta con la participación del actor irlandés Domhnall Gleeson (Ex Machina, Star Wars). Por esto es que hablamos con Sweeney, Gleeson y Pearce sobre este intenso proyecto, que estrena el 13 de junio en la plataforma de Apple. No te pierdas: MUBI Fest CDMX 2025.  Nunca los habíamos visto interpretando a este tipo de personajes. ¿Cómo fue la construcción hasta llegar al punto que vemos en la película? Sydney Sweeney: Cuando empecé a construir a Claire como personaje —sobre todo un personaje que batalla con una adicción— estaba platicando con el director Michael Pearce, y él me mostró esta serie de YouTube sobre un tipo que entrevista a gente que vive en las calles y sufre adicciones. Recuerdo ver miles de videos una y otra vez, para estudiar los distintos manierismos, escuché sus historias y le construí al personaje una caja que es como un recorrido de su vida, un registro o diario de su vida entera. Ponía puntos distintos de momentos esenciales que luego me pensaba si debía incluirlos en su vida porque me ayudaban o no a construir quién es ella. Domhnall Gleeson: Mi personaje e

Cressida Cowell es una de las autoras más influyentes de la literatura infantil contemporánea. Su saga Cómo entrenar a tu dragón, publicada en 2003 y compuesta por 12 libros, fue un fenómeno editorial traducido a más de 40 idiomas. En 2010, la historia dio el salto al cine con la exitosa trilogía animada de DreamWorks, que se convirtió en una de las favoritas del público y la crítica. Esta semana, la historia vuelve a los cines en una versión live action que promete conquistar a nuevas generaciones. Por ello, Time Out México conversó con Cowell, quien fue reconocida como Children’s Laureate en el Reino Unido, sobre los mensajes clave de su obra, la importancia de la diversidad en los héroes y por qué la literatura infantil sigue siendo un poderoso vehículo de transformación. Puedes ver toda la trilogía animada ya mismo en Universal+.  Los personajes quieren matar a los dragones porque les tienen miedo. ¿Cómo nace la idea de explorar el miedo de esa forma? Era muy importante que uno de los mensajes en Cómo entrenar a tu dragón fuera aprender a ver las cosas desde el punto de vista de otras personas, desde otra mirada humana… y también desde los animales. La clave, creo yo, está en el momento en que Hiccup ve a Chimuelo a los ojos y reconoce que es una criatura viva. Ese mensaje atraviesa todos los libros: cómo tener empatía, cómo mirar desde otra perspectiva. Hiccup representa un nuevo tipo de héroe. Tienes razón al hablar del miedo. Su padre y los otros vikingos creen que, a

Jenna Ortega, la nueva reina del cine excéntrico, y Paul Rudd, el eterno encantador de Hollywood, protagonizan La muerte de un unicornio, una comedia fantástica y sangrienta que marca el debut como director de Alex Scharfman. La historia arranca con un accidente surrealista: padre e hija atropellan a un unicornio. A partir de ahí, lo adorable se mezcla con lo siniestro y lo mágico con lo corporativo. Time Out México platicó con Ortega y Rudd sobre esta fábula retorcida que también produjeron. Te puede interesar: ¿Qué películas de estreno en cines debes ver? Además de protagonizar el filme, son productores. ¿Qué los hizo entrar al proyecto? Paul Rudd: Creo que Jenna y yo, en cuanto vimos el título, dijimos: “Venga, nos parece el mejor título”. Si la película trata sobre lo que el título dice, esto será fantástico. Jenna Ortega: Yo hubiera hecho cualquier cosa para estar en este filme. Hubiera interpretado a un arbusto al fondo con tal de ser parte, porque sorpresivamente tiene una historia con mucho corazón. Me sentí muy afortunada de formar parte de este increíble grupo de personas talentosas. Siempre quise trabajar con ellos, pero pensé que no pasaría. Paul Rudd: Todos nos sentimos igual respecto a los demás. Yo sentía lo mismo por Jenna y el resto del elenco. Éramos un grupo muy unido. La película es la ópera prima del reconocido productor Alex Scharfman. ¿Cómo fue trabajar con él como director? Jenna Ortega: Qué honor y privilegio trabajar con Alex. Este hombre ha hecho tr

Carismático, entrañable y con una energía arrolladora, Ncuti Gatwa ha conquistado a los fans de Doctor Who como el primer actor afrodescendiente en interpretar al icónico alienígena. Conocido previamente como Eric en Sex Education, ahora lidera una nueva etapa de la serie británica que se reinventa con una visión más queer, global y pop. A días del estreno de su segunda temporada en Disney+, Time Out México conversó con él sobre su debut, el impacto social de la serie y su vínculo con anteriores Doctores. No te pierdas: ¿Qué películas que entrenan en cines debes ver? Ncuti, si pudieras usar la TARDIS para viajar al pasado, cinco años atrás cuando Sex Education aún no se estrenaba, ¿qué te dirías a ti mismo sobre convertirte en Doctor Who y cómo crees que reaccionarías? ¿Dices que si yo fuera con mi versión joven y le dijera que me convertiría en Doctor Who? ¿Cómo reaccionaría? Creo que… se moriría de risa, no lo creería. En ese entonces, era una posibilidad ridícula, pero muy ridícula. Ni siquiera estaba entre las opciones más lejanas. Cuando audicioné para esto, estaba seguro de que no sucedería. Tiré el guion en cuanto llegué a casa. No había manera de que me eligieran. Así que te aseguro que mi versión joven no lo habría creído. Nada. Esta temporada arranca tocando temas actuales sobre jóvenes, tecnología y los riesgos que existen. ¿Por qué crees que el show quiere abordar estas preocupaciones sociales? Creo que Doctor Who siempre ha tocado temas sociales a su manera. Esta

Después de su aclamada interpretación de Marilyn Monroe en Blonde, que le valió una nominación al Oscar, Ana de Armas regresa a la pantalla grande con Ballerina, un spin-off del universo de John Wick. En esta cinta da vida a Eve Macarro, una bailarina entrenada por la organización criminal Ruska Roma para convertirse en una letal asesina. La historia transcurre entre los eventos de John Wick: Capítulo 3 y Capítulo 4, y sigue a Eve en su búsqueda de venganza contra quienes asesinaron a su familia. No te pierdas: Las 21 mejores películas con mucho Sexo.  Este proyecto representa un punto clave en la carrera de Ana, consolidándola como protagonista de una franquicia de acción de alto perfil. Ballerina no solo expande el universo de John Wick, también resalta la versatilidad y el compromiso físico de la actriz, quien realizó la mayoría de sus propias escenas, incluidas secuencias con lanzallamas. Foto: Courtesy of LionsgateAna de Armas as Eve in Ballerina. Photo Credit: Courtesy of Lionsgate Al inicio, Eve no es una máquina para matar: falla, se equivoca, se golpea y aprende. ¿Qué opinas de esta evolución? Esa fue una de las cosas que más me atrajeron del guion cuando lo leí. Me encanta esta nueva visión dentro del universo de John Wick, porque nunca vemos cómo llegaron ahí John u otros personajes. ¿Por qué son quienes son? ¿Cómo se convirtieron en los mejores asesinos del mundo? Ver a Eve descubrir este mundo y conocerlo desde su perspectiva me pareció genial. Necesitábamos un

Desde su estreno en 2009, Mentiras se convirtió en un fenómeno del teatro musical mexicano. Con funciones agotadas, miles de fans coreando cada letra y funciones temáticas inolvidables, esta obra inspirada en los grandes éxitos del pop en español de los 80 creó un universo de nostalgia, drama y humor que sigue creciendo. Ahora, Mentiras: La serie adapta libremente  el musical que promete conquistar a una nueva generación. La historia sigue a cuatro mujeres —Yuri, Lupita, Daniela y Dulce— que se encuentran en el funeral de un hombre llamado Emmanuel, cada una creyendo ser la única en su vida. Hablamos con Luis Gerardo Méndez, quien además de protagonizar funge como productor.  Te puede interesar: Mejores películas y series nuevas que llegan a stream y TV.  Eres productor de la serie, ¿cómo comienza esta adaptación de la famosa obra? Yo siempre he sido fan de los musicales, como espectador y como actor. Me preguntaba por qué en México no podíamos tener series o películas musicales. Un día desperté y pensé: “Si nadie las hace, tengo que hacerlo yo”. Ahí empezó mi etapa como productor. ¿La gran pregunta? ¿Cuál musical? No tuve que pensarlo mucho: Mentiras es el musical más exitoso en México, lleva 16 años y es muy nuestro. Entonces hablé con su creador, José Manuel López Velarde, para decirle que Mentiras tenía que ser serie. José se rió y me dijo: “No tienes idea de cuántos años llevo tratando de hacer la película.”  ¿En qué momento entra Gabriel Ripstein a la ecuación? Desarrol

De Vancouver para Hollywood. Evan Goldberg se ha hecho un nombre en la industria gracias a su colaboración con Seth Rogen. Juntos han creado comedias emblemáticas como Superbad, Pineapple Express, This Is the End, y exitosas series como The Boys y Preacher, donde siempre encuentran formas originales de mezclar humor salvaje con crítica social. Este año estrenaron The Studio, una producción que crearon, escribieron y dirigen, en la que se ríen del caos que ocurre detrás de cámaras en un gran estudio cinematográfico. Una comedia feroz sobre lo que pasa cuando los creativos y los ejecutivos corporativos intentan convivir. Esta semana se estrena el final de la primera temporada en Apple TV+, motivo por el cual hablamos con Evan Goldberg sobre lo que significa satirizar la industria desde dentro y burlarse del sistema que los hizo famosos. Aquí te dejamos un adelanto:   ¿Cómo fue dirigir a Martin Scorsese, Ron Howard y más? ¿Cómo fue dirigir a maestros detrás de la cámara? ¿Qué tal la experiencia? Fue una de las mejores experiencias de nuestra vida. Esos días fueron una locura. También estábamos muertos de miedo, porque estábamos dirigiendo a alguien que es, probablemente, mejor director que nosotros. Filmamos el show con una sola cámara y lente, pero ese día, con Scorsese, llevamos una segunda cámara por si acaso él sentía que era necesaria. Incluso pensamos que en algún momento nos diría: “¡Corten las cámaras, esto es estúpido!”. Teníamos respuestas prepa

El esquema fenicio, la nueva película de Wes Anderson, marca el primer encuentro cinematográfico entre el aclamado director y Michael Cera, uno de los actores más singulares de su generación, además de participar junto con otros grandes como Benicio del Toro y Willem Dafoe (sin mencionar los cameos de Tom Hanks y Bill Murray). Con una historia de espionaje, humor y drama elegante, la cinta reúne a talentos con estilos muy distintos: el cineasta conocido por su obsesiva estética simétrica y el actor que ha hecho de la incomodidad algo entrañable. A propósito del estreno en cines de México, y tras su paso por la selección oficial del Festival de Cannes, Time Out México conversó con ambos sobre la película, la construcción de personajes y el poder del vestuario. No te pierdas: ¿Menos visitantes en Cineteca Nacional? Ha disminuido un 32% , mira las gráficas.  En tus películas, el personaje principal suele ser seco, reservado y muy masculino. ¿De dónde viene esta idea? Wes Anderson: La idea de la masculinidad y su proyección es justamente eso: una elección. Aunque hay inspiraciones reales en empresarios de diferentes épocas, lo interesante fue tratar de descifrar mi propia visión de este hombre. Por ejemplo, el padre de mi esposa, a quien le dedicamos la película. Era una persona “alfa”; su sola presencia intimidaba. No era alguien a quien cuestionaras fácilmente, pero detrás de esa fachada había muchas inseguridades y miedos. Lo conocí bien y pude ver su vulnerabilidad. Nació y c

Dan Harmon es una de las mentes más irreverentes de la televisión contemporánea. Creador de Community y co-creador de Rick and Morty, ha convertido el caos narrativo en una forma de arte. Junto a él, Scott Marder —showrunner con experiencia en comedia (It’s Always Sunny in Philadelphia)— ha sido clave para mantener fresca y sólida la serie, que se ha convertido en un fenómeno cultural gracias a su humor ácido, aventuras interdimensionales y reflexiones existencialistas. Con el estreno de la octava temporada, Time Out México platicó con Harmon y Marder sobre los nuevos episodios —que se estrenan cada domingo por Max— y sobre cómo ha evolucionado la serie tras la salida de Justin Roiland y la llegada de nuevas voces al elenco. No te pierdas: Lilo & Stitch: así se hizo la versión live-action de Disney.  ¿Cómo ha evolucionado el proceso de escribir guiones para Rick and Morty después de tantos años trabajando en este show? ¿Aún le encuentran nuevas capas que explorar? Dan Harmon: La respuesta es sí, seguimos encontrando capas. Algo que cambió en esta octava temporada es que formamos un equipo de guionistas muy sólido, que se ha vuelto casi como una familia. Cuando haces 24 episodios, eso sucede naturalmente. Además, permite que los guionistas jóvenes puedan experimentar, algo que se está perdiendo en la televisión moderna. Hoy en día, los guionistas rara vez ven su show producido; a veces solo hacen seis episodios y luego se van a trabajar en algo de Marvel. Entonces, sí: creamos

Con Marcel the Shell with Shoes On, un filme stop-motion y falso documental nominado al Oscar en 2024 como Mejor Película Animada, Dean Fleischer Camp se consolidó como uno de los directores más prometedores de su generación. Su visión particular y sensibilidad narrativa llamaron la atención de Disney, que le ofreció dirigir la esperada versión live-action de Lilo & Stitch, uno de los clásicos más entrañables de los 2000. La historia sigue a Lilo, una niña hawaiana que adopta a Stitch, una criatura alienígena que confunde con un perro. Juntos forman una familia disfuncional pero profundamente amorosa, mientras enfrentan amenazas tanto de la tierra como extraterrestres. Platicamos con Dean Fleischer Camp sobre este nuevo reto y la importancia que tiene la palabra “Ohana” en su vida. Foto: Cortesía Disney No te pierdas: ¡Memorias de un Caracol se proyectará gratis en el IPN! ¿Había algo en la versión animada que era tan sagrado que dijeron: esto tiene que estar en esta versión live-action? Claro. Todo lo que verán en nuestra película de la original está ahí porque lo consideramos sagrado. Esa era nuestra manera de verlo. Amamos la original y tiene tantos momentos icónicos que tuvimos que analizar con mucho cuidado qué podíamos cambiar y qué no. No queríamos hacer cambios solo por ser diferentes, queríamos que cada decisión tuviera una buena y justificada razón. Dean, Marcel the Shell es una producción hecha a mano, muy íntima. ¿Cuál fue la diferencia entre ese filme independi

Después de casi dos décadas del fenómeno Mad Men, Jon Hamm regresa a la televisión como protagonista de un nuevo drama: Amigos y vecinos, una serie de Apple TV+ en la que interpreta a un hombre que, tras perderlo todo, recurre a robar casas para mantener las apariencias. Lo curioso: el personaje fue creado específicamente para él. Platicamos con Hamm sobre este inesperado regreso al drama, su visión del éxito y cómo fue encarnar a un personaje tan complejo. Te puede interesar: Entrevista con Pom Klementieff por Misión: Imposible – Sentencia Mortal Parte 2.  No habías protagonizado un show desde que terminó Mad Men. ¿Por qué elegiste que Amigos y vecinos fuera el proyecto de tu regreso? Lo que me hizo escoger este proyecto fue Jonathan Tropper, el creador y showrunner de la serie. Me encanta su trabajo y descubrimos que esta historia sería una gran oportunidad para explorar algo entretenido, que los dos pudiéramos disfrutar: él desde la escritura y yo como actor. Le metimos el diente al proyecto y lo gozamos. Pensamos que sería divertido, y afortunadamente así fue. Como mencionas, el último show que protagonicé fue Mad Men. Yo tenía treinta y tantos, principios de los cuarenta, y ahora estoy en mis cincuenta. Así que es un reto, por la energía que requiere, el tiempo que demanda y los aspectos personales, pero me siento en buena forma para hacerlo. Sé cómo funciona este trabajo porque ya lo he hecho antes; entiendo sus exigencias, y lo sigo disfrutando. Me la paso genial cada

Cecilia Suárez y Juan Pablo Medina, dos de los rostros más representativos del universo de Manolo Caro, se reencuentran en Serpientes y escaleras, una comedia negra que explora las tensiones entre poder, ambición y clases sociales dentro del sistema educativo mexicano. La serie, disponible en Netflix, marca una nueva colaboración entre los actores y el director, con quienes ya habían trabajado en títulos como La casa de las flores y Elvira, te daría la vida, pero la estoy usando. En Serpientes y escaleras, Suárez interpreta a Dora López-Negrete, una ambiciosa maestra que busca convertirse en directora de un colegio de élite en Jalisco. Su ascenso se complica cuando una pelea entre dos niños de ocho años —hijos de familias influyentes— desencadena una serie de intrigas éticas y sociales. Medina da vida a Olmo, un personaje clave que influye directamente en las decisiones de Dora. Time Out México conversó con ambos sobre esta nueva aventura audiovisual filmada en Guadalajara. No te pierdas: 5 razones para no perderte el Tecate Emblema.  Estos personajes no son comunes en las series. ¿Qué es lo que buscan cuando les llegan los guiones? ¿Algo distinto? Juan Pablo Medina: Eso Ceci lo tiene fácil porque le llegan todos y solo decide, no tiene que buscar. Cecilia Suárez: Ya supérate ese viejo celo que tienes… ¿Ni modo, qué se le va a hacer? Lo que yo busco es que la historia resuene con algo que me parezca pertinente contar. Que sea una historia que tenga ganas de contar y que me pe

Para celebrar el estreno de la película independiente LGBT+ Rotting in the Sun de Sebastián Silva, la plataforma MUBI prepara unos eventos especiales en la ciudad de México, lugar en donde se filmó esta producción.  El miércoles 6 de septiembre en el bosque de Chapultepec, en su espacio cultural LAGO ALGO tendrán un proyección totalmente gratuita a las 7 pm, tiene cupo limitado por lo que debes registrarte en este link lo más pronto posible si quieres alcanzar lugar: Programar cita con LagoAlgo (as.me) Mientras tanto en Cine Tonalá tendrán tres proyecciones de la película la próxima semana, la primera el miércoles 13 de septiembre a las 15 horas, La segunda el 14 de septiembre a las 19:30 horas la cual será muy especial porque contará con la presencia del director, guionista y protagonista Sebastián Silva, junto con la galardonada actriz chilena Catalina Saavedra (La nana) y al final tendrán una sesión de preguntas y respuestas. La tercera se llevará a cabo el domingo 17 de septiembre a las 19:30 horas.  La película nos presenta a Sebastián Silva (interpretado por él mismo) viviendo en México sufriendo de un terrible bloqueo profesional y decide ir a una playa nudista mexicana para inspirarse y relajarse. Ahí conoce a Jordan (el real influencer y actor Jordan Firstman), quien le propone trabajar juntos, pero algo saldrá muy mal. Rotting in the Sun es coproducida por Robert Pattinson y tuvo premier mundial en Sundance 2023.