Stivi de Tivi

Sherlyn, Luis Fernando Peña y Armando Hernández pertenecen a una misma generación que nos acompañó en el cine y la televisión juvenil con producciones como Elisa antes del fin del mundo, De la calle, Amarte duele y Clase 406. Hoy siguen buscando nuevos espacios para contar historias y se adentran en un género poco común en la televisión mexicana:los zombis. En la serie Prefiero la muerte, Luis Fernando interpreta al Sargento Peña, Armando a Gerardo, y Sherlyn a una mujer que intenta navegar este caos. A la par, un grupo de jóvenes (Diego Bernal, Lilith Curiel y Farah Justiniani) intenta sobrevivir a una invasión detonada cuando Archie, un adolescente, es mordido por un muerto viviente. Mientras corren y pelean, los tres actores experimentan algo distinto: compartir el set con una generación debutante y asumir el rol de mentores. Time Out México conversó con ellos sobre los cambios de la industria, los miedos que aún enfrentan y lo que significa seguir atreviéndose. Te puede interesar: Entrevista a Andy García sobre Cristiada A ustedes les tocó crecer en una época donde la industria encasillaba a los actores. ¿En qué momento decidieron tomar las riendas de su carrera y demostrar que podían hacer más? Luis Fernando Peña: Cuando te das cuenta de que la industria tiene estereotipos muy marcados, dices: “No, yo soy actor y puedo hacer muchos otros personajes”. Para eso nos preparamos y estudiamos. Al confiar en ti y en tu capacidad, descubres tu verdadero potencial. Eso es justo l

Durante siglos, los seres humanos hemos buscado llegar a donde nadie más lo ha hecho: cruzar un océano, alcanzar un polo, llegar al espacio o pisar la Luna. Cuando parece que ya no quedan grandes hitos por conquistar, surge un último desafío: escalar el K2, la segunda montaña más alta y peligrosa del planeta, en la época más implacable, el invierno. El último desafío: K2 en invierno, documental dirigido por Amir Bar-Lev, narra esta hazaña a través de figuras como John Snorri, Muhammad Ali Sadpara, su hijo Sajid, Juan Pablo Mohr y los escaladores nepaleses que buscaron hacer historia. Una profunda conversación sobre ambición, riesgo, amistad, familia y esa necesidad tan humana de ser los primeros. Bar-Lev, director de The Tillman Story, lleva su mirada a un lugar donde las preguntas son mucho más grandes que la cima. Time Out México conversó con este realizador ganador del premio Emmy. No te puedes perder: Stanley Tucci y el robo del siglo en el Louvre Hay un momento en esta película en el que puedes admirar a estas personas y cuestionar su decisión al mismo tiempo. ¿Cómo haces una película cuando estás sosteniendo ambos sentimientos a la vez? Amir Bar-Lev: Es posible tener dos sentimientos opuestos al mismo tiempo, y eso es señal de una gran historia. Hay una gran cita de Niels Bohr que dice: "Lo opuesto de la verdad es una mentira, pero lo opuesto de una gran verdad es otra gran verdad". Y eso es esta historia. Yo mismo cambié constantemente de opinión. Lo que no es debatibl

Durante años, Stanley Tucci fue ese actor capaz de robarse la película sin ser el protagonista. Lo vimos como el agudo editor de moda Nigel en El diablo viste a la moda, como el encantador e inquietante anfitrión de Los juegos del hambre, y en decenas de papeles donde demostró que no hace falta llevar el peso protagónico para dejar huella. Con el tiempo, se convirtió también en director, guionista y conductor de televisión, siempre eligiendo proyectos que le permitieran explorar territorios nuevos. Ahora encabeza Masterplan, una comedia de atracos donde interpreta a Roger, un ladrón retirado que reúne a sus dos hijos, quienes no se conocen entre sí, para robar la Mona Lisa. Time Out México platicó con Tucci sobre la confianza, las reglas que no deberían existir en el arte y el riesgo de atreverse a hacer algo por primera vez. No te puedes perder: Entrevista a Andy García sobre Cristiada En Masterplan, tres personajes deben confiar entre sí antes de conocerse. En una industria donde todo el tiempo nos juzgan y comparan, ¿qué necesitas para confiar realmente en alguien? Stanley Tucci: Mucho. Aunque, al mismo tiempo, siempre me gusta dar el beneficio de la duda. Tiendo a ir de un extremo al otro. Cuando se trata de mi familia, de mis hijos, procuro no confiar realmente en nadie más. Fuera de eso, soy un poco más abierto. CortesíaEntrevista Stanley Tucci Masterplan Los hijos de Roger le resultan útiles porque no siguen sus reglas. Pensando en tu trayectoria, ¿qué regla de la ac

Andy García lleva décadas construyendo una carrera en Hollywood con personajes que imponen respeto, desde Los intocables y El padrino III hasta la saga de La gran estafa. En Cristiada, dirigida por Dean Wright, interpreta al general Enrique Gorostieta, un militar retirado que acepta comandar al ejército cristero durante el conflicto armado de 1926 a 1929. Lo interesante es que Gorostieta no era un hombre religioso; su camino está marcado por las contradicciones, las decisiones y la forma en que termina involucrándose en una lucha que transforma su vida. La película reúne también a Eva Longoria, Óscar Isaac, Rubén Blades y Peter O’Toole para contar uno de los episodios más complejos de la historia de México. Time Out México conversó con Andy sobre el oficio de actuar, la confianza que necesita de un director y lo que hace falta para mantenerse vigente después de tantos años en una industria tan competitiva. No te puedes perder: Adria Arjona: "La latina no es una sola cosa" Gorostieta tiene momentos en los que una mirada puede decir más que un discurso. ¿Cómo construyes esa presencia para que el espectador entienda la contundencia de lo que siente el personaje sin necesidad de que lo diga? Andy García: Eso es parte del arte de la actuación, pero todo comienza con el guion y la historia: ¿cuál es la función de tu personaje y qué importancia tiene cada escena dentro de la narración? También necesitas entender el objetivo de cada momento. Una vez que tienes esa guía, debes mantene

Durante años, Adria Arjona ha buscado personajes que no sean solo "la chica latina guapa". En Hit Man interpretó a una mujer que reinventaba su identidad; en Andor, a una mecánica que se enfrenta al Imperio. Ahora, en Aniquilación de Adam Wingard, interpreta a Celeste, una exfrancotiradora y madre soltera que debe enfrentarse a un grupo de supersoldados, pero también a las secuelas de una vida que no ha logrado reconstruir. Para Wingard, responsable de The Guest y Godzilla y Kong, la película deja atrás las reglas de las grandes franquicias para regresar al terror violento,irreverente y personal con el que construyó su identidad como director. Time Out México conversó con Arjona sobre los estereotipos que todavía persiguen a las actrices latinas, el miedo de interpretar una maternidad que no ha vivido y la mujer que existe detrás de una heroína. Te puede interesar: Austin Abrams y el duelo de actuar dentro de una ballena Has interpretado a mujeres que sobreviven gracias a su inteligencia, capacidad de manipulación, resistencia y violencia física. ¿Cómo te aseguras de que interpretar a mujeres fuertes no se convierta en otro estereotipo que se espera que cumplas como actriz latina? Adria Arjona: Al final del día, soy actriz. Soy latina y me encanta representar a Latinoamérica; me siento muy orgullosa de serlo. Vengo de una familia llena de mujeres (tengo muchas primas y tías), y cada una es diferente, con una personalidad y fortaleza propias. Gracias a ellas tengo de dónde ins

Brian Duffield ha construido una carrera entre el terror, la comedia y la ciencia ficción con cintas como Spontaneous y No One Will Save You. Por su parte, Austin Abrams ha demostrado su versatilidad en Euphoria y, ahora, en Resident Evil.Ambos coinciden en La caída de la ballena, adaptación de la novela de Daniel Kraus que sigue a Jay, un joven que, al sumergirse en el océano en busca de los restos de su padre, termina siendo devorado por una ballena. Con apenas una hora de oxígeno y atrapado sin escapatoria aparente, deberá luchar por sobrevivir mientras enfrenta los conflictos inconclusos con su progenitor. Time Out México charló con Brian y Austin sobre cómo llevar esta historia al cine, la construcción de una película filmada casi enteramente dentro de un cetáceo y la exploración de la relación padre e hijo. No te puedes perder: “Iñárritu es un genio”: Tom Cruise en México Ahora que eres padre, ¿cambió tu manera de entender la relación entre Jay y su padre, así como lo que Jay necesita de él? Brian Duffield: Sí, creo que sí. Suelo bromear diciendo que estoy en un punto intermedio: soy un poco mayor que Jay y un poco más joven que Matt. Eso me permite mirar hacia atrás y reflexionar sobre mi vida como hijo, pero también mirar hacia adelante y pensar en mi faceta como padre. Cuando te conviertes en papá, te preguntas constantemente si estás tomando las decisiones correctas; también cuestionas si intentas que tus hijos se parezcan más a ti en lugar de permitirles ser ellos

"Nocturne" nace de las novelas criminales del escritor sueco Lars Kepler y gira en torno a una pregunta: ¿qué pasa cuando el dolor y la obsesión terminan borrando la línea entre hacer justicia y buscar venganza? Liev Schreiber interpreta a Jonah Lynn, un exmilitar y detective de homicidios que quiere dejar atrás la violencia, pero que tendrá que poner en riesgo a Saga, su hija adoptiva, para detener a Jurek Walter, un asesino serial interpretado por Stephen Graham. Zazie Beetz da vida a Saga, una agente del FBI que debe infiltrarse en el mundo de Walter mientras se enfrenta a sus propias heridas. Liev y Zazie vienen de trayectorias muy distintas: él es el inolvidable protagonista de la serie Ray Donovan; ella ha brillado desde Atlanta hasta Joker y Deadpool 2, saltando entre personajes vulnerables, complejos y físicamente exigentes. En "Nocturne", ambos enfrentan un reto enorme: interpretar a personas que intentan mantener el control mientras el trauma amenaza con desbordarlas. Time Out México conversó con ellos sobre sus personajes, las decisiones que los llevan al límite y lo que pasa cuando proteger a alguien puede convertirse en una forma de ponerlo en peligro. La serie se estrena en Apple TV+ este 30 de octubre. No te puedes perder: Juan Daniel García da vida al irreverente Campeón Gabacho Jonah y Saga no solo intentan obtener la verdad de Jurek para salvar a Felicia. En muchos sentidos, también funcionan como espejos de él: comparten una búsqueda obsesiva de justicia y

“Campeón Gabacho” nació de la novela de Aura Xilonen. Su protagonista, Liborio, es un joven migrante mexicano que intenta encontrar su lugar en Estados Unidos entre peleas, prejuicios y una comunidad que termina cambiando su forma de entender el mundo. Jonás Cuarón lleva esta historia al cine con una mezcla de humor, violencia y experimentación que conecta con la inquietud de “Año uña”, su ópera prima, y atraviesa “Desierto”, el thriller sobre migración que dirigió junto a Gael García Bernal y Jeffrey Dean Morgan. Entre estos proyectos, Cuarón coescribió “Gravity” con su padre,Alfonso Cuarón, y dirigió “Chupa”, una aventura familiar basada en la leyenda del chupacabras. En Morelia, donde “Campeón Gabacho” inauguró el FICM 2026, Time Out México platicó con el director y con el actor Juan Daniel García Treviño sobre el origen de la cinta y el reto de adaptar el lenguaje de Xilonen a la pantalla. La película llega a la cartelera mexicana esta semana. No te puedes perder: Entrevista con Beth de Araújo sobre Josephine En “Año uña” explorabas narrativas poco convencionales y rompías reglas. En “Campeón Gabacho” vuelves a jugar con la narrativa y la relación con el público; además, Liborio parece desbordar los límites de la propia película. ¿Qué reconoces de aquel Jonás de tus inicios en esta nueva entrega? Jonás Cuarón: Definitivamente hay una conexión. Cuando hice “Año uña” tenía 19 o 20 años y la grabé sin pensar demasiado en qué era el cine, impulsado por pura energía adolescent

Después de triunfar en Sundance 2026 (donde ganó el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público), la directora Beth de Araújo asistió al 24° Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) para presentar Josephine, su segundo largometraje, inspirado en una experiencia de su propia infancia. La cinta sigue a Josephine (Mason Reeves), una niña de ocho años cuya vida se transforma al presenciar un hecho traumático. Mientras intenta procesarlo, sus padres (Channing Tatum y Gemma Chan) buscan la manera de ayudarla, aunque con visiones muy opuestas sobre cómo enfrentar el dolor. De Araújo construye un drama sobre el trauma, la familia y la dificultad de proteger a un ser querido cuando faltan las palabras. En Morelia, la cineasta platicó con Time Out México sobre esta obra, aclamada por abordar un tema complejo con sensibilidad y firmeza. Te puede interesar: Teresita Sánchez: "Soy una mujer muy desvergonzada" La historia está inspirada en un recuerdo de tu propia infancia. ¿Cómo fue volver a esa experiencia para transformarla en ficción? Beth de Araújo: El primer borrador fue una especie de desahogo emocional: necesitaba sacar esos recuerdos y sentimientos. Después investigué los temas que me interesaban, incluida la dimensión judicial de la historia. Incluso me convertí en defensora de testigos, una experiencia que influyó en el personaje de Carrie. También reflexioné sobre lo difícil que es para un padre explicarle a su hijo qué es una agresión sexual y prepararlo para un mun

Travis Knight lleva gran parte de su vida construyendo el mundo de LAIKA. Se incorporó al estudio desde sus primeros años, pasó de animador a director, y hoy está al frente de una productora que ha hecho de la paciencia y el trabajo artesanal su sello. Después de Coraline, ParaNorman, The Boxtrolls y Kubo y la búsqueda samurái, Wildwood representa su salto más arriesgado. Prue es una adolescente de Portland que se adentra en un bosque lleno de animales parlantes, criaturas extrañas y fuerzas enfrentadas para rescatar a su hermanito, secuestrado por una bandada de cuervos. Knight descubrió esta historia hace 16 años, pero llevarla al cine requirió que LAIKA desarrollara nuevas técnicas y herramientas para dar vida a un mundo más ambicioso y complejo que los anteriores. Wildwood reunió a más de 1,000 artistas y técnicos, 132 sets construidos físicamente, 728 árboles hechos a mano y más de 142,000 rostros intercambiables para dar expresión a los personajes. Time Out México conversó con Travis sobre la importancia de no buscar el camino fácil, sino de hacer posible lo imposible sin perder el toque de las manos humanas. No te puedes perder: Regina Blandón y Javier Ibarreche dan voz a Mary & Max La última vez que hablamos fue sobre Masters of the Universe y me dijiste que, antes de pensar en la apariencia física de Adam, necesitabas encontrar su alma. Con Wildwood, ¿cuál era la verdad emocional que debías descubrir debajo de toda esa fantasía? Travis Knight: Una película no puede s

Tere, una chelista que comparte departamento con su hija, presta su hogar para que una joven compositora dé una entrevista televisiva. Entre interrupciones, ruidos y situaciones inesperadas, la conversación termina revelando mucho más de lo que sus participantes imaginaban. Lo demás es ruido compitió en la sección de Largometraje Mexicano del 24.º Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), celebrado del 16 al 25 de octubre de 2026. Teresita Sánchez ha hecho de Morelia una parte fundamental de su historia, desde La camarista, película con la que muchos espectadores la descubrieron, hasta convertirse en uno de los rostros recurrentes del cine nacional. En Lo demás es ruido, vuelve al universo de Nicolás Pereda. Sánchez platica con Time Out México sobre su relación con el director, la vergüenza y las inseguridades que sobreviven incluso tras una larga trayectoria. También puedes leer: “Una jaula de amor sigue siendo una jaula”: Bruno Santamaría ¿Qué significa que Morelia se haya convertido en parte de tu historia? Teresita Sánchez: He vivido 30 años en Morelia y siento que siempre es mi casa, siempre soy feliz ahí. No me daba cuenta de esta presencia hasta que uno de los organizadores me hizo burla diciendo que era "el Festival de Teresita". Me daba gusto, pero también me generaba angustia. Pensaba: "Ya, por favor, pongan otra cara, a otra actriz". CortesíaTeresita Sánchez habla sobre Lo demás es ruido Después de tantos años trabajando juntos, ¿qué te puede pedir Nicol

Armín, un adolescente de Saltillo, enfrenta el acoso escolar por su peso y una relación complicada con su padre. Su madre es su único refugio emocional, hasta que su repentina desaparición obliga a la familia a confrontar sus heridas y al joven a entrar, prematuramente, a la adultez. Toda una vida formó parte de la competencia de Largometraje Mexicano del 24.º Festival Internacional de Cine de Morelia, que se celebró del 16 al 25 de octubre de 2026. La ópera prima de Ariel Gutiérrez encuentra su fuerza en aquello que decide no mostrar. Inspirada en experiencias personales del director, la historia evita convertir el bullying en un espectáculo de humillación; en cambio, confía en los silencios, las miradas y las heridas que permanecen fuera de cuadro. Time Out México conversó con el director y con su protagonista, Marcus Elí V. Gómez, sobre cómo representar la incertidumbre adolescente. No te puedes perder: Nosotros: 16 años para contar esta historia ¿Cuánto de tu propia herida necesitabas contar? Ariel Gutiérrez: El germen de la historia es un acontecimiento traumático de hace muchos años: el secuestro que sufrió mi madre durante un día. Fue algo breve, pero dejó secuelas mucho mayores de las que imaginé. Al escribir, no podía evitar hablar de ello. Sentía una necesidad casi biológica de hacerlo; las cosas salían y después venía el proceso de editarlas y decidir desde qué punto de vista quería mirarlas. CortesíaPelícula Toda una vida FICM ¿Cómo construiste a Armín desde lo