Stivi de Tivi

Tiempo de valientes, la película argentina dirigida por Damián Szifron, se convirtió en un clásico de culto desde su estreno. Mezclando buddy movie, thriller y comedia negra, la historia mostraba a un psicoanalista inseguro y a un policía emocionalmente roto obligados por el azar a trabajar juntos, explorando el miedo, la culpa y la impotencia de hombres comunes. Ahora, esa premisa llega a México con La hora de los valientes, trasladando la trama a otro contexto y con una energía distinta. Aquí aparecen Luis Gerardo Méndez y Memo Villegas, actores con trayectorias diferentes pero complementarias: Luis ha construido su carrera interpretando personajes que buscan el control, la lógica y la certeza; Memo, en cambio, se reconoce por su vulnerabilidad, humor e intuición emocional. Conversamos con ambos sobre esta adaptación disponible en Netflix. Te puede interesar: Exposiciones imperdibles de diciembre para disfrutar de tus vacaciones Este género, la “body comedy”, exige que los personajes compartan un mismo ritmo. ¿Qué descubrieron de su propio ritmo y su manera de actuar al acoplarse como artistas? Luis Gerardo Méndez: Fue muy fácil, la verdad. Creo que ya nos habíamos medido antes. Hicimos un comercial juntos hace unos cuatro años y desde ahí hubo química inmediata. Incluso antes, cuando vi a Memo por primera vez en televisión o cine haciendo comedia, me reconocí mucho en su timing y en sus referencias. Me recordó mucho cuando conocí a Mariana Treviño; la vi en el escenario y

Pocos cineastas han transformado el cine contemporáneo como James Cameron. Director de clásicos como The Terminator y Titanic, su carrera ha estado marcada por la innovación técnica y una ambición constante por llevar el lenguaje cinematográfico más allá. Esa búsqueda encontró su proyecto más personal en Avatar, una saga que desde su estreno en 2009 redefinió el 3D, la captura de movimiento y los efectos visuales, convirtiéndose en un fenómeno global que Cameron consolidó con Avatar: The Way of Water. Pero Avatar es más que espectacularidad, es una reflexión sobre colonización, identidad y la relación entre la humanidad y la naturaleza. Avatar: fuego y cenizas expande el universo de Pandora con la llegada de un nuevo clan Na’vi ligado al fuego, cuya visión cuestiona la idea de una armonía absoluta. Jake Sully y su familia se enfrentan ahora a un conflicto más oscuro donde las divisiones dentro de Pandora y las consecuencias de la guerra son tan peligrosas como la amenaza humana. Conversamos con James Cameron sobre su carrera, los desafíos técnicos detrás de Avatar y la visión que ha sostenido una de las franquicias más influyentes del cine contemporáneo. Te puede interesar: Guillermo del Toro sobre Frankenstein: Mi cine habla de esa carencia en la niñez Del universo de Avatar, esta es la película más emocional. ¿Qué te inspiró y qué te retó a contar esta historia? Llevamos tiempo preparando el terreno. En la primera película construimos el mundo y una historia de amor simple,

La guerra de los reinos es una de las apuestas más ambiciosas del cierre de año: una superproducción europea que reinterpreta la leyenda de los Nibelungos con batallas épicas, intrigas políticas y un poderoso conflicto emocional. Ambientada en la Europa del siglo V, la serie explora el choque entre honor, deseo y lealtad dentro del reino de Borgoña, trastocado por la llegada del legendario cazador de dragones Siegfried. Dirigida por Cyrill Boss y Philipp Stennert, la serie estrena un episodio nuevo cada domingo en Universal+. Time Out México conversó con Jannis Niewöhner, protagonista de la historia, sobre la construcción de este héroe mítico, su humanidad y los retos físicos y emocionales del personaje. Te puede interesar: Millie Bobby Brown se despide de Eleven en la última temporada de Stranger Things Interpretas a un héroe que provoca miedo y también adoración. ¿Te cambió la manera en que ves el poder? Sí. El poder siempre es delicado, y lo malo es que deja de ser interesante cuando nadie lo usa. El poder revela a quienes no pueden evitar sentirse por encima de los demás, y eso es peligroso. Esta historia me hizo replantear lo que significa. En un reino o en nuestra sociedad, lo importante es compartir el poder, usarlo para proteger a la comunidad. Esa sería la mejor respuesta. Foto: Cortesía Siegfried forma parte de la mitología, es una leyenda. ¿Qué parte de ti buscó la humanidad del personaje? Porque no nos das un dios, sino a alguien real. ¿Cómo lo encontraste? No q

La segunda temporada de Percy Jackson y los dioses del Olimpo basada en El mar de los monstruos, llegó para expandir la saga con más acción, magia y emoción. Tras el éxito de la primera entrega —que conquistó a millones de espectadores—, Percy, Annabeth y Grover regresan para enfrentar amenazas aún mayores y proteger el Campamento Mestizo. En la CCXP25 de São Paulo, uno de los eventos de cultura pop más grandes del mundo, el elenco convivió con miles de fans que celebraron este nuevo capítulo de la historia. Fuimos a Brasil para platicar con Walker Scobell, Leah Jeffries y Charlie Bushnell sobre lo que podemos esperar de esta temporada, que ya estrenó sus primeros episodios en Disney+ desde el 10 de diciembre.  No te pierdas: Celebra la navidrag en esta posada drag queen gratis en CDMX ¿Se imaginaron el éxito que tendría el show? Leah Jeffries: Definitivamente esperaba que fuera exitoso porque ya había comenzado como una serie realmente buena. Pero venir aquí a Brasil lo hizo diez veces mejor. Estoy enamorada de Brasil en este momento. Como: “Oh, mi pequeña gente, ustedes son tan geniales”. Charlie Bushnell: Cualquiera en nuestro show no podría haber esperado esto. No importa cuánto pienses en ello. Leah Jeffries: Exactamente. ¿Qué diferencia podemos encontrar en esta segunda temporada con la primera? Walker Scobell: Percy Jackson siempre ha sido una historia sobre la adolescencia y sobre crecer siendo un niño. Y creo que la segunda temporada es esa etapa — incluso en los lib

La Nueva Ola Francesa cambió para siempre el lenguaje cinematográfico con su libertad narrativa, su experimentación visual y su mirada profundamente personal. À bout de souffle se convirtió en el estallido de aquel movimiento que marcó a cineastas en todo el mundo —incluido Richard Linklater— y este año llega a la pantalla una película que revive esos días turbulentos del rodaje que redefinió el cine moderno. Para conocer más sobre este retrato de Jean-Luc Godard, conversamos con el actor francés Guillaume Canet, quien da vida al legendario director y está nominado al Golden Globe por su trabajo. Te puede interesar: Supergirl: Milly Alcock y Craig Gillespie hablan de la nueva heroína del DCU Jean-Luc Godard es una figura icónica. ¿Cuál fue la primera cosa que decidiste no imitar para que la interpretación no se volviera una caricatura? El gran reto era no convertirlo en una caricatura, porque tenía una voz peculiar, hablaba mucho citando frases, tenía una manera de hablar muy distinta y también una forma de moverse muy particular. Era una línea muy fina para entender quién era y por qué hacía las cosas. Y cuando entendí la lógica de este hombre, ya no podía hacer una caricatura de él. Es alguien extremadamente lógico: sólo usa las palabras necesarias. No habla porque sí. Se mueve como tijeras dentro del encuadre, con movimientos grandes, muy decisivos, y a veces con pequeñas dudas antes de un corte. Tuve la oportunidad de entenderlo casi como un programa: si alguien dice esto

El primer tráiler de Supergirl sorprendió por mostrar una reinvención total de la heroína dentro del nuevo DC Studios. Protagonizada por Milly Alcock (House of the Dragon) y dirigida por Craig Gillespie (I, Tonya), la película apuesta por una versión más cruda, vulnerable y marcada por el trauma, muy distinta a cualquier adaptación previa. Sin la imagen impecable de otras encarnaciones, esta Supergirl es una sobreviviente que nunca quiso ser un símbolo. Conversamos con Milly Alcock y Craig Gillespie sobre esta propuesta que promete redefinir a Kara Zor-El y marcar el nuevo tono del DCU. La película llega a cines el 26 de junio de 2026. Te puede interesar: George Clooney habla sobre Jay Kelly: fama, arrepentimientos y el precio del éxito En el tráiler podemos ver que esta versión de Supergirl es muy distinta a las anteriores. ¿Cómo describen a esta Kara? Milly Alcock: Kara no quiere ser una heroína. Viene de un planeta que se estaba muriendo y donde literalmente vio morir a toda la gente que amaba. Eso la vuelve cínica, desconfiada y sin paciencia para fingir. Ella no pretende estar bien. No tiene fachada. Es una chica rota que usa el humor y la dureza para protegerse. Craig Gillespie: Y eso es lo que la hace única. Es una antiheroína. Cuando la conocemos, está huyendo de cualquier responsabilidad heroica. Su viaje no es el de “aceptar sus poderes”, sino el de enfrentar lo que ha evitado toda su vida. ¿Qué los sorprendió emocionalmente del personaje? Milly Alcock: Que siente q

A lo largo de casi dos décadas, Noah Baumbach ha construido un cine íntimo y preciso, donde las emociones familiares, la memoria y las contradicciones personales se vuelven materia narrativa. Desde The Squid and the Whale hasta Marriage Story, su filmografía explora lo que ocurre cuando la vida privada se quiebra. Con Jay Kelly, su nueva película, el director lleva esas obsesiones al terreno de la fama, el desgaste emocional y las historias que se esconden detrás del éxito. En Jay Kelly, Baumbach sigue a un actor consagrado (George Clooney) que, tras recibir un reconocimiento importante, emprende un viaje por Europa junto a su representante. Lo que inicia como un desplazamiento profesional se convierte en un recorrido interno marcado por los silencios afectivos, las oportunidades perdidas y la vida que quedó a los márgenes del brillo mediático. En entrevista para Time Out México, Baumbach habla sobre su proceso creativo, el trabajo con su elenco y la manera en que sigue encontrando nuevas capas en su propio territorio emocional. No te pierdas: George Clooney habla sobre Jay Kelly: fama, arrepentimientos y el precio del éxito ¿Cómo elegiste a George Clooney? Necesitábamos a un gran actor, pero también a alguien con quien el público ya tuviera una historia, igual que los personajes tienen una historia con Jay Kelly. George lo entendió enseguida; bromeó diciendo: “Tienes suerte de que haya dicho que sí, porque solo tres personas en el mundo podrían hacer esto”. Y probablemente t

George Clooney regresa al centro de la conversación del cine con Jay Kelly, la nueva película de Noah Baumbach (Historia de un matrimonio), un drama íntimo sobre el precio de la fama y las fracturas que deja en la vida personal. La cinta, que es de las más sonadas para destacar en la temporada de premios, acompaña a un actor que se enfrenta a lo que perdió mientras perseguía el éxito. Conversamos con Clooney sobre el personaje, los paralelismos con su propia trayectoria y la forma en que la fama moldea —y distorsiona— cualquier identidad. Te puede interesar: Millie Bobby Brown se despide de Eleven en la última temporada de Stranger Things ¿Qué películas sobre el mundo del cine y la fama crees que reflejan mejor lo que significa ser tan famoso como tú? Me gusta mucho The Player, aunque hace años que no la veo. Lo que sí puedo decir de Jay Kelly es que, a diferencia de muchas películas sobre el propio cine, esta muestra con bastante precisión cómo se hace realmente una película. Muy seguido veo escenas o procesos que nunca ocurren así en la vida real. Por eso estoy orgulloso del trabajo de Noah. También me encanta la serie francesa Call My Agent; no sé qué tan exacta sea, pero es divertidísima y muy bien hecha. En la película hay un chiste recurrente sobre cómo cada persona construye su propia idea de quién es “Jay Kelly”. ¿Sientes que la gente también construye su propia versión de ti? ¿Alguna vez te dan ganas de corregirla o te sientes cómodo con ella? Yo no me hice famoso en

En sueños es la nueva apuesta animada de Netflix: una aventura fantástica donde Stevie y Elliot —dos hermanos temerosos de que sus padres se separen— se adentran en el mundo onírico para encontrar al mítico Sandman y pedir un deseo capaz de mantener unida a su familia. Dirigida por Alex Woo, fundador de Kuku Studios y ex story artist de Pixar, la película combina fantasía, humor y emociones profundas para hablar de miedos muy reales. Time Out México conversó con Woo sobre el largo camino para llevar esta historia a la pantalla y la huella personal que dejó en su proceso creativo. Te puede interesar: Jafar Panahi habla sobre Fue solo un accidente y la censura en Irán En el filme exploras lo que ocurre cuando los sueños no se cumplen. Con eso en mente: ¿cuál fue el sueño que tuviste que dejar ir para hacer posible esta película? Bueno, para decepción de mi madre, no estoy casado ni tengo hijos, y mis padres desean mucho tener nietos. Ese es un sueño que he tenido que poner en pausa; espero no dejarlo ir del todo. Hacer una película exige muchísimo: foco, tiempo y energía. Siempre bromeo diciendo que esta película tomó nueve años en realizarse; un bebé humano tarda nueve meses, pero una película animada tarda nueve años. Así que, de muchas maneras, esta película ha sido mi hija durante casi una década. Ese es probablemente el sueño que tuve que dejar en espera para hacer posible esta película. La mayoría de las películas animadas nacen de la imaginación, pero esta surge de la pé

Jafar Panahi, una de las voces más influyentes y perseguidas del cine iraní, vuelve al centro de la conversación internacional. El 1 de diciembre de 2025, un tribunal revolucionario de Teherán lo condenó en ausencia a un año de prisión, reafirmando la presión constante del régimen sobre su obra y su figura. En medio de este contexto llega a México su película más reciente, Fue solo un accidente, filmada de manera clandestina y aclamada mundialmente por su mirada crítica sobre la memoria, la justicia y las heridas que deja la violencia política. En entrevista Panahi nos habla sobre su impulso creativo, los límites de la libertad artística y la tensión de seguir filmando cuando su propio país intenta silenciarlo. Te puede interesar: Millie Bobby Brown se despide de Eleven en la última temporada de Stranger Things ¿Qué te impulsa a seguir creando en contextos donde los artistas viven bajo presión estatal? Cada país tiene sus propios problemas y desafíos. Solo viviendo dentro de una geografía puedes entender sus realidades y cómo enfrentarlas. El arte, por su naturaleza, no permite fórmulas universales ni caminos iguales para todos. Desde afuera, estos regímenes parecen impenetrables y aterradores, pero cuando vives dentro de ellos encuentras, casi de manera instintiva, formas de respirar, crear y escapar de la presión. ¿Le habría gustado que su película fuera enviada por Irán? ¿Cómo podría la Academia evitar depender de gobiernos represivos? Durante años hemos cuestionado las re

Andrea Gibson fue una de las voces más potentes de la poesía contemporánea. Reconocide por convertir la vulnerabilidad en fuerza, su obra exploró el amor, el género, la identidad y la enfermedad con una claridad emocional que marcó a miles de lectores. El documental Come See Me in the Good Light retrata el capítulo más íntimo de su vida: el diagnóstico de un cáncer en etapa avanzada y la forma en que decidió enfrentarlo desde la ternura, la palabra y el humor. Entre lecturas, presentaciones y momentos cotidianos, la película revela cómo el arte puede sostenernos incluso en los días más difíciles. Detrás del proyecto está la comediante Tig Notaro, productora del documental y alguien que también ha navegado la fragilidad del cuerpo. Su mirada convierte esta historia en un acto de empatía profunda. Time Out México conversó con Notaro sobre este trabajo que llega a Apple TV+ en honor a Gibson, fallecide en julio de este año. ¿Tú, como amiga cercana de Andrea, fuiste quien presentó la idea del proyecto? No fue mi idea. Estaba hablando con Stef Williem, que es otro productor y un amigo mutuo de Andrea. Él me dijo: “Esto sería un gran documental; la vida de Andrea sería un buen documental”. Eso me golpeó como un montón de ladrillos, porque yo conocía a Andrea y sabía lo talentosa y especial que era, lo cautivadora que podía ser. En cuanto Stef lo dijo, todo me llegó con absoluta claridad. Yo pasé por mi propio diagnóstico de cáncer, pero tuve la fortuna de salir adelante. En mi caso

En 1992, La mano que mece la cuna, dirigida por Curtis Hanson, se volvió uno de los thrillers psicológicos más perturbadores de su época. Hoy, más de treinta años después, Michelle Garza Cervera —una de las voces más sólidas del nuevo cine de horror mexicano— revisita este clásico noventero para darle una perspectiva femenina y latinoamericana. Tras el impacto de Huesera, la directora debuta en Hollywood con su reinterpretación del filme, que llega el 24 de octubre a Disney+. Te puede interesar: De Estambul a Mardin: la exposición gratuita que revela la diversidad de Turquía ¿Cómo empieza este nuevo reto para tu carrera? Mira, la verdad es que fue gracias a Huesera. La película llegó a 20th Century Studios; la vieron y a uno de los ejecutivos le encantó. Se acercaron y me invitaron a proyectarla en las oficinas de Disney, que es donde ahora está 20th Century. Desde entonces comencé una conversación con ellos, quienes me contaron que llevaban mucho tiempo buscando ideas para recrear La mano que mece la cuna. Esa idea se quedó colgando en mi cabeza. Un día les presenté un concepto que les gustó mucho y desde entonces empecé a trabajar con ellos. Todo fue muy orgánico, avanzó de manera muy natural. Llegó un punto en el que ya estaba todo listo para que se hiciera la película. Dije: “Okay, quiero ver qué es esto de hacer una película de estudio en Hollywood”. Ha sido un proyecto muy afortunado; me he sentido muy bendecida y rodeada de colegas y un equipo maravilloso. He aprendido