Stivi de Tivi

DTF St. Louis es una miniserie de siete episodios creada y dirigida por Steven Conrad. La producción mezcla drama, humor incómodo y un misterio que se va armando poco a poco. Ambientada en 2018, la historia sigue a tres adultos en plena crisis personal que conectan a través de una aplicación para encuentros extramaritales. Lo que empieza como una vía de escape a matrimonios desgastados, termina escalando hasta convertirse en un crimen que lo cambia todo. En el centro de la trama están Clark, Carol y Floyd. Jason Bateman (Ozark) interpreta a Clark, un presentador local que parece tener todo bajo control frente a la cámara, pero que en su vida privada está perdido y busca sentirse vivo de nuevo. David Harbour (Stranger Things) es Floyd, un intérprete de lenguaje de señas grande y fuerte, pero emocionalmente descolocado, que enfrenta el peso de envejecer y de no reconocerse a sí mismo. Por su parte, Linda Cardellini (Dead to Me) da vida a Carol, una mujer que carga con la responsabilidad económica y emocional de su hogar; mientras su matrimonio se desmorona, ella intenta recuperar algo de control. Time Out México conversó con estos tres talentosos actores quienes se encuentran en uno de los momentos más sólidos de sus carreras, sobre cómo se atreven a explorar el deseo, la identidad y la culpa a través de un humor incómodo y con consecuencias muy reales. “DTF St. Louis” estrena un nuevo episodio todos los domingos en Max. La serie explora la vulnerabilidad en la mediana edad. ¿Q

Sigue mi voz es una película que, desde enero, se posiciona en los primeros lugares de Prime Video. La historia sigue a Clara, una joven que atraviesa una crisis emocional y encuentra refugio en una voz anónima que transmite un programa por internet. La trama aborda temas como la salud mental, el duelo, la ansiedad y la necesidad de sentirse escuchado, explorándolos en un género que no suele hacerlo con tanta profundidad. Esta adaptación española se basa en la novela homónima que proviene del universo literario de la popular autora Ariana Godoy. Ella comenzó publicando en Wattpad, donde construyó una enorme comunidad de lectores antes de dar el salto a las librerías. Su nombre se volvió global con la trilogía A través de mi ventana, obra que también fue llevada a la pantalla y la consolidó como una de las voces más leídas del romance juvenil en español. Sin embargo, Sigue mi voz representa una obra distinta dentro de su carrera. No es solo romance; es una historia mucho más personal. Ariana ha compartido que nació después de atravesar una crisis de salud mental y que escribirla fue un proceso casi terapéutico. Es, probablemente, su libro más íntimo. También puedes leer: Hablamos en exclusiva con Mark C. Eshleman sobre More Than We Ever Imagined Time Out México conversó con Ariana Godoy, quien no solo representa el fenómeno de Wattpad que logró cruzar hacia la industria tradicional, sino también a una generación de autores que hablan de las emociones sin maquillaje. ¿Qué barre

Twenty One Pilots nunca fue una banda diseñada para los estadios. Nacida en Columbus, Ohio, comenzó tocando frente a pocas personas, mezclando rap y rock. Mientras Tyler Joseph escribía sobre ansiedad e identidad, Josh Dun convertía esas emociones en energía pura sobre el escenario. Con los años, pasaron de venues pequeños a giras mundiales, y ese recorrido encuentra hoy uno de sus momentos más simbólicos en la Ciudad de México. El concierto del Clancy World Tour, filmado en formato IMAX, captura a la agrupación frente a uno de los públicos más intensos de su carrera. More Than We Ever Imagined no es solo un registro del show; muestra el antes, la intimidad y la incredulidad de ver un estadio lleno cantando cada palabra. Detrás de la cámara se encuentra Mark C. Eshleman, colaborador creativo del grupo desde sus primeros años en Ohio. Él creció con ellos, aprendiendo a traducir sus canciones en imágenes mucho antes de que pisaran grandes arenas. Time Out México conversó con Mark sobre este trabajo documental, el cual ya se puede disfrutar en las pantallas IMAX de todo el país. Te puede interesar: Entrevista a Jennifer Garner y Angourie Rice por “Lo último que me dijo” La película se llama More Than We Ever Imagined (Más de lo que jamás imaginamos). Cuando trabajabas en este proyecto, ¿hubo algo que realmente superara tus expectativas? El título llegó después de filmar todo. Cuando vimos el material documental de Tyler y Josh en la Ciudad de México, entendimos por qué. Se senta

“Venganza” es una apuesta por hacer cine de acción con escala en México. Dirigida por Rodrigo Valdés y producida por Amazon MGM Studios, la película sigue a un exmilitar de fuerzas especiales que, tras el asesinato de un ser querido, emprende una cruzada personal que lo arrastra a una espiral de violencia. Más allá de las secuencias físicas y la ambición técnica, el eje está en un protagonista desgastado, movido por el dolor y por decisiones que no son heroicas, sino humanas. El proyecto también marca un punto importante en la carrera de Omar Chaparro, quien se ha consolidado en la comedia y el cine comercial. Aquí se despoja del humor para apostar por la contención, el silencio y la vulnerabilidad. Time Out México conversó con Omar sobre el estreno en cines de “Venganza”, película que no solo busca competir con los grandes espectáculos americanos, sino demostrar que el cine de acción nacional puede sostener adrenalina, identidad y emoción sin copiar fórmulas ajenas. Te puede interesar: “Interpretar a J.D. hoy es como ser un superhéroe”, Zach Braff sobre Scrubs Alguna vez me hablaste de una película de acción que querías hacer y que no lograba concretarse, pero por fin se estrena “Venganza”, ¿qué era lo que no estabas dispuesto a soltar para que esta película finalmente sucediera? Yo creo que siempre estuve dispuesto. Cuando entendimos la magnitud de esta película, todos movimos lo que teníamos que mover para que se hiciera realidad. Nos dimos cuenta de la visión de los produ

En 2001, Scrubs cambió la forma de contar historias médicas en televisión. Creada por Bill Lawrence y ambientada en el hospital ficticio Sacred Heart, la serie mezcló comedia absurda, fantasía visual y drama clínico con una honestidad emocional poco común para la época. Durante nueve temporadas (2001–2010), siguió la evolución de J.D., Turk y Elliot, desde internos inseguros hasta médicos formados. Fue nominada a 17 premios Emmy y se convirtió en una serie de culto gracias a su perfecto equilibrio entre humor y profundidad. En 2026, la serie regresa por Disney+ con un revival que reúne a gran parte del elenco original y retoma la historia varios años después. El nuevo enfoque sitúa a los personajes en una medicina transformada por la tecnología, los cambios estructurales en la formación hospitalaria y el impacto del covid-19. Al frente del proyecto está nuevamente Zach Braff, quien convirtió a J.D. en un ícono generacional. Durante estos años, Braff amplió su perfil como creador: escribió y dirigió Garden State, un filme independiente que se volvió referencia cultural para los veinteañeros de la época. Posteriormente, consolidó su carrera como director con películas como A Good Person y episodios de la exitosa serie Ted Lasso. Time Out México conversó con Zach sobre el regreso de Scrubs, una entrega que combina el legado de la serie con personajes que ya no están aprendiendo a ser adultos, sino enfrentando el verdadero peso de serlo. El final original de la temporada 8 de Scr

Lo último que me dijo se convirtió en uno de los thrillers más exitosos de Apple TV+ porque, más allá del misterio, es una historia sobre familia, identidad y supervivencia. Una mujer y su hijastra, que no se eligieron, terminan construyendo un vínculo inquebrantable mientras descubren que el pasado puede alcanzarlas en cualquier momento. Basada en la novela best seller de Laura Dave y adaptada para televisión junto a Josh Singer, la serie mezcla la tensión con un drama emocional muy íntimo. Al frente del proyecto está Jennifer Garner (Alias), protagonista y productora ejecutiva, quien hoy se consolida gracias a Hannah Hall, una mujer que enfrenta la maternidad desde un lugar inesperado mientras busca la verdad detrás de una desaparición. A su lado se encuentra Angourie Rice (Spider-Man), actriz australiana que ha brillado interpretando a Bailey, una joven atravesada por la necesidad de entender quién es y de dónde viene. A propósito del estreno de la segunda temporada, platicamos con ambas actrices sobre esta producción que expande el mundo de la serie y eleva el peligro a un nuevo nivel. Cortesía Jennifer, has dicho que luchaste por este papel y que eras una gran fan del libro. ¿Qué tenía Hannah que te hizo querer interpretarla tanto? ¿Y cómo sentiste su evolución en esta segunda temporada? Jennifer Garner: Quería interpretar a Hannah porque me atrapó por completo la novela de Laura Dave y, en general, su forma de escribir. Cuando leí el libro por primera vez, otra actri

La primera ficción de Yolanda Cruz no es solo una película ambientada en una comunidad chatina; es una película construida desde ahí. Filmada en colaboración con el propio pueblo, hablada en su lengua y atravesada por su ritmo y su espiritualidad, “La Raya” convierte un objeto cotidiano como un refrigerador en un detonador de deseos, fantasmas y preguntas incómodas. En la película seguimos a Sótera, una niña que vive la migración no como un discurso político, sino como una ausencia concreta. La cinta mezcla comedia, realismo mágico y fractura íntima para hablar de identidad, distancia y memoria. Después de años explorando la migración desde el documental con títulos como “To the Other Side”, “2501 Migrants” y “Guerrero”, Cruz apuesta ahora por el realismo mágico como herramienta emocional. No para escapar de la realidad, sino para hacerla más visible. Judith Romero Time Out México conversó con la reconocida cineasta sobre cómo “La Raya” no intenta explicar a una comunidad, sino que la deja existir en pantalla con humor, dolor y dignidad. Se habla mucho de cruzar la frontera, pero poco de quienes se quedan. ¿Qué querías explorar sobre esa decisión de permanecer? Cuando cruzamos la frontera a veces nos quedamos a medias. Pero yo quería preguntarme qué pasa con los que se quedan. Casi nunca lo cuestionamos como sociedad: ¿es posible quedarse? También hay jóvenes que estudian fuera y regresan, que eligen construir desde ahí. Quería abrir ese diálogo con la juventud y plantear q

Nidia Santiago es una productora mexicana radicada en Francia que se ha consolidado como una de las figuras clave del cine de animación independiente en Europa. Es cofundadora de Ikki Films, una casa productora reconocida por apostar por proyectos de autor con una fuerte identidad, sensibilidad artística y ambición internacional. Su trabajo está ligado a películas y cortometrajes que han brillado en festivales de prestigio, colocando a Ikki Films como un referente en el mundo de la animación contemporánea. Ahora, Nidia está detrás de uno de los títulos más destacados de la temporada: Amélie y los Secretos de la Lluvia, un largometraje animado dirigido por Maïlys Vallade y Liane-Cho Han, basado en la novela autobiográfica de la aclamada escritora belga Amélie Nothomb. La película cuenta la historia de Amélie, una niña belga nacida en Japón, que comienza a descubrir el mundo con una mirada tan inocente como intensa. A través de su vínculo con su niñera japonesa, la trama explora temas como la identidad, el choque cultural, la memoria y la infancia, logrando un tono luminoso y profundamente emocional. Cortesía Time Out México conversó con Nidia para entender el viaje creativo detrás de la cinta y lo que implica producir animación a gran escala desde una visión independiente. ¿Qué significa para ti que la película esté nominada? Es un verdadero orgullo. Que una película independiente pueda llegar hasta aquí y recibir una nominación es un logro enorme. Estoy muy contenta de ver

Saja Kilani no interpreta un personaje: sostiene una herida abierta. En La voz de Hind Rajab, la actriz y poeta palestina-jordana encarna a Rana, una operadora de emergencias de la Media Luna Roja que responde la llamada real de Hind Rajab, una niña atrapada en Gaza cuya voz, registrada en audio, se convirtió en una de las evidencias más estremecedoras del conflicto. Dirigida por la cineasta Kaouther Ben Hania, la película se ha consolidado como uno de los títulos más impactantes de la temporada: celebrada en festivales internacionales, reconocida con premios y nominada al Oscar a Mejor Película Internacional. El filme cuenta además con Alfonso Cuarón, Joaquin Phoenix y Brad Pitt como productores. Time Out México conversó con Saja Kilani sobre el peso emocional de encarnar a una mujer real y la responsabilidad de representar un dolor histórico sin traicionarlo. Te puede interesar: Azul Guaita y Andrés Baida revelan los secretos del final de Como agua para chocolate Durante la preparación, más que memorizar el guion… ¿Cómo entraste emocionalmente en el papel? Ser palestina y conocer esta historia desde antes lo cambió todo. Durante las audiciones no nos dijeron de qué trataba la película, lo mantuvieron oculto. Fue hasta el siguiente llamado que entendimos el tema. En ese momento la respuesta fue inmediata: dije que sí sin pensarlo, porque sabíamos lo que significaba. Era un papel que había que honrar. ¿Has podido desconectarte emocionalmente de la película durante esta etapa

Como agua para chocolate es una de las historias mexicanas más influyentes a nivel mundial. Basada en la novela de Laura Esquivel y con el peso cultural de la película clásica de los 90, la serie retoma el drama de Tita, una joven atrapada en una tradición familiar que le prohíbe amar, mientras la cocina se convierte en el canal donde explotan el deseo, la represión y el dolor. En esta segunda temporada, el romance deja de ser idealizado y se vuelve más adulto; se llena de decisiones, consecuencias y heridas emocionales. Además, el fenómeno se ha expandido internacionalmente con audiencias fuera de México, conectando con la gastronomía y el realismo mágico de la historia, replicando recetas y escenas en redes sociales. Por el estreno de la temporada final, conversamos con Azul Guaita, actriz que se consolidó como uno de los rostros jóvenes más fuertes tras Rebelde, y con Andrés Baida, quien ha destacado por elegir personajes intensos y emocionales. Con ellos hablamos del amor cuando ya no es inocente, del peso de las tradiciones y del impacto global de contar una historia tan mexicana. Te puede interesar: Aldis Hodge: El hombre detrás de la mente de los asesinos La serie habla sobre elegir entre lo que deseas y lo que “debes”. ¿En qué momento de su carrera han tenido que elegir entre la seguridad y el deseo? Andrés Baida: Me ha pasado varias veces. A veces simplemente tienes que tomar decisiones prácticas porque hay que pagar la renta. Pero con el tiempo he entendido que ning

Estamos cerca del final de la primera temporada de El Caballero de los Siete Reinos, la nueva serie del universo de Game of Thrones. Creada por Ira Parker junto a George R. R. Martin, y basada en las historias de Dunk y Egg, a estas alturas ya está claro por qué se está convirtiendo en una de las sorpresas del 2026: el episodio 5 se ha colocado como uno de los mejor calificados de todo el universo Thrones en plataformas de audiencia, y solo queda un capítulo para cerrar la temporada. A diferencia de Game of Thrones o House of the Dragon, aquí la historia es más íntima. Seguimos a Ser Duncan "Dunk" el Alto, un caballero errante con un código moral casi imposible para Westeros, y a Egg, un niño que carga secretos importantes. La serie ha conectado con el público porque regresa a lo esencial: aventura, humor, brutalidad y corazón, todo desde un punto de vista mucho más humano. Con motivo del final de temporada, Time Out México platicó con Ira Parker, showrunner y creador de la serie; Peter Claffey, quien interpreta a Dunk; y Dexter Sol Ansell, quien da vida a Egg, sobre cómo se construyó esta relación que ya se siente como el centro emocional de la historia. ¿Creen que El Caballero de los Siete Reinos funciona como punto de entrada para quienes nunca han visto Westeros? Ira Parker: Sí, creo que es un gran punto de entrada porque es una historia mucho más clara y directa: seguimos principalmente el punto de vista de Dunk. Eso hace que el público conecte rápido. Dunk es noble, per

Paradise se consolidó como el thriller de ciencia ficción favorito del año pasado. Creada por Dan Fogelman (This Is Us), la serie mezcla política, misterio y supervivencia en un entorno postapocalíptico. La trama se sitúa dentro de un enorme búnker subterráneo diseñado para proteger a miles de personas tras una catástrofe global; sin embargo, lo que prometía ser un refugio seguro pronto se reveló como una jaula de secretos, control y paranoia, especialmente tras un asesinato que amenazó con derrumbar el sistema. Ahora, la segunda temporada sube la apuesta: la historia se expande más allá de los muros del búnker para explorar el mundo exterior, a sus sobrevivientes y las consecuencias reales del colapso. Time Out México conversó con Sterling K. Brown (ganador del Emmy y Globo de Oro por This Is Us) y con Shailene Woodley (The Fault in Our Stars, Big Little Lies), quien se une al elenco en esta nueva etapa con un personaje que proyecta una versión suya más madura y resiliente. La serie plantea cuánto estamos dispuestos a proteger o sacrificar por quienes amamos. Si estuvieran en una situación límite, ¿cuál sería la última parte de su humanidad que estarían dispuestos a perder? Sterling K. Brown: Me gustaría pensar que sería la bondad, la apertura… la capacidad de amar. Cuando estás luchando por sobrevivir es natural querer acaparar, pero ojalá puedas seguir siendo generoso. A veces tienes que cerrarte para estar a salvo, pero si no hay una amenaza real, ¿puedes seguir siendo a