Stivi de Tivi

Elmo es el personaje favorito de muchos niños de dos años y, al mismo tiempo, guarda una fuerte conexión con los adultos que lo conocieron hace tres décadas. Creado para Plaza Sésamo, rápidamente se convirtió en uno de los personajes más queridos de la franquicia gracias a su personalidad curiosa, alegre y profundamente emocional, que lo hace sentir como un niño más. Ahora, Elmo será el anfitrión de la Carrera Elmo 2026, una invitación para que las familias salgan de casa, se muevan y compartan una mañana juntos. El evento contará con una caminata de 3 kilómetros y carreras de 5 y 10 kilómetros el próximo 29 de agosto en la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec (inscripciones en: FHINIX Sports). Time Out México conversó con Leopoldo Valdés, Director Regional Senior de Negocios para Latinoamérica de Sesame Workshop, sobre la carrera, el vínculo de Elmo con diversas generaciones y lo que significa mantener vigente a Plaza Sésamo en una época dominada por las pantallas. También puedes leer: Carrera Plaza Sésamo Elmo ¿Por qué una carrera? Plaza Sésamo lleva años promoviendo hábitos saludables en la pantalla, pero ahora invita a las familias a levantarse y correr. ¿Qué se logra con esta experiencia física que tal vez no se consigue en la televisión? Leopoldo Valdés: Esta es nuestra tercera carrera en los últimos dos años y estamos muy contentos porque invitamos a las familias no solo a activarse físicamente, que es una de las columnas vertebrales de Plaza Sésamo, sino a cuidar

Hija de padre palestino, originario de Cisjordania y madre jordana, Cherien Dabis creció en un pequeño pueblo de Ohio. Pasó sus veranos entre Estados Unidos y Medio Oriente, aprendiendo desde niña lo que significa pertenecer a dos lugares. Tras enfrentar discriminación y amenazas junto a su familia, esa dura experiencia la impulsó a encontrar un refugio en el cine. Luego de dirigir cintas como Amreeka y May in the Summer, así como episodios de series exitosas (Only Murders in the Building, Grey’s Anatomy), regresa a la pantalla grande con Lo que queda de ti, la película más personal de su carrera y una historia que llevaba años intentando contar. La cinta sigue a una familia palestina a lo largo de siete décadas, transformando la pérdida, el desplazamiento y la memoria en un relato profundamente íntimo. Dabis no solo la escribió y dirigió, sino que también actúa en ella. La producción, que cuenta con Mark Ruffalo y Javier Bardem como productores ejecutivos, llegó a Sundance y ha ganado múltiples premios internacionales. También puedes leer: "Se alimentaban de amor": Los secretos detrás de la segunda parte de Cien años de soledad A propósito de su estreno en México, platicamos con Cherien Dabis sobre la identidad, el exilio, la memoria y la imperiosa necesidad de relatar las historias que heredamos para entender quiénes somos. Hay algo profundamente extraño en pertenecer a un lugar al que, al mismo tiempo, no puedes pertenecer del todo. ¿Cómo has vivido esa contradicción? Cher

¡Se logró! Después de que Warner Bros. cancelara Coyote vs. Acme, una cinta que ya estaba terminada y había costado alrededor de 70 millones de dólares, para aprovechar una deducción fiscal, la presión de los fans logró mantenerla viva hasta que Ketchup Entertainment rescató sus derechos. Dirigida por Dave Green (Earth to Echo) y protagonizada por Will Forte (Nebraska), Lana Condor (To All the Boys I’ve Loved Before) y John Cena (Peacemaker), esta mezcla de acción real y animación imagina qué pasaría si Wile E. Coyote, cansado de que los productos ACME siempre le exploten en la cara, decidiera demandar a la compañía. Forte interpreta a Kevin Avery, el abogado que acepta defenderlo y termina descubriendo que, detrás del eterno perdedor, hay un personaje mucho más humano. Cabe destacar que Wile E. Coyote debutó junto al Correcaminos en el corto Fast and Furry-ous (1949), de Chuck Jones y Michael Maltese. Time Out México conversó con el director, Dave Green, y sus protagonistas, Will Forte y Lana Condor, sobre una película que parecía destinada a no existir, pero que finalmente llegará a los cines. Te puede interesar: “Mi trabajo es silenciar el ruido y confiar en el instinto”: Thomas Kail sobre ‘Moana’ CortesíaCoyote vs. Acme Esta película plantea una pregunta fascinante: ¿Y si hubiéramos malinterpretado a Wile E. Coyote durante 75 años? Después de pasar tanto tiempo con él, ¿quién creen que es realmente? Will Forte: Creo que Wile E. Coyote somos todos. Siempre está intentan

Ridley Scott ha construido mundos donde los seres humanos siempre parecen enfrentarse a algo mucho más grande que ellos: una criatura en el espacio en Alien, una sociedad dominada por la tecnología en Blade Runner, un imperio en Gladiador, una guerra en La caída del halcón negro o la mera supervivencia en Misión rescate. ¿Qué hacemos cuando el mundo que conocemos deja de funcionar? En La guerra de los últimos, esa pregunta toma una forma íntima. Basada en la novela de Peter Heller, la película nos lleva a un planeta devastado por una pandemia. Ahí vive Hig (Jacob Elordi), un hombre aislado en un pequeño aeropuerto junto a su perro Jasper y a Bangley (Josh Brolin), un superviviente fuertemente armado. Hig vuela sobre el territorio buscando provisiones, hasta que una misteriosa señal de radio le hace pensar que, quizá, todavía existe algo más allá de su refugio. A sus casi 90 años, Scott vuelve a la ciencia ficción. Sin embargo, esta vez no necesita aliens, robots ni grandes batallas; le basta un mundo que se quedó sin gente para hablar de supervivencia, soledad y naturaleza. Margaret Qualley, Guy Pearce, Benedict Wong y Allison Janney completan el reparto de la cinta. Te puede interesar: Kyle Chandler y Aaron Pierre revelan los secretos de Lanterns Time Out México conversó en exclusiva con el cineasta sobre este estreno, su carrera, el impacto de la tecnología y el riesgo de hacer cine. En Blade Runner presentas un futuro sumergido en la tecnología, mientras que en La guerra d

Green Lantern nació en los cómics hace más de 80 años, pero el personaje que hoy conocemos cambió por completo en 1959 con Hal Jordan: el piloto de pruebas que recibe el anillo de un alienígena moribundo y se convierte en el primer humano del Green Lantern Corps, una policía intergaláctica cuyo poder nace de la voluntad. Más de una década después, en 1971, apareció John Stewart, un arquitecto y exmarine que comenzó como sustituto de Hal para terminar convirtiéndose en uno de los Lanterns más importantes de DC (y el favorito de toda una generación gracias a Justice League). Ahora, ambos convergen en Lanterns, la nueva serie de HBO y Max creada por Chris Mundy, Damon Lindelof y Tom King, la cual mezcla la mitología de DC con un denso misterio criminal. Hal, un veterano del Corps, y John, un nuevo recluta bajo su tutela, investigan un asesinato en un pequeño pueblo de Nebraska que termina conectado con una amenaza extraterrestre de escala mayor. Para darles vida, la producción reclutó a Kyle Chandler (Friday Night Lights, The Wolf of Wall Street) y a Aaron Pierre (Rebel Ridge, Mufasa). Estos dos actores de generaciones distintas encontraron en sus personajes una relación de mentor y aprendiz, pero también una profunda historia sobre confianza y miedo. Time Out México conversó con ambos acerca de este proyecto, que estrena un nuevo episodio cada domingo. También te puede interesar: “No quería tomar la decisión por miedo”: Milly Alcock sobre ser Supergirl ¿Qué fue lo primero que t

Murder in a Small Town parece una serie más de detectives y asesinatos, pero debajo del misterio se esconde una historia sobre la soledad, los secretos y las conexiones humanas. La trama sigue a Karl Alberg (interpretado por Rossif Sutherland, a quien vimos en The Handmaid’s Tale), un detective que llega a un pequeño pueblo costero para asumir el cargo de jefe de policía. Ahí conoce a Cassandra (Kristin Kreuk, la recordada Lana Lang de Smallville), una bibliotecaria que pronto se convierte en una pieza clave de su nueva vida. La serie está basada en la saga de la autora canadiense L.R. Wright, cuya primera entrega, The Suspect, ganó el prestigioso premio Edgar. La adaptación televisiva corre a cargo de Ian Weir, escritor, novelista y productor con una larga trayectoria en la televisión canadiense, conocido por producciones como Arctic Air y Edgemont (donde, curiosamente, también trabajó con Kreuk). Time Out México conversó con Ian Weir sobre la serie, que estrena su primera temporada esta semana en Universal+. No te puedes perder: Kafka: El hombre detrás del adjetivo en la nueva serie de Film&Arts Más allá del misterio, ¿qué espera que el público mexicano descubra o reconozca sobre la naturaleza humana a través de estos personajes? Ian Weir: Espero que las audiencias mexicanas, como las de cualquier otro lugar, se vean a sí mismas en los personajes y en su humanidad. Los detalles de nuestra serie son muy específicos: está filmada en la costa oeste de Canadá y, dentro de su mu

Franz Kafka murió hace más de cien años, pero seguimos usando su apellido para describir situaciones absurdas, burocracias imposibles y esa sensación de estar atrapados en un mundo que no entendemos. Kafka, la serie de seis episodios de Film&Arts, encuentra una manera muy atractiva de acercarse a él: en lugar de contar su vida de principio a fin, lo reconstruye a través de las personas que realmente lo conocieron. Su padre, Max Brod, Felice Bauer, Milena Jesenská y Dora Diamant son quienes, aunque muchas veces quedan relegados cuando hablamos del escritor, aquí toman el protagonismo. El elenco está encabezado por Joel Basman como Kafka, acompañado por David Kross, Liv Lisa Fries, Lia von Blarer, Nicholas Ofczarek y Tamara Romera Ginés. Detrás de esta mirada se encuentran dos creadores que llegan desde lugares muy distintos, pero que parecen hechos para encontrarse con este proyecto: el director austríaco David Schalko (Braunschlag) y el escritor Daniel Kehlmann (La medición del mundo), quien elaboró el guion a partir de la monumental biografía de Reiner Stach. La serie no intenta resolver el misterio de Kafka, sino entender cómo su vida terminó convirtiéndose en literatura; mientras más conocemos al hombre a través de quienes lo rodearon, más complejo y enigmático se vuelve. Time Out México conversó con David y Daniel acerca de esta producción, que se estrenó el 6 de agosto en Latinoamérica por Film&Arts, con un nuevo episodio cada jueves. No te puedes perder: "Se alimentaban

Carlos Santos ha construido un universo propio dentro de la comedia mexicana con películas que se ríen de nuestras contradicciones y de lo absurdo de la vida cotidiana. Desde Chilangolandia hasta Señora Influencer y ¡Qué huevos, Sofía!, su humor busca la crítica y encuentra la forma de hablar de temas sociales a través de personajes reconocibles en situaciones que se salen de control. Ahora, Santos lleva ese juego al cine dentro del cine con Loco México Mágico. En Alvarado, Veracruz, un alcalde decide filmar una película al estilo Hollywood para convertir a su pueblo en un destino turístico, aunque nadie sepa realmente cómo hacerla. Al frente de este desastre están Daniel Sosa, en su primer protagónico cinematográfico, Silverio Palacios, Fernando Cuautle (en una faceta cómica) y Sofía Carrera. Time Out México platicó con ellos sobre hacer cine con fe, perder el control y descubrir nuevas facetas como actores. También te puede interesar: "Descubrir la verdad en nuestro país conlleva un riesgo tremendo": Fernando Rovzar El alcalde de Loco México Mágico quiere hacer una película para atraer turismo y conseguir votos. ¿Qué te interesaba más satirizar: la política, la industria del cine o nuestra obsesión por convertir todo en un producto? Carlos Santos: Más que satirizar, buscaba celebrar. En alguna etapa de mi vida hice videos para gobernadores y presidentes municipales, y me topé con que también había mucho entusiasmo. De repente se ha hecho villano al político, con justa razón

En dos décadas, el productor Fernando Rovzar ha demostrado que no solo quiere entretener, también desea tener algo que decir. Desde Sr. Ávila (ganadora de un Emmy Internacional), Monarca y Control Z, su búsqueda por la mejor historia lo llevó a encontrar la de Las Azules, el primer cuerpo femenino de policía en México fundado en 1971. Rovzar tomó esa historia real y la convirtió en un thriller sobre cuatro mujeres que entran a una institución que no está preparada para ellas y terminan investigando a un asesino serial. Bárbara Mori, Amorita Rasgado, Ximena Sariñana y Natalia Téllez interpretan a María, Gabina, Ángeles y Valentina, cuatro mujeres que en la primera temporada tuvieron que descubrir qué significaba realmente llevar una placa. La serie llegó a los Emmy Internacionales con una nominación y ahora regresa para una segunda temporada mucho más peligrosa. Las Azules ya están dentro del sistema, y un nuevo caso las lleva hasta un lugar del pasado de México que sigue doliendo, porque hay verdades que el poder preferiría mantener enterradas. Time Out México se sentó con Fernando Rovzar para hablar de cómo se construye una historia cuando ya conoces a tus personajes y qué pasa cuando intentar cambiar un sistema desde adentro puede ponerte en peligro. No te puedes perder: "Se alimentaban de amor": Los secretos detrás de la segunda parte de Cien años de soledad En la preparación de esta nueva temporada, llegaste con una idea preconcebida. ¿Qué te sorprendió al avanzar en la p

La primera parte de Cien años de soledad terminó con Macondo dejando atrás la inocencia: el pueblo creció, llegaron las guerras y los Buendía comenzaron a repetir los mismos amores, errores y soledades. La segunda parte entra de lleno en esa familia cuando el mundo que construyeron empieza a cambiar para siempre. Ahí aparecen Aureliano Segundo y José Arcadio Segundo, los gemelos que interpreta Julián Román (Hasta que te conocí); Petra Cotes, una mujer que vive el amor y el deseo con una libertad que pocos personajes de Macondo se permiten, interpretada por Ángela Cano (La reina del flow); y Fernanda del Carpio, que llega a la familia con sus ideas de tradición, religión y orden, interpretada por Carla Baratta (Mayans M.C.). Son personajes que llegan cuando Macondo ya no está construyéndose, sino acercándose a su final, y cada uno carga de una manera distinta con la historia de los Buendía. Time Out México platicó con Julián, Ángela y Carla sobre lo que significa entrar a un universo que millones de lectores llevan décadas imaginando y construir personajes que ya tienen una vida antes de aparecer en pantalla. La segunda parte ya está disponible en Netflix y el último episodio de Cien años de soledad llegará el 26 de agosto. No te puedes perder: El nuevo slasher queer: Hannah Einbinder y Gillian Anderson se confiesan Cien años de soledad es una historia donde nadie existe completamente solo. Cada personaje carga con las decisiones y los errores del pasado. Como actores, ¿eso ca

En el cine de terror, la “Final Girl” es la mujer que sobrevive al asesino cuando todos los demás han muerto: Laurie Strode, Nancy Thompson, Sidney Prescott. En Adolescencia, sexo y muerte en el campamento Miasma la historia toma a esa figura y se pregunta qué pasa cuando la película termina, pero ella tiene que seguir viviendo con el mito. La trama sigue a Kris, una joven directora queer interpretada por Hannah Einbinder, que intenta revivir una vieja franquicia slasher. Para lograrlo busca a Billy (Gillian Anderson), la actriz que protagonizó la cinta original. El encuentro entre ambas se convierte en una historia de obsesión, deseo y ficción que empieza a borrar los límites entre la realidad y la pantalla. La dirige Jane Schoenbrun, una de las voces más interesantes del nuevo cine queer, responsable de I Saw the TV Glow. Aquí toma todo lo que ama del slasher, los campamentos, el sexo, la sangre y las “Final Girls”, para transformarlo en un relato sobre identidad y deseo. El choque actoral es un gancho irresistible: Hannah, que viene de la recién terminada serie Hacks, y Gillian, una actriz que lleva décadas sabiendo lo que significa quedar atrapada en un personaje icónico como Dana Scully. También puedes leer: "Wile E. Coyote somos todos": Will Forte y la redención del eterno Time Out México conversó con ambas sobre el estreno del filme en cines nacionales, la construcción de un mito propio y el intento constante de escapar de él. Gillian, ¿qué temes perder ahora que no te

Soy Luna se estrenó en 2016 y nos presentó la historia de Luna Valente, una joven mexicana apasionada por el patinaje que deja Cancún para empezar una nueva vida en Buenos Aires. Allí conoce el Jam & Roller, encuentra nuevos amigos, descubre su pasión por la música y vive un intenso triángulo amoroso entre Simón, su mejor amigo de la infancia, y Matteo, mientras enfrenta la rivalidad con Ámbar y el misterio sobre su verdadera identidad. Protagonizada por Karol Sevilla, Michael Ronda y Ruggero Pasquarelli, la serie se convirtió en un fenómeno internacional: llegó a casi 150 países, fue doblada a 15 idiomas, reunió a más de 59 millones de espectadores solo en Latinoamérica, generó giras que convocaron a más de un millón de personas y cosechó más de 30 premios. Diez años después, la historia continúa con Soy Luna: Volver a rodar. La nueva temporada retoma la vida de Luna tras un accidente que la alejó del patinaje profesional y la obliga a regresar al Jam & Roller para reencontrarse con Matteo, Simón y sus viejos amigos. Todo esto mientras enfrenta nuevas heridas, a un misterioso villano y el reto de volver a creer en sí misma. Time Out México conversó con sus protagonistas sobre los 12 episodios nuevos, ya disponibles en Disney+, y los personajes que marcaron a toda una generación. Te puede interesar: "Seguimos fracasando, pero ahora esquivamos balas": El elenco de Stuart Fails to Save the Universe Me tocó entrevistarlos cuando Soy Luna estaba por empezar. En ese momento era un