Stivi de Tivi

John Carney lleva más de veinte años haciendo películas donde la música no está para decorar escenas, sino para hablar de quiénes somos. Desde Once, que ganó el Oscar por "Falling Slowly", pasando por Begin Again, Sing Street y Flora and Son, sus historias siempre terminan hablando de sueños, arrepentimientos y segundas oportunidades. Ahora regresa con Letras Robadas, una película que parece una comedia musical, pero que en realidad se pregunta: ¿qué pasa cuando ves a otra persona triunfar con algo que nació de ti? La historia sigue a Rick Power, un cantante de bodas interpretado por Paul Rudd, que alguna vez soñó con convertirse en estrella de rock. Todo cambia cuando conoce a un exídolo juvenil, interpretado por Nick Jonas, y descubre que una canción que él escribió termina convirtiéndose en un éxito mundial en la voz equivocada. Carney explora el orgullo, el ego, la autoría y qué habría pasado si hubiéramos tomado otro camino. La música siempre ha estado presente en la carrera de Paul Rudd, como lo vimos en This Is 40, pero en Letras Robadas canta desde la vulnerabilidad. Por eso, Time Out México platicó con él sobre el papel que la música ha tenido en su trayectoria, el cine de John Carney y los sueños que no se cumplieron. También puedes leer: "Pensé que lo haría por la hipoteca": Anna Faris sobre su inesperado regreso a Scary Movie Has cantado antes en películas, pero normalmente desde la comedia. Aquí, en cambio, la música forma parte del corazón emocional de la histor

Leo Woodall, discretamente, se ha convertido en uno de los actores más prolíficos de la industria. Tras su aclamado trabajo en la segunda temporada de The White Lotus, saltó a la serie romántica One Day, a la acción de Citadel y a la intensidad de Prime Target. Esta semana, nos lleva a un terreno inexplorado con la película El afinador, donde interpreta a Niki, un exprodigio del piano que vive con hiperacusia, una condición que vuelve cada sonido insoportablemente intenso. Lo que parece una maldición termina acercándolo al crimen cuando descubre que su oído perfecto puede abrir cajas fuertes. En lugar de convertir esto en un thriller convencional, la cinta apuesta por un enfoque mucho más íntimo. Dirigido por Daniel Roher, el documentalista ganador del Oscar por Navalny, este filme se siente menos como una película de robos y más como una historia sobre obsesión, ansiedad y talento desperdiciado. Time Out México conversó con Woodall sobre actuar desde el sonido e improvisar junto a una de las leyendas del cine. Interpretar a alguien hipersensible al sonido casi se siente como una metáfora de la actuación. Los grandes actores suelen notar pequeños detalles humanos que otras personas no perciben. ¿Este papel agudizó tu manera de observar a la gente y el comportamiento humano? Leo Woodall: Es una gran pregunta, porque sí, totalmente. La hiperacusia te vuelve increíblemente consciente de cada sonido que existe. Actuar es, en gran medida, un ejercicio de escucha. Entonces, para mí

Leonardo Sbaraglia es un actor argentino que ha logrado triunfar en su país, en las industrias española y mexicana, y hasta en Hollywood. Lo hemos visto en películas como Relatos salvajes, Dolor y gloria y La odisea de los giles, pero también en series como Élite, Las Azules y Menem. Ahora vuelve a encontrarse con Pedro Almodóvar en una de las películas más personales de toda la carrera del director manchego. Amarga Navidad, que tuvo su paso por el Festival de Cannes como parte de la Selección Oficial, es una película sobre el duelo, la creación y la forma en la que los artistas convierten la vida en ficción. La historia sigue a Elsa, una mujer que atraviesa una crisis emocional tras la muerte de su madre, mientras Raúl, un cineasta, comienza a escribir una historia inspirada en ella. Sbaraglia interpreta a este personaje, un hombre que observa y escribe; un papel contenido y profundamente ligado al universo de Almodóvar. Time Out México pudo conversar con el actor sobre lo que significa ser un "chico Almodóvar", el peso del legado y su experiencia al trabajar con Aitana Sánchez-Gijón. También puedes leer: "La verdadera comedia vive en las rarezas", Tina Fey y Colman Domingo sobre 'Las cuatro estaciones" La película no es emocional en el sentido clásico, es mucho más contenida. ¿Cómo se actúa una emoción cuando el guion no te pide explotarla, sino casi esconderla? Leonardo Sbaraglia: Me gusta la pregunta. La verdad, ese es justamente el desafío. Y creo que eso es un poco t

La fama suele venderse como la meta definitiva para alcanzar reconocimiento, éxito y acaparar reflectores. Sin embargo, El precio de la fama parte de una premisa mucho más incómoda: ¿qué pasa cuando aquello que siempre anhelaste termina controlando tu vida? La nueva serie de ViX nos lleva detrás de cámaras de la industria del entretenimiento a través de Mía Moreno, una actriz de telenovelas que ha pasado toda su vida frente al público y que, tras perder un protagónico ante una estrella más joven, ve cómo su mundo empieza a derrumbarse. Lo que parece una historia sobre rivalidad, se convierte rápidamente en un thriller de manipulación, chantaje y poder; un sistema capaz de construir figuras públicas y destruirlas con la misma facilidad. Es una serie sobre la fama, sí, pero sobre todo del costo de vivir dentro de una maquinaria donde la imagen vale más que las personas. Eréndira Ibarra ha forjado una carrera distinta a la convencional, apostando por personajes femeninos complejos en proyectos como Infames, Sense8, Ingobernable y Matrix Resurrections. Por su parte, Andrés Palacios ha sido testigo de varias generaciones en la televisión mexicana, transitando con naturalidad entre melodramas, series, cine y plataformas, consolidándose como uno de los actores más sólidos y versátiles. En Time Out México conversamos con ambos sobre El precio de la fama, pero también sobre identidad y poder en la industria. No te puedes perder: Entrevista a David Pablos por 'En el camino' Empezaste e

David Pablos es una de las voces más importantes y constantes del cine mexicano contemporáneo. Desde Las elegidas, una película brutal sobre la trata de personas, hasta El baile de los 41, donde retrató la represión y la doble moral en torno a la homosexualidad en el México de inicios del siglo XX, su cine ha girado siempre alrededor de personajes atrapados en sistemas de violencia, machismo o silencio emocional. Ahora regresa con En el camino, historia galardonada con el premio principal de la sección Horizontes en el Festival de Venecia. La cinta sigue a dos hombres dentro del universo de los traileros mexicanos, uno joven y otro endurecido por la carretera, que terminan construyendo una relación afectiva y sexual en uno de los ambientes más masculinos y hostiles imaginables. Aunque el cine mexicano ya cuenta con películas fundamentales de temática LGBTQ+ como Y tu mamá también, El lugar sin límites, Carmín tropical, Todo el silencio o la propia El baile de los 41, lo interesante de En el camino es que sitúa a sus personajes queer en espacios "artísticos" o urbanos, y dentro de un territorio históricamente asociado al macho mexicano: la carretera, los tráileres y el norte del país. No te puedes perder: “Debía encontrar mi propio camino”: Javier Bardem sobre la nueva versión de Cabo de Miedo Time Out México conversó con el director David Pablos y con el actor Osvaldo Sánchez sobre este filme que no solo habla del deseo entre hombres, sino de aquellos que crecieron aprendiend

Cabo de Miedo nació como una novela en los años 50 llamada The Executioners. Tuvo una primera adaptación al cine en 1962 y, posteriormente, una versión legendaria dirigida por Martin Scorsese con Robert De Niro en 1991. Ahora regresa como serie para Apple TV, pero con una mirada mucho más actual. La historia sigue a Max Cady, un hombre que sale de prisión dispuesto a enfrentar a la familia del abogado que ayudó a condenarlo; sin embargo, esta vez el foco no está solo en la venganza, sino en la culpa, los secretos y las consecuencias de decisiones que parecían enterradas. Al frente del reparto están Javier Bardem, Amy Adams y Patrick Wilson, tres actores que han construido sus carreras explorando personajes complejos y llenos de contradicciones. Bardem ha dado vida a algunos de los villanos más inquietantes del cine moderno, mientras que Adams se ha convertido en una especialista en retratar emociones que hierven bajo la superficie. Time Out México conversó con la nominada al Oscar, Amy Adams, y el ganador del Oscar, Javier Bardem, sobre esta nueva versión de Cabo de Miedo y el temor a que se descubran nuestras mentiras. No te puedes perder: José María Yazpik: "El dinero llega, pero el respeto se gana siendo fiel a uno mismo" Max Cady ya fue interpretado por dos gigantes: Robert Mitchum y Robert De Niro. ¿Querías alejarte de esas versiones o había algo que sentías indispensable conservar? Javier Bardem: Como dices, son dos actores gigantescos y dos interpretaciones icónicas, a

José María Yazpik posee una de las trayectorias más inusuales del cine y la televisión en México. Mientras muchos actores buscaban la fama rápida, él forjó un camino mucho más silencioso, paciente y arriesgado. Pasó de proyectos como La vida en el espejo a trabajar en producciones internacionales como Narcos: México y a dirigir Polvo. Ahora llega Futuro desierto, una serie que también resulta atípica dentro de nuestra industria. En ella interpreta a Alex, un psicólogo especialista en comportamiento humano que trabaja para una poderosa empresa tecnológica dedicada a desarrollar androides casi indistinguibles de las personas. Tras perder a su esposa, Alex se muda con sus hijos a Chiapas junto a María (interpretada por Astrid Bergès-Frisbey), un androide diseñado por su propia mujer antes de morir para ocupar el rol materno en la familia. Aunque la producción aborda la inteligencia artificial y la robótica, en el fondo explora temas tan humanos como el duelo, la familia y el vacío emocional. La serie, creada por Lucía y Nicolás Puenzo, es una obra de ciencia ficción con identidad propia que no busca imitar a Hollywood. No hay ciudades futuristas ni explosiones; hay selva chiapaneca, silencios, familias rotas y preguntas incómodas. También puedes leer: De Spider-Man a La ladrona del tiempo: La evolución de Emilio Treviño en el doblaje Time Out México conversó con Yazpik sobre su carrera y los personajes complejos, incómodos y profundamente humanos que disfruta interpretar. Tu car

He-Man nació como un juguete antes de convertirse en caricatura. A principios de los ochenta, Mattel quería competir con el fenómeno de Star Wars y terminó creando a un guerrero musculoso con una espada mágica, castillos gigantes y un villano con cara de calavera llamado Skeletor. Después llegó la caricatura de Filmation y todo explotó. Para la generación de esa década, Masters of the Universe era regresar de la escuela, correr a prender la tele y escuchar: "¡Yo tengo el poder!". En 1987 intentaron llevarlo al cine con Dolph Lundgren como He-Man y Frank Langella como Skeletor. La película fue un caos de producción, se quedaron sin dinero y fue un fracaso en taquilla. Hoy, es una cinta de culto. Durante décadas hubo guiones cancelados, estudios peleando por los derechos y actores que estuvieron a punto de levantar la espada de poder. Finalmente llegamos a Eternia. La nueva película sigue a Adam, un niño separado de otro universo que crece en la Tierra antes de reencontrarse con su destino y enfrentarse a Skeletor. Travis Knight es el director de este filme, y entiende muy bien lo que significa cargar con personajes que ya viven en la memoria colectiva. Viene de dirigir Bumblebee y, antes de eso, trabajó en Laika, donde dirigió el filme animado en stop motion, Kubo and the Two Strings. Time Out México conversó con Travis sobre crecer con estos personajes, los juguetes y las caricaturas en una época en la que las franquicias parecen tener miedo de ser honestas con su origen. Co

La primera temporada de Las cuatro estaciones comienza como unas vacaciones entre amigos y termina abordando temas como el matrimonio, el duelo, las amistades longevas y esa extraña sensación de darse cuenta de que todos crecen, pero a distintos ritmos. Basada en la película homónima de 1981 de Alan Alda, Tina Fey y Tracey Wigfield transformaron la premisa en una obra mucho más actual y emotiva. Cada par de episodios representa una estación del año (primavera, verano, otoño e invierno) en la que este grupo de amigos se reúne para vacacionar y examinar cómo han cambiado. Tina Fey, quien redefinió la comedia televisiva con 30 Rock, muestra aquí una faceta mucho más íntima y vulnerable. La acompaña Colman Domingo, quien viene de una racha espectacular con proyectos como Rustin, Euphoria y Sing Sing, y que además dirige algunos episodios. Por su trabajo en esta serie, Domingo fue nominado al Emmy como Mejor Actor en Serie de Comedia. El elenco lo completan Steve Carell, Will Forte, Kerri Kenney-Silver, Marco Calvani y Erika Henningsen. Time Out México conversó con Tina y Colman sobre sus aventuras en Italia y sobre esta nueva temporada que promete conmover a más de uno. No te puedes perder: Ana Serradilla y Jesús Zavala exploran el terror mexicano con "No dejes a los niños solos" ¿Cómo abordaron en el cuarto de escritores la evolución de las amistades y las relaciones de muchos años, especialmente cuando las personas empiezan a cambiar a ritmos distintos? Tina Fey: Creo que algo

Scary Movie tomó el terror que dominaba el cine a finales de los 90 y lo rompió sin pedir permiso. Con los hermanos Shawn y Marlon Wayans al frente, y una inesperada protagonista como Anna Faris, la película se burló de Scream y redefinió la comedia de parodia: más rápida e incómoda. Fue un éxito inmediato, pero lo más interesante es que nunca se fue. Encontró nuevas generaciones, nuevos públicos y hasta nuevos idiomas; en México, por ejemplo, vive con fuerza en español a través de memes y frases que siguen circulando más de dos décadas después. En junio regresa Scary Movie con algo que parecía imposible: los Wayans recuperando el control creativo y el elenco original reuniéndose otra vez (Regina Hall y Cheri Oteri también están), es un regreso al origen. Time Out México conversó con Anna Faris, Shawn Wayans y Marlon Wayans sobre el impacto de la saga y lo que significa volver hoy a un universo que, sin buscarlo, terminó siendo parte de la cultura pop. También puedes leer: Slashers famosos (que nos encantan) y legendarios del cine Cuando piensan en la primera Scary Movie, antes del dinero, de la franquicia y de que fuera lo que es hoy, ¿qué recuerdan realmente? Anna Faris: Honestamente, estaba aterrada. No sabía lo que estaba haciendo, no tenía agente y no tenía experiencia en comedia. Sentía que en cualquier momento alguien iba a decir: “Ok, ya descubrimos que no eres graciosa”. Llegué a Los Ángeles como una extraña, como una estudiante de intercambio en un lugar donde todos

Emilio Treviño lleva prácticamente toda su vida dentro de una cabina de doblaje. Con apenas 27 años, suma más de dos décadas de carrera prestándole su voz a personajes que marcaron a toda una generación: desde Miles Morales en Spider-Man, Denji en Chainsaw Man y Paul Atreides en Dune, hasta producciones provenientes de Japón, Australia, Estados Unidos y, ahora, China. Para Emilio, la animación se ha convertido en un lenguaje universal donde el país de origen pasa a segundo plano, pues al final, el público conecta con las emociones. Ahora, el actor llega con La ladrona del tiempo, una cinta animada china que entrelaza romance, fantasía, acción y viajes temporales. La historia sigue a una joven que descubre un artefacto capaz de alterar el tiempo, cuyo camino se cruza con Diecisiete, un asesino criado estrictamente para obedecer órdenes. Aunque por fuera Diecisiete parece frío, serio y casi imposible de leer, en realidad es alguien roto emocionalmente; un joven que nunca aprendió a expresar cariño ni a sentir sentido de pertenencia. Es ahí donde Emilio encaja a la perfección: si algo ha demostrado en su trayectoria es su habilidad para interpretar personajes con una profunda emoción contenida. Lo hemos escuchado dar vida a héroes, villanos, adolescentes perdidos y seres llenos de dolor, siempre con una naturalidad que trasciende el doblaje tradicional. A propósito del estreno de La ladrona del tiempo esta semana en cines, Emilio conversó con Time Out México. No te puedes perder

Spider-Noir toma todo lo que conocemos de Spider-Man y lo traslada a un escenario completamente distinto. Basada en los cómics de Marvel Noir, la historia nos ubica en la Nueva York de los años 30, en plena Gran Depresión, un mundo asfixiado por la corrupción, el crimen y la desesperanza. Seguimos a Ben Reilly, un detective privado cansado, marcado por su pasado y que solo intenta sobrevivir. La serie ya se estrenó en Amazon Prime Video con Nicolas Cage como protagonista, bajo la pluma de Oren Uziel (escritor de 22 Jump Street), quien esta vez apuesta por una narrativa mucho más oscura, silenciosa y atmosférica. En medio de este caos aparecen Lamorne Morris y Karen Rodriguez. Lamorne viene de triunfar en comedias como New Girl, aunque recientemente demostró en Fargo, trabajo que le valió un Emmy, que también domina los mundos densos. Para Karen, en cambio, este es el primer gran papel de su carrera; interpreta a Janet, la secretaria de Ben. Ambos actores logran el equilibrio perfecto frente a la intensidad de Cage y el tono sombrío de la serie. Spider-Noir es una historia detectivesca clásica, llena de humo, sombras y personajes que buscan una chispa de esperanza. Time Out México conversó con Lamorne y Karen sobre el reto de entrar a este universo y convivir con una de las versiones más peculiares de Spider-Man. No te puedes perder: "El cine es un truco de magia": El reto de Jon Favreau para hacer gigante a The Mandalorian Nicolas Cage es conocido por su intensidad y por ser