Stivi de Tivi

La producción Lobo, Morir Matando de Telemundo Studios arranca planteando un mundo donde la violencia es un evento aislado y el contexto. Ahí conocemos a Antonia Lazo, una agente que no solo persigue criminales, intenta sostener algo mucho más frágil: la idea de justicia. Entre persecuciones, decisiones al límite y una niña que lo cambia todo, la serie avanza como un thriller, pero en el fondo es una historia sobre en quién decides convertirte cuando todo a tu alrededor está roto. Y justo ahí entra Fátima Molina. Su versión de Antonia no es una heroína de pose; es una mujer que carga con el peso de hacer lo correcto en un sistema que no siempre responde. Hay fuerza en ella, pero también contención, dudas y una profunda sensibilidad. Es el tipo de personaje que no trata de caer bien, busca ser verdadero y eso, en una producción de acción, se siente distinto. Time Out México conversó con Fátima para entender que esa verdad en pantalla no es casualidad. Su carrera ha sido todo menos lineal: ha pasado desde proyectos íntimos en el cine independiente como Sueño en otro idioma, hasta producciones masivas como Te acuerdas de mí. Cuando leíste el guion de Lobo, Morir Matando por primera vez, ¿qué sentiste? ¿Hubo algo que te incomodara? Para ser muy honesta, lo que más me gustó es que en esta historia los buenos son los policías, los héroes, y que ya no estamos regresando al formato donde los villanos son los protagonistas. Me atrapó muchísimo porque estamos viviendo momentos críticos

Todo empezó con una idea simple y brutal: alguien desconocido toca a tu puerta y corres peligro. Los Extraños nació así en 2008, como un miedo sin explicación que se volvió un referente del terror moderno. Años después, esa premisa crece con una nueva trilogía que no solo repite el ataque, profundiza en lo que viene después: el trauma, la supervivencia y cómo alguien cambia para siempre. Aquí seguimos a Maya (Madelaine Petsch), una joven que pasa de ser víctima a enfrentarse a algo mucho más complejo; una historia concebida como un solo viaje dividido en tres capítulos. Las tres entregas fueron dirigidas por Renny Harlin, quien nos entrega menos ruido y más tensión; menos explicaciones y más incomodidad. Las películas se filmaron como una sola pieza, lo que permite observar la evolución emocional del personaje casi en tiempo real. No se trata solo de escapar, trata de entender qué queda después del miedo y en quién te conviertes cuando sobrevives. Incluso la pregunta central cambia: ya no es solo quiénes son los asesinos, ahora es quién termina siendo el verdadero extraño. Harlin es un director que lleva décadas construyendo el peligro en pantalla. Desde la acción explosiva de Duro de matar 2(Die Hard 2) o Riesgo total (Cliffhanger) hasta el suspenso más contenido, su cine siempre ha girado en torno a personajes llevados al límite. Hoy, con la nueva trilogía de Los Extraños, no busca solo adrenalina, es ese miedo silencioso e inexplicable. Time Out México conversó con el real

James Bond no es solo un personaje; es un símbolo. Representa la idea del éxito británico, la elegancia y el poder, pero también dicta quién pertenece y quién no. Justo ahí es donde entra Bait, una serie que toma ese mito, lo sacude y lo convierte en algo mucho más incómodo y real. Y es que Bait no trata realmente sobre ser James Bond. Trata sobre un actor que, de pronto, queda atrapado entre quién es y quién cree que debe ser cuando su nombre empieza a sonar para encarnar al nuevo 007. Es una comedia, sí, pero también aborda la ansiedad, la familia, la identidad y la ambición. Captura ese momento en el que la vida entera se siente como una audición constante. Riz Ahmed —actor, músico, creador y ganador del Oscar y el Emmy— es una de las voces más interesantes en la actualidad cuando se habla de identidad y representación. Ahora es el productor, creador y protagonista de Bait, su proyecto más personal, arriesgado y libre hasta la fecha. La serie ya está dando de qué hablar, se perfila como una fuerte candidata para la temporada de premios y sus seis episodios ya están disponibles en Prime Video. Te puede interesar: Los hermanos Muschietti apuestan por el nuevo terror con "Te van a matar" Time Out México platicó con el histrión británico de ascendencia pakistaní sobre lo que significa intentar encajar cuando el mundo ya ha decidido quién debería ser el protagonista. En un mundo dominado por franquicias, ¿cómo lograron hacer algo original usando una figura como James Bond? Dura

La serie DOC se mantiene en los primeros lugares de Netflix, y no es casualidad. La historia arranca con el doctor Andrés Ferrara (Juan Pablo Medina), quien, tras un accidente, pierde la memoria de los últimos años de su vida y debe volver a ejercer, reconstruirse y entender en quién se ha convertido. Es una trama sobre medicina, pero también sobre identidad, decisiones y segundas oportunidades. Esta semana estrena su segunda parte con 20 episodios. Dentro de este universo hay un personaje que no busca caer bien y, justo por eso, resulta imposible de ignorar: Irene. Una mujer que se mueve en las esferas de poder, que no levanta la voz porque no lo necesita, que entiende el sistema y sabe cómo jugarlo. Es fría, estratégica y siempre va un paso adelante. Detrás de este personaje se encuentra Alejandra Ambrosi, una actriz que lleva años construyendo una sólida carrera en cine, teatro y televisión, apostando siempre por personajes con filo y contradicciones. Desde Soy tu fan hasta sus proyectos más recientes, su camino se ha caracterizado por evitar lo fácil y elegir lo interesante. Te puede interesar: “Todos cambiamos por los obstáculos”: Juan Pablo Medina sobre DOC Aprovechando el estreno de la segunda parte de DOC —una producción de Sony Pictures Television—, Time Out México conversó con Ambrosi sobre el poder, las decisiones corporativas y el impacto que estas tienen en la vida de muchísimas personas. DOC es una historia que ha funcionado en Italia, en Estados Unidos y ahora

Andy y Barbara Muschietti nacieron en Argentina y comenzaron su carrera dirigiendo y produciendo historias personales, un camino que poco a poco los llevó más lejos. Primero con Mamá y después con IT, dieron el gran salto a Hollywood y entraron de lleno a las grandes ligas. Sin embargo, no se conformaron con su propio éxito: decidieron abrir la puerta a nuevos talentos, tal como alguien lo hizo por ellos en su momento. Hoy son dueños de su propia casa productora, Nocturna, y Te van a matar es su carta de presentación. La trama sigue a Asia (Zazie Beetz), una mujer recién salida de prisión que acepta un trabajo como empleada en un edificio de lujo en Nueva York. Pero desde su llegada, nota que algo no cuadra. Pronto descubre que no se trata de un simple empleo, sino de una trampa orquestada por una comunidad de gente poderosa que lleva años desapareciendo personas. Lo que ellos ignoran es que Asia no llegó ahí por accidente... y no planea irse sin pelear. Además de Beetz, el elenco cuenta con las actuaciones de Patricia Arquette, Tom Felton, Myha’la y Heather Graham. La cinta es dirigida por Kirill Sokolov, un cineasta con un estilo muy particular: altamente visual, violento y cargado de humor negro. Te puede interesar: Flamingos: La vida animal narrada con la calidez de Julieta Venegas Time Out México conversó con los hermanos Muschietti sobre cómo elegir una nueva voz creativa y hasta qué punto es posible reinventar el cine de terror. Más allá de su relación personal, hay un

Flamingos: la vida después del meteorito es un documental que no intenta explicarte a los flamencos, sino acercarte tanto a ellos que terminas entendiendo cómo funciona la vida cuando nadie la controla. El cineasta Lorenzo Hagerman se internó durante 700 días en el norte de la Península de Yucatán para observar el ciclo completo de estas aves: su migración, apareamiento, nacimiento y supervivencia. Lo que encontró no es solo naturaleza, sino una historia de resistencia colectiva. A esto se suma la voz de Julieta Venegas —quien no narra, sino que acompaña— y la música envolvente de Bryce Dessner. Hagerman no viene del cine de naturaleza; su mirada se ha centrado en lo humano dentro de contextos complejos (como en H2Omx, Aquí sigo o Fifaliana), y como fotógrafo ha participado en proyectos tan crudos como Heli. En esta nueva entrega no cambia su forma de hacer cine, pero sí el universo que observa. No estamos ante un simple documental de animales, sino frente a una película que reflexiona sobre el tiempo, la paciencia y lo poco que realmente controlamos. No te pierdas: Mary Bronstein: "Empecé a escribir como una forma de salvarme" Time Out México conversó con Hagerman sobre el arte de soltar el control, aprender a esperar y cómo, al final, las historias no las eliges tú; ellas te encuentran. En tus trabajos anteriores has filmado conflictos, ciudades y lo humano. Aquí, en cambio, te enfrentas a algo que ya existe sin tu intervención. ¿Cómo es entrar a un universo donde no puedes

Nadie imaginó que cuando la película Si pudiera te patearía (If I Had Legs I’d Kick You) se presentó en la Berlinale hace un año, llegaría tan lejos. Lo que comenzó como un drama independiente, pequeño e incómodo, terminó convirtiéndose en uno de los títulos más comentados de la temporada. La historia sigue a Linda, una terapeuta cuya vida comienza a desmoronarse cuando su hija enferma gravemente y su departamento se inunda, obligándola a enfrentar la crisis prácticamente sola. A partir de ahí, la cinta se transforma en un retrato intenso y sumamente honesto sobre el desgaste emocional de una madre que intenta sostener el trabajo, la culpa y el miedo al mismo tiempo. La protagonista es Rose Byrne, quien entrega una actuación aclamada por la crítica y que hoy le vale una nominación al Oscar. El reparto lo completan figuras como Conan O'Brien, Christian Slater y A$AP Rocky. Detrás de esta historia se encuentra Mary Bronstein, directora del cine independiente estadounidense que regresa al largometraje después de 17 años con una obra profundamente personal. Gracias al impacto de este filme, Bronstein ahora desarrollará una nueva serie para Apple TV+ titulada The Nanny Squatter, protagonizada por Julia Louis-Dreyfus. Time Out México tuvo la fortuna de conversar con la directora sobre el extraordinario viaje de su película y su relación creativa con Rose Byrne. ¿Qué te inspiró a escribir esta historia? Nace de un lugar muy personal. Cuando mi hija tenía siete años —ahora tiene 16 y

Durante más de veinte años, Steve Carell ha demostrado algo muy raro en Hollywood: que se puede pasar de la comedia más incómoda a los dramas más oscuros del cine. Primero conquistó la televisión con The Office gracias a Michael Scott, uno de los personajes cómicos más influyentes del siglo XXI. Después, expandió su carrera con películas como The 40-Year-Old Virgin y Little Miss Sunshine, y sorprendió con interpretaciones dramáticas como Foxcatcher, que incluso le valió una nominación al Oscar. Ahora, Carell regresa a la televisión con Rooster (HBO Max), una comedia creada por Bill Lawrence, el productor detrás de exitosas series como Scrubs, Ted Lasso y Shrinking. La historia sigue a Greg Russo, un novelista exitoso que llega a una universidad para dar una charla y termina quedándose mucho más tiempo de lo previsto cuando la vida de su hija —profesora en ese mismo campus— comienza a desmoronarse. Lo que parecía una visita breve se convierte en una convivencia incómoda entre dos adultos que tienen que volver a aprender a relacionarse: un padre que ya no puede proteger a su hija como antes, y una hija que intenta construir su propia vida sin sentirse juzgada. Rooster le permite a Carell volver a un terreno que domina: la comedia que nace de lo humano, de personajes imperfectos, incómodos y profundamente reales. Time Out México conversó con el actor sobre lo que pasa cuando, tras pasar media vida haciendo reír, decide regresar a ese territorio, pero con toda la experiencia que

For All Mankind empezó con una pregunta simple: ¿qué habría pasado si Estados Unidos no hubiera sido el primer país en conquistar la Luna? Cuatro temporadas después, la respuesta ya no está en nuestro satélite natural… está en Marte. La serie creció, el universo se expandió y ahora lo que está en juego no es llegar, sino quedarse. Para quien nunca la ha visto, es una historia de ciencia ficción cargada de política, dinámicas familiares y decisiones que se heredan. Para los fans, es el momento exacto en el que todo lo construido empieza a pasarle factura a la siguiente generación. Ahí es donde aparece Alex Baldwin. Lo interesante es que no es el típico protagonista de una epopeya espacial: él no eligió este mundo, nació en él. Es hijo y nieto de figuras clave en la historia, lo cual lo coloca en una posición incómoda. Carga con un apellido que pesa, una expectativa que nunca pidió y un entorno donde todo fue conquistado mucho antes de su llegada. Alex no busca ser el primero; simplemente intenta entender quién es en medio de todo ese caos. Te puede interesar: "Es lo mejor que he hecho": Lisa Kudrow sobre la nueva era de The Comeback Y es justo ahí donde entra Sean Kaufman. Tras darse a conocer en proyectos juveniles como The Summer I Turned Pretty, se suma a una serie que le exige contención, peso emocional y una compleja historia detrás de cada decisión. Platicamos con Sean sobre su integración a la serie y sobre cómo encontrar tu propio lugar cuando parece que todo ya está e

Lisa Kudrow creó The Comeback como una comedia incómoda sobre una actriz que intenta volver a Hollywood; sin embargo, la serie siempre fue una crítica adelantada sobre cómo la industria convierte la humillación en entretenimiento. La primera temporada se estrenó en 2005, en pleno boom de los reality shows, y resultó tan incómoda que no conectó con el público en su momento. Nueve años después, en 2014, regresó consolidada como una serie de culto, cuando el mundo ya entendía mejor esa obsesión por mirar la vida ajena. En su segunda temporada, la historia ya abordaba cómo el dolor se transforma en contenido. Ahora, en esta nueva etapa, el tema es todavía más inquietante: la inteligencia artificial, la identidad y el miedo a volverse irrelevante. Valerie Cherish ya no solo pelea por un papel, sino por existir en un sistema que podría dejar de necesitar humanos. En el centro de todo sigue Lisa Kudrow, quien, más allá de Friends, ha construido una carrera mucho más arriesgada de lo que parece. Con este personaje no solo actúa, sino que escribe, produce y se adentra en terrenos poco cómodos. Este trabajo le ha valido nominaciones al Emmy y un reconocimiento de la crítica que no ha hecho más que crecer con los años. Time Out México conversó con Kudrow sobre el regreso de The Comeback a HBO, una serie adelantada a su época que hoy se entiende mucho mejor que hace 20 años. Han pasado diez años desde la última temporada. ¿Cómo cambió Valerie en este tiempo? Envejeció diez años. Pero, má

Lo que empezó como un grupo de amigos en Monterrey contando historias de terror, terminó convirtiéndose en una de las comunidades de investigación paranormal más seguidas en México. La Sociedad de las Pesadillas —integrada por Raiza Revelles, Claudia y Andrea Ramírez, Gerardo Avendaño, Pato Ramírez y Renata Revelles— dio el salto de narrar miedo a enfrentarlo. Primero desde lo digital, y ahora desde el cine con la película El Museo de los Warren, un proyecto que los obliga a dejar la comodidad del relato para meterse, literalmente, a los lugares donde esas historias nacieron. El punto de partida es el legado de Ed y Lorraine Warren, los investigadores que marcaron la historia moderna de lo paranormal y que inspiraron casos como El Conjuro, Annabelle y Amityville. El grupo viaja a Estados Unidos para entrar a los espacios reales: el Museo del Ocultismo de los Warren en Monroe, Connecticut; la casa donde vivieron, y la famosa vivienda del caso Perron en Rhode Island, mejor conocida como la casa de El Conjuro. Lugares con historia y una carga que no se puede ignorar. Time Out México platicó con los integrantes de La Sociedad de las Pesadillas sobre el momento en que el juego se volvió real, su salto del contenido digital a la pantalla grande y lo que implica enfrentarse a los espacios que marcaron la historia de los Warren. La Sociedad de las Pesadillas empezó como algo para entretenerse entre ustedes, pero terminó llevándolos a lugares reales, físicos. ¿En qué momento dejó de s

El thriller policiaco en México no es un género nuevo, pero posee una personalidad muy distinta a la de otras latitudes. Aquí no se trata solo de resolver un caso, sino de entender el contexto que lo rodea: la corrupción, la violencia y las instituciones que no siempre funcionan. En cintas como Bajo la sal o Miss Bala, e incluso en obras más oscuras y contenidas como Heli, lo policiaco se mezcla con lo brutalmente cotidiano. Este es el terreno en el que se mueve Psicópata asesino del conejo blanco, pero con una vuelta de tuerca: en lugar de enfocarse únicamente en el crimen, se adentra en la mente de quienes lo experimentan. La historia sigue a Nora, una mujer que habita en un equilibrio muy frágil entre la razón y el quiebre emocional; y a Eder, un hombre que ha visto demasiado a lo largo de su carrera. Lo interesante es que la película no lleva al espectador de la mano: suelta piezas, oculta otras y obliga a completar el rompecabezas. Aquí no hay un "caso" tradicional ni un villano claro, sino decisiones, traumas y una sensación constante de que algo anda mal. El "conejo blanco" funciona más como un símbolo que como un elemento literal. Detrás de este proyecto hay un elenco y un equipo que entienden a la perfección dicho tono. Adriana Llabrés lleva tiempo moviéndose en proyectos arriesgados, con personajes incómodos y emocionalmente complejos. Hoze Meléndez suele apostar por interpretaciones contenidas, alejadas del cliché, lo cual juega a su favor en esta entrega. Por su p