Stivi de Tivi

En los años setenta, cuando el video apenas comenzaba a explorarse, Pola Weiss ya estaba desafiando sus límites. Bailaba frente a la cámara, manipulaba electrónicamente la imagen y mezclaba performance, televisión y autobiografía. Hoy se le reconoce como la pionera del videoarte y la videodanza en México; una artista adelantada a su tiempo que exploró, décadas antes, la relación entre cuerpo, tecnología e identidad frente a la pantalla. Esa historia es la que recupera el documental Pola Weiss, dirigido por la cineasta mexicana Alejandra Lucía Arrieta Méndez, realizadora y artista visual. Su trabajo ha transitado entre el documental, la investigación artística y la curaduría audiovisual, lo que la llevó a descubrir la obra de Pola. La película se construye a partir del enorme archivo personal que la artista dejó (diarios, cartas, fotografías y videos), conservado en el centro de documentación del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM. Con ese material, el filme reconstruye su vida, su proceso creativo y el contexto cultural de un México que todavía no sabía cómo entender lo que ella estaba haciendo. Time Out México conversó con Arrieta sobre redescubrir a una artista que imaginó el lenguaje audiovisual de hoy mucho antes de que existieran las redes sociales o los teléfonos con cámara. El documental Pola Weiss se estrena el 5 de marzo y podrá verse en salas y espacios culturales como Cinemex, la Filmoteca de la UNAM, el Museo Universitario del Chopo y el Cent

Cuando Seth MacFarlane estrenó Ted, pocos imaginaban que la historia de un niño y su vulgar oso de peluche se convertiría en una de las comedias más exitosas de su generación. Tras Ted 2, MacFarlane decidió volver al origen de esta inusual amistad con una serie precuela ambientada en los años noventa que explora la adolescencia de John Bennett y la caótica convivencia de su familia con un oso parlante que dice todo lo que nadie debería decir. La primera temporada combinó nostalgia noventera y humor, convirtiéndose rápidamente en uno de los estrenos más vistos de Universal+. Ahora, la segunda temporada profundiza en ese momento clave en el que John empieza a definir quién quiere ser, mientras Ted —con la voz y mente creativa de MacFarlane en el centro de todo— sigue siendo su peor influencia y su amigo más leal. Al frente de esta historia se encuentra Max Burkholder como el joven John Bennett. Con una carrera que comenzó desde niño en Parenthood, Burkholder hoy enfrenta el reto de dar vida a la versión adolescente del icónico personaje que el público conoció en las películas. Tambien puedes leer: Entrevista a Hero Fiennes Tiffin sobre la serie El Joven Sherlock Platicamos con Max sobre lo que significa crecer dentro del universo de Ted, cómo es trabajar junto a Seth MacFarlane y lo que podemos esperar de la nueva temporada que estrena esta semana en Universal+. ¿Cómo te sientes ahora con esta segunda temporada, considerando que ya demostraron que la precuela tenía que existir?

Sherlock Holmes ha sido interpretado muchas veces, pero pocas veces lo vemos antes de convertirse en el genio que domina cada habitación. El joven Sherlock parte justo de esa premisa: ¿cómo se forma el detective más famoso del mundo? La nueva serie de Prime Video nos presenta a un Sherlock de 19 años, brillante pero impulsivo, todavía lejos de la leyenda. El papel recae en Hero Fiennes Tiffin, heredero de una de las familias más influyentes del cine británico (sobrino de Ralph y Joseph Fiennes), quien saltó a la fama con la saga After y ahora enfrenta el reto de encarnar a uno de los personajes más icónicos de la historia. Detrás de la serie se encuentra Matthew Parkhill (Deep State) como creador y Guy Ritchie en la dirección, lo que garantiza un misterio clásico con ritmo trepidante, acción física y humor británico. Time Out México conversó con Hero Fiennes Tiffin sobre cómo se construye un mito... antes de que el mito exista. Tuve la oportunidad de hablar con Matthew Parkhill, el creador de la serie, y al preguntarle cómo encontró al actor ideal, me dijo que aportaste algo que ni siquiera él sabía que necesitaba para el personaje. ¿Cómo fue tu proceso de casting?  Estaba de vacaciones en Tailandia y, de hecho, había decidido no trabajar si podía evitarlo. Pero entonces mi agente me envió un correo diciendo que querían que hiciera una audición. Y cuando ves "Sherlock" y "Guy Ritchie" en la misma frase, piensas: "Dios mío, qué oportunidad". Hice la audición, me ofrecieron el

La historia comenzó en la vida real. En 2013, el médico italiano Pierdante Piccioni perdió doce años de memoria tras un accidente automovilístico. De esa experiencia nació la serie italiana DOC, Nelle tue mani, un fenómeno televisivo que cruzó fronteras con una adaptación en Estados Unidos y que ahora llega a México con una nueva sensibilidad, pero con el mismo corazón: la segunda oportunidad. Al frente de esta versión está Juan Pablo Medina, uno de los actores más sólidos y versátiles de su generación. A lo largo de su carrera ha transitado con naturalidad entre la comedia y el drama en proyectos como La casa de las flores, Soy tu fan y El club de los idealistas. Aquí interpreta a un hombre obligado a reconstruirse desde cero, en una historia que, inevitablemente, dialoga con su propia experiencia de resiliencia. Time Out México platicó con Juan Pablo Medina sobre la memoria, la empatía y lo que significa volver a empezar. DOC se estrena el 4 de marzo en Netflix. Luca Argentero trabajó la redención clínica, Molly Parker el duelo emocional. ¿Qué sentiste que México tenía que decir distinto al abordar este personaje? Preferí no ver las otras versiones para no caer ni en la repetición ni en el intento de alejarme de algo. Quise trabajar únicamente desde el guion, junto al director Francisco Franco y los guionistas. Tuve la oportunidad de hablar con el doctor italiano original y me dijo algo que para él era fundamental: la empatía. Eso era lo más importante que quería ver reflej

DTF St. Louis es una miniserie de siete episodios creada y dirigida por Steven Conrad. La producción mezcla drama, humor incómodo y un misterio que se va armando poco a poco. Ambientada en 2018, la historia sigue a tres adultos en plena crisis personal que conectan a través de una aplicación para encuentros extramaritales. Lo que empieza como una vía de escape a matrimonios desgastados, termina escalando hasta convertirse en un crimen que lo cambia todo. En el centro de la trama están Clark, Carol y Floyd. Jason Bateman (Ozark) interpreta a Clark, un presentador local que parece tener todo bajo control frente a la cámara, pero que en su vida privada está perdido y busca sentirse vivo de nuevo. David Harbour (Stranger Things) es Floyd, un intérprete de lenguaje de señas grande y fuerte, pero emocionalmente descolocado, que enfrenta el peso de envejecer y de no reconocerse a sí mismo. Por su parte, Linda Cardellini (Dead to Me) da vida a Carol, una mujer que carga con la responsabilidad económica y emocional de su hogar; mientras su matrimonio se desmorona, ella intenta recuperar algo de control. Time Out México conversó con estos tres talentosos actores quienes se encuentran en uno de los momentos más sólidos de sus carreras, sobre cómo se atreven a explorar el deseo, la identidad y la culpa a través de un humor incómodo y con consecuencias muy reales. “DTF St. Louis” estrena un nuevo episodio todos los domingos en Max. La serie explora la vulnerabilidad en la mediana edad. ¿Q

Sigue mi voz es una película que, desde enero, se posiciona en los primeros lugares de Prime Video. La historia sigue a Clara, una joven que atraviesa una crisis emocional y encuentra refugio en una voz anónima que transmite un programa por internet. La trama aborda temas como la salud mental, el duelo, la ansiedad y la necesidad de sentirse escuchado, explorándolos en un género que no suele hacerlo con tanta profundidad. Esta adaptación española se basa en la novela homónima que proviene del universo literario de la popular autora Ariana Godoy. Ella comenzó publicando en Wattpad, donde construyó una enorme comunidad de lectores antes de dar el salto a las librerías. Su nombre se volvió global con la trilogía A través de mi ventana, obra que también fue llevada a la pantalla y la consolidó como una de las voces más leídas del romance juvenil en español. Sin embargo, Sigue mi voz representa una obra distinta dentro de su carrera. No es solo romance; es una historia mucho más personal. Ariana ha compartido que nació después de atravesar una crisis de salud mental y que escribirla fue un proceso casi terapéutico. Es, probablemente, su libro más íntimo. También puedes leer: Hablamos en exclusiva con Mark C. Eshleman sobre More Than We Ever Imagined Time Out México conversó con Ariana Godoy, quien no solo representa el fenómeno de Wattpad que logró cruzar hacia la industria tradicional, sino también a una generación de autores que hablan de las emociones sin maquillaje. ¿Qué barre

Twenty One Pilots nunca fue una banda diseñada para los estadios. Nacida en Columbus, Ohio, comenzó tocando frente a pocas personas, mezclando rap y rock. Mientras Tyler Joseph escribía sobre ansiedad e identidad, Josh Dun convertía esas emociones en energía pura sobre el escenario. Con los años, pasaron de venues pequeños a giras mundiales, y ese recorrido encuentra hoy uno de sus momentos más simbólicos en la Ciudad de México. El concierto del Clancy World Tour, filmado en formato IMAX, captura a la agrupación frente a uno de los públicos más intensos de su carrera. More Than We Ever Imagined no es solo un registro del show; muestra el antes, la intimidad y la incredulidad de ver un estadio lleno cantando cada palabra. Detrás de la cámara se encuentra Mark C. Eshleman, colaborador creativo del grupo desde sus primeros años en Ohio. Él creció con ellos, aprendiendo a traducir sus canciones en imágenes mucho antes de que pisaran grandes arenas. Time Out México conversó con Mark sobre este trabajo documental, el cual ya se puede disfrutar en las pantallas IMAX de todo el país. Te puede interesar: Entrevista a Jennifer Garner y Angourie Rice por “Lo último que me dijo” La película se llama More Than We Ever Imagined (Más de lo que jamás imaginamos). Cuando trabajabas en este proyecto, ¿hubo algo que realmente superara tus expectativas? El título llegó después de filmar todo. Cuando vimos el material documental de Tyler y Josh en la Ciudad de México, entendimos por qué. Se senta

“Venganza” es una apuesta por hacer cine de acción con escala en México. Dirigida por Rodrigo Valdés y producida por Amazon MGM Studios, la película sigue a un exmilitar de fuerzas especiales que, tras el asesinato de un ser querido, emprende una cruzada personal que lo arrastra a una espiral de violencia. Más allá de las secuencias físicas y la ambición técnica, el eje está en un protagonista desgastado, movido por el dolor y por decisiones que no son heroicas, sino humanas. El proyecto también marca un punto importante en la carrera de Omar Chaparro, quien se ha consolidado en la comedia y el cine comercial. Aquí se despoja del humor para apostar por la contención, el silencio y la vulnerabilidad. Time Out México conversó con Omar sobre el estreno en cines de “Venganza”, película que no solo busca competir con los grandes espectáculos americanos, sino demostrar que el cine de acción nacional puede sostener adrenalina, identidad y emoción sin copiar fórmulas ajenas. Te puede interesar: “Interpretar a J.D. hoy es como ser un superhéroe”, Zach Braff sobre Scrubs Alguna vez me hablaste de una película de acción que querías hacer y que no lograba concretarse, pero por fin se estrena “Venganza”, ¿qué era lo que no estabas dispuesto a soltar para que esta película finalmente sucediera? Yo creo que siempre estuve dispuesto. Cuando entendimos la magnitud de esta película, todos movimos lo que teníamos que mover para que se hiciera realidad. Nos dimos cuenta de la visión de los produ

En 2001, Scrubs cambió la forma de contar historias médicas en televisión. Creada por Bill Lawrence y ambientada en el hospital ficticio Sacred Heart, la serie mezcló comedia absurda, fantasía visual y drama clínico con una honestidad emocional poco común para la época. Durante nueve temporadas (2001–2010), siguió la evolución de J.D., Turk y Elliot, desde internos inseguros hasta médicos formados. Fue nominada a 17 premios Emmy y se convirtió en una serie de culto gracias a su perfecto equilibrio entre humor y profundidad. En 2026, la serie regresa por Disney+ con un revival que reúne a gran parte del elenco original y retoma la historia varios años después. El nuevo enfoque sitúa a los personajes en una medicina transformada por la tecnología, los cambios estructurales en la formación hospitalaria y el impacto del covid-19. Al frente del proyecto está nuevamente Zach Braff, quien convirtió a J.D. en un ícono generacional. Durante estos años, Braff amplió su perfil como creador: escribió y dirigió Garden State, un filme independiente que se volvió referencia cultural para los veinteañeros de la época. Posteriormente, consolidó su carrera como director con películas como A Good Person y episodios de la exitosa serie Ted Lasso. Time Out México conversó con Zach sobre el regreso de Scrubs, una entrega que combina el legado de la serie con personajes que ya no están aprendiendo a ser adultos, sino enfrentando el verdadero peso de serlo. El final original de la temporada 8 de Scr

Lo último que me dijo se convirtió en uno de los thrillers más exitosos de Apple TV+ porque, más allá del misterio, es una historia sobre familia, identidad y supervivencia. Una mujer y su hijastra, que no se eligieron, terminan construyendo un vínculo inquebrantable mientras descubren que el pasado puede alcanzarlas en cualquier momento. Basada en la novela best seller de Laura Dave y adaptada para televisión junto a Josh Singer, la serie mezcla la tensión con un drama emocional muy íntimo. Al frente del proyecto está Jennifer Garner (Alias), protagonista y productora ejecutiva, quien hoy se consolida gracias a Hannah Hall, una mujer que enfrenta la maternidad desde un lugar inesperado mientras busca la verdad detrás de una desaparición. A su lado se encuentra Angourie Rice (Spider-Man), actriz australiana que ha brillado interpretando a Bailey, una joven atravesada por la necesidad de entender quién es y de dónde viene. A propósito del estreno de la segunda temporada, platicamos con ambas actrices sobre esta producción que expande el mundo de la serie y eleva el peligro a un nuevo nivel. Cortesía Jennifer, has dicho que luchaste por este papel y que eras una gran fan del libro. ¿Qué tenía Hannah que te hizo querer interpretarla tanto? ¿Y cómo sentiste su evolución en esta segunda temporada? Jennifer Garner: Quería interpretar a Hannah porque me atrapó por completo la novela de Laura Dave y, en general, su forma de escribir. Cuando leí el libro por primera vez, otra actri

La primera ficción de Yolanda Cruz no es solo una película ambientada en una comunidad chatina; es una película construida desde ahí. Filmada en colaboración con el propio pueblo, hablada en su lengua y atravesada por su ritmo y su espiritualidad, “La Raya” convierte un objeto cotidiano como un refrigerador en un detonador de deseos, fantasmas y preguntas incómodas. En la película seguimos a Sótera, una niña que vive la migración no como un discurso político, sino como una ausencia concreta. La cinta mezcla comedia, realismo mágico y fractura íntima para hablar de identidad, distancia y memoria. Después de años explorando la migración desde el documental con títulos como “To the Other Side”, “2501 Migrants” y “Guerrero”, Cruz apuesta ahora por el realismo mágico como herramienta emocional. No para escapar de la realidad, sino para hacerla más visible. Judith Romero Time Out México conversó con la reconocida cineasta sobre cómo “La Raya” no intenta explicar a una comunidad, sino que la deja existir en pantalla con humor, dolor y dignidad. Se habla mucho de cruzar la frontera, pero poco de quienes se quedan. ¿Qué querías explorar sobre esa decisión de permanecer? Cuando cruzamos la frontera a veces nos quedamos a medias. Pero yo quería preguntarme qué pasa con los que se quedan. Casi nunca lo cuestionamos como sociedad: ¿es posible quedarse? También hay jóvenes que estudian fuera y regresan, que eligen construir desde ahí. Quería abrir ese diálogo con la juventud y plantear q

Nidia Santiago es una productora mexicana radicada en Francia que se ha consolidado como una de las figuras clave del cine de animación independiente en Europa. Es cofundadora de Ikki Films, una casa productora reconocida por apostar por proyectos de autor con una fuerte identidad, sensibilidad artística y ambición internacional. Su trabajo está ligado a películas y cortometrajes que han brillado en festivales de prestigio, colocando a Ikki Films como un referente en el mundo de la animación contemporánea. Ahora, Nidia está detrás de uno de los títulos más destacados de la temporada: Amélie y los Secretos de la Lluvia, un largometraje animado dirigido por Maïlys Vallade y Liane-Cho Han, basado en la novela autobiográfica de la aclamada escritora belga Amélie Nothomb. La película cuenta la historia de Amélie, una niña belga nacida en Japón, que comienza a descubrir el mundo con una mirada tan inocente como intensa. A través de su vínculo con su niñera japonesa, la trama explora temas como la identidad, el choque cultural, la memoria y la infancia, logrando un tono luminoso y profundamente emocional. Cortesía Time Out México conversó con Nidia para entender el viaje creativo detrás de la cinta y lo que implica producir animación a gran escala desde una visión independiente. ¿Qué significa para ti que la película esté nominada? Es un verdadero orgullo. Que una película independiente pueda llegar hasta aquí y recibir una nominación es un logro enorme. Estoy muy contenta de ver