Stivi de Tivi

Hikari, directora japonesa criada en Osaka y formada entre Japón y Estados Unidos, ha construido una filmografía atravesada por la experiencia de vivir entre culturas. Tras el reconocimiento internacional de 37 Seconds y su trabajo en series como Tokyo Vice y Beef, se ha consolidado como una voz autoral interesada en la intimidad, la soledad y las familias que elegimos. Su nueva película, Familia en renta, protagonizada por Brendan Fraser, parte de una premisa tan insólita como profundamente humana: en Japón existen empresas que ofrecen familias “rentadas” para acompañar a personas que viven en soledad. A través de Phillip, un extranjero que llega a Tokio sin raíces ni rumbo claro y termina trabajando en este negocio, la película explora cómo el afecto, incluso cuando inicia como un servicio, puede transformarse en algo real. Más allá de una tradición japonesa, la cinta habla de una necesidad universal: ser visto, acompañado y escuchado. Hablamos con Hikari sobre este trabajo, aplaudido en festivales como Toronto y recién llegado a la cartelera mexicana. Deberías ver: Primate: una película sobre cuando el miedo nace de una mala decisión Viviste en Estados Unidos como estudiante de intercambio y luego regresaste a Japón. ¿Cómo influyó esa experiencia entre culturas en tu forma de abordar la película? Muchas de las historias que escribo nacen de mi propia experiencia. Como estudiante de intercambio era la única chica asiática en el salón y, al principio, me sentí sola. Con el t

Johannes Roberts ha construido su filmografía alrededor de una misma inquietud: qué ocurre cuando el control desaparece. Desde 47 Meters Down hasta The Strangers: Prey at Night, su cine coloca a personas comunes en situaciones límite, donde la lógica se rompe y el miedo surge no solo del monstruo, sino del instante en que los personajes entienden que ya no tienen el mando de la situación. Su nueva película, Primate, lleva esa idea a un terreno todavía más incómodo. Lo que inicia como unas vacaciones tropicales se transforma en una pesadilla cuando un chimpancé llamado Ben se vuelve impredecible y letal. Muy pronto queda claro que no se trata únicamente de un animal fuera de control, sino de una historia sobre decisiones desesperadas, negación y violencia. Conversamos con Johannes Roberts sobre el miedo, la brutalidad, la incomodidad moral y por qué, a veces, lo más aterrador en pantalla no es la criatura… sino nosotros mismos. No te pierdas: Entrevista con Stellan Skarsgård por Sentimental Value, una de las mejores cintas del 2025.  Algo que me encantó al ver la película es que el público gritaba: “¡No hagas eso! ¡No vayas por ahí!”. ¿Qué piensas tú sobre los personajes que toman decisiones estúpidas en las películas? Es gracioso. He hecho ya dos o tres películas similares, en el sentido de poner a personas en situaciones extremas de las que tienen que salir, y eso hace que la audiencia piense junto con los personajes. Las películas de 47 Meters Down funcionan igual: la gente

En 2025, The Pitt redefinió el drama médico contemporáneo con un formato en tiempo casi real y una mirada frontal al sistema de salud pública estadounidense. La serie se consolidó como una de las grandes revelaciones del año: su primera temporada obtuvo 13 nominaciones al Emmy, ganó el premio a Mejor Serie Dramática y reconocimientos para Noah Wyle como Mejor Actor y Katherine LaNasa como Mejor Actriz de Reparto. Ahora, The Pitt inicia 2026 con una segunda temporada situada diez meses después, nuevamente durante un solo y caótico turno hospitalario. Los personajes ya no son novatos: han crecido, pero también cargan con las consecuencias. En el centro están Trinity Santos y Dennis Whitaker, interpretados por Isa Briones y Gerran Howell, dos actores que encarnan el núcleo emocional de una serie que no busca consuelo, sino verdad. Conversamos con Briones y Howell sobre esta nueva entrega, que estrena el 8 de enero en HBO Max. No te pierdas: Películas más esperadas de 2026: lista de estrenos, fechas y por qué importan ¿Qué hace que The Pitt sea distinta a otros dramas médicos y qué aporta esta segunda temporada? Gerran Howell: The Pitt no intenta reinventar el género, pero sí llevarlo a un nivel de realismo poco común. El público llega buscando lo que espera de un drama médico, pero la serie eleva esos elementos a través de la precisión, la competencia y la autenticidad. Isa Briones: Hay algo profundamente satisfactorio en ver a personas hacer su trabajo bien. Ese nivel de domini

La televisión en 2025 no fue un simple escaparate de estrenos: fue un campo de prueba. Series que entendieron el medio como un espacio de riesgo creativo y otras que confundieron presupuesto con ambición, el año dejó claro que el “peak TV” ya no garantiza calidad. Hubo obras que apostaron por la inteligencia del espectador, por personajes que envejecen, se equivocan y pagan consecuencias, y también producciones que se diluyeron en el ruido del algoritmo y el escándalo. Este recuento reúne lo mejor y lo peor de las series de 2025, desde títulos que elevaron el lenguaje televisivo y se convirtieron en conversación pop, hasta fracasos ruidosos que evidencian los límites del streaming cuando se queda sin ideas. ¿A cuántas de estas recordaremos? No te pierdas: Las mejores películas del 2025

Paul Feig amplía su registro como director con La empleada, un thriller psicológico que marca un giro en su filmografía. Conocido por títulos como Bridesmaids, The Heat, Spy y A Simple Favor, el cineasta —también creador de la serie de culto Freaks and Geeks— se adentra ahora en un territorio más oscuro y perturbador. La película, que se estrena el primero de enero, está basada en la novela The Housemaid, de Freida McFadden, publicada en 2022 y convertida rápidamente en un fenómeno editorial global con más de dos millones de ejemplares vendidos. El libro dio origen a una exitosa saga con varias secuelas. El filme es protagonizado por Sydney Sweeney y Amanda Seyfried. Conversamos con Paul Feig sobre La empleada, un proyecto que representa un nuevo punto de inflexión en su carrera. El director habla sobre el reto de adaptar un bestseller tan popular y sobre la delgada línea entre entretener al público y llevarlo a un terreno profundamente incómodo. Te puede interesar: Michelle Rodríguez y Roberto Palazuelos: las nuevas voces de Zootopia 2 ¿Cuál fue la decisión más impopular o arriesgada que tomaste en la película, aun sabiendo que no todos estarían de acuerdo? La película se vuelve bastante extrema, especialmente en el tercer acto. Pero yo quería que el final fuera explosivo. Taxi Driver es una de mis películas favoritas y me encanta cómo se permite un cierre grande, casi desbordado. Sentí que aquí nos lo ganábamos, porque pasamos mucho tiempo engañando al espectador. El final

Desde su irrupción en Almost Famous, papel que le valió su primera nominación al Oscar, Kate Hudson ha construido una carrera versátil entre la comedia romántica, el drama y el cine independiente. Paralela a su trabajo actoral, la música ha sido una constante: ha cantado en películas como Nine, Music y en la serie Glee, hasta llegar al lanzamiento de su propio álbum de estudio. El 1 de enero de 2026 estrena Song Sung Blue: sueño inquebrantable, una cinta basada en una historia real sobre una pareja que encuentra en las canciones de Neil Diamond una forma de resistir, amar y volver a creer. Time Out México conversó con Hudson sobre este proyecto, que recientemente le valió una nominación al Golden Globe, y sobre cómo la música se convirtió en un lenguaje íntimo para ella. Te puede interesar: Sigourney Weaver y Oona Chaplin: fuego, poder y actuación en Avatar: fuego y cenizas ¿Qué fue lo que más te conmovió de la relación entre Mike y Claire, tanto dentro como fuera del escenario? Además del amor por la música, está la conexión profunda que solo entienden quienes la sienten de verdad. Todos los que llevamos la música dentro tenemos una historia personal con ella, pero cuando encuentras a alguien que vibra igual, no necesitas explicarlo. Puedes sentirlo, puedes cantarlo. Mike y Claire vivían a través de la música, y eso crea un tipo de intimidad muy especial, casi imposible de describir con palabras. Al sumergirte en el catálogo de Neil Diamond, ¿qué descubriste que no conocías

Pluribus, la nueva serie creada por Vince Gilligan para Apple TV+, se ha convertido en el estreno más visto de la plataforma, superando a títulos como Severance y Ted Lasso, y ya suma nominaciones a los Golden Globes como Mejor serie dramática y Mejor actriz para Rhea Seehorn. La historia sigue a Carol Sturka, una mujer inmune a un virus que ha transformado a la humanidad en una conciencia colectiva aparentemente feliz. Mientras el mundo celebra esta armonía impuesta, Carol lucha por conservar su libertad y su individualidad en una sociedad que ha dejado de tolerar la soledad. Para Seehorn, el proyecto marca un punto de inflexión en su carrera. Tras su icónico trabajo como Kim Wexler en Better Call Saul, la actriz asume ahora el protagónico de una serie escrita especialmente para ella, reafirmando su lugar como una de las figuras más sólidas de la televisión contemporánea. Time Out México conversó con la actriz, quien atraviesa uno de los momentos más destacados de su trayectoria. Te puede interesar: Más allá de Cuarón, Iñárritu y Del Toro. Cineastas mexicanos a conocer El personaje de Carol fue escrito especialmente para ti. ¿Cómo llegó esa propuesta? Vince Gilligan llevaba tiempo desarrollando ideas grandes sobre la naturaleza humana que no terminaban de encajar. Un día se dio cuenta de que quería escribir este personaje para mí. Me llamó cuando estábamos cerrando Better Call Saul. No tenía guion ni detalles, pero yo dije que sí de inmediato. Me dijo: “Puedes pensarlo”, y y

La segunda temporada de Palm Royale entra en su recta final confirmando que la serie es mucho más que una sátira sobre lujo y excesos. Lo que comenzó como una mirada irónica a la alta sociedad de Palm Beach se ha transformado en un retrato incisivo sobre el poder, la pertenencia y la reinvención femenina. En esta nueva etapa, Kristen Wiig y Allison Janney profundizan en una relación tan incómoda como fascinante, que redefine las reglas del juego dentro y fuera del glamour. En el centro de la historia están Evelyn y Maxine. Janney interpreta a una mujer que lo pierde todo —dinero, estatus, control— y descubre que la autoridad no siempre proviene del privilegio. Wiig, por su parte, encarna a alguien que finalmente se acerca al mundo que siempre soñó habitar, solo para entender que pertenecer no garantiza plenitud. Su vínculo ha evolucionado de la rivalidad a una alianza tan tensa como necesaria. Time Out México habló con ambas actrices sobre el cierre de la segunda temporada de la serie de Apple TV+. Palm Royale es un mundo donde la apariencia, el poder y el deseo de pertenecer lo son todo. ¿Qué es lo primero que las conecta con sus personajes? Allison Janney: Para mí, todo empieza en el vestuario. En cuanto me pongo uno de los caftanes de Evelyn, sé exactamente quién es. Los diseños, los sets, el maquillaje, las pelucas… es un festín visual. A veces llevo cinco pelucas a la vez. Todo te transporta y te ayuda a entrar al personaje desde el primer segundo. Kristen Wiig: Y eso co

Desde su estreno en 2016, Stranger Things pasó de ser una historia íntima sobre la desaparición de un niño en un pueblo de Indiana a convertirse en uno de los fenómenos culturales más influyentes del streaming. A horas del estreno de su episodio final, la serie creada por Matt y Ross Duffer se despide tras casi una década marcando a distintas generaciones, redefiniendo la nostalgia ochentera y demostrando que el espectáculo funciona mejor cuando está sostenido por emoción genuina. Time Out México conversó con los hermanos Duffer justo antes del final para hablar del origen de la serie, su despedida y el cierre de una historia que acompañó a millones de espectadores en todo el mundo. No te pierdas: Paul Feig da un giro al thriller psicológico con La empleada Stranger Things siempre se sintió como una carta de amor a la infancia. ¿Cómo fue ver crecer ese mundo hasta llegar a su final? Matt Duffer: Aunque la escala y los efectos crecieron mucho con los años, el corazón de la serie siempre fue el mismo: una historia de crecimiento. Nunca quisimos repetirnos ni traicionar la esencia original. Nos inspiramos en secuelas que sabían evolucionar sin perder el alma, como las de James Cameron. La idea era que la serie creciera de forma orgánica, igual que sus personajes. La serie empezó como una historia de niños y terminó convirtiéndose en una saga generacional. ¿Siempre la pensaron así? Ross Duffer: Desde el inicio la vimos como una historia sobre la familia. No solo sobre la amistad

Anaconda vuelve, pero no como un simple remake ni como un ejercicio de nostalgia fácil. La nueva película dirigida por Tom Gormican toma el recuerdo del clásico de 1997 como punto de partida para construir una comedia de aventura que juega con el meta-cine, el peligro y el humor. Protagonizada por Jack Black y Paul Rudd, la historia sigue a un grupo de amigos que decide filmar su propia versión de Anaconda. Lo que comienza como un proyecto impulsivo pronto se transforma en una experiencia límite cuando la ficción deja de ser controlable y una anaconda real entra en escena. En ese terreno se mueve Selton Mello, actor y cineasta brasileño que aporta a la historia un personaje entre lo extraño, lo cómico y una seriedad inesperada. Tras The Unbearable Weight of Massive Talent, Gormican vuelve a explorar la mezcla entre comedia, riesgo y reflexión sobre el propio cine. Conversamos con Gormican y Mello sobre cómo reinterpretar un ícono sin traicionarlo y el reto de sostener un tono que oscila entre la risa y el peligro. Te puede interesar: Valor Sentimental, otro estreño en navidad que puede ser lo mejor del año. Creciste con la Anaconda original y se nota. ¿Cómo nace la idea de homenajearla sin hacer un remake, sino algo distinto? ¿Cómo surge ese enfoque? Tom Gormican: Soy un gran fan de la película original, como tú. Crecimos con ella y, justamente por eso, no queríamos tocar ese material, ni rehacerlo ni reiniciarlo. No tenía sentido volver a contar lo mismo. Mi socio Kevin y yo

El actor sueco Stellan Skarsgård ha construido una carrera que se mueve entre grandes franquicias y producciones pequeñas e íntimas. Este mes estrena Sentimental Value, la nueva y aplaudida película de Joachim Trier (The Worst Person in the World), en la que interpreta a Gustav Borg, un director legendario que regresa a casa para enfrentarse con Conversamos con Skarsgård sobre esta historia de ambición, arrepentimiento y fragilidad humana. No te pierdas: Las mejores películas del 2025 En la película, tu personaje usa el cine para conectar con sus hijas. ¿Qué opinas de usar el cine como una forma de conexión entre personas? Lo chistoso es que Gustav no sabe que lo está haciendo; él cree que simplemente hace una película más. Hay una escena con Elle Fanning en la que ella le revela toda esa verdad que él no había descubierto. Elle está fantástica en esa escena. Me gusta que mi personaje tarda tanto en entender todo, es torpe. Quiere conectar con sus hijas y no sabe cómo, y cuando tiene una oportunidad no la aprovecha. Ahora que mencionas a Elle Fanning, me encanta la escena de la playa donde se conocen. ¿Cómo fue el rodaje de ese momento? Tampoco sabe Gustav que ella será importante para su regreso al cine. La encuentra ahí, en la playa, y conectan como una chica joven puede conectar de manera platónica con un hombre adulto; lo que los une es su amor por el cine. Esa escena fue la primera con la que comenzamos el rodaje. Parte de ser actor es que tienes que crear conexión con o

Avatar es mucho más que ciencia ficción: es una reflexión sobre el poder, el futuro y el legado. En Avatar: fuego y cenizas, James Cameron reúne a dos actrices de generaciones y trayectorias distintas, unidas por una misma exigencia artística. Sigourney Weaver regresa a Pandora como Kiri, mientras que Oona Chaplin se suma a la saga con un personaje atravesado por el trauma y la furia. Durante su visita a México, ambas conversaron con Time Out México sobre actuación, poder y creación en uno de los universos cinematográficos más ambiciosos de nuestro tiempo. No te pierdas: Disputar la mirada. Imaginarios visuales de las mujeres indígenas Muchos actores buscan personajes que los mantengan en una zona de confort, personajes cálidos. Ustedes, en cambio, suelen elegir personajes que queman, que son fuego. ¿En qué momento entendieron que este tipo de personajes serían un motor creativo en su carrera? Sigourney Weaver: Para mí, soy como un colibrí: salto de un tipo de película a otro, de un personaje a otro, y todo lo baso en la historia. Es verdad que a veces me asocian con mujeres inquietantes o intimidantes, y por eso es agradable, de vez en cuando, interpretar a alguien que no pertenece a ese mundo. Pero siempre estoy buscando la historia. No pienso en el género, sino en lo que la historia dice sobre el futuro y sobre quiénes somos. Oona Chaplin: No fue una decisión consciente. Mi carrera ha sido pura suerte y corazón. Cada personaje ha llegado casi como un accidente afortunado.