Stivi de Tivi

Matthew Macfadyen ha construido una carrera marcada por personajes que equilibran vulnerabilidad, humor y complejidad emocional. Desde su inolvidable Mr. Darcy en Pride & Prejudice hasta el magnético Tom Wambsgans en Succession, el actor regresa ahora con Muerte por un rayo, la nueva miniserie de Netflix dirigida por Matt Ross y creada por Mike Makowsky. Basada en el libro Destiny of the Republic, la producción sigue la historia real de Charles J. Guiteau, el inestable asesino del presidente estadounidense James A. Garfield, interpretado por Michael Shannon. Platicamos con Macfadyen sobre este desafío actoral y la forma en que aborda personajes impulsados por la obsesión, la fragilidad y el absurdo. No te pierdas: Dan Trachtenberg reinventa la saga Depredador con Tierras salvajes La primera vez que leíste el guion, ¿qué hizo clic en ti sobre el personaje Charles que te hizo sentirlo real en tu cabeza? Yo creo que… leí el guion y me nació una necesidad de interpretar a este personaje, por lo que me sentí agradecido de que me lo enviaran a mí. No sentí que fuera una decisión complicada, para nada. Es el camino, ¿sabes? Ese recorrido desde las granjas hasta convertirse en un estafador con comportamientos extraños, con problemas de salud mental, y que termina convirtiéndose en el asesino del presidente. ¿Cómo llega de un lado al otro? Eso me parece fascinante. Y fue una experiencia fascinante. Me encantó interpretarlo. Lo que me gusta del personaje y de tu trabajo es que entregas

La serie Maxton Hall: El mundo entre nosotros se convirtió en uno de los mayores fenómenos globales de 2024. Basada en la trilogía Save Me de Mona Kasten, la producción alemana trascendió el romance juvenil entre Ruby Bell y James Beaufort para explorar temas como las diferencias sociales, la identidad y el deseo. Tras romper récords en Prime Video, la historia regresa con una segunda temporada que profundiza en las heridas emocionales, las segundas oportunidades y el peso de amar cuando todo parece jugar en contra. Platicamos con Harriet Herbig-Matten y Damian Hardung sobre este nuevo capítulo de Maxton Hall, que promete más intensidad y crecimiento emocional para sus protagonistas. Te puede interesar: 10 barras para verdaderos amantes del café en la CDMX ¿Cómo definirían la segunda temporada? Damián Hardung: Creo que la segunda temporada es un poco más adulta. La primera es sobre enemigos que se enamoran, ellos se encuentran, pero James aleja a Ruby al final. Así que en esta segunda temporada existe ese reto: luchar por un amor que saben que pueden tener, aunque haya un mundo entre ellos. Sobresale la idea de que si vale la pena lo que vas a pelear, entonces vale la pena la lucha. El duelo se convierte en otro personaje que está en medio de ustedes esta temporada. ¿Cómo trasladan ese dolor a la pantalla? Damián Hardung: Esa es una gran pregunta. Creo que el dolor está muy presente al final de la primera temporada, pero al mismo tiempo es algo con lo que van creciendo. Ruby

Guillermo del Toro es uno de los grandes arquitectos de la imaginación en el cine contemporáneo. Su obra transita entre lo fantástico y lo profundamente humano, donde lo monstruoso no es aquello que aterra, sino aquello que siente. Desde Cronos hasta El laberinto del fauno, pasando por La forma del agua —ganadora del Oscar a Mejor Director y Mejor Película—, su cine ha explorado la belleza que existe en lo diferente. Ahora presenta Frankenstein, una relectura íntima y emotiva de la novela de Mary Shelley, que el cineasta soñó adaptar durante décadas. Ambientada en la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial, la película aborda la creación, la soledad y el deseo de ser amado desde la mirada de la propia criatura, interpretada por Jacob Elordi, junto a Mia Goth, Oscar Isaac y Christoph Waltz. Más que un relato de terror, Frankenstein es una elegía sobre la paternidad, la pérdida y la necesidad de afecto. Platicamos con Guillermo del Toro con motivo de su estreno en Netflix. Te puede interesar: Dan Trachtenberg reinventa la saga Depredador con Tierras salvajes Este es un proyecto muy anhelado por ti, una película que llevabas años esperando realizar. ¿Cómo te sientes? Si te soy sincero, yo no sé cómo sucedió. Imagínate: un chavo de provincia, en su bicicleta, va a un supermercado a comprar un libro de bolsillo de Frankenstein y, a los 11 años, dice: “voy a hacer esta película”. Y casi 60 años después, se logró. ¿Cómo pasó esto? Por poquito y no pasa. Es una película que estu

Pocos creadores han influido tanto en la televisión contemporánea como Vince Gilligan. Con Breaking Bad reformuló la figura del antihéroe y convirtió la tragedia moral en una pieza de cultura popular. Después, con Better Call Saul, refinó el drama humano hasta hacerlo íntimo y preciso. Ahora, tras explorar durante años la oscuridad de la condición humana, Gilligan regresa con Pluribus, su nueva serie para Apple TV+. Protagonizada por Rhea Seehorn, la historia plantea un mundo donde la felicidad se contagia como un virus y la única esperanza para la humanidad es la persona más miserable del planeta. Un experimento narrativo que mezcla ciencia ficción con dilemas éticos y afectivos. Conversamos con Gilligan sobre esta nueva etapa creativa y el vértigo de dejar atrás dos series que marcaron la historia de la televisión. Deberías ver: Dan Trachtenberg reinventa la saga Depredador con Tierras salvajes ¿Te daba miedo irte a un universo totalmente distinto o te sentías seguro de lo que estabas creando? Yo siempre estoy nervioso y sufro de ansiedad. Había un poquito de presión. Tal vez tenía más presión de parte de Sony, mi casa con la que trabajo desde hace 20 años. Estoy seguro de que ellos deseaban que yo hiciera algo similar a la fórmula de Breaking Bad o cercano a ese universo. Pero debo decir que siempre han sido respetuosos. Cuando me preguntaron “¿Qué piensas hacer ahora en relación con el mundo de Breaking Bad?”, les dije que no estaba seguro, que quería tomarme un descanso

Tras su debut con 10 Cloverfield Lane, Dan Trachtenberg se consolidó como una de las voces más interesantes del suspenso contemporáneo. Con Prey, revitalizó el universo Predator desde una perspectiva íntima y visceral, devolviéndole fuerza a una franquicia que parecía agotada. Ahora, regresa con Depredador: Tierras salvajes, una reinvención total donde el cazador se convierte en la presa. En un planeta remoto, seguimos a Dek, un joven Yautja exiliado que busca redención dentro de una sociedad que lo rechaza. Más allá de buscar retratar un choque entre especies, Trachtenberg propone una historia sobre identidad, supervivencia y pertenencia. Por eso hablamos con con el director sobre cómo desafiar una saga que parecía haber contado todas sus historias. Te puede interesar: Las mejores exposiciones para visitar en noviembre ¿Esperabas el éxito de esta nueva etapa de Depredador? No lo esperaba, pero sí lo deseaba. Yo construí Prey con la idea de regresar a lo básico, respetando todo lo que hizo el filme original de 1987, pero presentando a una protagonista única y una historia que ya era dramática e intensa incluso antes de que apareciera el depredador. Eso permitiría que más personas, no solo fans de la franquicia, pudieran verse reflejadas y emocionarse con la historia. Esa fue mi aproximación en aquella película y también en Tierras salvajes. Foto: Cortesía Disney Algo constante en tu cine es el interés por personajes que están aislados o atrapados. ¿Ves a Dek como parte de e

Hablar de Ben Stiller es hablar de una herencia creativa que marcó la comedia estadounidense. Hijo de Jerry Stiller y Anne Meara —el histórico dúo Stiller & Meara— creció entre escenarios, sets y conversaciones sobre cómo transformar la vida cotidiana en humor. Sin embargo, su propia trayectoria lo ha convertido en una de las figuras más versátiles de su generación: director, actor y productor, capaz de transitar entre la comedia absurda (Zoolander) y el drama introspectivo (Severance). Ahora, Stiller regresa a su historia familiar con Stiller & Meara: Nothing Is Lost, un documental íntimo que celebra el legado artístico y emocional de sus padres. Disponible en Apple TV+, esta película revisita la memoria, el amor y la forma en que el arte se convierte en un puente hacia quienes ya no están. Conversamos con él sobre el proceso de crear una obra tan personal. ¿Cómo nace este documental sobre tus papás? Yo empecé a trabajar en este proyecto en 2020, después de que mi padre murió. Quería filmar el departamento donde vivió con mi mamá durante 50 años, antes de que mi hermana lo vendiera. Teníamos que limpiarlo y mi instinto fue llegar con una cámara para poder recordarlo siempre. Siempre había querido hacer una especie de tributo a mis padres, pero al empezar a trabajar en la película pensé: “Esto no necesariamente será atractivo para el público”. Ahí fue cuando surgió la idea de hacer una película emocional sobre sus vidas. En ese momento, no pensé que también sería sobre mi vid

En un año dominado por grandes estrenos, K-Pop Demon Hunters se ha convertido en uno de los fenómenos más inesperados del cine. La película combina acción sobrenatural, mitología coreana y la energía vibrante del K-pop, con una banda sonora que ha conquistado al mundo. El filme es codirigido por Maggie Kang, nacida en Seúl y criada en Toronto, quien ha trabajado en producciones como The Lego Ninjago Movie y Rise of the Guardians. A su lado, EJAE —cantautora y productora surcoreana— pasó de componer para las figuras más destacadas del K-pop a convertirse en una de las voces esenciales del proyecto, firmando temas como Golden, que ha conectado con audiencias globales. Hablamos con ambas creadoras sobre este éxito arrollador, que del 31 de octubre al 2 de noviembre saldrá de Netflix para proyectarse en salas mexicanas en su versión sing-along. Te puede interesar: María José Cuevas nos reveló cómo fue hacer Debo, puedo y quiero, el documental de Juanga Es la película más vista en Netflix y Golden es la canción más escuchada en la lista Billboard 200 de 2025. ¿Qué opinan de este boom tan fuerte de K-Pop Demon Hunters? Maggie Kang: Fue una locura ver cómo todo iba creciendo. Estrenamos bien la primera semana, pero luego empezó a recibir más vistas y a crecer el boca en boca. Personas que la habían visto una vez, para fin de mes ya la habían visto tres veces. Podíamos sentir la pasión del público por la película, y eso es algo que ninguna gran campaña de marketing puede lograr. Era

¡Vamos al Noa Noa, Noa vamos a bailar! Hablar de Juan Gabriel es hablar de uno de los artistas más grandes de México y la música en español. Con más de 1,800 canciones registradas, 100 millones de discos vendidos y un legado que abarca rancheras, baladas, pop y colaboraciones inesperadas, el Divo de Juárez no solo conquistó escenarios: también se convirtió en un símbolo de identidad y orgullo para millones. Este mes, Netflix estrena Juan Gabriel: Debo, Puedo y Quiero, un documental que revela al hombre detrás del mito a través de material inédito grabado por él mismo y testimonios íntimos de quienes lo conocieron de cerca. La dirección está a cargo de María José Cuevas —reconocida por Bellas de noche— y la producción de Ivonne Gutiérrez, responsable de proyectos como 1994 y La dama del silencio. Hablamos con ambas sobre este trabajo que nos invita a redescubrir a un artista irrepetible desde un lugar profundamente humano. Te puede interesar: 31 lugares de CDMX que (solo) conoces si eres un verdadero local ¿Cómo encontraron la línea narrativa que atraviesa toda la historia? María José Cuevas: Tuvimos acceso a toda su vida en video, desde 1971 hasta antes de su muerte. Todos los momentos importantes de la historia de Juan Gabriel, año por año, de forma muy detallada. El reto fue conocer a los dos personajes: el público y el privado, a través de sus archivos personales. Alberto Aguilera tenía muchos videos caseros, grababa toda su cotidianidad, y al mismo tiempo Juan Gabriel sie

El éxito de Teléfono negro en 2021, una película que combinó el suspenso psicológico con lo sobrenatural, dio luz verde de inmediato a Teléfono negro 2, una secuela que promete intensificar la tensión y expandir el universo creado por Scott Derrickson. En esta nueva entrega, los ecos del pasado vuelven a resonar a través de un teléfono inquietante. En medio de esta atmósfera aparece Demián Bichir, uno de los actores mexicanos más respetados y versátiles de su generación. Con una carrera que incluye A Better Life (nominación al Oscar), Alien: Covenant, La monja y la serie Let the Right One In, Bichir se mueve con facilidad entre el drama íntimo y los mundos más oscuros del cine. En Teléfono negro 2, interpreta a “Mando”, el encargado de un campamento remoto donde el mal vuelve a manifestarse. Un personaje con pasado, humanidad y contradicciones, que permite explorar el terror desde un lugar más emocional que efectista. Time Out México habló con el actor sobre este proyecto, ya disponible en cartelera. Te puede interesar: Feratum 2025: todo sobre el Festival de Cine Fantástico en Pátzcuaro y CDMX ¿Qué fue lo que te atrajo del proyecto? La primera película, cuando la vi, dije: quiero ser parte de algo así. A pesar de no ser un gran consumidor de cine de terror, he trabajado en muchas historias de este género, en cine y series. Independientemente del género, siempre busco una historia sólida. Recuerdo que me sorprendió el alto nivel de cine de la primera película: una factura imp

La nueva película inspirada en la obra de Bruce Springsteen llega como una carta de amor a la música que definió a toda una generación. Springsteen: Música de ninguna parte está basada en la novela de Warren Zanes, que narra la creación del emblemático disco Nebraska y los demonios personales que Springsteen enfrentó. Escrita y dirigida por Scott Cooper (Crazy Heart), la película captura el espíritu del cantante y nos sumerge en paisajes industriales y en historias de segundas oportunidades. En el centro del relato están Jeremy Strong (Succession) y Jeremy Allen White (The Bear), actores reconocidos por su intensidad y capacidad para encarnar personajes complejos y profundamente humanos. Ellos interpretan al productor Jon Landau y al propio Bruce Springsteen, respectivamente, y ya se perfilan en la conversación de la temporada de premios 2026. Hablamos con los dos ganadores del Emmy sobre este proyecto y la química que lograron en pantalla. No te pierdas: Cosas que debes saber de Soy Frankelda, el primer stop motion mexicano ¿Qué aprendiste de Bruce Springsteen a la hora de interpretarlo? Jeremy Allen White: Tengo que decir que empecé en un lugar de miedo, para ser honesto. Estaba emocionado por trabajar con Scott Cooper y el guion me gustaba mucho, pero sé lo que Bruce representa no solo para Estados Unidos, sino para el mundo, así que me sentía un poco intimidado. Él ha logrado una relación íntima con sus fans; su música conecta con tantas personas. Me dediqué a ver muchos

Benny Safdie es conocido por ser la mitad de uno de los dúos más electrizantes del cine contemporáneo. Junto a su hermano Josh, redefinió la tensión urbana y la adrenalina narrativa en películas como Good Time y Uncut Gems. Ahora, por primera vez, Benny da un paso al frente en solitario con La máquina: The Smashing Machine, un retrato físico y emocional de la vida del legendario luchador de artes marciales mixtas Mark Kerr, interpretado por Dwayne Johnson en una de las actuaciones más intensas de su carrera. Platicamos con Safdie sobre La máquina: The Smashing Machine, la película que marca su debut como director en solitario y que le valió el reconocimiento a Mejor Director en el Festival de Cine de Venecia 2025. Deberías ver: La película que estremeció Venecia con 23 minutos de aplausos ¿por qué? El realismo es tu sello como director. Ahora, trabajando con este famoso actor, ¿cómo logras hacer desaparecer a este ícono para encontrar a Mark Kerr? Eso es interesante, porque tienes estos estadios gigantes en una historia que sucede hace 26 años, con ciertos elementos que me gusta tratar de manera deliberada. Yo no tengo que forzarlo; esto sucede, y yo estoy ahí antes de que todo ocurra. Creo un escenario que permite que las cosas pasen. No hay presión al trabajar; las cámaras están lejos, así que los actores sienten que el espacio les pertenece. La audiencia puede percibir dónde está situada, lo que la hace sentir parte de la acción. Se entregan a la experiencia. Cuando la cám

Ben Bocquelet, creador de El increíble mundo de Gumball, es uno de los nombres más originales e influyentes de la animación moderna. Desde su estreno en 2011, la serie se convirtió en un fenómeno mundial gracias a su mezcla única de estilos —2D, 3D, stop motion y live action— y a un humor que combina sátira, caos y corazón. Este animador francés, que comenzó su carrera en la publicidad, transformó Gumball en un universo donde todo es posible y nada ocurre por casualidad. Después de varios años fuera del aire, la serie regresó con una nueva temporada que acaba de estrenarse en Cartoon Network y HBO Max. Con motivo de este regreso, conversamos con Bocquelet sobre la evolución del show, sus nuevos desafíos y el legado de los Watterson. Deberías ver: Mr. Scorsese, el documental que retrata la vida del legendario cineasta ¿Cuál fue el reto inesperado de regresar a la vida de la familia Watterson después de un tiempo? Para mí no fue un reto, fue más bien como ponerme unas pantuflas viejas. Me siento agradecido de que a la gente todavía le importe este mundo y nos dé otra oportunidad para regresar y volver a tener trabajo. Me siento agradecido más que nada. Lo que me gusta de este show es que sus fans son muy entregados. A algunos los ha acompañado desde su niñez y adolescencia. ¿Eso te cambió un poco la idea de cómo se acercaban a la sátira o a lo absurdo? Claro, queremos que todos sean felices al verlo. Así que regresamos al formato clásico de episodios de 11 minutos, donde hablam