Stivi de Tivi

Un nahual es un vínculo, un espíritu que puede protegerte o juzgarte. Desde esta premisa arranca El ritual del nahual, la ópera prima de Carlos Matienzo Serment, una película que toma este concepto y lo lleva a un terreno incómodo y muy real. La historia sigue a Gabriel (Gerardo Oñate), un forajido que llega herido a una comunidad en la Huasteca potosina donde han desaparecido varios niños, todo esto mientras un agente federal intenta descifrar lo que está ocurriendo. El pueblo vive bajo sus propias reglas, y lo que parece una amenaza también puede ser una forma de justicia. La cinta, hablada en español y tének, nace de una experiencia personal del director en la Huasteca, donde alguien le habló del nahual como un protector. Esa idea, que algo pueda cuidarte y, al mismo tiempo, imponerte consecuencias, se convirtió en el corazón del proyecto. Caraly Sánchez también actúa en el filme. Su presencia en pantalla busca pertenecer a ese universo. La película, que ya tuvo un recorrido internacional y llamó la atención por su manera de usar el terror como lenguaje cultural más que como fórmula genérica, llega a las salas de cine. Platicamos con Carlos y Caraly sobre este filme que se estrena en 500 pantallas del país esta semana. También puedes leer: Nina Kiri y el arte de la incomodidad en Undertone Carlos, al ser una ópera prima, esta película no busca agradar fácilmente. ¿Qué estabas dispuesto a perder con tal de mantenerte fiel a tu visión? Carlos Matienzo: Es un proyecto que, de

El filme Undertone fue uno de los más mencionados en la pasada edición del Sundance Film Festival; era una película que resonaba en los pasillos mucho antes de verse en pantalla. Un proyecto pequeño e íntimo que provocó una de las reacciones más fuertes del festival y que después llegó al Sundance Film Festival CDMX, donde conquistó al público mexicano. Aquí, el miedo entra por los oídos. La historia sigue a Evy, una podcaster escéptica que, mientras cuida a su madre enferma, comienza a recibir grabaciones inquietantes que poco a poco dejan de ser ajenas para reflejar algo mucho más cercano y personal. El director Ian Tuason convierte una experiencia íntima en una película que se siente casi como adentrarse en la mente de alguien que se niega a enfrentar su realidad. Todo el peso recae en Nina Kiri, quien sostiene el silencio, la tensión y todo aquello que no se dice, encarnando a un personaje que se rompe sin necesidad de dar explicaciones. Esta semana se estrena en todo el país Undertone, razón por la cual Time Out México conversó con su realizador y su actriz principal sobre esta producción. Una cinta que busca incomodar y obligar al espectador a seguir escuchando justo cuando más desearía desconectarse. Te puede interesar: "El dolor hace que la gente haga cosas terribles": Richard Gadd y su nueva apuesta en HBO Ian, algo que me llamó la atención es cómo el sonido y el silencio se sienten como una presencia, casi como algo tangible. ¿Cuál era tu mayor preocupación al utili

Leopoldo Aguilar lleva años impulsando algo que en México no es tarea fácil: hacer animación. Después de proyectos a gran escala como Condorito: La película, ahora da un giro hacia una obra mucho más íntima con Bem, un lémur en fuga, una historia de apariencia sencilla que en realidad aborda temas profundos. La película sigue a Bem, un lémur que es extraído de su hábitat y termina en la Ciudad de México, donde se cruza con Irene, una niña que vive encerrada en su propio mundo. Son dos personajes completamente distintos, pero unidos por lo mismo: el miedo y la necesidad de superarlo. Detrás de este proyecto se encuentra Chiltepín Estudios, apostando por una técnica poco común en la actualidad: la animación 2D. Como un recurso de una firme decisión narrativa. Time Out México conversó con Leopoldo Aguilar sobre su trayectoria en la animación mexicana, el porqué esta es su película más personal y lo incómodo —pero necesario— que resulta salir al mundo cuando aún no te sientes listo. ¿Te interesan los personajes que están en un lugar al que no pertenecen, o este tema viene de una inquietud más personal? De todas las películas que he tenido la oportunidad de dirigir, esta es la cuarta, creo que es la más personal. En mis tres trabajos anteriores los protagonistas eran masculinos; esta es la primera vez que dirijo una historia con una protagonista femenina, y tiene mucho que ver con algo reciente en mi vida: me convertí en tío. Cuando empecé a observar qué tipo de contenido veían mi

Miranda Priestly y Andy Sachs. Eran dos versiones del éxito chocando de frente. Miranda, impecable, exigente y casi impenetrable; Andy, curiosa, brillante y tratando de no perderse mientras aprendía a jugar el juego. Ellas fueron la razón por la que El diablo viste a la moda se convirtió no solo en una película taquillera, sino en un ícono generacional que sigue resonando. La secuela plantea un mundo donde el poder editorial ya no manda como antes y lo digital lo redefine todo. Miranda enfrenta este cambio en un escenario donde la balanza de poder se ha invertido. Es un duelo generacional, pero también una historia de evolución: del control absoluto a la necesidad de adaptarse. Si la primera cinta trataba sobre entrar al sistema, esta parece ser sobre cómo sobrevivir cuando el sistema cambia sin pedir permiso. Meryl Streep convirtió a Miranda en un personaje eterno. Entre la primera y la segunda película, la actriz sumó dos nominaciones al Oscar (The Post e Into the Woods) y ganó una estatuilla por The Iron Lady; por su parte, Anne Hathaway se llevó el Oscar por Les Misérables. Veinte años después, la historia solo sigue siendo relevante y se siente más actual que nunca. Time Out México conversó con Streep y Hathaway sobre esta nueva entrega, que habla de moda, identidad, ambición y las decisiones que nos definen. También puedes leer: Entrevista exclusiva con el elenco de Malcolm in the Middle ¿Creen que El diablo viste a la moda cambió la manera en que hablamos sobre la ambi

La carrera del actor británico Matthew Rhys despegó al interpretar a Philip Jennings, un espía contenido y emocionalmente fracturado en The Americans, papel que le otorgó un premio Emmy a Mejor Actor Dramático. Luego lo vimos como un fino abogado cargado de sombras en Perry Mason; y ahora, en la serie La Maldición de Widow's Bay, da un giro interesante al encarnar a un hombre que no controla absolutamente nada. Esta nueva producción de Apple TV+ nos transporta a una isla aislada y olvidada, donde su alcalde intenta convertir el lugar en un destino turístico… ignorando que todos a su alrededor creen que está maldita. Lo que empieza como una idea absurda, pronto se vuelve inquietante. La historia juega con un concepto muy atractivo: no sabes si lo que ves es real, paranoia colectiva o algo peor. Es ahí donde entra un tono original que mezcla el horror con la comedia, pero no desde el chiste fácil, sino desde lo incómodo, lo humano y lo que te hace reír genuinamente. Detrás de cámaras se encuentran Katie Dippold (Parks and Recreation), conocida por su excelente ritmo cómico, e Hiro Murai (The Bear), un experto en crear atmósferas raras, casi hipnóticas. Juntos construyen una serie que se siente distinta, con un elenco que incluye a actores como Stephen Root y Kate O’Flynn, y que ya está generando excelentes reacciones por su propuesta. No es terror tradicional, ni comedia convencional; es un juego constante entre lo que creemos ver y lo que preferimos no enfrentar. También pued

La casa de los espíritus es una herida, una memoria y una familia que se rompe y se reconstruye con el tiempo. Amazon Prime Video acaba de estrenar la adaptación en formato serie de esta icónica novela, la cual pone en el centro a tres personajes que sostienen toda la trama. Primero está Esteban Trueba, un hombre que construye poder pero no sabe amar, interpretado por Alfonso Herrera. Luego tenemos a Clara del Valle, el alma espiritual de la historia, dividida entre la mirada joven de Nicole Wallace y la fuerza silenciosa de Dolores Fonzi. Finalmente está Férula, un personaje doloroso y contenido que vive entre el amor y la renuncia, a cargo de Fernanda Castillo. Entre ellos se teje algo profundamente íntimo: poder, silencio, deseo y todo lo que se queda sin decir. Esta serie no llega de la nada. La novela de Isabel Allende se publicó en 1982 y, desde entonces, se convirtió en un clásico imposible de ignorar, aunque muy difícil de adaptar. Existió una versión anglosajona en 1993 que no logró capturar la esencia latinoamericana. Hoy, décadas después, finalmente vemos una adaptación hecha desde este lado del mundo, con una mirada más cercana y honesta que entiende el peso histórico, político y emocional que atraviesa a los personajes. Esta es una historia que sigue hablando de nosotros, de lo que heredamos, callamos y repetimos sin darnos cuenta. En Time Out México conversamos con Alfonso Herrera, Dolores Fonzi, Fernanda Castillo y Nicole Wallace sobre esta megaproducción, con

Genki Kawamura es el productor detrás de fenómenos como Your Name, Weathering With You y Suzume, historias que mezclan emoción, destino y la sensibilidad particular del cine japonés. Ahora, en su faceta como director, tiene una obsesión clara: adentrarse en la mente humana y explorar qué sucede cuando la percepción comienza a fallar. Su segundo filme detrás de las cámaras, Exit 8, parece sencillo, pero no lo es. Todo ocurre en un pasillo de metro infinito. Las reglas son claras: si todo luce normal, avanzas; si notas una anomalía, te das la vuelta. Si te equivocas, regresas al inicio. Solo acertando ocho veces puedes salir. Así de simple y así de perturbador. Pronto, deja de ser un juego para convertirse en una experiencia incómoda: una historia sobre las decisiones, lo que elegimos ignorar y esas señales que vemos, pero decidimos no enfrentar. La película adapta un videojuego indie que se volvió viral precisamente por eso: hacerte dudar de lo que ven tus ojos. En Japón fue un fenómeno que conectó con una ansiedad muy urbana y actual. Ahora llega a México respaldada nada menos que por Guillermo del Toro, quien la ha recomendado públicamente. No te puedes perder: Entrevista a Lee Cronin y Jack Reynor sobre "La Posesión de la Momia" Time Out México platicó en exclusiva con Kawamura sobre este thriller minimalista que nos obliga a prestar atención, a cuestionarnos y a descubrir en qué momento, nosotros también, dejamos de ver lo que tenemos enfrente. A Hundred Flowers habla de l

Karime Pindter es una figura que no puedes ignorar. Nació en el caos del reality Acapulco Shore y, desde ahí, entre fiesta, polémica y frases virales, convirtió el ruido en identidad. No llegó con el molde de la "actriz tradicional"; llegó con actitud, con excesos, con una energía que o te engancha o te incomoda. Y justo ahí radica su poder. Su consolidación llegó al conectar con un público completamente distinto tras su paso por La Casa de los Famosos. Al entrar a la televisión abierta y adentrarse en la conducción, demostró una narrativa en construcción. Karime entendió algo clave: si no te abren la puerta, la produces tú. Así nace su documental La Verdadera Matryoshka, donde seguimos su día a día durante las últimas semanas de 2025 mientras se prepara para su debut como cantante. Karime platicó con Time Out México sobre esa figura suya que sobrevivió al rechazo, la que incomoda, pero que también es profundamente honesta y personal. La Verdadera Matryoshka ya está en cines desde el 22 de abril, proyectándose en más de 65 salas de Cinemex Alternativo. También puedes leer: "El dolor hace que la gente haga cosas terribles": Richard Gadd y su nueva apuesta en HBO ¿Recuerdas ese momento en el que sentiste que la industria te dijo: “te creemos, apostamos por ti”? Karime Pindter: Llevo 12 años en esta industria, la cual amo profundamente. Amo la respuesta del público y estoy muy agradecida con quienes me han dado oportunidades. Al final, hay gente con más años, más consolidada, co

El creador y actor británico Richard Gadd proviene del teatro y el stand-up; de la costumbre de contar aquello que normalmente callamos. Eso fue exactamente lo que hizo en Baby Reindeer, la serie basada en su propia historia que terminó por estallar a nivel global. El se convirtió en un fenómeno de conversación y arrasó en entregas de premios como los Emmy y los Globos de Oro, ganándose tanto a la crítica como al público. Gadd ademas de escribir y actuar, se expuso por completo. Ahora regresa con Half Man, su nuevo proyecto para HBO. En esta ocasión, deja de lado la autobiografía estricta para relatar la vida de dos hombres, Ruben y Niall, cuya relación se forja en la infancia y se deforma con el paso del tiempo, navegando entre el cariño, la dependencia, la violencia y los silencios propios de la masculinidad. Una serie que da saltos temporales, intercalando momentos de profunda dureza con destellos de humanidad inesperada, obligando al espectador a cuestionar el origen del bagaje emocional que arrastramos. En esta producción, Gadd comparte créditos con Jamie Bell (Billy Elliot). Gadd conversó con nosotros sobre lo que significa ser hombre en la actualidad, y lo hace sin buscar respuestas fáciles. Half Man exige atención absoluta porque, irremediablemente, se queda contigo. Después del rotundo éxito de Baby Reindeer, ¿fue complicado decidir cuál sería tu siguiente paso? Richard Gadd: La verdad es que no me di tiempo para pensarlo. Ya sabía que esto era lo que seguía. Escribí

Verónica Falcón trabajó durante años en México como coreógrafa y actriz, hasta que decidió irse a Estados Unidos a probar suerte. Desde entonces, ha construido una trayectoria muy particular interpretando a mujeres fuertes como Camila Vargas en Queen of the South, Camila Elizondo en Ozark o Lupe Gibbs en Perry Mason, personajes con autoridad e historia, que no necesitan levantar la voz para imponerse. En La posesión de la momia, Falcón nos lleva a un horror más íntimo. La película sigue a una familia marcada por la desaparición de la pequeña Katie, quien regresa años después, pero ya no es la misma. Lo que comienza como un reencuentro se transforma en una pesadilla que se instala dentro de la casa, donde el miedo viene de lo más cercano. Aquí hay una familia tratando de entender algo que simplemente no tiene explicación. No te puedes perder: "El amor es un concepto de Disney": Alexander Skarsgård sobre "Pasajero" Falcón interpreta a Carmen Santiago, la matriarca: una mujer que sostiene a los suyos y que intenta mantener la calma cuando todo empieza a romperse. Time Out México conversó con Verónica Falcón sobre esta película donde el horror invade lo cotidiano. ¿Cómo recibes la noticia de que La posesión de la momia debutó en el segundo lugar de la taquilla en México? De verdad, no tienes idea de lo que trabajamos para que esta película sea lo que es. Lee Cronin, el director, es uno de los realizadores más apasionados con los que he colaborado, y eso se siente. Me da muchísimo

El taiko es una tradición japonesa con siglos de historia. Nació en rituales, en festivales e incluso en contextos de guerra, donde el sonido marcaba el ritmo, la comunidad y la presencia. Además de música es cuerpo, coordinación y energía colectiva. Cada golpe implica técnica, resistencia y una conexión muy profunda entre quien toca, el instrumento y el espacio. El taiko es una experiencia física y emocional. Nahoko Kobayashi lleva años construyendo un puente entre Japón y México desde ese lenguaje. Nació en este país, pero se formó en Japón y ahora regresa para reinterpretar el taiko sin perder su esencia. Su trabajo es entender una tradición lo suficiente para compartirla con nuevos públicos. Ha llevado el taiko a escenarios culturales, pero también a espacios donde la gente llega sin contexto y, aun así, logra conectar. Esa energía llegará a la CCXP México 2026 de la mano de Crunchyroll. En un escenario donde el anime y la cultura pop dominan la conversación, habrá un elemento distinto: antes de las historias animadas, estará el pulso original. Time Out México conversó con Nahoko sobre la presentación que acompañará a la plataforma de anime en la edición que se realizará este fin de semana. También puedes leer: CCXP México 2026 en Centro Citibanamex Vas a abrir un escenario donde mucha gente viene por el anime y la cultura pop. ¿Qué le pasa al taiko cuando el público no conoce su raíz, pero está dispuesto a sentirlo?  Afortunadamente, el público es muy abierto. El mexican

Santita, la nueva serie de Netflix, es una serie que se atreve a preguntar qué pasa después, cuando ya no hay vuelta atrás. María José Cano, “Santita”, es una doctora brillante que vive al margen de la ley ayudando a mujeres en situaciones límite y que, tras sufrir un accidente, pierde la movilidad en las piernas. Es una historia sobre las consecuencias, el cuerpo, la culpa y las decisiones irrevocables. La actriz colombiana Paulina Dávila es quien carga con todo el peso emocional en pantalla. Este personaje marca un antes y un después en su trayectoria. Junto a ella están Gael García Bernal, Ilse Salas y Erik Hayser, quien interpreta a la única persona que ve esperanza en la vida de la protagonista. Detrás de este proyecto se encuentra Rodrigo García (Las locuras), un director que observa a los personajes desde la intimidad y los deja ser. Time Out México conversó con Paulina Dávila y Erik Hayser sobre las decisiones y contradicciones que nos definen. El nombre "Santita" carga con una expectativa: ser la correcta, la que no se equivoca. ¿Alguna vez en su carrera sintieron la presión de ser esa “versión correcta” para encajar? ¿En qué momento decidieron soltarla? Paulina Dávila: Sí, totalmente. Creo que a lo largo de mi vida me he sentido condicionada —no solo en mi carrera, sino como persona y como mujer— por esa idea de lo correcto y lo incorrecto. Ha sido un trabajo muy consciente y de todos los días liberarme de esas ataduras, de esos cánones y sentencias sociales que, en