Stivi de Tivi

Desde Tiburón hasta Cujo, el cine ha transformado a los animales en nuestras peores pesadillas; no por malicia, sino por la crudeza del instinto. "Primate", la nueva cinta de Johannes Roberts, rescata esta tradición del terror animal para trasladarla a un entorno doméstico sofocante. La trama sigue a una familia atrapada en una noche de horror cuando Ben, su chimpancé adoptado, se vuelve violentamente impredecible, forzándolos a elegir entre la culpa, la responsabilidad y la supervivencia pura. El elenco está encabezado por el ganador del Oscar, Troy Kotsur (CODA), quien expande los límites de la representación en el género con un personaje que navega el miedo desde el silencio. Junto a él, Johnny Sequoyah entrega una interpretación física extenuante que redefine su carrera. Time Out México platicó con ambos sobre el lenguaje del miedo y el desafío de filmar con efectos prácticos. El miedo antes del "Acción" Antes de la sangre y los gritos, ¿qué fue lo que más les inquietó al leer el guion? Troy Kotsur: Me pareció fascinante e inquietante a partes iguales. Había situaciones que me costaba imaginar en pantalla. Me impactó la escena de los niños atrapados en la piscina; los chimpancés odian el agua y ese detalle hacía que el peligro se sintiera muy real. Johnny Sequoyah: Mi primera reacción fue: "¿Cómo demonios vamos a filmar esto?". Pero como actriz, es el tipo de guion que te emociona porque te exige todo. Tenía mucha curiosidad sobre cómo darían vida al chimpancé y cómo reso

La NBA en México y Latinoamérica ha inaugurado una nueva era tecnológica y narrativa de la mano de Prime Video. Esta alianza histórica no solo transforma la manera de consumir baloncesto, sino la forma de vivirlo: más de 200 partidos por temporada, estadísticas en tiempo real y una producción de alto nivel. Sin embargo, el verdadero diferencial radica en su equipo de voces: un "dream team" que entiende que la liga más influyente del mundo es, ante todo, cultura, espectáculo y moda. Entre estas figuras destaca Mary Carmen Lara, periodista con más de una década de trayectoria, quien se integra para conectar a las nuevas audiencias con la duela. Su llegada no es fortuita; es el resultado de años abriéndose paso en una industria exigente, demostrando que narrar deportes es, esencialmente, saber contar historias. En entrevista con Time Out México, Mary Carmen profundiza sobre la responsabilidad de construir una voz propia en un espacio tradicionalmente masculino y la magia de llevar la pasión del básquetbol a la pantalla de millones. El show más allá de la duela La NBA se define como un estilo de vida. ¿Qué te emociona de ser el puente entre la liga y el espectador? Llevo 12 años en el medio deportivo y, cuando Amazon me invitó a sumarme, dimensioné lo que me estaba perdiendo. Es una alianza maravillosa. Entiendes que no es solo lo que pasa en la duela, sino todo el contexto. Mi responsabilidad es transmitir esa emoción constante; es un deporte que nunca para. Dices que la NBA es

“LOL: Buscando Talento” llega como el nuevo spin-off de la exitosa franquicia “LOL: Last One Laughing México”, funcionando como la antesala definitiva al reality. En esta nueva apuesta de Prime Video, comediantes de todo el país se enfrentan al escenario para demostrar si poseen el temple necesario para habitar la casa de LOL en su octava temporada. La dinámica es implacable: presentaciones en vivo con los nervios al límite y comedia sin red de seguridad. El jurado no solo evalúa el remate de un chiste, sino la presencia, el riesgo, el timing y la capacidad de improvisación. No buscan simplemente humoristas; buscan personalidades auténticas. Al frente del proyecto se encuentran tres referentes generacionales: Adal Ramones, pionero del late night en México; Michelle Rodríguez, cuya carrera se ha cimentado en la honestidad y la vulnerabilidad; y El Capi Pérez, el humorista con el ojo más afilado para detectar el ritmo escénico actual. Time Out México platicó con los jueces sobre este estreno, disponible a partir del 16 de enero. El origen del talento El proyecto se llama “Buscando Talento LOL”. ¿Cuándo fue la primera vez que alguien vio potencial en ustedes antes de que ustedes mismos lo notaran? El Capi Pérez: En mi caso fue en un casting en TV Azteca Aguascalientes; ahí me animé a ponerme frente a la cámara. Pero, pensándolo bien, los primeros fueron mis compañeros de escuela. Me decían: “El escenario es tuyo”, y por escenario se referían al frente del salón cuando me paraba

Ganador del Oscar por Gods and Monsters y artífice de éxitos como Chicago, Dreamgirls y Beauty and the Beast, Bill Condon se ha consolidado como uno de los cineastas más versátiles y sensibles de su generación. Hoy, el director regresa a uno de los relatos más poderosos de la literatura y el teatro con El beso de la mujer araña, adaptación del musical basado en la novela de Manuel Puig. Ambientada en una prisión durante la dictadura argentina, la historia sigue a Valentín (un preso político) y a Molina (un hombre gay que sobrevive al encierro recreando en su mente las películas de una diva del cine). Entre la represión y el miedo, surge un vínculo inesperado que transforma a ambos. Protagonizada por Diego Luna, Tonatiuh y Jennifer Lopez—quien encarna a la diva en sus múltiples facetas de fantasía—, la película fusiona el melodrama, el musical clásico y una conmovedora historia de resistencia. A propósito de su estreno en México, platicamos con Bill Condon sobre este regreso al género musical, su trayectoria y el cine como el último refugio frente al dolor. Time Out México: Ver El beso de la mujer araña se siente como cerrar un círculo: vuelves a la identidad, la represión y la fantasía, temas que ya exploraste en Gods and Monsters. ¿Sientes que esta película es un regreso a casa? Bill Condon: Totalmente. Gracias por esa lectura; realmente se siente como un cierre, aunque espero que no signifique un "final". Las similitudes son enormes: en ambos casos escribí el guion sin cont

Heated Rivalry (Más que Rivales) se consolidó como un fenómeno cultural incluso antes de su debut oficial en pantallas globales. La adaptación de la saga de Rachel Reid origino una conversación masiva tras su paso por Crave (Canadá) y su posterior llegada a Max, rompiendo récords de audiencia y cosechando elogios en medios de la talla de The Washington Post. Sin embargo, el magnetismo de la serie trasciende la carga erótica. Su verdadero triunfo radica en un giro emocional profundo: una narrativa donde el deseo no es solo provocación, sino el vehículo hacia la ternura, la vulnerabilidad y una deconstrucción necesaria de la masculinidad en el deporte. El impacto ha catapultado a sus protagonistas, Hudson Williams y Connor Storrie, cuya química eléctrica sostiene el corazón del proyecto bajo la visión de Jacob Tierney (Letterkenny, Shoresy), el creador que entendió que el sexo era solo el gancho inicial. En vísperas de su estreno en México, platicamos con Tierney sobre cómo el placer se convierte en empatía y por qué dos hombres que se aman están rompiendo todos los prototipos. ¿Crees que las historias eróticas gay resuenan tanto porque exploran el cuerpo masculino de una forma que las producciones heterosexuales han ignorado? Probablemente tengas razón. Pero, en última instancia, el erotismo aquí funciona como un "engaño" positivo: es el gancho, pero lo poderoso es el anhelo y la ternura posterior. Estamos acostumbrados a que la ternura lleve al sexo; aquí, el sexo abre la pue

Josh O’Connor y Paul Mescal no llegan a La historia del sonido como promesas, sino como los pilares más sólidos de su generación. O’Connor, ganador del Emmy por The Crown y rostro de joyas como God’s Own Country y Challengers, ha mejorado una carrera sobre personajes sensibles e impredecibles. Por su parte, Mescal —fenómeno global desde Normal People y nominado al Oscar por Aftersun— acaba de conquistar el cine épico con Gladiator II sin soltar el drama íntimo que lo define. En esta cinta dirigida por Oliver Hermanus (Living), ambos interpretan a dos músicos que, tras conocerse en la Primera Guerra Mundial, emprenden un viaje rural para grabar canciones populares y rescatar voces condenadas al olvido. Lo que inicia como un registro documental se torna en una elegía romántica sobre la memoria y el deseo que habita en los silencios. Time Out México conversó con ellos sobre el arte de actuar desde lo no dicho y la conexión real detrás de cámaras. ¿Qué es lo más estimulante de interpretar personajes en una historia tan atmosférica? Paul Mescal: Lo más fascinante ocurre cuando el diálogo no alcanza a nombrar lo que el personaje siente. Cuando las palabras contradicen la emoción, ahí sucede lo esencial. Josh O’Connor: Hay escenas, como los silencios preparando el desayuno en el campamento, donde no se dice nada pero pasa todo. El cine permite leer la narrativa en una mirada o un gesto; eso comunica más que cualquier línea de guion. Su relación ha evolucionado en una de las duplas m

The Pitt vuelve para su segunda temporada manteniéndose fiel a la fórmula que la hizo destacar: un solo turno contado en tiempo real dentro de una sala de urgencias incesante. La historia arranca diez meses después de la intensa jornada que cerró la primera entrega, siguiendo a los médicos del Pittsburgh Trauma Medical Center en una nueva guardia marcada por el desgaste emocional, las secuelas del trauma y un sistema de salud que exige operatividad absoluta, incluso cuando la mente y el cuerpo de sus protagonistas han llegado al límite. Al frente del proyecto está Noah Wyle, rostro icónico del drama médico desde sus años en ER. Aquí, Wyle expande su rol no solo como protagonista, sino como productor, guionista y director. Lo acompaña R. Scott Gemmill, veterano showrunner (ER, NCIS: Los Angeles) y creador de una serie que privilegia el proceso técnico y la experiencia humana por encima del espectáculo televisivo tradicional. Time Out México platicó con ambos sobre esta nueva temporada, que estrena episodios cada jueves en HBO Max. En The Pitt, el verdadero conflicto no siempre reside en el diagnóstico, sino en lo que sucede con el médico tras cerrar el expediente. ¿Sintieron presión al regresar tras el éxito de la primera temporada? Noah Wyle: Sí, claro. El “síndrome de la segunda temporada” es real. Cuando algo funciona tan bien, inevitablemente luchas contra las expectativas. Pero John [Wells] nos quitó mucha presión con un consejo clave: no hay que hacerlo más grande ni más

Con más de dos décadas de trayectoria entre México y Estados Unidos, Ana de la Reguera llega a Un hombre por semana respaldada por una madurez creativa que trasciende la actuación: aquí funge como protagonista, productora y, por primera vez, codirectora. Ana comparte la visión tras la cámara con Marco Polo Constandse, cineasta reconocido por explorar personajes al límite de sus emociones. La película nos introduce a Mónica, una mujer divorciada que decide reintegrarse al mundo de las citas bajo una regla estricta: salir con un hombre distinto cada semana. Lo que inicia como un experimento ligero evoluciona hacia una exploración profunda sobre el deseo y la soledad. En esta etapa de su carrera, De la Reguera consolida una filmografía donde el carisma convive con personajes femeninos complejos y honestamente incómodos. Platicamos con Ana, Marco Polo y José María de Tavira sobre el reto de dirigir desde dentro, la evolución del género romántico y el valor de las historias donde la imperfección es el motor narrativo. Tras años de carrera, la industria suele intentar encasillar a sus figuras. ¿En qué momento decidiste romper con eso? Ana de la Reguera: Es un proceso natural; a la industria le gusta una fórmula y le cuesta ver más allá. Eso me pasó. Lo curioso es que quizá el público no me visualizaba como Mónica, pero yo soy muy ella. Uso apps de citas, estoy soltera, tengo su edad y poseo esa valentía —o vulnerabilidad— de exponerme al mundo para intentar conocer a alguien. Esa v

“Enloqueciendo contigo” es una comedia romántica que retrata el amor cuando deja de ser fantasía y se convierte en convivencia: acuerdos, roces, silencios y reconciliaciones. Inspirada en la comedia “Mad About You”, pero con identidad propia sigue a Jimena y Pablo.  En su segunda temporada, la relación entra en un territorio más complejo y maduro: el desgaste, las dudas y la necesidad de sostenerse más allá del enamoramiento inicial, mostrando que el amor también es trabajo y resistencia. Al centro está Regina Blandón, actriz mexicana con una trayectoria que va desde la comedia televisiva de su infancia hasta cine, series y teatro, consolidada hoy como una intérprete versátil y profunda.  Time Out México platicó con la actriz sobre Jimena, una mujer que ama, se equivoca y aprende a habitar sus contradicciones. La segunda temporada completa ya está en Disney+ y también puedes verla todos los domingos en Sony Channel.  “Enloqueciendo contigo” habla del amor cuando deja de ser fantasía y se vuelve trabajo, fricción. ¿En qué momento personal te encontró esta historia: cuando aún creías en el ideal, cuando empezabas a dudar o cuando ya entendías que amar también es resistir? En todos. Contarla te obliga a mirarte en distintas etapas. La primera temporada me agarró después de muchos años en una relación; la segunda, al inicio de una completamente nueva. Son lugares emocionales opuestos. Y eso la mantiene viva, porque está alimentada de nuestras propias experiencias. Memo y yo, junt

Hamnet, la nueva película de Chloé Zhao basada en la celebrada novela de Maggie O’Farrell, se perfila como uno de los estrenos más conmovedores del año. Con una mirada íntima y profundamente humana, el filme aborda el duelo que marcó la vida de William Shakespeare a partir de la pérdida de su hijo. Al frente están Paul Mescal y Jessie Buckley, dos de los actores más destacados de su generación, cuyas interpretaciones han sido ampliamente reconocidas por la crítica y la temporada de premios. Hablamos con Buckley (ganadora del Globo de Oro a Mejor Actriz) y Mescal sobre la pérdida, el amor que persiste en medio del dolor y la compleja intimidad de una familia que intenta seguir adelante. No te pierdas: Pluribus, la serie de Vince Gilligan que arrasa y lidera audiencia y nominaciones Paul, la película muestra a un Shakespeare que muchos podrían juzgar como un padre ausente, pero tú planteas que su silencio y su distancia vienen de un lugar más complejo. ¿Cómo entendiste esa ausencia? Paul Mescal: La gente puede verlo como un padre ausente, y entiendo por qué, pero para mí no es verdad. Will no huye para escapar de sus sentimientos; se va porque no tiene un lugar para llorar. Agnes vive su dolor hacia afuera, su madre no sabe cómo hablarle, su padre no puede acercarse… él queda atrapado en su propia cabeza. Esa ausencia es brutal, pero es necesaria: irse a Londres es la única forma en la que puede procesar la muerte de su hijo. Y creo que eso habla de cuán increíblemente difícil

Frankenstein, la icónica novela de Mary Shelley publicada en 1818, encuentra una nueva vida en la adaptación dirigida por Guillermo del Toro, quien transforma el mito en un relato profundamente humano sobre la creación, el abandono y la paternidad. Lejos del terror clásico, la película —disponible en Netflix— apuesta por una carga emocional intensa que la ha convertido en uno de los títulos más comentados del año y en una fuerte contendiente en la temporada de premios, con múltiples nominaciones al Golden Globe. Oscar Isaac (Scenes from a Marriage) da vida a un Victor Frankenstein obsesivo y fracturado, mientras que Jacob Elordi (Saltburn) encarna a la criatura desde la inocencia, el asombro y la empatía. En entrevista con Time Out México, ambos actores reflexionan sobre el rechazo, la identidad y la necesidad de seguir existiendo cuando el mundo parece negar cualquier respuesta. Te puede interesar: ¿Qué hace tan distinta a The Pitt? Esto es lo que define a su segunda temporada Tu interpretación muestra a una criatura que vive la rabia y la ternura casi al mismo tiempo. ¿Cómo entendiste ese estado emocional? Jacob Elordi: Creo que esas emociones están mucho más cerca entre sí de lo que pensamos. La ternura profunda convive con la rabia y la tristeza. En la criatura todo sucede a la vez: el aire, la luz, el contacto humano, los sonidos. Es éxtasis y dolor simultáneos. No tiene referencias previas para reaccionar, así que todo es intenso, nuevo y abrumador al mismo tiempo. Esta

Kate Winslet ha construido una carrera marcada por la valentía creativa y la honestidad emocional. Desde sus primeros papeles hasta convertirse en una de las actrices más respetadas de su generación, ha elegido personajes complejos y profundamente humanos. Ganadora del Óscar, múltiples BAFTA, Globos de Oro y un Emmy, su filmografía —de Titanic a Eternal Sunshine of the Spotless Mind, de The Reader a Mare of Easttown— confirma una trayectoria guiada por el riesgo y la coherencia artística. Hoy, más de tres décadas después de su debut, Winslet da un paso decisivo detrás de la cámara con Adiós, June, su primera película como directora. Se trata de un drama familiar íntimo, escrito por su hijo Joe Anders, que retrata a una familia obligada a reunirse cuando la madre atraviesa sus últimos días. Más que una historia sobre la muerte, la película observa lo que sucede cuando el tiempo se acaba: los silencios, las heridas abiertas, la distancia emocional y la posibilidad de reconectar. Time Out México platicó con Winslet sobre su debut como directora, proyecto en el que también actúa y produce, y que se estrena el 24 de diciembre en Netflix. No te pierdas: Pluribus, la serie de Vince Gilligan que arrasa y lidera audiencia y nominaciones Tienes una carrera enorme como actriz. ¿Por qué decidir dirigir ahora y por qué elegir esta historia como tu debut detrás de la cámara? Es curioso, porque siento que muchos de los personajes que he interpretado a lo largo de mi vida me encontraron a mí