Stivi de Tivi

Hamnet, la nueva película de Chloé Zhao basada en la celebrada novela de Maggie O’Farrell, se perfila como uno de los estrenos más conmovedores del año. Con una mirada íntima y profundamente humana, el filme aborda el duelo que marcó la vida de William Shakespeare a partir de la pérdida de su hijo. Al frente están Paul Mescal y Jessie Buckley, dos de los actores más destacados de su generación, cuyas interpretaciones han sido ampliamente reconocidas por la crítica y la temporada de premios. Hablamos con Buckley (ganadora del Globo de Oro a Mejor Actriz) y Mescal sobre la pérdida, el amor que persiste en medio del dolor y la compleja intimidad de una familia que intenta seguir adelante. No te pierdas: Pluribus, la serie de Vince Gilligan que arrasa y lidera audiencia y nominaciones Paul, la película muestra a un Shakespeare que muchos podrían juzgar como un padre ausente, pero tú planteas que su silencio y su distancia vienen de un lugar más complejo. ¿Cómo entendiste esa ausencia? Paul Mescal: La gente puede verlo como un padre ausente, y entiendo por qué, pero para mí no es verdad. Will no huye para escapar de sus sentimientos; se va porque no tiene un lugar para llorar. Agnes vive su dolor hacia afuera, su madre no sabe cómo hablarle, su padre no puede acercarse… él queda atrapado en su propia cabeza. Esa ausencia es brutal, pero es necesaria: irse a Londres es la única forma en la que puede procesar la muerte de su hijo. Y creo que eso habla de cuán increíblemente difícil

Frankenstein, la icónica novela de Mary Shelley publicada en 1818, encuentra una nueva vida en la adaptación dirigida por Guillermo del Toro, quien transforma el mito en un relato profundamente humano sobre la creación, el abandono y la paternidad. Lejos del terror clásico, la película —disponible en Netflix— apuesta por una carga emocional intensa que la ha convertido en uno de los títulos más comentados del año y en una fuerte contendiente en la temporada de premios, con múltiples nominaciones al Golden Globe. Oscar Isaac (Scenes from a Marriage) da vida a un Victor Frankenstein obsesivo y fracturado, mientras que Jacob Elordi (Saltburn) encarna a la criatura desde la inocencia, el asombro y la empatía. En entrevista con Time Out México, ambos actores reflexionan sobre el rechazo, la identidad y la necesidad de seguir existiendo cuando el mundo parece negar cualquier respuesta. Te puede interesar: ¿Qué hace tan distinta a The Pitt? Esto es lo que define a su segunda temporada Tu interpretación muestra a una criatura que vive la rabia y la ternura casi al mismo tiempo. ¿Cómo entendiste ese estado emocional? Jacob Elordi: Creo que esas emociones están mucho más cerca entre sí de lo que pensamos. La ternura profunda convive con la rabia y la tristeza. En la criatura todo sucede a la vez: el aire, la luz, el contacto humano, los sonidos. Es éxtasis y dolor simultáneos. No tiene referencias previas para reaccionar, así que todo es intenso, nuevo y abrumador al mismo tiempo. Esta

Kate Winslet ha construido una carrera marcada por la valentía creativa y la honestidad emocional. Desde sus primeros papeles hasta convertirse en una de las actrices más respetadas de su generación, ha elegido personajes complejos y profundamente humanos. Ganadora del Óscar, múltiples BAFTA, Globos de Oro y un Emmy, su filmografía —de Titanic a Eternal Sunshine of the Spotless Mind, de The Reader a Mare of Easttown— confirma una trayectoria guiada por el riesgo y la coherencia artística. Hoy, más de tres décadas después de su debut, Winslet da un paso decisivo detrás de la cámara con Adiós, June, su primera película como directora. Se trata de un drama familiar íntimo, escrito por su hijo Joe Anders, que retrata a una familia obligada a reunirse cuando la madre atraviesa sus últimos días. Más que una historia sobre la muerte, la película observa lo que sucede cuando el tiempo se acaba: los silencios, las heridas abiertas, la distancia emocional y la posibilidad de reconectar. Time Out México platicó con Winslet sobre su debut como directora, proyecto en el que también actúa y produce, y que se estrena el 24 de diciembre en Netflix. No te pierdas: Pluribus, la serie de Vince Gilligan que arrasa y lidera audiencia y nominaciones Tienes una carrera enorme como actriz. ¿Por qué decidir dirigir ahora y por qué elegir esta historia como tu debut detrás de la cámara? Es curioso, porque siento que muchos de los personajes que he interpretado a lo largo de mi vida me encontraron a mí

Timothée Chalamet atraviesa uno de los momentos más conscientes y ambiciosos de su carrera con Marty Supreme, la nueva película dirigida por Josh Safdie e inspirada en la historia real del legendario jugador de ping-pong Marty Reisman. Lejos del romance o la épica, el actor encarna a un personaje movido por una obsesión feroz: ser el mejor, cueste lo que cueste. La cinta es en una de las más comentadas esta temporada de premios y ya le valió a Chalamet el Golden Globe a Mejor Actor en Comedia o Musical. En conversación con Time Out México, el actor reflexiona sobre la ambición, la vocación y la necesidad de proteger el impulso creativo en una industria tan ruidosa como volátil. No te pierdas: La única opción: una crítica ácida al capitalismo y la deshumanización del trabajo ¿Sentiste que te parecías al personaje? Sí, y lo digo sin ironía: esta es la versión más cercana a quien era antes de tener una carrera. Lo digo con cuidado, porque no es el personaje más admirable en todos los sentidos; está obsesionado con lograr sus objetivos. Pero lo que más me conectó con él fue esa determinación feroz, ese impulso por llegar a donde quería y no aceptar un “no” como respuesta. En esta industria hay muchísimo rechazo al principio y, en realidad, al inicio la única persona que cree en ti eres tú mismo. Eso es lo que más comparto con Marty. También me enorgullece que Josh Safdie viera en mí algo que otros directores no habían visto y me permitiera ser una versión muy distinta a Little W

Park Chan-wook es uno de los cineastas más influyentes del cine surcoreano contemporáneo. Desde Oldboy, la película que lo proyectó internacionalmente, su obra ha explorado con precisión quirúrgica la violencia, el deseo, la culpa y el humor negro. Con Decision to Leave ganó el premio a Mejor Director en Cannes y reveló un costado más melancólico y romántico. Ahora estrena La única opción, una sátira social protagonizada por Lee Byung-hun —conocido también por su participación en Los juegos del calamar—, donde un hombre despedido tras décadas de lealtad descubre que el sistema ya no tiene lugar para él. Adaptando la novela de Donald Westlake, Park transforma la historia en una tragedia contemporánea sobre el orgullo, la masculinidad y la brutal lógica del mercado. Time Out México habló con el director sobre el tono del filme, la puesta en escena y la convivencia entre comedia y violencia. Te puede interesar: Timothée Chalamet y la obsesión por la grandeza en Marty Supreme ¿Cómo concibes el tono de La única opción, donde conviven humor negro y tragedia social? Nunca pensé la comedia y la tragedia como dos cosas separadas que hubiera que equilibrar. Para mí son una sola entidad. Cuando sigues de verdad el viaje psicológico de Man-su y sientes empatía por él, entiendes por qué toma cada decisión. Sus esfuerzos son patéticos y por eso provocan risa, pero al mismo tiempo no puedes dejar de sentir compasión. La crítica social, el humor y la tristeza final nacen del mismo lugar. Man

Amor de oficina, la serie de Netflix que se ha colocado entre lo más visto de la plataforma, retoma una premisa clásica de la comedia romántica: dos personas que no deberían enamorarse. Ambientada en una empresa donde el romance puede convertirse en un riesgo profesional, la historia enfrenta a Graciela y Mateo no solo desde el deseo, sino desde el choque de clases, privilegios y formas de entender el éxito: el mérito frente a la herencia, la disciplina frente a la comodidad. Esa tensión también atraviesa a quienes les dan vida. Ana González Bello y Diego Klein provienen de trayectorias y procesos muy distintos dentro de la actuación, algo que inevitablemente se refleja en su dinámica en pantalla. Sobre esto, el humor y la química que sostiene la serie, platicaron con Time Out México. Te puede interesar: ¿Por qué todo el mundo habla de la serie gay Heated Rivalry? Algo que me llamó mucho la atención es que sus personajes vienen de mundos distintos, de privilegios distintos, y todo gira alrededor de ese choque. Eso me hizo pensar que ustedes como actores vienen de formaciones, métodos y procesos diferentes. ¿Cómo es encontrarse con otro actor y decir: “ok, tú trabajas así, yo trabajo de esta otra manera”? Ana González Bello: No es fácil. No es algo sencillo y es un ejercicio que tenemos que hacer constantemente en todos los proyectos. Cada quien tiene su manera de interpretar y de entender la actuación. Diego Klein: Hay actores más clavados, como yo, que necesitan construir ví

Johannes Roberts ha construido su filmografía alrededor de una misma inquietud: qué ocurre cuando el control desaparece. Desde 47 Meters Down hasta The Strangers: Prey at Night, su cine coloca a personas comunes en situaciones límite, donde la lógica se rompe y el miedo surge no solo del monstruo, sino del instante en que los personajes entienden que ya no tienen el mando de la situación. Su nueva película, Primate, lleva esa idea a un terreno todavía más incómodo. Lo que inicia como unas vacaciones tropicales se transforma en una pesadilla cuando un chimpancé llamado Ben se vuelve impredecible y letal. Muy pronto queda claro que no se trata únicamente de un animal fuera de control, sino de una historia sobre decisiones desesperadas, negación y violencia. Conversamos con Johannes Roberts sobre el miedo, la brutalidad, la incomodidad moral y por qué, a veces, lo más aterrador en pantalla no es la criatura… sino nosotros mismos. No te pierdas: Entrevista con Stellan Skarsgård por Sentimental Value, una de las mejores cintas del 2025.  Algo que me encantó al ver la película es que el público gritaba: “¡No hagas eso! ¡No vayas por ahí!”. ¿Qué piensas tú sobre los personajes que toman decisiones estúpidas en las películas? Es gracioso. He hecho ya dos o tres películas similares, en el sentido de poner a personas en situaciones extremas de las que tienen que salir, y eso hace que la audiencia piense junto con los personajes. Las películas de 47 Meters Down funcionan igual: la gente

Hikari, directora japonesa criada en Osaka y formada entre Japón y Estados Unidos, ha construido una filmografía atravesada por la experiencia de vivir entre culturas. Tras el reconocimiento internacional de 37 Seconds y su trabajo en series como Tokyo Vice y Beef, se ha consolidado como una voz autoral interesada en la intimidad, la soledad y las familias que elegimos. Su nueva película, Familia en renta, protagonizada por Brendan Fraser, parte de una premisa tan insólita como profundamente humana: en Japón existen empresas que ofrecen familias “rentadas” para acompañar a personas que viven en soledad. A través de Phillip, un extranjero que llega a Tokio sin raíces ni rumbo claro y termina trabajando en este negocio, la película explora cómo el afecto, incluso cuando inicia como un servicio, puede transformarse en algo real. Más allá de una tradición japonesa, la cinta habla de una necesidad universal: ser visto, acompañado y escuchado. Hablamos con Hikari sobre este trabajo, aplaudido en festivales como Toronto y recién llegado a la cartelera mexicana. Deberías ver: Primate: una película sobre cuando el miedo nace de una mala decisión Viviste en Estados Unidos como estudiante de intercambio y luego regresaste a Japón. ¿Cómo influyó esa experiencia entre culturas en tu forma de abordar la película? Muchas de las historias que escribo nacen de mi propia experiencia. Como estudiante de intercambio era la única chica asiática en el salón y, al principio, me sentí sola. Con el t

En 2025, The Pitt redefinió el drama médico contemporáneo con un formato en tiempo casi real y una mirada frontal al sistema de salud pública estadounidense. La serie se consolidó como una de las grandes revelaciones del año: su primera temporada obtuvo 13 nominaciones al Emmy, ganó el premio a Mejor Serie Dramática y reconocimientos para Noah Wyle como Mejor Actor y Katherine LaNasa como Mejor Actriz de Reparto. Ahora, The Pitt inicia 2026 con una segunda temporada situada diez meses después, nuevamente durante un solo y caótico turno hospitalario. Los personajes ya no son novatos: han crecido, pero también cargan con las consecuencias. En el centro están Trinity Santos y Dennis Whitaker, interpretados por Isa Briones y Gerran Howell, dos actores que encarnan el núcleo emocional de una serie que no busca consuelo, sino verdad. Conversamos con Briones y Howell sobre esta nueva entrega, que estrena el 8 de enero en HBO Max. No te pierdas: Películas más esperadas de 2026: lista de estrenos, fechas y por qué importan ¿Qué hace que The Pitt sea distinta a otros dramas médicos y qué aporta esta segunda temporada? Gerran Howell: The Pitt no intenta reinventar el género, pero sí llevarlo a un nivel de realismo poco común. El público llega buscando lo que espera de un drama médico, pero la serie eleva esos elementos a través de la precisión, la competencia y la autenticidad. Isa Briones: Hay algo profundamente satisfactorio en ver a personas hacer su trabajo bien. Ese nivel de domini

La televisión en 2025 no fue un simple escaparate de estrenos: fue un campo de prueba. Series que entendieron el medio como un espacio de riesgo creativo y otras que confundieron presupuesto con ambición, el año dejó claro que el “peak TV” ya no garantiza calidad. Hubo obras que apostaron por la inteligencia del espectador, por personajes que envejecen, se equivocan y pagan consecuencias, y también producciones que se diluyeron en el ruido del algoritmo y el escándalo. Este recuento reúne lo mejor y lo peor de las series de 2025, desde títulos que elevaron el lenguaje televisivo y se convirtieron en conversación pop, hasta fracasos ruidosos que evidencian los límites del streaming cuando se queda sin ideas. ¿A cuántas de estas recordaremos? No te pierdas: Las mejores películas del 2025

Paul Feig amplía su registro como director con La empleada, un thriller psicológico que marca un giro en su filmografía. Conocido por títulos como Bridesmaids, The Heat, Spy y A Simple Favor, el cineasta —también creador de la serie de culto Freaks and Geeks— se adentra ahora en un territorio más oscuro y perturbador. La película, que se estrena el primero de enero, está basada en la novela The Housemaid, de Freida McFadden, publicada en 2022 y convertida rápidamente en un fenómeno editorial global con más de dos millones de ejemplares vendidos. El libro dio origen a una exitosa saga con varias secuelas. El filme es protagonizado por Sydney Sweeney y Amanda Seyfried. Conversamos con Paul Feig sobre La empleada, un proyecto que representa un nuevo punto de inflexión en su carrera. El director habla sobre el reto de adaptar un bestseller tan popular y sobre la delgada línea entre entretener al público y llevarlo a un terreno profundamente incómodo. Te puede interesar: Michelle Rodríguez y Roberto Palazuelos: las nuevas voces de Zootopia 2 ¿Cuál fue la decisión más impopular o arriesgada que tomaste en la película, aun sabiendo que no todos estarían de acuerdo? La película se vuelve bastante extrema, especialmente en el tercer acto. Pero yo quería que el final fuera explosivo. Taxi Driver es una de mis películas favoritas y me encanta cómo se permite un cierre grande, casi desbordado. Sentí que aquí nos lo ganábamos, porque pasamos mucho tiempo engañando al espectador. El final

Desde su irrupción en Almost Famous, papel que le valió su primera nominación al Oscar, Kate Hudson ha construido una carrera versátil entre la comedia romántica, el drama y el cine independiente. Paralela a su trabajo actoral, la música ha sido una constante: ha cantado en películas como Nine, Music y en la serie Glee, hasta llegar al lanzamiento de su propio álbum de estudio. El 1 de enero de 2026 estrena Song Sung Blue: sueño inquebrantable, una cinta basada en una historia real sobre una pareja que encuentra en las canciones de Neil Diamond una forma de resistir, amar y volver a creer. Time Out México conversó con Hudson sobre este proyecto, que recientemente le valió una nominación al Golden Globe, y sobre cómo la música se convirtió en un lenguaje íntimo para ella. Te puede interesar: Sigourney Weaver y Oona Chaplin: fuego, poder y actuación en Avatar: fuego y cenizas ¿Qué fue lo que más te conmovió de la relación entre Mike y Claire, tanto dentro como fuera del escenario? Además del amor por la música, está la conexión profunda que solo entienden quienes la sienten de verdad. Todos los que llevamos la música dentro tenemos una historia personal con ella, pero cuando encuentras a alguien que vibra igual, no necesitas explicarlo. Puedes sentirlo, puedes cantarlo. Mike y Claire vivían a través de la música, y eso crea un tipo de intimidad muy especial, casi imposible de describir con palabras. Al sumergirte en el catálogo de Neil Diamond, ¿qué descubriste que no conocías