Stivi de Tivi

Miranda Priestly y Andy Sachs. Eran dos versiones del éxito chocando de frente. Miranda, impecable, exigente y casi impenetrable; Andy, curiosa, brillante y tratando de no perderse mientras aprendía a jugar el juego. Ellas fueron la razón por la que El diablo viste a la moda se convirtió no solo en una película taquillera, sino en un ícono generacional que sigue resonando. La secuela plantea un mundo donde el poder editorial ya no manda como antes y lo digital lo redefine todo. Miranda enfrenta este cambio en un escenario donde la balanza de poder se ha invertido. Es un duelo generacional, pero también una historia de evolución: del control absoluto a la necesidad de adaptarse. Si la primera cinta trataba sobre entrar al sistema, esta parece ser sobre cómo sobrevivir cuando el sistema cambia sin pedir permiso. Meryl Streep convirtió a Miranda en un personaje eterno. Entre la primera y la segunda película, la actriz sumó dos nominaciones al Oscar (The Post e Into the Woods) y ganó una estatuilla por The Iron Lady; por su parte, Anne Hathaway se llevó el Oscar por Les Misérables. Veinte años después, la historia solo sigue siendo relevante y se siente más actual que nunca. Time Out México conversó con Streep y Hathaway sobre esta nueva entrega, que habla de moda, identidad, ambición y las decisiones que nos definen. También puedes leer: Entrevista exclusiva con el elenco de Malcolm in the Middle ¿Creen que El diablo viste a la moda cambió la manera en que hablamos sobre la ambi

La carrera del actor británico Matthew Rhys despegó al interpretar a Philip Jennings, un espía contenido y emocionalmente fracturado en The Americans, papel que le otorgó un premio Emmy a Mejor Actor Dramático. Luego lo vimos como un fino abogado cargado de sombras en Perry Mason; y ahora, en la serie La Maldición de Widow's Bay, da un giro interesante al encarnar a un hombre que no controla absolutamente nada. Esta nueva producción de Apple TV+ nos transporta a una isla aislada y olvidada, donde su alcalde intenta convertir el lugar en un destino turístico… ignorando que todos a su alrededor creen que está maldita. Lo que empieza como una idea absurda, pronto se vuelve inquietante. La historia juega con un concepto muy atractivo: no sabes si lo que ves es real, paranoia colectiva o algo peor. Es ahí donde entra un tono original que mezcla el horror con la comedia, pero no desde el chiste fácil, sino desde lo incómodo, lo humano y lo que te hace reír genuinamente. Detrás de cámaras se encuentran Katie Dippold (Parks and Recreation), conocida por su excelente ritmo cómico, e Hiro Murai (The Bear), un experto en crear atmósferas raras, casi hipnóticas. Juntos construyen una serie que se siente distinta, con un elenco que incluye a actores como Stephen Root y Kate O’Flynn, y que ya está generando excelentes reacciones por su propuesta. No es terror tradicional, ni comedia convencional; es un juego constante entre lo que creemos ver y lo que preferimos no enfrentar. También pued

La casa de los espíritus es una herida, una memoria y una familia que se rompe y se reconstruye con el tiempo. Amazon Prime Video acaba de estrenar la adaptación en formato serie de esta icónica novela, la cual pone en el centro a tres personajes que sostienen toda la trama. Primero está Esteban Trueba, un hombre que construye poder pero no sabe amar, interpretado por Alfonso Herrera. Luego tenemos a Clara del Valle, el alma espiritual de la historia, dividida entre la mirada joven de Nicole Wallace y la fuerza silenciosa de Dolores Fonzi. Finalmente está Férula, un personaje doloroso y contenido que vive entre el amor y la renuncia, a cargo de Fernanda Castillo. Entre ellos se teje algo profundamente íntimo: poder, silencio, deseo y todo lo que se queda sin decir. Esta serie no llega de la nada. La novela de Isabel Allende se publicó en 1982 y, desde entonces, se convirtió en un clásico imposible de ignorar, aunque muy difícil de adaptar. Existió una versión anglosajona en 1993 que no logró capturar la esencia latinoamericana. Hoy, décadas después, finalmente vemos una adaptación hecha desde este lado del mundo, con una mirada más cercana y honesta que entiende el peso histórico, político y emocional que atraviesa a los personajes. Esta es una historia que sigue hablando de nosotros, de lo que heredamos, callamos y repetimos sin darnos cuenta. En Time Out México conversamos con Alfonso Herrera, Dolores Fonzi, Fernanda Castillo y Nicole Wallace sobre esta megaproducción, con

Genki Kawamura es el productor detrás de fenómenos como Your Name, Weathering With You y Suzume, historias que mezclan emoción, destino y la sensibilidad particular del cine japonés. Ahora, en su faceta como director, tiene una obsesión clara: adentrarse en la mente humana y explorar qué sucede cuando la percepción comienza a fallar. Su segundo filme detrás de las cámaras, Exit 8, parece sencillo, pero no lo es. Todo ocurre en un pasillo de metro infinito. Las reglas son claras: si todo luce normal, avanzas; si notas una anomalía, te das la vuelta. Si te equivocas, regresas al inicio. Solo acertando ocho veces puedes salir. Así de simple y así de perturbador. Pronto, deja de ser un juego para convertirse en una experiencia incómoda: una historia sobre las decisiones, lo que elegimos ignorar y esas señales que vemos, pero decidimos no enfrentar. La película adapta un videojuego indie que se volvió viral precisamente por eso: hacerte dudar de lo que ven tus ojos. En Japón fue un fenómeno que conectó con una ansiedad muy urbana y actual. Ahora llega a México respaldada nada menos que por Guillermo del Toro, quien la ha recomendado públicamente. No te puedes perder: Entrevista a Lee Cronin y Jack Reynor sobre "La Posesión de la Momia" Time Out México platicó en exclusiva con Kawamura sobre este thriller minimalista que nos obliga a prestar atención, a cuestionarnos y a descubrir en qué momento, nosotros también, dejamos de ver lo que tenemos enfrente. A Hundred Flowers habla de l

Karime Pindter es una figura que no puedes ignorar. Nació en el caos del reality Acapulco Shore y, desde ahí, entre fiesta, polémica y frases virales, convirtió el ruido en identidad. No llegó con el molde de la "actriz tradicional"; llegó con actitud, con excesos, con una energía que o te engancha o te incomoda. Y justo ahí radica su poder. Su consolidación llegó al conectar con un público completamente distinto tras su paso por La Casa de los Famosos. Al entrar a la televisión abierta y adentrarse en la conducción, demostró una narrativa en construcción. Karime entendió algo clave: si no te abren la puerta, la produces tú. Así nace su documental La Verdadera Matryoshka, donde seguimos su día a día durante las últimas semanas de 2025 mientras se prepara para su debut como cantante. Karime platicó con Time Out México sobre esa figura suya que sobrevivió al rechazo, la que incomoda, pero que también es profundamente honesta y personal. La Verdadera Matryoshka ya está en cines desde el 22 de abril, proyectándose en más de 65 salas de Cinemex Alternativo. También puedes leer: "El dolor hace que la gente haga cosas terribles": Richard Gadd y su nueva apuesta en HBO ¿Recuerdas ese momento en el que sentiste que la industria te dijo: “te creemos, apostamos por ti”? Karime Pindter: Llevo 12 años en esta industria, la cual amo profundamente. Amo la respuesta del público y estoy muy agradecida con quienes me han dado oportunidades. Al final, hay gente con más años, más consolidada, co

El creador y actor británico Richard Gadd proviene del teatro y el stand-up; de la costumbre de contar aquello que normalmente callamos. Eso fue exactamente lo que hizo en Baby Reindeer, la serie basada en su propia historia que terminó por estallar a nivel global. El se convirtió en un fenómeno de conversación y arrasó en entregas de premios como los Emmy y los Globos de Oro, ganándose tanto a la crítica como al público. Gadd ademas de escribir y actuar, se expuso por completo. Ahora regresa con Half Man, su nuevo proyecto para HBO. En esta ocasión, deja de lado la autobiografía estricta para relatar la vida de dos hombres, Ruben y Niall, cuya relación se forja en la infancia y se deforma con el paso del tiempo, navegando entre el cariño, la dependencia, la violencia y los silencios propios de la masculinidad. Una serie que da saltos temporales, intercalando momentos de profunda dureza con destellos de humanidad inesperada, obligando al espectador a cuestionar el origen del bagaje emocional que arrastramos. En esta producción, Gadd comparte créditos con Jamie Bell (Billy Elliot). Gadd conversó con nosotros sobre lo que significa ser hombre en la actualidad, y lo hace sin buscar respuestas fáciles. Half Man exige atención absoluta porque, irremediablemente, se queda contigo. Después del rotundo éxito de Baby Reindeer, ¿fue complicado decidir cuál sería tu siguiente paso? Richard Gadd: La verdad es que no me di tiempo para pensarlo. Ya sabía que esto era lo que seguía. Escribí

Verónica Falcón trabajó durante años en México como coreógrafa y actriz, hasta que decidió irse a Estados Unidos a probar suerte. Desde entonces, ha construido una trayectoria muy particular interpretando a mujeres fuertes como Camila Vargas en Queen of the South, Camila Elizondo en Ozark o Lupe Gibbs en Perry Mason, personajes con autoridad e historia, que no necesitan levantar la voz para imponerse. En La posesión de la momia, Falcón nos lleva a un horror más íntimo. La película sigue a una familia marcada por la desaparición de la pequeña Katie, quien regresa años después, pero ya no es la misma. Lo que comienza como un reencuentro se transforma en una pesadilla que se instala dentro de la casa, donde el miedo viene de lo más cercano. Aquí hay una familia tratando de entender algo que simplemente no tiene explicación. No te puedes perder: "El amor es un concepto de Disney": Alexander Skarsgård sobre "Pasajero" Falcón interpreta a Carmen Santiago, la matriarca: una mujer que sostiene a los suyos y que intenta mantener la calma cuando todo empieza a romperse. Time Out México conversó con Verónica Falcón sobre esta película donde el horror invade lo cotidiano. ¿Cómo recibes la noticia de que La posesión de la momia debutó en el segundo lugar de la taquilla en México? De verdad, no tienes idea de lo que trabajamos para que esta película sea lo que es. Lee Cronin, el director, es uno de los realizadores más apasionados con los que he colaborado, y eso se siente. Me da muchísimo

El taiko es una tradición japonesa con siglos de historia. Nació en rituales, en festivales e incluso en contextos de guerra, donde el sonido marcaba el ritmo, la comunidad y la presencia. Además de música es cuerpo, coordinación y energía colectiva. Cada golpe implica técnica, resistencia y una conexión muy profunda entre quien toca, el instrumento y el espacio. El taiko es una experiencia física y emocional. Nahoko Kobayashi lleva años construyendo un puente entre Japón y México desde ese lenguaje. Nació en este país, pero se formó en Japón y ahora regresa para reinterpretar el taiko sin perder su esencia. Su trabajo es entender una tradición lo suficiente para compartirla con nuevos públicos. Ha llevado el taiko a escenarios culturales, pero también a espacios donde la gente llega sin contexto y, aun así, logra conectar. Esa energía llegará a la CCXP México 2026 de la mano de Crunchyroll. En un escenario donde el anime y la cultura pop dominan la conversación, habrá un elemento distinto: antes de las historias animadas, estará el pulso original. Time Out México conversó con Nahoko sobre la presentación que acompañará a la plataforma de anime en la edición que se realizará este fin de semana. También puedes leer: CCXP México 2026 en Centro Citibanamex Vas a abrir un escenario donde mucha gente viene por el anime y la cultura pop. ¿Qué le pasa al taiko cuando el público no conoce su raíz, pero está dispuesto a sentirlo?  Afortunadamente, el público es muy abierto. El mexican

Santita, la nueva serie de Netflix, es una serie que se atreve a preguntar qué pasa después, cuando ya no hay vuelta atrás. María José Cano, “Santita”, es una doctora brillante que vive al margen de la ley ayudando a mujeres en situaciones límite y que, tras sufrir un accidente, pierde la movilidad en las piernas. Es una historia sobre las consecuencias, el cuerpo, la culpa y las decisiones irrevocables. La actriz colombiana Paulina Dávila es quien carga con todo el peso emocional en pantalla. Este personaje marca un antes y un después en su trayectoria. Junto a ella están Gael García Bernal, Ilse Salas y Erik Hayser, quien interpreta a la única persona que ve esperanza en la vida de la protagonista. Detrás de este proyecto se encuentra Rodrigo García (Las locuras), un director que observa a los personajes desde la intimidad y los deja ser. Time Out México conversó con Paulina Dávila y Erik Hayser sobre las decisiones y contradicciones que nos definen. El nombre "Santita" carga con una expectativa: ser la correcta, la que no se equivoca. ¿Alguna vez en su carrera sintieron la presión de ser esa “versión correcta” para encajar? ¿En qué momento decidieron soltarla? Paulina Dávila: Sí, totalmente. Creo que a lo largo de mi vida me he sentido condicionada —no solo en mi carrera, sino como persona y como mujer— por esa idea de lo correcto y lo incorrecto. Ha sido un trabajo muy consciente y de todos los días liberarme de esas ataduras, de esos cánones y sentencias sociales que, en

Durante casi un siglo, la momia ha sido una figura de la que el cine jamás ha podido prescindir. Desde la inmortal imagen de Boris Karloff envuelto en vendas en los años 30 y la espectacular aventura de Brendan Fraser en los 90, hasta los intentos más recientes por modernizar el mito. Se estrena La Posesión de la Momia, pero esta nueva versión no incluye exploradores ni grandes desiertos. Su propuesta es terrorífica: ¿qué pasa cuando el horror no está afuera, sino que vive contigo? La historia sigue a una familia cuya hija desaparecida es hallada años después. Sin embargo, ya no es la misma. En lugar de huir de ella, deberán convivir con algo que no comprenden, pero que aman profundamente. Detrás del filme se encuentra Lee Cronin, un director que ha construido su carrera llevando el horror a la cotidianidad con cintas como The Hole in the Ground y Evil Dead Rise. Esta nueva momia lleva dicha obsesión un paso más allá: le interesa reinventar al monstruo desde la emoción. Desde lo que duele. Jack Reynor interpreta a un padre que, a todas luces, no está listo para la situación que enfrenta. Reynor lleva años construyendo personajes complejos: hombres que parecen funcionales en el exterior, pero que por dentro están completamente rebasados. Time Out México conversó con el realizador Lee Cronin y el actor Jack Reynor sobre cómo esta nueva entrega rompe con el mito clásico para convertirlo en una historia sobre la familia y la pérdida. Esta película no parece hablar solo del miedo,

Malcolm in the Middle se volvió una tradición familiar mexicana. La historia de un niño genio atrapado en una familia caótica, con una madre implacable, un papá entrañable y hermanos imposibles, rompió las reglas de la comedia al prescindir de las risas grabadas. El protagonista hablaba directo a la cámara y encontraba humor en lo incómodo, en lo cotidiano, en lo real. La serie ganó siete premios Emmy y un Peabody, convirtiéndose en un éxito global. Pero lo más importante es que en Latinoamérica, y especialmente en México, nunca dejó de vivirse. Ahora, la historia acaba de estrenar su regreso dos décadas después: Malcolm es un padre soltero con responsabilidades, Reese sigue navegando la vida a su manera y Francis carga con esa eterna tensión entre libertad y estabilidad. El reencuentro gira en torno a un momento familiar (el aniversario de Hal y Lois), pero en el fondo habla de algo mucho más incómodo: lo que pasa cuando creces y te das cuenta de que no te convertiste en quien pensabas.  Time Out México se sentó con Frankie Muniz, Justin Berfield y Christopher Masterson, los tres hermanos que marcaron a toda una generación. Platicamos sobre el impacto que la serie sigue teniendo hoy y lo que significa volver a habitar personajes que, de alguna forma, nunca se fueron. DisneyRegreso Malcolm in the Middle En México, Malcolm in the Middle se ha convertido en un refugio; un lugar al que la gente vuelve cuando quiere sentirse bien, cuando necesita desconectarse o buscar algo de

Pasajero (Pillion) arranca con una premisa contundente: Colin, un joven tímido que siente que la vida le pasa de largo, conoce a Ray, un hombre seguro, directo y completamente dueño de sus deseos. Lo que sigue es una relación que, en apariencia, gira en torno al BDSM (una dinámica donde una persona cede el control y la otra lo asume), pero que en el fondo aborda un anhelo mucho más universal: la necesidad de pertenecer, de sentirse visto y de explorar hasta dónde se está dispuesto a llegar por conseguirlo. No es necesario conocer ese mundo para sumergirse en la historia, porque lo que verdaderamente está en juego no es el sexo, sino la identidad. Detrás de cámaras se encuentra Harry Lighton, quien debuta en el largometraje tras una exitosa trayectoria en cortometrajes y televisión. En la novela Box Hill, Lighton encontró una historia capaz de llevarlo a un terreno profundamente personal. El resultado es una película que se siente específica, pero nunca ajena. El protagonista es Alexander Skarsgård (Big Little Lies), quien ha forjado una carrera explorando personajes intensos y a menudo incómodos. Aquí interpreta a Ray, alguien que no da explicaciones, no se abre y no busca complacer a nadie. Es un auténtico enigma. Precisamente en ese contraste con Colin (Harry Melling) radica la verdadera fuerza de la cinta. Time Out México conversó con Lighton y Skarsgård sobre este filme independiente que ha conquistado al público y ha sido galardonado con diversos premios internacionales.