Stivi de Tivi

Supergirl no nació ayer… lleva décadas tratando de encontrar su lugar. Desde los cómics de los 50, donde era la prima de Superman que vivía un poco a su sombra, hasta la película de los 80 con Helen Slater, la etapa luminosa y optimista en televisión con Melissa Benoist, o la versión más cruda y contenida que vimos con Sasha Calle. Cada una ha sido un intento distinto de responder a la misma pregunta: ¿quién es Kara Zor-El? Esta Supergirl no es una heroína lista para salvar el día. Llega con pérdida, con rabia, con un pasado que no se puede borrar. La historia (inspirada en el cómic Woman of Tomorrow) la pone en un viaje épico, donde acompaña a una joven en busca de justicia. Se trata menos sobre salvar al mundo y más sobre sobrevivir a ti misma. Detrás de esta película tenemos a Craig Gillespie, un director que ya ha demostrado que le interesan los personajes incómodos, que no buscan caer bien (I, Tonya, Cruella), y a Milly Alcock, a quien todos descubrimos en House of the Dragon. Juntos están construyendo una Supergirl más humana e impredecible. Time Out México conversó con la actriz y el realizador sobre lo que pasa cuando decides enfrentar lo que te da miedo. No te puedes perder: Anna Faris sobre su inesperado regreso a Scary Movie Kara necesita un sol amarillo para alcanzar toda su fuerza. ¿Cuál es su “sol”? ¿Qué necesitan ustedes, emocional o creativamente, para poder hacer su mejor trabajo? Craig Gillespie: Para mí es muy claro: mi esposa. Aunque no esté en el set todo

Imaginen un mundo donde los últimos 10 mil seres humanos viven encerrados en un gigantesco silo subterráneo, convencidos de que salir significa la muerte. Nadie sabe quién lo construyó, qué pasó con el planeta o por qué existen reglas tan estrictas que impiden a la gente hacer preguntas. Lo que comenzó como una novela independiente de Hugh Howey, terminó convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de Apple TV+. Primero fue un misterio sobre el exterior, luego una inmensa conspiración; ahora, en su tercera temporada, la historia se adentra en el origen de los silos mientras Juliette Nichols enfrenta un nuevo reto: recuperar sus recuerdos para descubrir quién es realmente y qué verdad le han ocultado toda su vida. Para Rebecca Ferguson (Misión: Imposible, Duna, Doctor Sueño), Juliette es su personaje más complejo. Además de protagonizar la serie, funge como productora ejecutiva. A su lado se encuentra Graham Yost, creador de Silo y uno de los escritores más respetados de la televisión gracias a títulos como Justified y Band of Brothers. Time Out México platicó con Ferguson y Yost sobre una serie que, más allá de la ciencia ficción, profundiza en la memoria y la verdad. Te puede interesar: “Janine se está pareciendo un poco más a Ava”: Janelle James habla del respeto en Abbott Elementary ¿Cómo ves la evolución de Juliette a lo largo de la serie? Rebecca Ferguson: Era bastante antisocial. Le gustaba construir cosas porque podía resolver problemas mecánicos, pero no los emocionale

Abbott Elementary es una comedia que aborda temas de gran relevancia. Ambientada en una escuela pública de Filadelfia, ha conquistado al público y a la crítica por encontrar humor en los retos cotidianos de los maestros, mientras toca temas como la educación pública, la desigualdad, el racismo y la falta de recursos, sin perder nunca el corazón. El resultado: múltiples premios Emmy, Globos de Oro y el título de una de las comedias más queridas de los últimos años. Si hay un personaje que se roba cada escena es Ava Coleman, una directora tan egocéntrica como impredecible, que comenzó siendo el alivio cómico de la serie y terminó convirtiéndose en uno de sus personajes más complejos. Detrás de ella está Janelle James, una comediante formada en el stand-up que encontró en Abbott Elementary el papel que cambió su carrera y la consolidó como una de las actrices de comedia más reconocidas de la televisión actual. A propósito de que Disney+ estrenó la quinta temporada completa en su plataforma, en Time Out México platicamos con Janelle sobre el éxito de la serie, la evolución de Ava y el secreto para hacer reír mientras se abordan temas que importan. También puedes leer: Entrevista con el director de Mi pecho está lleno de centellas En la primera temporada, Ava era este personaje exagerado, egocéntrico, alguien de quien nos encantaba reírnos. Pero ahora también la entendemos. ¿Cuándo dejó de ser solo divertida y empezó a sentirse real para ti? Janelle James: Quizá alrededor de la te

Durante más de dos décadas, Belinda ha logrado algo que muy pocas artistas consiguen: reinventarse sin perder su esencia. La vimos crecer en la televisión, conquistar la música pop, convertirse en una de las figuras más reconocibles del entretenimiento latino y, también, abrirse camino en el mundo del doblaje con proyectos como Trolls, My Little Pony y, ahora, Toy Story 5. Belinda se suma a una de las franquicias más queridas de todos los tiempos dando voz a Lilypad, una tableta inteligente que llega a la vida de Bonnie y que rápidamente entra en conflicto con Jessie y el resto de los juguetes. Lo interesante es que Lilypad es un personaje complejo, divertido y sorprendentemente humano. Time Out México conversó con la artista sobre la autenticidad, la identidad y el miedo a encajar. También puedes leer: "Siento que crecimos juntas": Irán Castillo habla sobre su regreso en Toy Story 5 En entregas pasadas, Woody representaba el miedo a ser reemplazado y Jessie el miedo a ser olvidada. ¿Qué crees que representa Lilypad? Belinda: Me encanta Lilypad porque es muy divertida y ocurrente. Además, es un personaje que te sorprende. En la primera parte de la película piensas que podría ser la villana, pero poco a poco vas descubriendo otras capas. Me gusta mucho la relación que tiene con Jessie porque, aunque ella realmente quiere ayudar a Bonnie, está convencida de que es la única y mejor opción para hacerlo. En ese afán no se da cuenta de que existe un mundo de juguetes maravillosos q

 A lo largo de seis años, Gal S. Castellanos registró dos transformaciones en paralelo: la suya, mientras iniciaba una transición de género, y la de su madre, María del Pilar, quien tras enviudar decidió viajar a Turquía para perseguir una historia de amor. El resultado es Mi pecho está lleno de centellas, una película íntima sobre la libertad, el duelo, la familia y la posibilidad de empezar de nuevo. El documental ha recorrido festivales como Málaga, Monterrey, Zanate, Cleveland y Doc Buenos Aires, donde ha sido reconocido por su honestidad emocional. En el marco del Mes del Orgullo y durante la semana de la Marcha LGBT+ en México, la cinta llega a las salas de cine este 25 de junio, con un estreno enfocado principalmente en el circuito independiente y espacios culturales. Time Out México conversó con Gal sobre la libertad como motor de la película, la ausencia de su padre, la valentía de su madre y el proceso de convertir una experiencia tan íntima en una obra audiovisual. También puedes leer: "Mi generación debe romper los silencios": Carla Simón sobre Romería y el tabú La película plantea una pregunta muy poderosa: ¿cuánto de lo que somos realmente nos pertenece y cuánto fue construido para cumplir expectativas ajenas? Gal S. Castellanos: Creo que esa ha sido la búsqueda más importante de la película. Habitamos el mundo desde lugares que muchas veces nos son asignados, pero esos lugares también pueden tener muchos más horizontes de los que imaginamos. Durante los años en

Simba, de El Rey León, pasa buena parte de la historia intentando descubrir quién es, enfrentando dudas, miedos y la sensación de que todavía no está listo para ocupar su lugar. Algo parecido ha vivido Juan López Boyadjian. El actor argentino comenzó a formarse a los 12 años, pasó por musicales como Kinky Boots y Shrek, acumuló más de una década de preparación vocal y, después de años de trabajo constante, hoy se encuentra al frente de uno de los personajes más emblemáticos del teatro musical. El Rey León lleva casi tres décadas rugiendo en Broadway, ha recorrido más de 100 ciudades en 24 países y es uno de los espectáculos teatrales más exitosos de todos los tiempos. En México regresó al Teatro Telcel una década después de su primera temporada y actualmente puede verse los jueves y viernes (20:30 h), sábados (16:30 y 20:30 h) y domingos (13:00 y 17:30 h), en una puesta en escena que reúne más de 250 marionetas, máscaras y esculturas animadas sobre el escenario. Time Out México platicó con Juan López Boyadjian sobre el peso de convertirse en Simba, el costo de perseguir un sueño y lo que significa cargar cada noche con uno de los personajes más queridos de la cultura popular. Te puede interesar: "Siento que crecimos juntas": Irán Castillo habla sobre su regreso en Toy Story 5 Interpretar a Simba implica pasar de la culpa al liderazgo frente a miles de personas cada noche. ¿Hubo algún momento en tu vida donde sentiste que también estabas huyendo de convertirte en la persona qu

Desde que Jessie apareció en Toy Story 2, la vaquerita se convirtió en uno de los personajes más queridos de la franquicia porque hablaba de algo que todos hemos sentido alguna vez: el miedo a ser olvidados. Detrás de ella, durante más de 25 años, ha estado Irán Castillo, una actriz que también ha acompañado a varias generaciones desde la televisión, la música, el teatro y el doblaje. Lo que comenzó cuando tenía apenas 19 años se ha convertido en una de las relaciones más largas y entrañables entre una actriz mexicana y un personaje animado. Ahora, en Toy Story 5, Jessie ocupa un lugar más importante que nunca. Mientras Woody, Buzz y el resto de los juguetes enfrentan un mundo donde las pantallas compiten por la atención de los niños, la historia encuentra nuevas formas de explorar las heridas, los aprendizajes y la fortaleza de un personaje que ha crecido junto con su audiencia. Time Out México platicó con Irán sobre el paso del tiempo, la maternidad y los momentos en los que la vida te obliga a soltar. También te puede interesar: El regreso a las raíces de Pixar: Andrew Stanton y la madurez emocional en Toy Story 5 Tengo muy presente la escena de "When She Loved Me" ("Cuando alguien me amaba"). Creo que marcó a toda una generación porque entendimos el dolor de Jessie. Ahora que regresamos a esas heridas, ¿cómo ha sido volver a encontrarte con un personaje que también ha aprendido a sanar? Irán Castillo: Es muy bonito ver la evolución de Jessie. Ver su madurez, verla sanar e

Este fin de semana, Mía Colucci y Miguel Arango, los recordados protagonistas de Rebelde, fueron tendencia en las redes sociales gracias a la entrevista que Alfonso Herrera le realizó a la también cantante Anahí. Fue una charla íntima donde hablaron de recuerdos, etapas de vida y de todo lo que ha cambiado desde aquellos años que marcaron a una generación. Estos clips pertenecen a un episodio de Encuentros sin fronteras, la nueva serie de ESPN en la que Herrera deja por un momento la actuación para convertirse en anfitrión y escuchar historias que, normalmente, no aparecen en una conferencia de prensa. A lo largo de la serie, Herrera conversa con figuras tan distintas como Kaká, Hugo Sánchez, Jennifer Hermoso, José Ramón Fernández, el "Kun" Agüero, el "Tuca" Ferretti, Diego Boneta, Guillermo Arriaga, Martha Higareda y La Cotorrisa. Aunque el fútbol es el punto de partida, el programa termina abordando temas mucho más grandes: identidad, nostalgia, éxito, pertenencia y los recuerdos que nos unen rumbo al Mundial de 2026. Time Out México platicó con Alfonso sobre este proyecto donde, más allá del deporte, existen historias humanas que valen la pena contar. No te puedes perder: "Mi generación debe romper los silencios": Carla Simón sobre Romería y el tabú Nos tocó crecer en una generación donde el fútbol era una reunión familiar. Era ver ese momento, esa jugada, y guardarla en la memoria porque no era tan fácil volver a verla. El fútbol ha evolucionado. ¿Cómo has vivido esta evo

Carla Simón nació en Les Planes d'Hostoles, un pequeño pueblo de Girona. Gran parte de su filmografía está atravesada por una historia muy personal: perdió a sus padres cuando era niña y fue criada por sus tíos. A partir de esa experiencia, ha construido una de las trilogías más íntimas y reconocidas del cine español reciente. Primero fue Verano 1993, inspirada en su infancia y ganadora de tres Premios Goya; después llegó Alcarràs, la película que conquistó el Oso de Oro en Berlín y la consolidó como una de las cineastas más relevantes de su generación. Ahora presenta Romería, una cinta que completa ese viaje hacia sus raíces familiares. En Romería conocemos a Marina, una joven que viaja a Vigo para encontrarse con la familia paterna que nunca conoció, mientras intenta reconstruir la historia de sus padres a través de cartas, recuerdos, silencios y versiones contradictorias. La película, inspirada en la búsqueda que la propia Carla emprendió para conocer mejor la historia de su padre gallego, tuvo su estreno mundial en la Competencia Oficial del Festival de Cannes. Time Out México platicó con la realizadora sobre la memoria, la identidad y las preguntas que no tienen una respuesta clara. También puedes leer: Leviticus: El terror queer que conquistó Sundance y desafía la homofobia religiosa Después de Verano 1993 y Alcarràs, mucha gente puede creer que ya conoce tu forma de hacer cine. ¿Qué reglas de Carla Simón tuviste que romper para hacer Romería? Carla Simón: El reto de Ro

Levítico es el nombre del libro bíblico utilizado durante décadas para condenar la homosexualidad. De ahí parte esta película de terror australiana, la cual llegó a Sundance para convertirse en una de las grandes revelaciones del género este año. La historia sigue a Naim y Ryan, dos adolescentes que viven en una comunidad profundamente religiosa y que, tras ser sometidos a un ritual para "corregir" sus sentimientos, liberan a una entidad capaz de tomar la forma de la persona que más desean. Lo que comienza como una premisa sobrenatural se transforma en un relato sobre amor, culpa, miedo y aceptación. Dirigida por Adrian Chiarella y protagonizada por Joe Bird (Talk to Me), Stacy Clausen y Mia Wasikowska, Leviticus: Ritual de Sangre ha recibido elogios por combinar el terror con un romance sincero y emocional. Time Out México conversó con Adrian Chiarella, Joe Bird y Stacy Clausen sobre el corazón de la cinta y por qué, en el fondo, Leviticus es una historia sobre dejar de vivir con miedo. También puedes leer: "Interpretar a Rosario es agotador emocionalmente": Bárbara de Regil Leviticus es el nombre de uno de los libros más conocidos de la Biblia. ¿Por qué elegiste específicamente ese título? Adrian Chiarella: Es el libro que suele citarse a los jóvenes queer para decirles que existe una condena bíblica hacia la homosexualidad. Incluso teníamos una escena donde el pastor lo citaba explícitamente, pero terminamos eliminándola porque sentimos que cualquier joven LGBTQ+ entenderí

Cuando conocimos a Rosario Tijeras, era una joven marcada por la violencia que aprendió a sobrevivir en un mundo donde confiar tenía consecuencias. Lo que comenzó como la historia de una mujer impulsada por la venganza, se transformó en el retrato de alguien que ha perdido amores, amigos y familia, pero que nunca ha dejado de levantarse. Ahora, en su nueva temporada, Rosario enfrenta el peso de su pasado mientras intenta proteger lo que más ama. La serie, una producción de Sony Pictures Television disponible en exclusiva por Netflix, regresa con 40 episodios que continúan la historia de uno de los personajes más populares de la televisión mexicana reciente. Para Bárbara de Regil, Rosario se convirtió en el papel más importante de su carrera y en un personaje que ha acompañado gran parte de su vida profesional durante casi una década. Time Out México conversó con la actriz sobre la evolución de este ícono, las pérdidas que la han definido y el fenómeno que ha mantenido viva la serie por tantos años. No te puedes perder: Paul Rudd se sincera a través de la música en "Letras Robadas" Hay actores que pasan años buscando un personaje que los defina y a ti te llegó con Rosario. ¿Ha sido un regalo o una responsabilidad cargar con un papel tan identificado contigo? Bárbara de Regil: Creo que, más bien, yo le he dejado cosas a Rosario; es al revés. Ella tiene esta fuerza y estas ganas de vivir que son mías. Mi vida es muy aparte y yo no soy el personaje. Lo único que a veces me deja e

John Carney lleva más de veinte años haciendo películas donde la música no está para decorar escenas, sino para hablar de quiénes somos. Desde Once, que ganó el Oscar por "Falling Slowly", pasando por Begin Again, Sing Street y Flora and Son, sus historias siempre terminan hablando de sueños, arrepentimientos y segundas oportunidades. Ahora regresa con Letras Robadas, una película que parece una comedia musical, pero que en realidad se pregunta: ¿qué pasa cuando ves a otra persona triunfar con algo que nació de ti? La historia sigue a Rick Power, un cantante de bodas interpretado por Paul Rudd, que alguna vez soñó con convertirse en estrella de rock. Todo cambia cuando conoce a un exídolo juvenil, interpretado por Nick Jonas, y descubre que una canción que él escribió termina convirtiéndose en un éxito mundial en la voz equivocada. Carney explora el orgullo, el ego, la autoría y qué habría pasado si hubiéramos tomado otro camino. La música siempre ha estado presente en la carrera de Paul Rudd, como lo vimos en This Is 40, pero en Letras Robadas canta desde la vulnerabilidad. Por eso, Time Out México platicó con él sobre el papel que la música ha tenido en su trayectoria, el cine de John Carney y los sueños que no se cumplieron. También puedes leer: "Pensé que lo haría por la hipoteca": Anna Faris sobre su inesperado regreso a Scary Movie Has cantado antes en películas, pero normalmente desde la comedia. Aquí, en cambio, la música forma parte del corazón emocional de la histor