Stivi de Tivi

Lo que empezó como un grupo de amigos en Monterrey contando historias de terror, terminó convirtiéndose en una de las comunidades de investigación paranormal más seguidas en México. La Sociedad de las Pesadillas —integrada por Raiza Revelles, Claudia y Andrea Ramírez, Gerardo Avendaño, Pato Ramírez y Renata Revelles— dio el salto de narrar miedo a enfrentarlo. Primero desde lo digital, y ahora desde el cine con la película El Museo de los Warren, un proyecto que los obliga a dejar la comodidad del relato para meterse, literalmente, a los lugares donde esas historias nacieron. El punto de partida es el legado de Ed y Lorraine Warren, los investigadores que marcaron la historia moderna de lo paranormal y que inspiraron casos como El Conjuro, Annabelle y Amityville. El grupo viaja a Estados Unidos para entrar a los espacios reales: el Museo del Ocultismo de los Warren en Monroe, Connecticut; la casa donde vivieron, y la famosa vivienda del caso Perron en Rhode Island, mejor conocida como la casa de El Conjuro. Lugares con historia y una carga que no se puede ignorar. Time Out México platicó con los integrantes de La Sociedad de las Pesadillas sobre el momento en que el juego se volvió real, su salto del contenido digital a la pantalla grande y lo que implica enfrentarse a los espacios que marcaron la historia de los Warren. La Sociedad de las Pesadillas empezó como algo para entretenerse entre ustedes, pero terminó llevándolos a lugares reales, físicos. ¿En qué momento dejó de s

El thriller policiaco en México no es un género nuevo, pero posee una personalidad muy distinta a la de otras latitudes. Aquí no se trata solo de resolver un caso, sino de entender el contexto que lo rodea: la corrupción, la violencia y las instituciones que no siempre funcionan. En cintas como Bajo la sal o Miss Bala, e incluso en obras más oscuras y contenidas como Heli, lo policiaco se mezcla con lo brutalmente cotidiano. Este es el terreno en el que se mueve Psicópata asesino del conejo blanco, pero con una vuelta de tuerca: en lugar de enfocarse únicamente en el crimen, se adentra en la mente de quienes lo experimentan. La historia sigue a Nora, una mujer que habita en un equilibrio muy frágil entre la razón y el quiebre emocional; y a Eder, un hombre que ha visto demasiado a lo largo de su carrera. Lo interesante es que la película no lleva al espectador de la mano: suelta piezas, oculta otras y obliga a completar el rompecabezas. Aquí no hay un "caso" tradicional ni un villano claro, sino decisiones, traumas y una sensación constante de que algo anda mal. El "conejo blanco" funciona más como un símbolo que como un elemento literal. Detrás de este proyecto hay un elenco y un equipo que entienden a la perfección dicho tono. Adriana Llabrés lleva tiempo moviéndose en proyectos arriesgados, con personajes incómodos y emocionalmente complejos. Hoze Meléndez suele apostar por interpretaciones contenidas, alejadas del cliché, lo cual juega a su favor en esta entrega. Por su p

La serie Mujeres imperfectas arranca con un asesinato, pero lo que realmente pone sobre la mesa es algo mucho más incómodo: la fragilidad de las amistades de toda la vida, los secretos que decidimos guardar y las versiones de nosotros mismos que construimos para sobrevivir. Basado en la novela de Araminta Hall, este proyecto revela la historia desde distintas perspectivas, cuestionando constantemente qué es verdad y qué es percepción. Al centro de la trama se encuentran tres mujeres unidas por años de historia compartida, pero también por silencios, lealtades rotas y decisiones que pesan más de lo aparente. Es ahí donde entran Elisabeth Moss (Mad Men) y Kerry Washington (Scandal), no solo como protagonistas, sino también como productoras. Moss interpreta a Mary, una mujer aparentemente estable cuya vida comienza a resquebrajarse. Washington, por su parte, da vida a Eleanor, una figura de apariencia fuerte, pero llena de contradicciones internas sobre la identidad, el amor y el sentido de pertenencia. La serie, recién estrenada en Apple TV, abraza la imperfección como punto de partida. Más que un thriller, es un retrato emocional sobre lo que sucede cuando la verdad finalmente sale a la superficie. En Time Out México pudimos platicar con Moss y Washington sobre la identidad, la amistad y quiénes somos cuando nadie nos está mirando. La serie explora cómo mostramos una versión de nosotros que no siempre es real. ¿Este papel les hizo reflexionar sobre eso en su vida? Kerry Washin

Un hombre despierta solo en una nave, sin memoria y sin contexto; apenas cuenta con su cuerpo mientras intenta recordar cómo ser humano. Poco a poco entendemos que es Ryland Grace, un profesor de ciencias convertido en la última esperanza de la Tierra frente a una amenaza cósmica que apaga las estrellas. Pero la película no trata solo de salvar al mundo, sino de reconstruir quién eres cuando no tienes pasado y descubrir que, incluso en la soledad más absoluta, la conexión (aunque venga de otro planeta) puede ser lo único que te sostenga. Esta es la trama de Proyecto Fin del Mundo, adaptación de la novela de Andy Weir que, bajo la mirada de los directores Phil Lord y Christopher Miller (La gran aventura LEGO), construye una experiencia física y tangible, evitando depender del típico exceso digital. Apostaron por sets reales, efectos prácticos y un trabajo de cámara muy controlado para que el espacio se sienta habitable y no artificial. En el centro de la historia se encuentra Ryan Gosling, asumiendo uno de los retos más arriesgados de su carrera. Lejos del arquetipo del héroe de acción, aquí encarna a un hombre común obligado a pensar, adaptarse y sobrevivir. Time Out México conversó con el actor nominado al Oscar sobre la ciencia, la familia y el desafío de sostener una historia completamente solo. Tu personaje despierta sin memoria en el espacio. ¿Cómo construyes a alguien que no sabe quién es? Ryan Gosling: Más que interpretarlo, tuve que experimentarlo. Rodamos casi todo e

Nacida en 1736 en Manchester e hija de un herrero, Ann Lee estuvo marcada por la pobreza y la devastadora pérdida de todos sus hijos. Ese dolor inabarcable la empujó hacia una experiencia espiritual radical que terminaría convirtiéndola en la líder del movimiento Shaker, una comunidad religiosa que predicaba la igualdad de género, la vida en común y el celibato absoluto. Sus seguidores llegaron a creer que ella era la segunda venida de Cristo encarnada en mujer, una idea casi inconcebible en pleno siglo XVIII. De esta fascinante figura histórica nace El testimonio de Ann Lee, una cinta que se aleja de la biografía tradicional. La directora Mona Fastvold construye un relato que entrelaza el drama histórico con una suerte de musical espiritual, donde la fe se manifiesta a través del canto, la danza y el trance colectivo. En el epicentro de la historia se encuentra Amanda Seyfried, entregando uno de los trabajos más arriesgados y transformadores de su carrera. La estrella desaparece para dar paso a un personaje crudo y profundamente humano que sostiene todo el peso de la trama. Resulta inevitable, por tanto, cuestionarse cómo una actuación tan comprometida y excepcional quedó fuera de la conversación de los premios Oscar. Time Out México conversó con Seyfried sobre el reto de dar vida a Ann Lee, su propio viaje espiritual y su relación con la música. Cuando conociste la historia de Ann Lee, ¿qué fue lo que más te sorprendió? Que una mujer del siglo XVIII pudiera liderar un movim

Mamoru Hosoda es, sin duda, uno de los grandes autores del anime contemporáneo. Comenzó su carrera en los años noventa en Toei Animation y, con el tiempo, se convirtió en una voz única dentro de la animación mundial gracias a películas como Wolf Children, The Boy and the Beast y Belle; historias donde la fantasía siempre sirve para hablar de algo profundamente humano: la familia, la pérdida y el crecimiento. Con Mirai, obtuvo una nominación al Oscar a Mejor Película Animada —algo muy poco común para un director japonés fuera de Studio Ghibli— y con Belle alcanzó su mayor éxito internacional, estrenando en Cannes y consolidándose como uno de los cineastas más respetados de la actualidad. Además, fundó Studio Chizu para tener libertad creativa total sobre sus proyectos. Ahora regresa con Scarlet, probablemente su película más oscura hasta la fecha. La historia sigue a una princesa guerrera consumida por la venganza, quien atraviesa un extraño mundo intermedio que refleja su rabia, su dolor y las cicatrices de la violencia. El propio Hosoda ha señalado que no quería mostrar la violencia como un espectáculo, sino evidenciar las marcas que deja en el cuerpo y en el corazón. Por ello, esta es una obra más dura y emocionalmente intensa que sus trabajos anteriores. Es una historia que comienza con sed de venganza, pero que en el fondo plantea una interrogante mucho más profunda: ¿qué pasa cuando la rabia deja de sostenerte y tienes que decidir cómo vivir después de la pérdida? Time O

La historia de David es una de las más famosas de la Biblia y ocurre alrededor del año 1000 a. C., en el antiguo Israel. Nos habla de un joven pastor, músico y poeta que termina enfrentándose a un gigante cuando nadie más se atreve. Durante siglos nos han contado ese momento: David contra Goliat. Sin embargo, la nueva película animada, David, quiere ir más allá de esa imagen que todos tenemos en la cabeza. Aquí no solo vemos la batalla, sino al joven antes y después del mito. Detrás del proyecto está Brent Dawes, un director sudafricano que pasó una década trabajando en esta película junto a Phil Cunningham. La idea era hacer una épica bíblica animada con música, donde las canciones cobraran sentido porque David, según la tradición, fue el autor de muchos de los Salmos. El resultado es una cinta que mezcla aventura, espiritualidad y espectáculo, pero tratando de mantener el corazón del relato original. Todo esto llega de la mano de Angel Studios, la productora que en los últimos años ha demostrado que también se pueden crear grandes éxitos fuera del sistema tradicional de Hollywood. Después de fenómenos como The Chosen o Sound of Freedom, David se convirtió en la película más taquillera en la historia del estudio, recaudando más de 80 millones de dólares a nivel mundial. Time Out México conversó con Brent Dawes sobre este trabajo animado que acaba de llegar a la cartelera mexicana, para descubrir cómo un relato milenario sigue encontrando nuevas maneras de contarse. Cuando es

Parece que todo lo que toca Taylor Sheridan se convierte en un éxito. El creador de Yellowstone ha construido un verdadero imperio televisivo con series como 1883, 1923, Tulsa King, Mayor of Kingstown, Landman y Special Ops: Lioness. Cada proyecto expande un mundo muy particular donde el poder, la familia y el territorio se enfrentan constantemente. The Madison nace dentro de ese mismo universo creativo. Y aunque no es un spin-off directo de Yellowstone, llega como una de sus historias más íntimas: un drama familiar ambientado en Montana que pone el foco no en la épica del rancho, sino en algo mucho más universal: cómo una familia intenta sobrevivir al dolor. La serie sigue a un matrimonio que se muda de Nueva York al valle del río Madison, intentando recomponer su vida después de una tragedia que sacude a toda la familia. No es una historia de misterio ni de venganza; es un relato sobre el duelo, sobre cómo cada miembro vive la pérdida de manera distinta y lo difícil que resulta volver a empezar cuando el mundo que conocías ya no existe. Sheridan cambia la escala del western moderno por algo más humano, silencioso e incómodo, contrastando con el paisaje abierto de Montana. Te puede interesar: Entrevista a Alejandra Arrieta sobre el documental Pola Weiss Para contar esta historia, reunió a dos figuras enormes del cine que rara vez se dejan ver en televisión: Michelle Pfeiffer y Kurt Russell. Pfeiffer, tres veces nominada al Oscar y recordada por clásicos como Dangerous Liaiso

En los años setenta, cuando el video apenas comenzaba a explorarse, Pola Weiss ya estaba desafiando sus límites. Bailaba frente a la cámara, manipulaba electrónicamente la imagen y mezclaba performance, televisión y autobiografía. Hoy se le reconoce como la pionera del videoarte y la videodanza en México; una artista adelantada a su tiempo que exploró, décadas antes, la relación entre cuerpo, tecnología e identidad frente a la pantalla. Esa historia es la que recupera el documental Pola Weiss, dirigido por la cineasta mexicana Alejandra Lucía Arrieta Méndez, realizadora y artista visual. Su trabajo ha transitado entre el documental, la investigación artística y la curaduría audiovisual, lo que la llevó a descubrir la obra de Pola. La película se construye a partir del enorme archivo personal que la artista dejó (diarios, cartas, fotografías y videos), conservado en el centro de documentación del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM. Con ese material, el filme reconstruye su vida, su proceso creativo y el contexto cultural de un México que todavía no sabía cómo entender lo que ella estaba haciendo. Time Out México conversó con Arrieta sobre redescubrir a una artista que imaginó el lenguaje audiovisual de hoy mucho antes de que existieran las redes sociales o los teléfonos con cámara. El documental Pola Weiss se estrena el 5 de marzo y podrá verse en salas y espacios culturales como Cinemex, la Filmoteca de la UNAM, el Museo Universitario del Chopo y el Cent

Cuando Seth MacFarlane estrenó Ted, pocos imaginaban que la historia de un niño y su vulgar oso de peluche se convertiría en una de las comedias más exitosas de su generación. Tras Ted 2, MacFarlane decidió volver al origen de esta inusual amistad con una serie precuela ambientada en los años noventa que explora la adolescencia de John Bennett y la caótica convivencia de su familia con un oso parlante que dice todo lo que nadie debería decir. La primera temporada combinó nostalgia noventera y humor, convirtiéndose rápidamente en uno de los estrenos más vistos de Universal+. Ahora, la segunda temporada profundiza en ese momento clave en el que John empieza a definir quién quiere ser, mientras Ted —con la voz y mente creativa de MacFarlane en el centro de todo— sigue siendo su peor influencia y su amigo más leal. Al frente de esta historia se encuentra Max Burkholder como el joven John Bennett. Con una carrera que comenzó desde niño en Parenthood, Burkholder hoy enfrenta el reto de dar vida a la versión adolescente del icónico personaje que el público conoció en las películas. Tambien puedes leer: Entrevista a Hero Fiennes Tiffin sobre la serie El Joven Sherlock Platicamos con Max sobre lo que significa crecer dentro del universo de Ted, cómo es trabajar junto a Seth MacFarlane y lo que podemos esperar de la nueva temporada que estrena esta semana en Universal+. ¿Cómo te sientes ahora con esta segunda temporada, considerando que ya demostraron que la precuela tenía que existir?

Sherlock Holmes ha sido interpretado muchas veces, pero pocas veces lo vemos antes de convertirse en el genio que domina cada habitación. El joven Sherlock parte justo de esa premisa: ¿cómo se forma el detective más famoso del mundo? La nueva serie de Prime Video nos presenta a un Sherlock de 19 años, brillante pero impulsivo, todavía lejos de la leyenda. El papel recae en Hero Fiennes Tiffin, heredero de una de las familias más influyentes del cine británico (sobrino de Ralph y Joseph Fiennes), quien saltó a la fama con la saga After y ahora enfrenta el reto de encarnar a uno de los personajes más icónicos de la historia. Detrás de la serie se encuentra Matthew Parkhill (Deep State) como creador y Guy Ritchie en la dirección, lo que garantiza un misterio clásico con ritmo trepidante, acción física y humor británico. Time Out México conversó con Hero Fiennes Tiffin sobre cómo se construye un mito... antes de que el mito exista. Tuve la oportunidad de hablar con Matthew Parkhill, el creador de la serie, y al preguntarle cómo encontró al actor ideal, me dijo que aportaste algo que ni siquiera él sabía que necesitaba para el personaje. ¿Cómo fue tu proceso de casting?  Estaba de vacaciones en Tailandia y, de hecho, había decidido no trabajar si podía evitarlo. Pero entonces mi agente me envió un correo diciendo que querían que hiciera una audición. Y cuando ves "Sherlock" y "Guy Ritchie" en la misma frase, piensas: "Dios mío, qué oportunidad". Hice la audición, me ofrecieron el

La historia comenzó en la vida real. En 2013, el médico italiano Pierdante Piccioni perdió doce años de memoria tras un accidente automovilístico. De esa experiencia nació la serie italiana DOC, Nelle tue mani, un fenómeno televisivo que cruzó fronteras con una adaptación en Estados Unidos y que ahora llega a México con una nueva sensibilidad, pero con el mismo corazón: la segunda oportunidad. Al frente de esta versión está Juan Pablo Medina, uno de los actores más sólidos y versátiles de su generación. A lo largo de su carrera ha transitado con naturalidad entre la comedia y el drama en proyectos como La casa de las flores, Soy tu fan y El club de los idealistas. Aquí interpreta a un hombre obligado a reconstruirse desde cero, en una historia que, inevitablemente, dialoga con su propia experiencia de resiliencia. Time Out México platicó con Juan Pablo Medina sobre la memoria, la empatía y lo que significa volver a empezar. DOC se estrena el 4 de marzo en Netflix. Luca Argentero trabajó la redención clínica, Molly Parker el duelo emocional. ¿Qué sentiste que México tenía que decir distinto al abordar este personaje? Preferí no ver las otras versiones para no caer ni en la repetición ni en el intento de alejarme de algo. Quise trabajar únicamente desde el guion, junto al director Francisco Franco y los guionistas. Tuve la oportunidad de hablar con el doctor italiano original y me dijo algo que para él era fundamental: la empatía. Eso era lo más importante que quería ver reflej