Stivi de Tivi

Malcolm in the Middle se volvió una tradición familiar mexicana. La historia de un niño genio atrapado en una familia caótica, con una madre implacable, un papá entrañable y hermanos imposibles, rompió las reglas de la comedia al prescindir de las risas grabadas. El protagonista hablaba directo a la cámara y encontraba humor en lo incómodo, en lo cotidiano, en lo real. La serie ganó siete premios Emmy y un Peabody, convirtiéndose en un éxito global. Pero lo más importante es que en Latinoamérica, y especialmente en México, nunca dejó de vivirse. Ahora, la historia acaba de estrenar su regreso dos décadas después: Malcolm es un padre soltero con responsabilidades, Reese sigue navegando la vida a su manera y Francis carga con esa eterna tensión entre libertad y estabilidad. El reencuentro gira en torno a un momento familiar (el aniversario de Hal y Lois), pero en el fondo habla de algo mucho más incómodo: lo que pasa cuando creces y te das cuenta de que no te convertiste en quien pensabas.  Time Out México se sentó con Frankie Muniz, Justin Berfield y Christopher Masterson, los tres hermanos que marcaron a toda una generación. Platicamos sobre el impacto que la serie sigue teniendo hoy y lo que significa volver a habitar personajes que, de alguna forma, nunca se fueron. DisneyRegreso Malcolm in the Middle En México, Malcolm in the Middle se ha convertido en un refugio; un lugar al que la gente vuelve cuando quiere sentirse bien, cuando necesita desconectarse o buscar algo de

Pasajero (Pillion) arranca con una premisa contundente: Colin, un joven tímido que siente que la vida le pasa de largo, conoce a Ray, un hombre seguro, directo y completamente dueño de sus deseos. Lo que sigue es una relación que, en apariencia, gira en torno al BDSM (una dinámica donde una persona cede el control y la otra lo asume), pero que en el fondo aborda un anhelo mucho más universal: la necesidad de pertenecer, de sentirse visto y de explorar hasta dónde se está dispuesto a llegar por conseguirlo. No es necesario conocer ese mundo para sumergirse en la historia, porque lo que verdaderamente está en juego no es el sexo, sino la identidad. Detrás de cámaras se encuentra Harry Lighton, quien debuta en el largometraje tras una exitosa trayectoria en cortometrajes y televisión. En la novela Box Hill, Lighton encontró una historia capaz de llevarlo a un terreno profundamente personal. El resultado es una película que se siente específica, pero nunca ajena. El protagonista es Alexander Skarsgård (Big Little Lies), quien ha forjado una carrera explorando personajes intensos y a menudo incómodos. Aquí interpreta a Ray, alguien que no da explicaciones, no se abre y no busca complacer a nadie. Es un auténtico enigma. Precisamente en ese contraste con Colin (Harry Melling) radica la verdadera fuerza de la cinta. Time Out México conversó con Lighton y Skarsgård sobre este filme independiente que ha conquistado al público y ha sido galardonado con diversos premios internacionales.

En 2021, la serie Hacks nos presentó a Deborah Vance, una comediante que ya lo había logrado todo, pero que no soportaba la idea de dejar de importar; a Ava Daniels, una joven escritora que creía tener siempre la razón... hasta que la vida le demostró lo contrario. Dos mujeres tan distintas que podían empujarse, lastimarse y, al mismo tiempo, volverse indispensables la una para la otra. Cinco temporadas después son una dupla creativa y una dependencia emocional disfrazada de comedia brillante. Esta semana, Max estrena su temporada final. Ahora, Deborah debe enfrentar algo que le aterra: que otros empiecen a contar su historia por ella e, incluso, a definir su legado sin su permiso. Regresa el humor afilado, pero también una reflexión muy clara sobre el control, el ego y el miedo a desaparecer. Deborah y Ava enfrentarán este último reto juntas porque, en el fondo, ya no saben existir la una sin la otra. Gracias a este papel, Jean Smart ha ganado cuatro premios Emmy consecutivos, convirtiendo a Deborah Vance en un ícono moderno de la televisión. Por su parte, Hannah Einbinder empezó siendo una revelación y terminó consolidándose como una fuerza real dentro de la serie, creciendo a la par de Ava hasta encontrar una voz propia. Juntas poseen una química que, simplemente, no se puede fabricar. No te puedes perder: Patricia López Arnaiz y Miguel Garcés: “En Los domingos, lo que no se dice sostiene a la familia” Time Out México conversó con las actrices sobre el estreno de la última

La película Los domingos fue el fenómeno español del año pasado. Además de su excelente resultado en taquilla, arrasó en los premios Goya, incluyendo Mejor película, Mejor dirección y Mejor actriz, generando algo que no es tan común: una conversación real después de salir del cine. La cinta sigue a Ainara, una joven que toma una decisión que rompe por completo a su familia: entrar a un convento de clausura. Un drama religioso y una reflexión profunda sobre cómo reaccionamos cuando alguien que amamos elige un camino que no entendemos. Dirigida por Alauda Ruiz de Azúa, quien ya había demostrado en Cinco lobitos su capacidad para retratar a la familia sin romantizarla, la película vuelve a ese terreno donde el amor también duele y se equivoca. Los protagonistas son dos de las figuras más sólidas del cine español actual: Patricia López Arnaiz y Miguel Garcés, quienes construyen dos formas opuestas de enfrentar esa ruptura. Time Out México conversó con ambos sobre los silencios, la fe, los límites y las decisiones. CortesiaEntrevista a Patricia López Arnaiz y Miguel Garcés: Los domingos La historia habla todo el tiempo de control y libertad. Con eso en mente, ¿cómo dirige Alauda Ruiz de Azúa? ¿Desde el control o les da espacio para perderse dentro de la escena? Patricia López Arnaiz: Alauda es una directora que tiene muy claro lo que quiere contar. Llega con un guion muy trabajado, muy documentado, con mucho fundamento. Pero, al mismo tiempo, deja una parte abierta a la investig

The Boys se estrenó en 2019 y, desde el primer episodio, dejó claro que no venía a jugar bajo las reglas de siempre. Aquí los superhéroes complican el día y lo rompen. Lo que empezó como una sátira irreverente fue creciendo hasta convertirse en algo mucho más incómodo, una historia donde el poder, la fama y la moral chocan sin filtros, y donde cada temporada ha ido empujando los límites un poco más lejos. En ese viaje, Hughie, Starlight, Homelander y Soldier Boy dejaron de ser simples piezas del género para convertirse en algo más complejo, más humano y también más oscuro. Jack Quaid, Erin Moriarty, Antony Starr y Jensen Ackles interpretaron a estos personajes durante cinco temporadas, llevándolos a lugares que ni ellos mismos esperaban cuando empezaron. La exitosa serie de Prime Video se acerca a su final, por lo que Time Out México platicó con estos cuatro actores sobre el pasado, el presente y todo aquello que hace de The Boys una de las producciones más provocadoras de los últimos años. En la serie, la moral se siente como un lujo que ya nadie puede permitirse. Ustedes empezaron siendo el centro moral, pero todo se ha ido rompiendo. ¿En qué momento sus personajes dejan de ser “buenas personas” o simplemente se adaptan para sobrevivir? Jack Quaid: Creo que, en cierto sentido, sí abrazan la oscuridad, porque en un mundo como este tienes que hacerlo para sobrevivir. Pero no diría que dejan de ser buenas personas. Erin Moriarty: Se adaptan. Jack Quaid: Exacto. Y la única form

Durante décadas, la autora canadiense Margaret Atwood ha construido universos que parecen ficción, pero que están hechos con fragmentos de nuestra propia historia. Su legado es tan incómodo como necesario. Cuando escribió The Handmaid’s Tale, estaba inventando un futuro imposible y advirtiendo sobre un presente que ya existía. La adaptación televisiva de esta obra, además de llevarse los galardones más importantes —como el Emmy a Mejor Serie Dramática—, generó una conversación que trascendió fronteras. A lo largo de sus seis temporadas, la serie nos sumergió en Gilead a través de los ojos de quienes lo habían perdido todo, haciéndonos sentir la opresión, la rabia y la resistencia. Esta semana se estrena en Disney+ su esperada secuela, Los Testamentos, una producción que cambia por completo la premisa original: ¿Qué pasa cuando no sabes que te falta algo? La historia nos sitúa 15 años después de los eventos de la primera serie y se centra en una nueva generación de mujeres que crecieron dentro del sistema; para ellas, ese mundo no es una cárcel, es la normalidad. Se trata de un viaje de despertar, de búsqueda de identidad y de cuestionar aquello que siempre les enseñaron que era lo correcto. Disney+Ann Dowd, Chase Infiniti y Rowan Blanchard hablan sobre Los Testamentos El puente entre el pasado y el futuro lo tiende Ann Dowd, actriz que ganó el Emmy por su magistral interpretación de la tía Lydia. Ella no solo conecta ambas historias, sino que abre la puerta para entender es

Gore Verbinski es un director que crea mundos en sus peliculas. Desde el terror elegante de The Ring hasta la acción perfectamente orquestada de la trilogía de Piratas del Caribe, siempre ha tenido una obsesión: los sistemas que colapsan. Pasó casi una década sin dirigir, pero ya está de nuevo en el cine con Buena suerte, divierte, no mueras, una película que se siente como un regreso y una reacción. La historia arranca con una idea simple: un tipo del futuro ha intentado salvar al mundo más de cien veces... y ha fallado en cada ocasión. Así que lo intenta una vez más, reuniendo a un grupo de personas que no son héroes, ni los más preparados, ni siquiera los más estables. Son gente común, rota, distraída; básicamente, nosotros. Entre ellos está Mark, interpretado por Michael Peña, un actor que lleva años haciendo algo muy raro: desaparecer dentro de cada película. Lo has visto en dramas, comedias, blockbusters y cine independiente, y siempre se siente real. Nunca forzado. Time Out México conversó con Gore Verbinski y Michael Peña sobre los fracasos que te forman y por qué sentimos que las películas ya no se ven como antes. Te alejaste del cine durante algunos años. ¿Qué cambió en la industria, en el mundo o en ti, que te hizo regresar para contar esta historia? Gore Verbinski: Si miras alrededor, el mundo prácticamente ya está respondiendo esa pregunta. Hay una sensación muy clara de desilusión, como si estuviéramos perdiendo algo. La gente lo percibe; ya sea por las redes so

La producción Lobo, Morir Matando de Telemundo Studios arranca planteando un mundo donde la violencia es un evento aislado y el contexto. Ahí conocemos a Antonia Lazo, una agente que no solo persigue criminales, intenta sostener algo mucho más frágil: la idea de justicia. Entre persecuciones, decisiones al límite y una niña que lo cambia todo, la serie avanza como un thriller, pero en el fondo es una historia sobre en quién decides convertirte cuando todo a tu alrededor está roto. Y justo ahí entra Fátima Molina. Su versión de Antonia no es una heroína de pose; es una mujer que carga con el peso de hacer lo correcto en un sistema que no siempre responde. Hay fuerza en ella, pero también contención, dudas y una profunda sensibilidad. Es el tipo de personaje que no trata de caer bien, busca ser verdadero y eso, en una producción de acción, se siente distinto. Time Out México conversó con Fátima para entender que esa verdad en pantalla no es casualidad. Su carrera ha sido todo menos lineal: ha pasado desde proyectos íntimos en el cine independiente como Sueño en otro idioma, hasta producciones masivas como Te acuerdas de mí. Cuando leíste el guion de Lobo, Morir Matando por primera vez, ¿qué sentiste? ¿Hubo algo que te incomodara? Para ser muy honesta, lo que más me gustó es que en esta historia los buenos son los policías, los héroes, y que ya no estamos regresando al formato donde los villanos son los protagonistas. Me atrapó muchísimo porque estamos viviendo momentos críticos

Todo empezó con una idea simple y brutal: alguien desconocido toca a tu puerta y corres peligro. Los Extraños nació así en 2008, como un miedo sin explicación que se volvió un referente del terror moderno. Años después, esa premisa crece con una nueva trilogía que no solo repite el ataque, profundiza en lo que viene después: el trauma, la supervivencia y cómo alguien cambia para siempre. Aquí seguimos a Maya (Madelaine Petsch), una joven que pasa de ser víctima a enfrentarse a algo mucho más complejo; una historia concebida como un solo viaje dividido en tres capítulos. Las tres entregas fueron dirigidas por Renny Harlin, quien nos entrega menos ruido y más tensión; menos explicaciones y más incomodidad. Las películas se filmaron como una sola pieza, lo que permite observar la evolución emocional del personaje casi en tiempo real. No se trata solo de escapar, trata de entender qué queda después del miedo y en quién te conviertes cuando sobrevives. Incluso la pregunta central cambia: ya no es solo quiénes son los asesinos, ahora es quién termina siendo el verdadero extraño. Harlin es un director que lleva décadas construyendo el peligro en pantalla. Desde la acción explosiva de Duro de matar 2(Die Hard 2) o Riesgo total (Cliffhanger) hasta el suspenso más contenido, su cine siempre ha girado en torno a personajes llevados al límite. Hoy, con la nueva trilogía de Los Extraños, no busca solo adrenalina, es ese miedo silencioso e inexplicable. Time Out México conversó con el real

James Bond no es solo un personaje; es un símbolo. Representa la idea del éxito británico, la elegancia y el poder, pero también dicta quién pertenece y quién no. Justo ahí es donde entra Bait, una serie que toma ese mito, lo sacude y lo convierte en algo mucho más incómodo y real. Y es que Bait no trata realmente sobre ser James Bond. Trata sobre un actor que, de pronto, queda atrapado entre quién es y quién cree que debe ser cuando su nombre empieza a sonar para encarnar al nuevo 007. Es una comedia, sí, pero también aborda la ansiedad, la familia, la identidad y la ambición. Captura ese momento en el que la vida entera se siente como una audición constante. Riz Ahmed —actor, músico, creador y ganador del Oscar y el Emmy— es una de las voces más interesantes en la actualidad cuando se habla de identidad y representación. Ahora es el productor, creador y protagonista de Bait, su proyecto más personal, arriesgado y libre hasta la fecha. La serie ya está dando de qué hablar, se perfila como una fuerte candidata para la temporada de premios y sus seis episodios ya están disponibles en Prime Video. Te puede interesar: Los hermanos Muschietti apuestan por el nuevo terror con "Te van a matar" Time Out México platicó con el histrión británico de ascendencia pakistaní sobre lo que significa intentar encajar cuando el mundo ya ha decidido quién debería ser el protagonista. En un mundo dominado por franquicias, ¿cómo lograron hacer algo original usando una figura como James Bond? Dura

La serie DOC se mantiene en los primeros lugares de Netflix, y no es casualidad. La historia arranca con el doctor Andrés Ferrara (Juan Pablo Medina), quien, tras un accidente, pierde la memoria de los últimos años de su vida y debe volver a ejercer, reconstruirse y entender en quién se ha convertido. Es una trama sobre medicina, pero también sobre identidad, decisiones y segundas oportunidades. Esta semana estrena su segunda parte con 20 episodios. Dentro de este universo hay un personaje que no busca caer bien y, justo por eso, resulta imposible de ignorar: Irene. Una mujer que se mueve en las esferas de poder, que no levanta la voz porque no lo necesita, que entiende el sistema y sabe cómo jugarlo. Es fría, estratégica y siempre va un paso adelante. Detrás de este personaje se encuentra Alejandra Ambrosi, una actriz que lleva años construyendo una sólida carrera en cine, teatro y televisión, apostando siempre por personajes con filo y contradicciones. Desde Soy tu fan hasta sus proyectos más recientes, su camino se ha caracterizado por evitar lo fácil y elegir lo interesante. Te puede interesar: “Todos cambiamos por los obstáculos”: Juan Pablo Medina sobre DOC Aprovechando el estreno de la segunda parte de DOC —una producción de Sony Pictures Television—, Time Out México conversó con Ambrosi sobre el poder, las decisiones corporativas y el impacto que estas tienen en la vida de muchísimas personas. DOC es una historia que ha funcionado en Italia, en Estados Unidos y ahora

Andy y Barbara Muschietti nacieron en Argentina y comenzaron su carrera dirigiendo y produciendo historias personales, un camino que poco a poco los llevó más lejos. Primero con Mamá y después con IT, dieron el gran salto a Hollywood y entraron de lleno a las grandes ligas. Sin embargo, no se conformaron con su propio éxito: decidieron abrir la puerta a nuevos talentos, tal como alguien lo hizo por ellos en su momento. Hoy son dueños de su propia casa productora, Nocturna, y Te van a matar es su carta de presentación. La trama sigue a Asia (Zazie Beetz), una mujer recién salida de prisión que acepta un trabajo como empleada en un edificio de lujo en Nueva York. Pero desde su llegada, nota que algo no cuadra. Pronto descubre que no se trata de un simple empleo, sino de una trampa orquestada por una comunidad de gente poderosa que lleva años desapareciendo personas. Lo que ellos ignoran es que Asia no llegó ahí por accidente... y no planea irse sin pelear. Además de Beetz, el elenco cuenta con las actuaciones de Patricia Arquette, Tom Felton, Myha’la y Heather Graham. La cinta es dirigida por Kirill Sokolov, un cineasta con un estilo muy particular: altamente visual, violento y cargado de humor negro. Te puede interesar: Flamingos: La vida animal narrada con la calidez de Julieta Venegas Time Out México conversó con los hermanos Muschietti sobre cómo elegir una nueva voz creativa y hasta qué punto es posible reinventar el cine de terror. Más allá de su relación personal, hay un