Stivi de Tivi

En sueños es la nueva apuesta animada de Netflix: una aventura fantástica donde Stevie y Elliot —dos hermanos temerosos de que sus padres se separen— se adentran en el mundo onírico para encontrar al mítico Sandman y pedir un deseo capaz de mantener unida a su familia. Dirigida por Alex Woo, fundador de Kuku Studios y ex story artist de Pixar, la película combina fantasía, humor y emociones profundas para hablar de miedos muy reales. Time Out México conversó con Woo sobre el largo camino para llevar esta historia a la pantalla y la huella personal que dejó en su proceso creativo. Te puede interesar: Jafar Panahi habla sobre Fue solo un accidente y la censura en Irán En el filme exploras lo que ocurre cuando los sueños no se cumplen. Con eso en mente: ¿cuál fue el sueño que tuviste que dejar ir para hacer posible esta película? Bueno, para decepción de mi madre, no estoy casado ni tengo hijos, y mis padres desean mucho tener nietos. Ese es un sueño que he tenido que poner en pausa; espero no dejarlo ir del todo. Hacer una película exige muchísimo: foco, tiempo y energía. Siempre bromeo diciendo que esta película tomó nueve años en realizarse; un bebé humano tarda nueve meses, pero una película animada tarda nueve años. Así que, de muchas maneras, esta película ha sido mi hija durante casi una década. Ese es probablemente el sueño que tuve que dejar en espera para hacer posible esta película. La mayoría de las películas animadas nacen de la imaginación, pero esta surge de la pé

Jafar Panahi, una de las voces más influyentes y perseguidas del cine iraní, vuelve al centro de la conversación internacional. El 1 de diciembre de 2025, un tribunal revolucionario de Teherán lo condenó en ausencia a un año de prisión, reafirmando la presión constante del régimen sobre su obra y su figura. En medio de este contexto llega a México su película más reciente, Fue solo un accidente, filmada de manera clandestina y aclamada mundialmente por su mirada crítica sobre la memoria, la justicia y las heridas que deja la violencia política. En entrevista Panahi nos habla sobre su impulso creativo, los límites de la libertad artística y la tensión de seguir filmando cuando su propio país intenta silenciarlo. Te puede interesar: Millie Bobby Brown se despide de Eleven en la última temporada de Stranger Things ¿Qué te impulsa a seguir creando en contextos donde los artistas viven bajo presión estatal? Cada país tiene sus propios problemas y desafíos. Solo viviendo dentro de una geografía puedes entender sus realidades y cómo enfrentarlas. El arte, por su naturaleza, no permite fórmulas universales ni caminos iguales para todos. Desde afuera, estos regímenes parecen impenetrables y aterradores, pero cuando vives dentro de ellos encuentras, casi de manera instintiva, formas de respirar, crear y escapar de la presión. ¿Le habría gustado que su película fuera enviada por Irán? ¿Cómo podría la Academia evitar depender de gobiernos represivos? Durante años hemos cuestionado las re

Andrea Gibson fue una de las voces más potentes de la poesía contemporánea. Reconocide por convertir la vulnerabilidad en fuerza, su obra exploró el amor, el género, la identidad y la enfermedad con una claridad emocional que marcó a miles de lectores. El documental Come See Me in the Good Light retrata el capítulo más íntimo de su vida: el diagnóstico de un cáncer en etapa avanzada y la forma en que decidió enfrentarlo desde la ternura, la palabra y el humor. Entre lecturas, presentaciones y momentos cotidianos, la película revela cómo el arte puede sostenernos incluso en los días más difíciles. Detrás del proyecto está la comediante Tig Notaro, productora del documental y alguien que también ha navegado la fragilidad del cuerpo. Su mirada convierte esta historia en un acto de empatía profunda. Time Out México conversó con Notaro sobre este trabajo que llega a Apple TV+ en honor a Gibson, fallecide en julio de este año. ¿Tú, como amiga cercana de Andrea, fuiste quien presentó la idea del proyecto? No fue mi idea. Estaba hablando con Stef Williem, que es otro productor y un amigo mutuo de Andrea. Él me dijo: “Esto sería un gran documental; la vida de Andrea sería un buen documental”. Eso me golpeó como un montón de ladrillos, porque yo conocía a Andrea y sabía lo talentosa y especial que era, lo cautivadora que podía ser. En cuanto Stef lo dijo, todo me llegó con absoluta claridad. Yo pasé por mi propio diagnóstico de cáncer, pero tuve la fortuna de salir adelante. En mi caso

En 1992, La mano que mece la cuna, dirigida por Curtis Hanson, se volvió uno de los thrillers psicológicos más perturbadores de su época. Hoy, más de treinta años después, Michelle Garza Cervera —una de las voces más sólidas del nuevo cine de horror mexicano— revisita este clásico noventero para darle una perspectiva femenina y latinoamericana. Tras el impacto de Huesera, la directora debuta en Hollywood con su reinterpretación del filme, que llega el 24 de octubre a Disney+. Te puede interesar: De Estambul a Mardin: la exposición gratuita que revela la diversidad de Turquía ¿Cómo empieza este nuevo reto para tu carrera? Mira, la verdad es que fue gracias a Huesera. La película llegó a 20th Century Studios; la vieron y a uno de los ejecutivos le encantó. Se acercaron y me invitaron a proyectarla en las oficinas de Disney, que es donde ahora está 20th Century. Desde entonces comencé una conversación con ellos, quienes me contaron que llevaban mucho tiempo buscando ideas para recrear La mano que mece la cuna. Esa idea se quedó colgando en mi cabeza. Un día les presenté un concepto que les gustó mucho y desde entonces empecé a trabajar con ellos. Todo fue muy orgánico, avanzó de manera muy natural. Llegó un punto en el que ya estaba todo listo para que se hiciera la película. Dije: “Okay, quiero ver qué es esto de hacer una película de estudio en Hollywood”. Ha sido un proyecto muy afortunado; me he sentido muy bendecida y rodeada de colegas y un equipo maravilloso. He aprendido

Lo siento cariño es una película que aborda con sensibilidad el proceso de reconstruirse después de una experiencia que marca la vida. Agnes, su protagonista, avanza como puede: entre silencios, torpeza y humor inesperado, intentando volver a sentirse entera. Esa mirada íntima nace de Eva Victor, artista que ha explorado por años la relación entre vulnerabilidad, identidad y comedia. Aunque muchxs la conocen por su trabajo humorístico y en redes, con Lo siento cariño revela una faceta distinta: una que narra el dolor sin explotarlo y usa la risa sin esconderlo. Este es su primer largometraje, que dirige, escribe y protagoniza. Tras su estreno en Sundance 2025, donde ganó el Waldo Salt Screenwriting Award, el filme llega a México con fuertes rumores rumbo a la temporada de premios. Platicamos con Eva Victor sobre este proyecto que habla de sanar acompañadx. Te puede interesar: Michelle Rodríguez y Roberto Palazuelos: las nuevas voces de Zootopia 2 En la película eliges muy bien las palabras que vas a usar y evitas las que siempre aparecen en filmes sobre este tema. ¿Cómo llegaste a eso? Mi decisión de usar cierto lenguaje alrededor del tema fue completamente consciente. Y creo que la razón por la que los personajes no usan esa palabra es porque están cuidándose entre ellos: se protegen y tratan de crear un lenguaje seguro alrededor de algo muy difícil. Para mí no se trata de evitar el término, sino de construir un mundo que se sienta más seguro para ellos. La única persona en

La primera Zootopia (2016) se convirtió en un fenómeno porque, detrás del humor y la aventura, planteaba una pregunta incómoda: ¿quién decide quién pertenece? Ocho años después, llega Zootopia 2, una secuela más grande, más política y sorprendentemente cercana a nuestra realidad. Judy y Nick siguen al centro de la historia, pero esta vez se suman tres personajes clave: Gary, una serpiente noble y ansiosa; Nibbles, una comadreja atrapada entre la curiosidad y la paranoia; y el alcalde Major, un caballo elegante presionado por el poder y el miedo. En español, sus voces llegan de tres mundos distintos —televisión, teatro, comedia y cine— gracias a Jerry Velázquez, Michelle Rodríguez y Roberto Palazuelos. Hablamos con ellos sobre identidad, estereotipos y el poder del doblaje. Te puede interesar: Millie Bobby Brown se despide de Eleven en la última temporada de Stranger Things La película habla de pertenecer o no pertenecer, algo muy parecido al medio del espectáculo, donde te encasillan por lo que haces. ¿Cómo se sienten con ese mensaje y con haber roto ustedes mismas esas barreras? Michelle Rodríguez: A veces se cree que quienes venimos de otros ámbitos no podemos hacer doblaje, pero justo la película habla de que todos podemos si lo hacemos con respeto y dedicación. No sé si hemos cambiado algo, pero sí creo que, si abres una puerta, la sostienes para que otros pasen. Nadie debería sentirse fuera. Jerry, tu personaje recibe un “no” antes de que siquiera lo conozcan. ¿Qué signi

Millie Bobby Brown creció ante los ojos del mundo y se convirtió en una de las figuras más influyentes de su generación. Desde su debut como Eleven en Stranger Things, la actriz acumuló reconocimientos, protagonizó franquicias como Godzilla y Enola Holmes, fundó su marca de belleza y se convirtió en embajadora de UNICEF. Ahora se prepara para despedirse del papel que marcó su carrera: la última temporada de Stranger Things llegará en tres partes a Netflix entre noviembre y diciembre de 2025, cerrando una era televisiva. Millie reflexiona sobre el final de Eleven, su evolución personal y el impacto que ha tenido la serie en su vida. Te puede interesar: Dan Trachtenberg reinventa la saga Depredador con Tierras salvajes ¿Cómo te transformó personalmente crecer dentro de Stranger Things hasta hoy? Ahora soy mamá y estoy casada, así que he cambiado mucho. Empecé en el show a los diez años; para mí fue como ir a la escuela. Aprendí a ser profesional: encontrar mi marca, entender la luz, comunicarme con un director, recibir indicaciones. Me gradué en ese set. También aprendí a ser amiga: estás en un elenco donde cuarenta personas son personajes principales, y eso te enseña a trabajar en equipo. Maduras porque estás bajo la mirada pública y quieres tomar buenas decisiones, especialmente porque mucha gente joven te observa. Todos fuimos conscientes de eso. El show ha sido mi ancla, pero también me enseñó que está bien tener otras anclas: tu vida personal y tu vida privada. Ha sido una

Aziz Ansari, comediante, actor y creador de la influyente serie Master of None, da un salto decisivo con Cuando el cielo se equivoca, su primer largometraje como director, guionista y protagonista. La película sigue a Arj, un hombre común atrapado en la precariedad laboral cuya vida cambia cuando un ángel —interpretado por Keanu Reeves— interviene para “ayudarlo” y termina provocando un intercambio de vida con Jeff, un millonario encarnado por Seth Rogen. El caos emocional y cómico que sigue marca el debut cinematográfico de Ansari, aún en la cartelera mexicana. Hablamos con él sobre esta ópera prima. Todo director recuerda la historia que lo hace decir: “Ok, estoy listo para hacer una película. Esta es la historia”. Entonces, ¿qué encontraste en Cuando el cielo se equivoca que te hizo decir eso? Llevaba mucho tiempo queriendo hacer una película y pasaba bastante tiempo en Los Ángeles, donde el tema central de la historia está por todas partes. Tenía la semilla de la idea, escribí el guion, se lo di primero a Seth Rogen, quien dijo que sí; luego se lo di a Keanu Reeves y… eso fue todo. Así de sencillo. Has producido, actuado y dirigido al mismo tiempo, pero ¿qué tenía Cuando el cielo se equivoca que te ejercitó un músculo distinto? Más allá de la técnica, ¿qué aprendiste filmando tu primera película que no habías aprendido antes? Lo que había dirigido antes era mi serie en Netflix, y una película es algo completamente distinto: es una historia más larga, más exigente. Aprendí

Sorda, la película española dirigida por Eva Libertad, explora con honestidad el terreno emocional donde conviven el mundo oyente y el mundo sordo dentro de una misma familia. Protagonizada por Miriam Garlo —actriz sorda y hermana de la directora— y Álvaro Cervantes, la cinta profundiza en las tensiones, los miedos y la ternura que emergen tras la llegada de una bebé. Reconocida en festivales nacionales e internacionales, la película ya está en la cartelera mexicana y destaca por su acercamiento íntimo a la maternidad, la identidad y la comunicación. Conversamos con Eva y Álvaro sobre cómo el silencio puede revelar tanto como las palabras. Te puede interesar: Ariana Grande y Cynthia Erivo revelan la transformación final de Wicked por siempre ¿Cómo nace esta idea, estas ganas de explorar una frontera que muy pocas veces vemos representada en el cine? Eva Libertad: La película nace de una necesidad muy íntima: cuestionar el vínculo entre el mundo oyente y el mundo sordo, y explorar tanto su luz como sus zonas más oscuras. Me interesaba esa pareja que vive en equilibrio hasta que llega Ona y todo se desordena. Ahí aparecen los miedos, la dificultad de conectar y esa maraña emocional que muchas veces no se verbaliza. El cine permite entrar justo en esos lugares donde las palabras no llegan. Me encanta que creaste una experiencia donde el público siente lo que vive Ángela. ¿Cómo planteaste la puesta en escena y el sonido para lograrlo? Álvaro Cervantes: Interpretar a Héctor me dio

Dolores Fonzi presenta Belén, su nueva película como directora y guionista, inspirada en el caso real de una joven tucumana acusada injustamente de homicidio tras sufrir un aborto espontáneo. Basada en el libro Somos Belén, la cinta sigue a Soledad Deza —interpretada también por Fonzi—, la abogada que se enfrenta a un sistema judicial conservador para demostrar la inocencia de una mujer convertida en símbolo de lucha. Lejos del mito, el filme recupera a la persona detrás del ícono y revela la historia íntima que impulsó un movimiento nacional. Hablamos con Fonzi sobre el impacto de Belén, su proceso creativo y la potencia actoral de Camila Plaate, premiada en San Sebastián. No te pierdas: La cumbia del pantano: la cumbia llega al Centro Cultural del Bosque Este caso real se convirtió en bandera para muchos movimientos, pero lo que me gusta de la película es que tú miras a la mujer antes del ícono. ¿Cómo trabajaste para que la historia no perdiera humanidad en medio del mito? Ese era el objetivo. Queríamos hablar de nosotras mismas a través de Belén y de Soledad: mujeres argentinas, latinoamericanas, madres que trabajan y que encuentran poder al unirse. La idea era convertir algo profundamente personal en algo universal. También me gusta mucho el ritmo de la película: te deja respirar y luego te atrapa con estas pulsaciones. ¿Cómo encontraste ese balance? Le quitamos cuarenta minutos al montaje. Teníamos dos horas veinte y depuramos hasta llegar al corazón de la historia. El m

Wicked por siempre llega como uno de los estrenos más anticipados del año, una continuación donde Glinda y Elphaba enfrentan sus rupturas más profundas y las revelaciones que transformarán para siempre al mundo de Oz. Ariana Grande muestra una Glinda más compleja y vulnerable; Cynthia Erivo lleva a Elphaba a un territorio emocional devastador; y Jon M. Chu confirma su fuerza en el musical contemporáneo con una visión emotiva y poderosa. En esta segunda parte, Oz se redefine, las máscaras caen y las dos protagonistas deben confrontar quiénes son realmente. Time Out México conversó con las actrices y el director sobre este capítulo crucial que promete romper récords en taquilla. No te pierdas: Maratón de anime gratuito en el IPN Glinda siempre ha sido asociada a la luz, pero en esta película aparece su sombra. ¿Hubo un momento del rodaje en el que descubrieras que esa oscuridad también era esencial para ella? Ariana Grande: Lo mágico de Glinda es que su luz no existe sin su oscuridad. En la segunda película esa sombra por fin sale a la superficie: sus inseguridades, su necesidad de ser querida, la fachada que construyó desde niña para sobrevivir. Pensé mucho en su infancia, en las expectativas que le impusieron y en cómo creó esta burbuja de perfección que vemos romperse. Interpretarla es abrazar ambas cosas a la vez: su brillo y sus grietas. Elphaba cambia radicalmente entre la primera y la segunda película. ¿Qué te enseñó interpretar a una mujer que se reconoce y se rompe al

Matthew Macfadyen ha construido una carrera marcada por personajes que equilibran vulnerabilidad, humor y complejidad emocional. Desde su inolvidable Mr. Darcy en Pride & Prejudice hasta el magnético Tom Wambsgans en Succession, el actor regresa ahora con Muerte por un rayo, la nueva miniserie de Netflix dirigida por Matt Ross y creada por Mike Makowsky. Basada en el libro Destiny of the Republic, la producción sigue la historia real de Charles J. Guiteau, el inestable asesino del presidente estadounidense James A. Garfield, interpretado por Michael Shannon. Platicamos con Macfadyen sobre este desafío actoral y la forma en que aborda personajes impulsados por la obsesión, la fragilidad y el absurdo. No te pierdas: Dan Trachtenberg reinventa la saga Depredador con Tierras salvajes La primera vez que leíste el guion, ¿qué hizo clic en ti sobre el personaje Charles que te hizo sentirlo real en tu cabeza? Yo creo que… leí el guion y me nació una necesidad de interpretar a este personaje, por lo que me sentí agradecido de que me lo enviaran a mí. No sentí que fuera una decisión complicada, para nada. Es el camino, ¿sabes? Ese recorrido desde las granjas hasta convertirse en un estafador con comportamientos extraños, con problemas de salud mental, y que termina convirtiéndose en el asesino del presidente. ¿Cómo llega de un lado al otro? Eso me parece fascinante. Y fue una experiencia fascinante. Me encantó interpretarlo. Lo que me gusta del personaje y de tu trabajo es que entregas