Stivi de Tivi

Durante cuatro temporadas, Tom Clancy's Jack Ryan convirtió el espionaje político en una experiencia profundamente humana, retratando a hombres exhaustos, operaciones clandestinas y personajes que comprendieron, tal vez demasiado tarde, que cumplir una misión a menudo cuesta una vida normal. Aunque el rostro principal siempre fue Jack Ryan (John Krasinski), junto a él había dos figuras que terminaron robándose el corazón de los fans: James Greer y Mike November. Greer, interpretado por Wendell Pierce, representa la conciencia cansada de la CIA; un veterano que ha visto cómo el sistema quiebra a las personas. Por su parte, Mike November (Michael Kelly) es el operador más pragmático y peligroso del universo de Jack Ryan, un hombre que conoce a la perfección los engranajes más sucios del espionaje. Si nunca has visto la serie, esto es lo único que necesitas saber antes de sumergirte en Ghost War: estos personajes no son superhéroes, son sobrevivientes. Wendell Pierce lleva décadas construyendo personajes de enorme peso emocional en series como The Wire, mientras que Michael Kelly se consolidó como uno de los rostros definitivos del thriller político moderno gracias a House of Cards. Conversamos con ambos actores sobre esta película, que pone el broche de oro a la franquicia y se estrena esta semana en Amazon Prime Video. No te puedes perder: "Es una historia de reinvención": Tatiana Maslany sobre Maximum Pleasure Guaranteed Hay muchísimos thrillers de espionaje en la actualidad.

La canadiense Tatiana Maslany lleva más de una década demostrando que es una de las actrices más versátiles y arriesgadas de su generación. El mundo la descubrió con Orphan Black, donde interpretó múltiples clones con personalidades completamente distintas; un trabajo tan impresionante que terminó dándole un premio Emmy. Desde entonces, ha construido una carrera llena de personajes emocionalmente complejos en producciones como She-Hulk: Attorney at Law y Perry Mason. Sin embargo, en Maximum Pleasure Guaranteed, Maslany encuentra algo distinto: una mujer que no cambia de identidad, sino que lentamente parece romperse desde dentro. La nueva serie de Apple TV+ sigue a Paula, una madre recién divorciada que cae en una peligrosa red de mentiras y estafas mientras intenta recuperar el control de su vida. Lo interesante es que la trama nunca la trata como una heroína perfecta; al contrario, la acompaña mientras toma decisiones incómodas, desesperadas y profundamente humanas. Time Out México conversó con Tatiana Maslany sobre este nuevo paso en su carrera, en el que da vida a una mujer con la sensación constante de que todo podría derrumbarse en cualquier momento. También puedes leer: "El cine es un truco de magia": El reto de Jon Favreau para hacer gigante a The Mandalorian En Orphan Black interpretaste múltiples identidades que sabían que eran distintas. Aquí, Paula es una sola persona, pero parece estar fracturada. ¿La abordaste como una sola identidad o como alguien ya dividido s

La saga de Star Wars estuvo definida por profecías, apellidos legendarios y batallas que decidían el destino de la galaxia. Entonces llegó la serie The Mandalorian con una idea mucho más simple: un hombre solo y un niño silencioso. Lo que parecía un experimento terminó convirtiéndose en el corazón moderno de Star Wars y en una de las razones por las que Disney+ logró consolidarse tan rápido. Din Djarin y Grogu conectaron con el público que redefinieron cómo podía sentirse esta franquicia. Ahora, esa historia da el salto al cine con The Mandalorian & Grogu, una película que busca expandir la escala del universo y recuperar algo que el propio Jon Favreau considera esencial: la experiencia colectiva de ver cine. Después de años viviendo principalmente en streaming, Star Wars vuelve a la pantalla grande apostando por una historia íntima que ahora quiere sentirse enorme sin perder lo que la hizo especial. Una película diseñada tanto para fans de toda la vida como para quienes apenas entran a esta galaxia. Favreau es una de las figuras más importantes del entretenimiento moderno. Desde Iron Man hasta la revolución de la producción virtual con The Mandalorian, su carrera ha estado marcada por tomar mundos gigantes. Time Out México habló con el realizador sobre llevar esta historia al cine, la responsabilidad de devolverle a Star Wars ese sentido de evento cinematográfico y por qué, incluso en una galaxia muy, muy lejana, las historias más poderosas siguen siendo las más humanas. Di

La serie animada Un show más (Regular Show) logró lo que parecía imposible: transformar la flojera y los trabajos monótonos en aventuras absurdas que desembocaban en viajes en el tiempo, guerras espaciales o, incluso, la destrucción del universo. Creada por J.G. Quintel junto a Sean Szeles, quien se encargó de la dirección y el storyboard, la serie se estrenó en 2010 y se extendió por ocho temporadas. Con más de 240 episodios y varios premios Emmy en su haber, concluyó en 2017 con uno de los finales más emotivos de la animación moderna. Casi una década después, sus creadores regresan con Un show más: Las cintas perdidas, una suerte de continuación construida a partir de "historias no contadas" que ocurrieron dentro del universo original. El atractivo de este regreso radica en el reencuentro con Mordecai, Rigby y compañía, así como en la posibilidad de disfrutar sus aventuras desde una perspectiva adulta y cargada de nostalgia. Conversamos con Quintel y Szeles sobre lo que significa retomar una historia que ya contaba con un cierre perfecto. Porque, más allá de los monstruos, los VHS extrañísimos y el humor surrealista, el corazón de este mundo siempre fue la importancia de disfrutar el presente.   CortesíaEntrevista J.G. Quintel y Sean Szeles Ustedes construyeron una serie sobre una etapa de la vida que no puede durar para siempre. Ahora que regresan a este mundo, ¿sienten que están celebrando ese momento o negándose a dejarlo ir? J.G. Quintel: Es curioso porque terminamos

Dick Wolf ha construido uno de los universos más grandes y reconocibles de la televisión: series donde policías, agentes y fiscales enfrentan el caos intentando mantener el orden. Sin embargo, algo interesante de esos mundos es que los personajes más poderosos no son quienes corren detrás del criminal o entran armados a una operación, son quienes entienden cómo funciona realmente el sistema. Ahí entra Nikki Reynard en CIA, una serie que lleva ese universo hacia un terreno más político y moralmente gris. En este proyecto no solo se trata de resolver un caso, sino de preguntarse qué estás dispuesto a sacrificar para proteger a un país, mientras dos agentes completamente opuestos, interpretados por Tom Ellis y Nick Gehlfuss, intentan navegar entre amenazas que crecen episodio tras episodio. Necar Zadegan es una actriz que ha construido su carrera interpretando a mujeres que proyectan autoridad, inteligencia y conflicto interno. Desde 24 hasta NCIS: New Orleans, pasando por el teatro en Broadway, Necar da vida a personajes que dominan la escena. Tambien puedes leer: "Controlar la vida es imposible": Annette Bening sobre el poder y el caos en Dutton Ranch Time Out México conversó con la actriz sobre CIA, serie que se estrena esta semana en Universal+ y que forma parte del universo de Dick Wolf. Nikki tiene una autoridad que se siente sin tener que decir nada. ¿De dónde viene ese tipo de poder para ti como actriz? ¿De la precisión, de la contención o de algo más personal? Necar

Annette Bening es una actriz que ha construido una carrera a partir de personajes complejos, inteligentes y profundamente humanos. No en vano ha sido nominada al Oscar en cinco ocasiones por The Grifters, American Beauty, Being Julia, The Kids Are All Right y Nyad. Bening transita con naturalidad entre el cine de prestigio, el teatro y las grandes producciones sin perder su identidad. Ahora, tras décadas de dominar dramas políticos e historias íntimas, se adentra en uno de los universos más grandes y absorbentes de la televisión moderna: Yellowstone. Dutton Ranch, creada por Taylor Sheridan, es la serie que continúa la historia de Beth Dutton (Kelly Reilly) y Rip Wheeler (Cole Hauser) tras el fenómeno cultural que supuso Yellowstone. En esta ocasión, la trama se traslada a Texas, donde Beth y Rip intentan construir una nueva vida, aunque el conflicto no tarda en alcanzarlos. Es aquí donde entra Annette Bening en el papel de Beulah Jackson: una poderosa ranchera, elegante, controladora y peligrosa, que no les pondrá las cosas fáciles a los Dutton. Time Out México tuvo el privilegio de platicar con Bening sobre esta nueva serie de Paramount+, la cual llega con expectativas altísimas y la misión de expandir el universo de Yellowstone hacia nuevos horizontes. No te puedes perder: "Obsesión": El fenómeno de terror que incomodará a las salas de cine Has trabajado en dramas de muchísimo prestigio, historias políticas y con personajes muy complejos. ¿Qué fue lo que realmente te atraj

En la película Obsesión, Bear y Nikki son dos mejores amigos que lo comparten todo. Sin embargo, Bear oculta un amor profundo y obsesivo por ella, lo que lo lleva a pedir un deseo que cambiará sus vidas para siempre: que Nikki le corresponda. Lo que inicia como una idílica fantasía romántica no tarda en descarrilarse hacia una pesadilla emocional sin control. Michael Johnston (Teen Wolf) e Inde Navarrette (13 Reasons Why) protagonizan este viaje incómodo y profundamente perturbador. Detrás de esta producción se encuentra Curry Barker, director, guionista y creador originario del ecosistema digital, reconocido por su destreza para entrelazar la tensión incómoda y el humor negro. Obsesión consolida su salto al largometraje cinematográfico, posicionándose como una de las cintas de terror más comentadas de 2026. Time Out México conversó con Inde y Michael sobre esta propuesta fílmica que promete marcar un antes y un después en sus carreras, gracias a un trabajo actoral tan oscuro como demandante en el plano físico. La música, las series, los libros y el cine suelen romantizar el deseo, el ser elegidos y los sueños cumplidos. Sin embargo, rara vez abordan los sacrificios implícitos. Con esto en mente, ¿cuál ha sido el costo más inesperado de construir la carrera que siempre quisieron? Inde Navarrette: Desde una perspectiva personal, considero que hay un valor inmenso en el anonimato que conservas, incluso cuando estás expuesta al ojo público. Pasamos la vida cometiendo errores, y

Un nahual es un vínculo, un espíritu que puede protegerte o juzgarte. Desde esta premisa arranca El ritual del nahual, la ópera prima de Carlos Matienzo Serment, una película que toma este concepto y lo lleva a un terreno incómodo y muy real. La historia sigue a Gabriel (Gerardo Oñate), un forajido que llega herido a una comunidad en la Huasteca potosina donde han desaparecido varios niños, todo esto mientras un agente federal intenta descifrar lo que está ocurriendo. El pueblo vive bajo sus propias reglas, y lo que parece una amenaza también puede ser una forma de justicia. La cinta, hablada en español y tének, nace de una experiencia personal del director en la Huasteca, donde alguien le habló del nahual como un protector. Esa idea, que algo pueda cuidarte y, al mismo tiempo, imponerte consecuencias, se convirtió en el corazón del proyecto. Caraly Sánchez también actúa en el filme. Su presencia en pantalla busca pertenecer a ese universo. La película, que ya tuvo un recorrido internacional y llamó la atención por su manera de usar el terror como lenguaje cultural más que como fórmula genérica, llega a las salas de cine. Platicamos con Carlos y Caraly sobre este filme que se estrena en 500 pantallas del país esta semana. También puedes leer: Nina Kiri y el arte de la incomodidad en Undertone Carlos, al ser una ópera prima, esta película no busca agradar fácilmente. ¿Qué estabas dispuesto a perder con tal de mantenerte fiel a tu visión? Carlos Matienzo: Es un proyecto que, de

El filme Undertone fue uno de los más mencionados en la pasada edición del Sundance Film Festival; era una película que resonaba en los pasillos mucho antes de verse en pantalla. Un proyecto pequeño e íntimo que provocó una de las reacciones más fuertes del festival y que después llegó al Sundance Film Festival CDMX, donde conquistó al público mexicano. Aquí, el miedo entra por los oídos. La historia sigue a Evy, una podcaster escéptica que, mientras cuida a su madre enferma, comienza a recibir grabaciones inquietantes que poco a poco dejan de ser ajenas para reflejar algo mucho más cercano y personal. El director Ian Tuason convierte una experiencia íntima en una película que se siente casi como adentrarse en la mente de alguien que se niega a enfrentar su realidad. Todo el peso recae en Nina Kiri, quien sostiene el silencio, la tensión y todo aquello que no se dice, encarnando a un personaje que se rompe sin necesidad de dar explicaciones. Esta semana se estrena en todo el país Undertone, razón por la cual Time Out México conversó con su realizador y su actriz principal sobre esta producción. Una cinta que busca incomodar y obligar al espectador a seguir escuchando justo cuando más desearía desconectarse. Te puede interesar: "El dolor hace que la gente haga cosas terribles": Richard Gadd y su nueva apuesta en HBO Ian, algo que me llamó la atención es cómo el sonido y el silencio se sienten como una presencia, casi como algo tangible. ¿Cuál era tu mayor preocupación al utili

Leopoldo Aguilar lleva años impulsando algo que en México no es tarea fácil: hacer animación. Después de proyectos a gran escala como Condorito: La película, ahora da un giro hacia una obra mucho más íntima con Bem, un lémur en fuga, una historia de apariencia sencilla que en realidad aborda temas profundos. La película sigue a Bem, un lémur que es extraído de su hábitat y termina en la Ciudad de México, donde se cruza con Irene, una niña que vive encerrada en su propio mundo. Son dos personajes completamente distintos, pero unidos por lo mismo: el miedo y la necesidad de superarlo. Detrás de este proyecto se encuentra Chiltepín Estudios, apostando por una técnica poco común en la actualidad: la animación 2D. Como un recurso de una firme decisión narrativa. Time Out México conversó con Leopoldo Aguilar sobre su trayectoria en la animación mexicana, el porqué esta es su película más personal y lo incómodo —pero necesario— que resulta salir al mundo cuando aún no te sientes listo. ¿Te interesan los personajes que están en un lugar al que no pertenecen, o este tema viene de una inquietud más personal? De todas las películas que he tenido la oportunidad de dirigir, esta es la cuarta, creo que es la más personal. En mis tres trabajos anteriores los protagonistas eran masculinos; esta es la primera vez que dirijo una historia con una protagonista femenina, y tiene mucho que ver con algo reciente en mi vida: me convertí en tío. Cuando empecé a observar qué tipo de contenido veían mi

Miranda Priestly y Andy Sachs. Eran dos versiones del éxito chocando de frente. Miranda, impecable, exigente y casi impenetrable; Andy, curiosa, brillante y tratando de no perderse mientras aprendía a jugar el juego. Ellas fueron la razón por la que El diablo viste a la moda se convirtió no solo en una película taquillera, sino en un ícono generacional que sigue resonando. La secuela plantea un mundo donde el poder editorial ya no manda como antes y lo digital lo redefine todo. Miranda enfrenta este cambio en un escenario donde la balanza de poder se ha invertido. Es un duelo generacional, pero también una historia de evolución: del control absoluto a la necesidad de adaptarse. Si la primera cinta trataba sobre entrar al sistema, esta parece ser sobre cómo sobrevivir cuando el sistema cambia sin pedir permiso. Meryl Streep convirtió a Miranda en un personaje eterno. Entre la primera y la segunda película, la actriz sumó dos nominaciones al Oscar (The Post e Into the Woods) y ganó una estatuilla por The Iron Lady; por su parte, Anne Hathaway se llevó el Oscar por Les Misérables. Veinte años después, la historia solo sigue siendo relevante y se siente más actual que nunca. Time Out México conversó con Streep y Hathaway sobre esta nueva entrega, que habla de moda, identidad, ambición y las decisiones que nos definen. También puedes leer: Entrevista exclusiva con el elenco de Malcolm in the Middle ¿Creen que El diablo viste a la moda cambió la manera en que hablamos sobre la ambi

La carrera del actor británico Matthew Rhys despegó al interpretar a Philip Jennings, un espía contenido y emocionalmente fracturado en The Americans, papel que le otorgó un premio Emmy a Mejor Actor Dramático. Luego lo vimos como un fino abogado cargado de sombras en Perry Mason; y ahora, en la serie La Maldición de Widow's Bay, da un giro interesante al encarnar a un hombre que no controla absolutamente nada. Esta nueva producción de Apple TV+ nos transporta a una isla aislada y olvidada, donde su alcalde intenta convertir el lugar en un destino turístico… ignorando que todos a su alrededor creen que está maldita. Lo que empieza como una idea absurda, pronto se vuelve inquietante. La historia juega con un concepto muy atractivo: no sabes si lo que ves es real, paranoia colectiva o algo peor. Es ahí donde entra un tono original que mezcla el horror con la comedia, pero no desde el chiste fácil, sino desde lo incómodo, lo humano y lo que te hace reír genuinamente. Detrás de cámaras se encuentran Katie Dippold (Parks and Recreation), conocida por su excelente ritmo cómico, e Hiro Murai (The Bear), un experto en crear atmósferas raras, casi hipnóticas. Juntos construyen una serie que se siente distinta, con un elenco que incluye a actores como Stephen Root y Kate O’Flynn, y que ya está generando excelentes reacciones por su propuesta. No es terror tradicional, ni comedia convencional; es un juego constante entre lo que creemos ver y lo que preferimos no enfrentar. También pued