Xavier Amat

Se é daqueles que não deixa passar uma estreia, pode espreitar os filmes em cartaz esta semana. Mas, se é um verdadeiro cinéfilo (ou aspirante), deve ter em mente que algumas pérolas do cinema escapam às grandes salas. São clássicos para ver e rever – ou apenas filmes fora da rota comercial e por isso fora dos grandes centros comerciais (e em salas sem pipocas, diga-se). Para não perder nada, todos os meses lhe damos as melhores sugestões de cinema alternativo em Lisboa e em salas muito especiais. Há propostas para todos os gostos. Recomendado: Os melhores filmes de sempre

The best Broadway shows attract millions of people to enjoy the pinnacle of live entertainment in New York City. Every season brings a new crop of Broadway musicals, plays and revivals, some of which go on to glory at the Tony Awards. Some are only limited runs; others stick around for years. And the choices are varied: Alongside star-driven dramas and family-oriented blockbusters, you may find the kind of artistically ambitious offerings that are more common to the smaller venues of Off Broadway. Here are our theater critics' top choices among the shows that are currently playing on the Great White Way.  RECOMMENDED: Complete A–Z Listings of All Broadway Shows in NYC

Benedict Cumberbatch tem duas nomeações aos Óscares, Sylvester Stallone tem três, Clive Owen uma e Jennifer Connelly levou uma estatueta para casa. O que tem isto a ver com séries? Bom, todos estes actores figuram em séries que estreiam em Maio, mês em que também se destaca uma comédia nomeada aos BAFTA televisivos; mais uma animação Star Wars; e uma história de ficção científica que atravessa várias realidades. Temos ainda direito à terceira temporada de Bridgerton, uma das séries mais bem-sucedidas do catálogo de originais da Netflix e a mais um título adaptado dos livros de Anne Rice, que compõe o novo Universo Imortal da AMC. Recomendado: Quinze minisséries da Netflix de ver e chorar por mais

Broadway musicals are the beating heart of New York City. These days, your options are more diverse than ever: cultural game-changers like Hamilton and raucous comedies like The Book of Mormon are just down the street from quirky originals like Kimberly Akimbo and family classics like The Lion King. Whether you're looking for classic Broadway songs, spectacular sets and costumes, star turns by Broadway divas or dance numbers performed by the hottest chorus boys and girls, there is always plenty to choose from. Here is our list of all the Broadway musicals that are currently running or on their way, followed by a list of those in smaller Off Broadway and Off-Off Broadway venues. RECOMMENDED: The best Broadway shows

Que en Cataluña hay muy buenos restaurantes queda demostrado año tras año con los reconocimientos que da la más prestigiosa guía gastronómica, la Michelin. 54 restaurantes en Cataluña, de costa y de montaña, de cocina tradicional y de autor, tienen en su poder al menos una estrella Michelin, y cinco gozan de la excelencia máxima de las tres estrellas. No puedes ir mal si comes en cualquiera de estos sitios. Eso sí, en muchos de los casos es necesario reservar con semanas (o meses) de antelación. Y si no quieres salir de Barcelona, aquí tiene la lista de los restaurantes con Michelin de la capital. NO TE LO PIERDAS: Los mejores restaurantes de Barcelona

É costume dizer que nada dura para sempre. A não ser que estejamos a falar de uma das grandes máquinas de entretenimento do mundo, a do audiovisual, que tem o dom de imortalizar muitas das pessoas que se dedicam a este ramo. Do cinema às séries, todos os anos os prémios do sector se desdobram em homenagens a profissionais que morreram no ano anterior, em famosas sequências de vídeo "in memoriam", habitualmente acompanhadas por uma triste canção. Não temos música, mas aqui fica a nossa homenagem a algumas das figuras, nacionais e internacionais, que morreram este ano, numa lista que, infelizmente, estará sempre em actualização. Recomendado: Os filmes em cartaz esta semana

Broadway shows are practically synonymous with New York City, and the word Broadway is often used as shorthand for theater itself. Visiting the Great White Way means attending one of 41 large theaters concentrated in the vicinity of Times Square, many of which seat more than 1,000 people. The most popular Broadway shows tend to be musicals, from long-running favorites like The Lion King and Hamilton to more recent hits like Hadestown and Moulin Rouge!—but new plays and revivals also represent an important part of the Broadway experience. There’s a wide variety of Broadway shows out there, as our complete A–Z listing attests. And for a full list of shows that are coming soon, check out our list of upcoming Broadway shows. RECOMMENDED: Find the best Broadway shows

Watching Michael Stuhlbarg’s bravura turn as a mentally damaged prisoner in Martin McDonough’s The Pillowman, you might recognize this consummate character actor from one of his many other roles on the New York stage. He was the young, effete titular king of the Public Theater’s Richard II (1994) and the hapless Sir Andrew Aguecheek in the Park's most recent Twelfth Night (2002); he played a lovestruck yeshiva boy in A Dybbuk (1997), and a friendly Nazi in Cabaret (1998). But even if you’ve seen Stuhlbarg before, chances are you won’t recognize him at all. “In some ways, he’s quite an old-fashioned protean actor,” says John Crowley, The Pillowman’s London-based director. “He changes from role to role.” And rarely has Stuhlbarg’s self-transformation been so dramatic as it is here; formerly rail-thin, he has maintained 30 pounds of extra weight to play the puffy, shuffling Michal, whose childlike demeanor masks deep fissures of rage and resentment. Stuhlbarg, 36, began bulking up last year, in preparation for his role as a 19th-century Parisian barkeep in Lincoln Center’s Belle Époque. “Throughout my research for that project, I found many pictures of bar owners who were very heavyset,” he says. “And when I got the role of Michal, John and I started talking about how we wanted to manifest the character. He said, ‘Shave off the beard, but don’t go on a diet.’” (“My notion was to have someone who was quite squishy and soft, almost like a pillowman himself,” Crowley recalls. ) So

There’s nothing quite like seeing a legendary show tune performed live in a great Broadway musical, but you can always satisfy your craving for emotion-filled performance by cranking up a cast recording or binge-watching clips on YouTube. But which are the very best Broadway songs—the ones that endure through the years because they not only stick in our heads but also capture some essense of the genre? It’s nearly impossible to create a list of something so subjective, but we’re here to try. With that in mind, we've come up with these 50 Broadway bangers: a mix of classic musical-theater numbers from 1927 through today. Many of these come from the best Broadway musicals the Great White Way has ever known; to narrow the field a bit, we've limited ourselves to a single song per show. (And sorry, jukebox musicals and movie adaptations: Only songs written for the stage are eigible.) You may not be familiar with all the entries on this list, but trust us: You’ll love them. Maybe they’ll introduce you to a new Broadway show to put on your list of must-sees. Maybe you’ll find one to add to your karaoke rotation. Either way, you’ll get an earful of tunes that are sure to stir your heart. RECOMMENDED: Full listing of Broadway musicals

Seeing a show on Broadway can require some planning in advance—and sometimes a leap of faith. You can wait until the shows have opened and try to see only the very best Broadway shows, but at that point, it is harder to get tickets and good seats. So it’s a good idea to keep an eye on the shows that will be opening on Broadway down the line, be they original musicals, promising new plays or revivals of time-tested classics. Here, in order of when they start, are the productions that have been confirmed so far to begin their Broadway runs in the early months of 2024. (Other shows may be added if and when they are formally announced.) Recommended: Current and Upcoming Off Broadway Shows

New York theater ranges far beyond the 41 large midtown houses that we call Broadway. Many of the city's most innovative and engaging new plays and musicals can be found Off Broadway, in venues that seat between 100 and 499 people. (Those that seat fewer than 100 people usually fall into the Off-Off Broadway category.) These more intimate spaces present work in a wide range of styles, from new pieces by major artists at the Public Theater or Playwrights Horizons to revivals at the Signature Theatre and crowd-pleasing commercial fare at New World Stages. And even the best Off Broadway shows usually cost less than their cousins on the Great White Way—even if you score cheap Broadway tickets. Use our listings to find reviews, prices, ticket links, curtain times and more for current and upcoming Off Broadway shows. RECOMMENDED: Full list of Broadway and Off Broadway musicals in New York

O pequeno ecrã não pára. A cada semana, há mais uma mão-cheia de séries para ver. As grandes plataformas de streaming como a Netflix, a Disney+, a Prime Video, a HBO Max ou a Apple TV+ batalham tanto pela nossa atenção que não nos dão descanso. E ainda há tudo o resto, das mais pequenas e direccionadas (olá, Filmin) à boa e velha televisão. Só há uma solução: escolher. Mas escolher em cima da hora dá mau resultado e provoca demasiadas frustrações. O melhor é saber antecipadamente o que queremos ver. Recomendado: As estreias de cinema a não perder nos próximos meses

Broadway review by Adam Feldman  Paula Vogel has tapped into veins of autobiography throughout her distinguished career, and in her latest work she hits the big one: the mother lode. As its wryly categorical title suggests, Mother Play is an I-remember-mama drama in a time-honored mode; it carries a hint of resignation—as though it were in some sense an act of obligation, a rite through which every playwright must pass. And to drive home its place in the matrilineal succession, the play’s world premiere at Second Stage stars the supreme Jessica Lange, whose two most recent Broadway appearances were as the preeminent ghost moms of American drama: Amanda Wingfield in The Glass Menagerie and Mary Tyrone in Long Day’s Journey Into Night.  Mother Play’s Phyllis combines aspects of both. She’s an impoverished single mother from the South who tries to live up to outmoded standards (and spends a lot of time on the phone); she’s also an addict whose children must ultimately take care of her. A gin-swilling divorcée in thrift-store Chanel who mails dead bugs to her landlord with the rent, Phyllis is a real character—and a character openly based on the real Phyllis Vogel. The play is a slice of life, served raw. It’s a savage but grudgingly loving portrait of two women stuck together with blood: one who never wanted to be a mother, and one who never chose to be her daughter. “It is never over,” as Phyllis says. “It’s a life sentence.” Mother Play: A Play in Five Evictions | Photograph:

Broadway review by Adam Feldman  The Great Gatsby looks great. If you want production values, this adaptation of F. Scott Fitzgerald’s 1925 novel, directed by Marc Bruni, delivers more than any other new musical of the overstuffed Broadway season. It’s the Roaring Twenties, after all—now as well as then—so why not be loud? Let other shows make do with skeletal, functional multipurpose scenic design; these sets and projections, by Paul Tate de Poo III, offer grandly scaled Art Deco instead. Linda Cho’s costumes are Vegas shiny for the party people and elegant for the monied types. The production wears excess on its sleeveless flapper dresses. The Great Gatsby | Photograph: Courtesy Evan Zimmerman   The Great Gatsby often sounds great, too. Its lead actors, Jeremy Jordan as the self-made millionaire Jay Gatsby and Eva Noblezada as his dream girl, Daisy Buchanan, have deluxe voices, and the score gives them plenty to sing. Jason Howland’s music dips into period pastiche for the group numbers—there are lots of them, set to caffeinated choreography by Dominique Kelley—but favors Miss Saigon levels of sweeping pop emotionality for the main lovers; the old-fashioned craft of Nathan Tysen’s lyrics sits comfortably, sometimes even cleverly, on the melodies.  In other regards, this Gatsby is less great. Book writer Kait Kerrigan has taken some admirably ambitious swings in adapting material that has defeated many would-be adapters before her. She cuts much of Gatsby’s backstory, and m

Broadway review by Adam Feldman  The fraying country estate where Uncle Vanya unfolds is peopled, in the main, by thwarted souls. Its characters wallow in regret, especially the loveless Vanya (Steve Carell). He has sacrificed his money and time, and what he believes to have been his great potential—”I could have been a Schopenhauer, or a Dostoevsky,” he sputters—to support his pompous brother-in-law, Alexander (Alfred Molina), an academic who once enjoyed a great reputation. But now, in middle age, Vanya feels that his reverence for the professor was misplaced. His dutiful work has taken him nowhere, and now he has nowhere to go.  Uncle Vanya is set in Russia at the end of the 19th century, but it is perhaps the Chekhov play that feels closest to 21st-century sensibilities, and it is sometimes strikingly prescient of today’s concerns: Vanya’s doctor friend Astrov (William Jackson Harper), for example, is an environmentalist who plants trees to replace those mowed down by industrial loggers, and his artwork paints a worrisome picture of impending “total obliteration.” It’s relatable. There is logic, then, to the decision to dispense with fidelity to Chekhov’s period and update the play to a contemporary setting for Lincoln Center Theater's new production, adapted by Heidi Schreck and directed by Lila Neugebauer. To some extent, the gambit succeeds: Many of the production’s most pleasurable moments are connected to this modernization. But it’s also, I think, where the producti

Broadway review by Adam Feldman  “Nothing to do except wait,” explains Mary Jane (Rachel McAdams) to Amelia (Lily Santiago), a college student visiting her small Queens apartment. “I’m glad to have your company.” Mary Jane is a single mother with a severely disabled toddler named Alex; he is running a fever, and Amelia’s aunt Sherry (April Mathis), a nurse, is tending to him in the back room. Exactly what they might be waiting for is a question that hangs with gray menace in Amy Herzog’s exquisite and deeply moving Mary Jane: Alex is almost certainly not getting better, and even the best-case scenarios break your heart. Yet the play does not dwell in helplessness; it’s more interested in how people try to help. In addition to Mary Jane, there are eight other characters onstage. Mathis and Santiago reappear as, respectively, a doctor and a music therapist. Brenda Wehle is both Mary Jane’s sturdy superintendent and a Buddhist nun; Susan Pourfar plays two other mothers with disabled children. (The second, a blunt Hasidic woman, adds a welcome dash of comic relief.) There are no villains here, only people doing their best under sometimes crushing circumstances. Mary Jane | Photograph: Courtesy Matthew Murphy All are rendered in lovely detail by Herzog and the five women of the cast, directed by Anne Kauffman with characteristic attention to the importance of offhand nuance. Information is revealed in a steady drip of medical jargon, bureaucratic obstacles and personal history; t

Broadway review by Adam Feldman  Great expectations can be a problem when you’re seeing a Broadway show: You don’t always get what you hope for. It’s all too easy to expect great things when the show is a masterpiece like Cabaret: an exhilarating and ultimately chilling depiction of Berlin in the early 1930s that has been made into a classic movie and was revived exquisitely less than a decade ago. The risk of disappointment is even larger when the cast includes many actors you admire—led by Eddie Redmayne as the Emcee of the show’s decadent Kit Kat Club—and when the production arrives, as this one has, on a wave of raves from London. To guard against this problem, I made an active effort to lower my expectations before seeing the latest version of Cabaret. But my lowered expectations failed. They weren’t low enough. Cabaret | Photograph: Courtesy Marc Brenner So it is in the spirit of helpfulness that I offer the following thoughts on expectation management to anyone planning to see the much-hyped and very pricey new Cabaret, which is currently selling out with the highest average ticket price on Broadway. There are things to enjoy in this production, to be sure, but they’re not necessarily the usual things. Don’t expect an emotionally compelling account of Joe Masteroff’s script (based on stories by Christopher Isherwood and John Van Druten’s nonmusical adaptation of them, I Am a Camera); this production’s focus is elsewhere. Don’t expect appealing versions of the songs in

Broadway review by Adam Feldman  Hell’s Kitchen, whose score is drawn from the pop catalog of Alicia Keys, could easily have gone down in flames. Jukebox musicals often do; songs that sound great on the radio can’t always pull their weight onstage. But playwright Kristoffer Diaz, director Michael Greif and choreographer Camille A. Brown have found the right recipe for this show—and, in its vivid dancers and magnificent singers, just the right ingredients—and they've cooked up a heck of a block party.  Loosely inspired by Keys’s life, Hell’s Kitchen has the sensibly narrow scope of a short story. Newcomer Maleah Joi Moon—in a stunningly assured debut—plays Ali, a beautiful but directionless mixed-race teenager growing up in midtown’s artist-friendly Manhattan Plaza in the 1990s, a period conjured winsomely and wittily by Dede Ayite’s costumes. The issues Ali faces are realistic ones: tensions with her protective single mother, Jersey (Shoshana Bean); disappointment with the charming musician father, Davis (Brandon Victor Dixon), who yo-yos in and out of their lives; a crush on a thicc, slightly older street drummer, Knuck (Chris Lee); a desire to impress a stately pianist, Miss Liza Jane (Kecia Lewis), who lives in the building.  Hell’s Kitchen | Photograph: Courtesy Marc J. Franklin The show’s chain of Keys songs is its most obvious selling point, but it could also have been a limitation. Musically, the tunes are not built for drama—they tend to sit in a leisurely R&B groove

Broadway review by Adam Feldman  David Adjmi’s intimately epic behind-the-music drama Stereophonic has now moved to Broadway after a hit fall run at Playwrights Horizons. At the smaller venue, the audience felt almost immersed in the room where the show takes place: a wood-paneled 1970s recording studio—decked out by set designer David Zinn as a plush vision of brown, orange, mustard, sage and rust—where a rock band is trying to perfect what could be its definitive album. Some fans of the play have wondered if it could work as well on a larger stage, but that question has a happy answer: Daniel Aukin’s superb production navigates the change without missing a beat. The jam has been preserved. With the greater sense of distance provided at the Golden Theatre, Stereophonic feels more than ever like watching a wide-screen film from the heyday of Robert Altman, complete with excellent ensemble cast, overlapping dialogue and a generous running time: Adjmi divides the play into four acts, which take more than three hours to unfold. This length is essential in conveying the sprawl of a recording process that goes on far longer than anyone involved had planned, but the play itself never drags. As the band cracks up along artistic, romantic and pharmaceutical fault lines—fueled by a constant flow of booze, weed and coke, often late into the night—we follow along, riveted by the details and the music that emerges from them. There’s nary a false note.  Stereophonic | Photograph: Courtes

Broadway review by Adam Feldman  Tamara de Lempicka is best known for the Art Deco portraits she painted in the 1920s and early 1930s: sculptural, imposingly sexy fusions of Cubism and Mannerism—her women’s conical breasts often press out from under luscious folds of bright fabric—that still present an enticing idealization of cosmopolitan life. In many of her works, the main figures’ heads are slightly bent to the spectator’s left, as though the paintings could not contain their subjects’ full size. And that, to less pleasing effect, is the feeling one gets from the messy new musical Lempicka, a portrait of the artist that tries to cram her into too small a frame, without the benefit of strong composition. Lempicka’s story, which spanned most of the 20th century, offers no dearth of drama. As a Polish-Jewish teenager summering in Russia, she married an aristocrat, Tadeusz Lempicki, then saved him from the Bolsheviks at considerable personal cost. She embraced the louche life in Paris, rising to artistic prominence while taking multiple lovers of both sexes. (“I live life in the margins of society,” she reportedly said. “And the rules of normal society don’t apply in the margins.”) But in the late 1930s, with the Nazis on the march, she was forced to flee again, this time to America—with a rich and titled new husband—where she spent most of her remaining four decades in cultural obscurity. Lempicka | Photograph: Courtesy Matthew Murphy and Evan Zimmerman The most persuasive

Broadway review by Adam Feldman  Deep into the new musical The Outsiders, there is a sequence that is rawer and more pulse-pounding than anything else on Broadway right now. It’s halfway through the second act, and the simmering animosity between opposing youths in 1967 Tulsa—the poor, scrappy Greasers and the rich, mean Socs (short for socialites)—has come to a violent boil. The two groups square off in rumble, trading blows as rain pours from the top of the stage, just as it did in the most recent Broadway revival of West Side Story. The music stops, the lighting flashes, and before long it is hard to tell which figures onstage, caked in mud and blood, belong to one side or the other. This scene succeeds for many reasons: the stark power of the staging by director Danya Taymor and choreographers Rick and Jeff Kuperman; the aptness of the confusion, which dramatizes the pointlessness of the gangs’ mutual hostility; the talent and truculent pulchritude of the performers. But it may also be significant that the rumble contains no dialogue or songs. Elsewhere, despite some lovely music and several strong performances, The Outsiders tends to attenuate the characters and situations it draws from S.E. Hinton’s popular young-adult novel and its 1982 film adaptation. Action, in this show, speaks better than words.  The Outsiders | Photograph: Courtesy Matthew Murphy Like Hinton’s novel, which she wrote when she was a teenager herself, The Outsiders is narrated by the 14-year-old Po

Broadway review by Adam Feldman  “I’m a sensation!” declares the title character of The Who’s Tommy when, as a 10-year-old boy, he first stands before a pinball machine. We hear this feeling through narration sung by the grown-up version of Tommy (Ali Louis Bourzgui), because the child version is mute; in a psychosomatic reaction to trauma years earlier, he has become a “deaf dumb and blind kid,” albeit one with an astonishing gift for racking up points in arcades. It may be hard for the audience to relate to Tommy, who spends most of the show in the expressionless mien of a child mannequin. The sensation we experience in the trippy nostalgia of this 1993 musical’s Broadway revival is closer to that of a pinball: batted and bounced from one flashy moment to the next in a production that buzzes and rings with activity.  Tommy is based, of course, on the 1969 concept album that Pete Townshend wrote for his band, the Who. The plot of this rock opera is not entirely clear just from listening, so the stage musical—adapted by Townshend with director Des McAnuff—reorganizes a few of the songs and fills out the story in a different way than Ken Russell’s outré 1975 film did. During the overture, we see Tommy’s father (Adam Jacobs), an officer in the Royal Air Force, get captured by the German soldiers. (Between this, Harmony, Lempicka, Cabaret and White Rose, it’s quite a year for Nazis in musicals.) When Captain Walker returns to his wife (the very fine Alison Luff), he winds up kil

Broadway review by Adam Feldman  Step right up, come one, come all, ladies and gentlemen, boys and girls, step right up to the greatest—well, okay, not the greatest show on Broadway, but a dang fine show nonetheless. Although Water for Elephants is set at a circus, and includes several moments of thrilling spectacle, what makes it so appealing is its modesty, not glitz. Like the story’s one-ring Benzini Brothers Circus, a scrappy company touring the country in the early years of the Depression, this original musical knows it’s not the ritziest show on the circuit. But what it lacks in size, it makes up for in wonder, and it’s pretty wonderful at making things up. Water for Elephants has a book by Rick Elice, who wrote the delightful stage version of Peter and the Starcatcher, and songs by the seven-man collective PigPen Theatre Co., which specializes in dark-edged musical story theater. This team knows how to craft magic moments out of spare parts, and so does director Jessica Stone, who steered Kimberly Akimbo to Broadway last season. Together—and with a mighty hand from circus expert Shana Carroll, of the Montreal cirque troupe the 7 Fingers—they have found the right tone for this adaptation of Sara Gruen’s 2006 romance novel, which operates on the level of a fairy tale. The plot is basic. The impoverished Jake Jankowski (The Flash's Grant Gustin), a sensitive and floppy-haired fellow, is forced by family tragedy to drop out of his Ivy League veterinary school. With nothing

Theater review by Adam Feldman  “I’ve got some really crazy stuff going on downstairs,” says Dawn (Alyse Alan Louis), a devout Christian teenager, in advance of her first gynecological exam. As her overly handsy doctor soon learns, that’s putting it mildly. Against all medical probability, this toothsome girl suffers—or is it benefits?—from the mythical condition known as vagina dentata. Her lady plumbing has a little something extra: a garbage disposal that cuts off the junk of any guy who tries to force his way in. Welcome, if you dare, to the savage world of Anna K. Jacobs and Michael R. Jackson’s Teeth, a dark and sharp new musical comedy adapted from Mitchell Lichtenstein’s cult 2007 fright flick. In the sparsely populated territory of horror-themed musicals, this one has clear antecedents in the Eve-was-weak religious shame and apocalyptic body horror of Carrie and the fabular, edge-of-camp knowingness of Little Shop of Horrors. But it is gorier—and much, much raunchier—than either of those two shows, and more overtly mythopoeic; by the end, it is tapping the wild feminine destructive power of Euripides’s The Bacchae.  Directed unflinchingly by Sarah Benson, Teeth starts small and builds slow. Dawn begins as the stridently chaste leader of the Promise Keeper Girls, a youth wing of the fundamentalist church run by her driven and abusive stepfather, Pastor (Steven Pasquale). Her sweet jock boyfriend, Tobey (Jason Gotay), seems fine with waiting until they are married to c

São três os actores que vão calçar os sapatos de Tony Carreira na futura minissérie Tony: Gabriel Conde, Duarte Estrela e Carlos Félix. Os nomes foram divulgados esta quarta-feira. A produção é da See My Dreams para a TVI e, à semelhança de Morangos com Açúcar, também está a caminho da Prime Video. Tony vai ser dividida em quatro episódios, acompanhando a ascensão de Tony Carreira desde a infância na aldeia de Armadouro (Coimbra) até à consagração em 2001, ano em que subiu ao palco do Olympia, a mais antiga sala de espectáculos de Paris, num concerto com lotação esgotada. Cada episódio terá o nome de um tema de Tony Carreira e a história será contada de forma alternada entre várias fases da sua vida. Gabriel Conde (Histórias da Montanha) irá representar o cantor entre os seis e os dez anos, Duarte Estrela (Contado por Mulheres) será a versão adolescente e Carlos Félix (A Teia) irá vestir a pele do cantor enquanto jovem adulto. O restante elenco inclui Duarte Grilo (Cavalos de Corrida) e Cleia Almeida (O Pai Tirano) no papel dos pais de Tony; Custódia Gallego (Os Eleitos) e João Lagarto (O Vento Assobiando Nas Gruas) como os seus avós; e Miguel Bogalho (Motel Valkirias) no papel do irmão José Antunes. Siga o novo canal da Time Out Lisboa no Whatsapp + Minissérie da TVI reconstrói o famoso Caso Esmeralda

Que Stallone é campeão de bilheteiras, não é segredo. E, pelos vistos, consegue o mesmo feito quando as contas passam pelas subscrições de serviços de streaming. Foi o que aconteceu este mês de Novembro no serviço Paramount+, disponível nos Estados Unidos da América, onde a 13 de Novembro estreou Tulsa King, uma série sobre Dwight Manfredi, um capo da máfia nova-iorquina que é libertado passados 25 anos na prisão, sem nunca ter denunciado o seu chefe. Desconectado do mundo actual, é mais ou menos traído e enviado para Tulsa, uma cidade do estado do Oklahoma com o objectivo de aí expandir o império da sua ‘família’ mafiosa. Problema: em Tulsa, conhecida como ‘a capital mundial do petróleo’, a criminalidade é praticamente inexistente. Pelo menos, em comparação com Nova Iorque. “Esta não é uma história típica da máfia e quando ele está a reconstruir a sua vida, a encontrar uma 'nova família', é aí que a diversão começa. É aí que o drama inicia”, explicou Stallone num vídeo que gravou para o evento de apresentação da SkyShowtime, que decorreu a 25 de Outubro em Amesterdão. A estreia em Portugal é na segunda-feira, 28 de Novembro. Tulsa King mistura (alguma) violência com humor e também com um certo drama que puxa ao sentimento. E não é a primeira vez que ‘Sly’ se veste de mafioso. Fê-lo em 1975, em Al Capone, num papel secundário, ou em Get Carter (2000) e Avenging Angelo (2002), como protagonista. Mas o personagem Dwight apresenta uma certa leveza, graças a um argumento que nos

Ken Loach vai-se reformar. Se o nome não lhe diz nada, não faz mal, mas aqui está uma boa oportunidade para se inteirar de alguns dos trabalhos mais marcantes do britânico que ao longo de décadas fez um cru retrato da sociedade do seu país. E quem já deve ter bilhete para viajar até ao Porto é Eduardo Williams, cineasta argentino que este ano estreia a sua longa-metragem El auge del humano 3 e que está a caminho da invicta para liderar um worskshop sobre os seus principais métodos de trabalho. Estas são as grandes novidades do mês de Maio, numa programação que prolonga alguns ciclos, sejam sobre cinema português ou sobre o trabalho de uma das mulheres mais bem-sucedidas do cinema: Jane Campion. E, se se sentir com energia, o desafio The Last Movies estará outra vez em cena, com uma maratona de 18 horas de muitos filmes e um prémio de resistência no final. Conheça os destaques da nova programação do Batalha Centro de Cinema. Ken Loach: Planos de Resistência Aos 87 anos, o cineasta britânico Ken Loach decidiu reformar-se. Uma razão mais do que válida para uma retrospectiva dedicada à sua obra, conhecida pelos duros retratos da pobreza e do lado mais marginal da sociedade do Reino Unido, numa série de produções marcadas pelo realismo social. Entre os vários prémios que recebeu ao longo da sua carreira, destacam-se duas Palmas de Ouro no Festival de Cannes e um Leão de Ouro no Festival de Veneza. O ciclo começa a 18 de Maio, prolongando-se até Novembro, num programa que, em Maio,

A partir de 11 de Maio, ergue-se a tela do cinema ao ar livre do Cine Society, pela primeira vez na Doca da Marinha. Até Outubro, a programação do Cine Society, dedicado a sessões de cinema ao ar livre, divide-se entre este espaço à beira rio e o Carmo Rooftop, junto às Ruínas do Carmo. A temporada abre com Um Peixe Fora de Água (2004), na Doca da Marinha, longa-metragem de Wes Anderson sobre um oceanógrafo chamado Steve Zissou (Bill Murray) que reúne uma equipa para se vingar de um tubarão. A 14 de Maio, as luzes viram-se para o Carmo Rooftop, onde será projectado o filme Uma História de Amor (2013), escrito e realizado por Spike Jonze e vencedor do Óscar para Melhor Argumento. Uma história protagonizada por Joaquin Phoenix, onde um escritor desenvolve uma relação com uma inteligência artificial chamada Samantha. No dia seguinte, no mesmo espaço ao ar livre, Wes Anderson volta a estar na ribalta com o filme Darjeeling Limited (2007), que acompanha três irmãos numa viagem de comboio pela Índia, um ano após a morte do pai. Seguem-se os filmes Um Sonho de Mulher (1990) e Dança Comigo (1987), clássicos do cinema romântico norte-americano que voltam a descongelar corações nos dias 17 e 18 de Maio, na Doca da Marinha. A extensa programação completa pode ser consultada no site do Cine Society que promete alargar o raio de acção desta temporada de cinema ao ar livre a mais espaços da cidade. Doca da Marinha e Carmo Rooftop. Maio a Outubro. Bilhete: 13,90€ Siga o novo canal da Time O

Há cerca de 20 anos, as notícias acompanharam de perto a batalha pela custódia de uma criança entre os pais afectivos e o pai biológico. A história serviu de inspiração para a nova série da TVI, uma criação de Patrícia Müller, com José Condessa, Diogo Infante e Dalila Carmo nos papéis principais. A estreia está marcada para 29 de Abril na TVI, em horário nobre. Esmeralda nasceu em 2002, filha de Aidida Porto, uma brasileira imigrada em Portugal. A mãe, alegando a indisponibilidade do pai biológico em assumir a paternidade, entregou-a com apenas três meses a Adelina Lagarto e Luís Gomes. O casal iniciou um processo de adopção na Segurança Social. Mas ainda antes de ficar tudo formalizado, Esmeralda passou a ser Ana Filipa. Não tardou apareceu o pai biológico, Baltazar Nunes, que afinal queria reconhecer a filha, e no ano seguinte iniciou-se um longo processo em tribunal pela guarda da pequena criança, entre os pais afectivos e o pai biológico. Esta é a histórica verídica que deu origem a um enredo ficcionalizado que muda o nome dos reais protagonistas e segue o seu caminho, numa minissérie com seis episódios. A criação e argumento são de Patrícia Müller (Vanda), a realização é assinada por António Borges Correia (Festa é Festa) e a produção da Maria & Mayer (Emília). ©TMONTEIROInês Balsa e José Condessa, em 'A Filha' Na série, conhecemos Heloísa (Luciana Balby) é uma imigrante brasileira que, em Portugal, apaixona-se por um carpinteiro chamado Paulo (José Condessa). Heloísa

Em 1994, estreou a primeira adaptação aos ecrãs de um livro de Anne Rice (1941-2021), escritora-norte americana de estilo gótico – e também erótico – autora da série de romances The Vampire Chronicles. Falamos de Entrevista com o Vampiro, o primeiro livro da saga, que originou a popular longa-metragem com o mesmo nome, que juntou Brad Pitt e Tom Cruise nos papéis principais, como os vampiros Louis e Lestat. A seu lado, tinham Antonio Banderas, Christian Slater e uma muito jovem Kirsten Dunst. Também na década de 1990, séries e filmes estrangeiros demoravam uns tempos a estrear em Portugal e é mais ou menos isso que acontece com a série Interview with the Vampire, que chega a Portugal através do canal AMC (com o título em inglês) cerca de ano e meio após a estreia nos EUA, já com uma segunda temporada confirmada (prevista para Outubro no mercado norte-americano). Mas quem são as versões vampirescas de Brad Pitt e Tom Cruise, em 2024? Os personagens interpretados pelos dois actores que em 1994 viviam pontos altos das suas carreiras (na verdade, ainda hoje se mantêm no topo) têm novas nuances. Para o papel de Louis – Brad Pitt – foi escolhido Jacob Anderson, de quem muitos se lembram no papel de Grey Worm da série A Guerra dos Tronos; enquanto que Tom Cruise foi “substituído” no papel de Lestat pelo australiano Sam Reid, menos popular por cá, mas que participou, por exemplo, no filme Os Crimes de Limehouse (2016), disponível em Portugal no catálogo da Filmin. E o enredo, apesar

“Ia ao Snob, muito frequentado por jornalistas, onde eu costumava comer uns croquetes. Ia ao Procópio e, mais tarde, também ao Pavilhão Chinês”, conta Paulo de Carvalho, intérprete de uma das canções que marcou o 25 de Abril de 1974, “E Depois do Adeus”. Tema que cantou no Festival de Canção e que, nas rádios, acabou por servir de senha para o desenrolar da revolução. “Alimentou-me o ego durante um tempo. Dava a sensação de que tinha participado, quando não fiz nada por isso”, recorda. Paulo de Carvalho é um dos entrevistados no livro 50 Cravos Depois – Guia pela Lisboa de Abril, uma edição de autor da jornalista Sandra Nobre e da fotojornalista Clara Azevedo, que nos transporta para uma Lisboa de há 50 anos, levando-nos de volta para alguns dos espaços que ainda hoje sobrevivem na cidade. Cada capítulo inclui uma entrevista a uma figura da nossa cultura, nas mais diversas áreas, à qual se segue um périplo por espaços da área em questão. Por exemplo, no caso de Paulo de Carvalho, as páginas que se seguem à entrevista são um verdadeiro guia musical, com espaços que ligam estes 50 anos, como o quiosque da ABEP – Agência de Bilhetes para Espectáculos Públicos, a discoteca/papelaria/livraria Sinfonia, a Academia de Santo Amaro e o Coliseu dos Recreios. Cada uma destas entradas é composta por uma fotografia actual e um pequeno texto que também se socorre de testemunhos, mas directamente ligados a cada um destes espaços. E são outras as áreas culturais esplanadas neste guia, cada u

A Outubro de 2010, Rick Grimes (Andrew Lincoln) acordava num hospital vazio, sem saber o que raio se tinha passado para estar ligado às máquinas sem supervisão. A circunstância deste ajudante de xerife de King County, na Georgia, foi o ponto de partida da adaptação televisiva de The Walking Dead, a BD assinada por Robert Kirkman e terminada apenas em 2019. Ao longo dos anos (e de uma dezena de temporadas), a série manteve grande parte do fio condutor original, mas ganhou vida própria e acabou por crescer, tanto em personagens como em spin-offs que expandiram este mundo pós-apocalíptico. Uma história que não é bem só sobre zombies (palavra que nunca é utilizada no argumento), mas que é essencialmente um drama sobre a natureza humana quando confrontada com situações limite. Com muitos bons momentos de acção, sangue e miolos pelo meio. A showrunner da série, Angela Kang, prometeu para a última temporada mais mortos-vivos, toneladas de acção, locais nunca vistos e vários grupos de sobreviventes aliando forças para reerguer o que os Sussurradores (os vilões da temporada passada, se bem se lembram) destruíram. Tudo numa mega 11.ª temporada, composta por 24 episódios e uma longa recta final que se prolongará até ao final de 2022. A primeira leva de oito episódios, que se estreou a 23 de Agosto na FOX, termina a 11 de Outubro (em Portugal, porque nos EUA é sempre exibida no dia anterior). Nesse mesmo mês estreiam-se novas temporadas de dois spin-offs: a segunda de W

A 5 de Março, morreu António-Pedro Vasconcelos, mas a sua obra vive. Não apenas a que ficou para trás, mas a que ainda está por vir. É o caso da série documental A Conspiração, uma produção que acompanha todo o percurso conspirativo dos militares que ficaram para a história como os Capitães de Abril. Uma rebelião que teve como gatilho a publicação de um decreto-lei, em Junho de 1973, que alterava as regras de acesso ao quadro permanente de oficiais. A Conspiração acompanha um ano de reuniões clandestinas e todos os meandros de uma organização militar que culminou na Revolução do 25 de Abril de 1974, numa série documental composta por nove episódios. O primeiro estreia a 24 de Abril, às 21.30, na RTP1. A antestreia de A Conspiração aconteceu sexta-feira passada no CCB, marcada pela presença de antigos capitães e também do Presidente da República, Marcelo Rebelo de Sousa, que integra a estrutura da Comissão Comemorativa 50 anos do 25 de Abril, tutelada pelo Ministério da Cultura, uma das entidades que apoiou esta produção. E que, por isso, acompanhou o desenrolar deste processo iniciado em 2019. Uma “aventura” que se transformou numa “peça única”, segundo o Presidente da República, pelo “rigor, capacidade narrativa, na observação da realidade, na conjugação dos dados” e, “ao mesmo tempo, no distanciamento e no envolvimento”. “Esta obra, para ele, era, à sua maneira, uma obra de vida como cidadão. Era um contributo que dava para a celebração dos 50 anos do 25 de Abril e por isso

Presença assídua nas telenovelas nacionais desde os 13 anos, Lucas Dutra integra actualmente o elenco de Cacau (TVI) e este ano chega à Netflix como membro do elenco da terceira temporada da série norte-americana Vikings: Valhalla. Este mês, estreou no cinema o filme Revolução (Sem) Sangue, no qual interpreta Fernando Giesteira, um dos jovens assassinados pela PIDE no 25 de Abril de 1974. É a sua estreia numa longa-metragem. Lucas Dutra está a viver um bom momento na sua carreira como actor, mas o motivo desta conversa foi a sua recente passagem para o outro lado da câmara, como realizador e argumentista, uma aventura que já lhe valeu alguns prémios. Como pela curta-metragem (Nós) Na Cabeça (2023), sobre uma jovem que sofre de esquizofrenia, que lhe valeu o prémio para Melhor Argumento (em conjunto com Madalena Aragão) no âmbito do #TikTokShortFilm, lançado em parceria com o Festival de Cannes. Em Março, a curta-metragem Do Outro Lado (2023), venceu o prémio para Melhor Filme, no Filmapalooza, festival organizado pelo 48 Hour Film Project, que incluiu mais de 500 participantes. Uma distinção que qualifica este último trabalho de Dutra a ser exibido no Short Film Market, do próximo Festival de Cannes. Pelo meio, foi convidado a realizar a série #NaWeb, um conjunto de 12 curtas-metragens com os novos personagens de Morangos com Açúcar, disponíveis na plataforma do clube da série, apenas acessível a assinantes. Aos 24 anos, Lucas Dutra promete que vai continuar a trabalhar nas v

A Câmara Municipal de Grândola inaugura este sábado, 20 de Abril, o Museu Grândola, Vila Morena, um novo núcleo museológico do museu municipal, que contará a história do poema e depois canção de José Afonso, que se tornou uma das senhas do 25 de Abril de 1974. Um espaço interactivo e imersivo que assinala as comemorações dos 50 anos da Revolução dos Cravos. As operações dos capitães de Abril que desencadearam a revolução contaram com duas senhas fundamentais, emitidas pelas rádios ocupadas pelo Movimento das Forças Armadas (MFA) e que davam o mote para fazer avançar o plano militar que derrubaria o regime. A primeira senha escolhida foi o tema “E depois do adeus”, de Paulo de Carvalho, transmitida pelos Emissores Associados de Lisboa, que pedia às tropas para estarem a postos. A segunda, transmitida pela Rádio Renascença, foi “Grândola, Vila Morena”, de José Afonso, que dava o mote para o arranque das operações. 50 anos depois, é ainda este o tema principal da banda sonora da revolução. “Grândola, Vila Morena” integrou o álbum Cantigas de Maio, de 1971, e foi gravado no Strawberry Studio, em Hérouville, França, com arranjos e direcção musical de José Mário Branco, então exilado em França, assim como Francisco Fanhais, um dos músicos que acompanham os temas deste registo. Ao contrário de outras composições de José Afonso, “Grândola, Vila Morena” – tema dedicado à Sociedade Musical Fraternidade Operária Grandolense – escapou ao lápis azul da censura. No novo museu, os visitante

A série Rabo de Peixe é um caso de sucesso único na produção audiovisual portuguesa. Estreada em Maio do ano passado na Netflix, tornando-se a segunda série nacional com o selo “original Netflix, depois de Glória, alcançou na altura o top 10 global dos conteúdos da Netflix não falados em inglês – e o primeiro lugar nas visualizações em Portugal. A segunda temporada foi confirmada poucas semanas após a estreia, mas agora a rodagem desta segunda maré de episódios já está no terreno. Augusto Fraga, o criador de Rabo de Peixe, volta realizar alguns episódios, mas desta vez não terá a seu lado a realizadora Patrícia Sequeira. Será João Maia (Variações, Matilha) a assumir essa posição. Em frente das câmaras, estão confirmados os regressos dos actores José Condessa, Helena Caldeira, Kelly Bailey e André Leitão – nos papéis principais – e também de Maria João Bastos, Afonso Pimentel e Pepê Rapazote. Além da fotografia tirada durante a rodagem, com Condessa, Leitão e Caldeira sentados num veículo de apoio à produção, a Netflix divulgou ainda o ponto de partida para a nova temporada, que volta a ser desenvolvida pela produtora portuguesa Ukbar: “Três meses após a sua partida, Eduardo regressa para encontrar uma realidade completamente diferente em Rabo de Peixe. A droga que escondeu já não está nas mãos de Uncle Joe, mas é agora controlada por um inimigo inesperado, desencadeando uma série de eventos que irão testar os laços de amizade e lealdade do grupo”. A data de estreia não foi di