Enrique Saavedra

Casi mil funciones de El rey león —700 en España y 300 en México— consolidaron a Carlos Rivera como un completo artista del teatro musical. Antes de eso, otras obras lo fueron formando y encaminando hacia el éxito que hoy goza como cantante y actor tanto en México como en el extranjero. Tras algunos años de no pisar el escenario, Carlos regresa ya como un total consentido de diversos públicos para protagonizar un nuevo montaje del clásico de Andrew Lloyd Webber, José el soñador, bajo la producción de Alejandro Gou y teniendo como compañeros de escena a Kalimba y a la excelente jazzista Fela Domínguez. Tras ser Simba, ¿qué significa para ti ser José?Es volver al origen. He hecho varias obras de teatro, es una parte de mi carrera muy importante. La primera obra fue hace quince años en este mismo teatro, que desde entonces me ha visto crecer haciendo Mamma Mía, La bella y la bestia. El hacer a José me trae muchos recuerdos porque, aunque si bien no fueron los mejores años de mi carrera, siempre vi al teatro como un lugar que me abrazaba y me regalaba la vida que yo necesitaba: los aplausos, el reconocimiento y la credibilidad. El teatro fue el camino que me impulsó a tener la carrera que tengo y por eso le tengo un enorme agradecimiento. Si hay un momento para regresar al teatro, es éste, pues necesitamos que el público vuelva a las butacas y los llene.   Antes de aceptar el personaje, ¿cómo era tu relación con este musical?Fue la primera obra que vi en la Ciudad de México y al

La inspiración, esa que en estos últimos dos años tal vez se ha visto mermada ante la situación mundial, hoy es tema de un nuevo proyecto encabezado por el cantante y actor Alan Estrada, quien se juntó con los compositores Jannette Chao y Vince Miranda y con el escritor Salvador Suárez para componer el nuevo musical Siete veces adiós que, a través de distintos sonidos, explora cómo el amor es la fuente más constante para atraer a la inspiración y dejar que fluya y permita nuevas historias que, a su vez, inspiren al mundo. Vince nos cuenta un poco más al respecto.¿Para alguien que interpreta musicales, cómo es ahora componer uno?Alan ya tenía una idea en su cabeza, que le venía rondando desde hace como diez años. Hace poco más de tres años me llamó y me dijo: "tengo necesidad de contar esta historia, por el mero gusto de crearla, más allá de si la montaríamos o no, o de si le gustaría a la gente o no". Y me invitó a desarrollar la parte musical junto a Jannette Chao. A mí me ha tocado casi siempre estar del lado de los personajes, en el escenario y es un sueño estar ahora del otro lado; ver cómo una historia mía cobra realidad, escuchar en vivo las canciones que compuse, oír cómo adquieren vida y tener injerencia sobre ellas. El ver nuestras ideas y tener un poco de nosotros en cada una de las áreas nos llena de orgullo y satisfacción. Son cuatro autores, ¿qué tan complejo fue lograr acuerdos y poner en común susideas y lenguajes?Ha sido un aprendizaje para los cuatro. Explica

El 2022 arranca con una atractiva oferta de musicales y textos que no harán más que seguir invitando al público a volver a las salas y reactivar la vida teatral que en esta ciudad es inabarcable. Aquí hay apenas cuatro ejemplos de lo mucho que las compañías, productoras y artistas están preparando para que llenes la butaca. Recomendado: Obras de teatro que puedes ver en la CDMX.

***** Es el amor juvenil en su más pura expresión. Es la pasión adolescente corrompida por los rencores ajenos desde tiempos ancestrales. Es un clásico del teatro universal y del ballet contemporáneo. Es Shakespeare escuchado a través de la partitura de Prokófiev y visto a través de la mirada aguda y vanguardista de Matthew Bourne, uno de los más prestigiosos coreógrafos y directores de danza teatro de Gran Bretaña, responsable de una aclamada versión gay de El lago de los cisnes y del musical Mary Poppins. En esta vibrante propuesta, Bourne nos ubica en el Instituto de Verona, en algo parecido al futuro, aunque muy pronto nos damos cuenta que lo que ocurre en escena es tan añejo como atemporal y, peor aún, vigente: el amor ingenuo y exacerbado entre dos jovencitos intenta desarrollarse en un ambiente represivo y burlón. Ya no son los Capuleto y los Montesco oponiéndose al romance de sus hijos: es la sociedad toda la que está en contra de la plenitud de dos personas. Con momentos que emparentan a este clásico con otros como Despertar de primavera y, por supuesto, West Side Story, Bourne nos permite disfrutar de un montaje en el que lo agridulce se confronta con una belleza genuina. Todo esto, que ha sido aplaudido por el público británico, es posible verse a través de la plataforma Teatrix, que con esta producción busca hacer más visible la oferta internacional de su creciente catálogo y en donde también puedes ver El lago de los cisnes. Romeo y Julieta. Disponible en Teatrix

A más de un año de que el libro se volvió paradójicamente víctima y refugio de la situación mundial que hasta hoy persiste, la Alianza de Editoriales Mexicanas Independientes lanza una sentencia: Y el libro va en la Feria del Libro Independiente 2021. El libro como objeto, como dispositivo de tinta y papel, como material tangible con olor y textura, nunca se ha ido, pero está de vuelta. Para demostrarlo, lanza la IX edición de la Feria del Libro Independiente 2021, ahora reforzada y enfocada en que un mayor número de lectores la conozca, la visite y la ubique como una opción importante de conocimiento, cultura y entretenimiento.   71 sellos se reunirán durante dos semanas para su exhibición y venta, además de charlas, presentaciones y conferencias con autores, editores, libreros y expertos en el asunto libresco. Este año, la editorial invitada es Perro Azul Ediciones, de Costa Rica, la cual tiene 21 de ofrecer un atractivo catálogo de narrativa, poesía, ensayo y crónica de autores centroamericanos. Además, la editorial tapatía para niños y jóvenes lectores, Petra Ediciones, dirigida por la legendaria editora Peggy Espinoza, será la homenajeada de este año por su trayectoria. También lee: Carmina Hernández explora el cuerpo humano en muestra que ella define como poesía visual  Nuevamente es el Fondo de Cultura Económica "Rosario Castellanos", en la Condesa, la sede central de esta reunión de editoriales. Empero, también las librerías del FCE "Fray Servando Teresa de Mier" de

Sucede en Querétaro, pero gracias a la virtualidad, la versión mexicana de este encuentro literario de carácter internacional podrá disfrutarse a través de la pantalla, por lo que no será necesario viajar a la ciudad colonial para ver y escuchar a los Premio Nobel de Literatura Svetlana Alexiévich y Jean-Marie Gustave Le Clézio y de Economía Esther Duflo y Joseph Stiglitz, entre otros escritores, pensadores, artistas y líderes de opinión tanto locales, como nacionales y extranjeros. Reconocido en 2020 —junto con la FIL Guadalajara— con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades, el Hay Festival cumple su sexto año en Querétaro (anteriormente se realizaba en Xalapa), su segundo año en la virtualidad y su primer año como evento híbrido, las actividades presenciales tendrán aforo limitado cuyo cupo prácticamente está ya completo.  Además de la base del festival, que consiste en conversaciones entre autores para conocer lo más reciente de su trabajo, el Hay promueve actividades para niñas y niños, como el Taller Una radio con onda,  las charlas con Cositas, Liniers y Juan Gedovius o la presentación del libro La gran marcha del #TerremotoFeminista. Y para jóvenes está el Taller de periodismo digital de la BBC, una de las actividades más solicitadas y repetidas año con año. Desde la emisión anterior, la virtualidad permitió que un público más amplio puede conocer los esfuerzos del festival para impulsar el diálogo sobre dos ámbitos importantes: el del trabajo edit

A la distancia, cinco creadoras escénicas enlazaron su incertidumbre y añoranza del escenario teatral a través de una máquina de escribir y una carta. Con esa acción virtual plena de palabras e imágenes bellas e inspiradoras —Compartir el aliento dirigido por Isabel Toledo— dio inicio la 28a edición —y 2a. en línea— del Festival Universitario de Teatro (FITU) organizado por Teatro UNAM, en colaboración con Cátedra Ingmar Bergman, el Centro Universitario de Teatro, el Colegio de Literatura Dramática y Teatro, así como diversas instancias académicas y  culturales de la UNAM, del país y del extranjero. Si bien la base de este festival universitario es la muestra y concurso —en esta ocasión virtuales— del trabajo de diversas agrupaciones de alumnos y egresados de diversos bachilleratos, universidades y escuelas de artes escénicas del país y de algunos países de América Latina, cada año el FITU se enriquece con una vasta oferta de actividades: lecturas, talleres, programas, coloquios, foros, exposiciones, clases magistrales, conferencias, conversatorios, mesas de reflexión y un avasallante etcétera que abarca 20 días, los cuales fueron inaugurados con el reconocimiento a la trayectoria docente de la actriz Emma Dib y la investigadora Aimée Wagner y serán clausurados con la premiación a las mejores obras de las distintas categorías. Este año, las más de 80 actividades están dedicadas a la memoria de aquellos que ya no están entre nosotros, están enfocadas a desarrollarse como un co

Aunque data desde la Alemania del siglo XVIII, en México aún falta un largo camino para que la tradición de la investigación y la crítica dentro de la puesta en escena a cargo de un profesional específico —dramaturgista— sea una constante. Por ello es de destacar esfuerzos como el de Gabriela Aparicio, quien es una de las principales defensoras del oficio del dentro del teatro mexicano, a través de talleres y plataformas virtuales. Con esto, ella busca que cada vez sean más los que sepan cosas que, prácticamente, solo ella sabe. Es difícil ubicar el campo de acción del dramaturgista en nuestro país.Yo lo he definido en tres momentos de un proyecto teatral: antes, durante y después. Antes, es el proceso en el que se apoya para configurar una programación o un repertorio —esto en México no existe, pero es necesario mencionarlo porque debería existir—. Durante, es el momento de acompañar e incentivar la investigación en los realizadores de la obra  directores, dramaturgos, actores, diseñadores—; es una vela que guía el proceso creativo. Después, es la vinculación con el público: una vez que están corriendo las funciones de la obra, se hacen estrategias de vinculación y creación de públicos.En México no hay teatros que tengan dramaturgistas de planta como sucede en otros países, pero sí hay colectivos o compañías independientes que lo han requerido. Viene de la necesidad de alguien, ya sea un director, un dramaturgo o un diseñador, que busca un impulso para su proceso creativo, o

Verónica Langer es una estupenda actriz, pero antes que eso es una mujer inquieta por conocer e ir al fondo de la historia de su familia, compuesta por hombres y mujeres que habitaron la Viena de la Segunda Guerra Mundial, por tanto, sufrieron de persecución y vivieron inmigración. Muchos años después del suceso definitivo del siglo XX, la protagonista de obras como Tom en la granja y La mujer justa, de películas como Hilda y actriz en series como La casa de las flores, hurga en ese pasado y lo afronta desde su trinchera: el escenario. Lo hace a través de una travesía unipersonal en la que une realidad y ficción para evocar las heridas familiares e intentar restañarlas desde un presente que no escapa a esas mismas problemáticas.Con la dirección de Noé Morales, quien también la apoya en la dramaturgia, Verónica Langer está lista para asumir el reto de dar vida a su propia historia, la cual enriqueció en un viaje que hizo a Viena durante el proceso de investigación para el montaje de Detrás de mí la noche. Allí, pudo estar en esos lugares que marcaron a los suyos y que, de manera directa e indirecta, la marcan a ella. “Siento que tengo una asignatura pendiente y que lo importante es que no se olviden estos acontecimientos: preservar la memoria. Es un periodo de la humanidad que no debe olvidarse. Esta obra en particular habla sobre cómo las generaciones que no lo vivimos, porque yo no lo viví, quedamos atravesadas por eso. Me he dado cuenta de que sigue siendo difícil hablarlo

Desde un monólogo de Frida Kahlo, pasando por la comedia de Chula The Clown, hasta una obra que recuerda al primer circo de la CDMX. Estas obras de teatro ya estuvieron en cartelera, pero ahora, después de la pandemia, regresan a los escenarios. Recomendado: Obras de teatro que puedes ver en la CDMX.

⭑⭑⭑⭑✩ Entre las grandes ausencias que tenemos en México con respecto al conocimiento de otras dramaturgias, sin duda la brasileña es de las más notorias. Contados son los autores de esa nacionalidad que se han traducido y escenificado en nuestro país, a pesar del interés de más de algunos traductores, creadores y productores. Por eso, una de las propuestas más atractivas de la programación de Teatrix, una plataforma de streaming con producciones teatrales, es el estreno en México del monólogo del legendario dramaturgo y periodista carioca Nelson Rodrigues, figura esencial de la crítica política, social y cultural del Brasil del Siglo XX. A partir de su obra, Valsa No.6, publicada en la década de los cincuenta, la nueva casa productora Petit Erizo realiza una adaptación —a cargo de Natalia Werneck, traductora del texto— creada especialmente para la virtualidad y para los requerimientos de la plataforma de streaming, lo que permite que el discurso de este monólogo resuene más allá de las paredes de un recinto teatral. Lo que es expuesto por Rodrigues como una problemática de mitad del Siglo XX en el país sudamericano, hoy se presenta como una realidad mundial persistente, aunque cada vez con más voluntades y voces alzadas públicamente en contra del abuso infantil, la violencia de género y el feminicidio. El célebre e identificable Vals No. 6 de Chopin, ese que es conocido como el “Vals del Minuto” y que ha fungido como fondo de diversos momentos artísticos —incluída una parodia

Una de las cosas buenas que nos has dejado la pandemia es que buscamos maneras diferentes de experimentar las artes escénicas, una de ellas es estudiándolas. Muestra de ellos son estas nuevas escuelas de teatro y danza que han surgido en la Ciudad de México para especializar a los amantes del escenario. Creadores escénicos se dieron a la tarea de enseñarte todo lo necesario para ser un gran actor o bailarín, es el caso del director Diego del Río y su escuela Conservatorio de Actuación o de los bailarines de La infinita compañía, Rodrigo González y Raúl Tamez, y su estudio de danza. Recomendado: Obras de teatro que puedes ver en la CDMX.

Adentro hay juego, placer, deseo, sensualidad, traición, humillación, violencias y luchas de clase y de género. En la habitación azul se encierra y se desborda todo lo que el ser humano guarda y ofrece ante el otro a través del encuentro erótico, de la relación sexual. Escrita por el prestigiado dramaturgo británico David Hare (Tragaluz) en los noventa, esta obra levantó ámpula en Londres y Nueva York a finales del siglo XX por su descarga de erotismo y por la presencia de Nicole Kidman sobre el escenario teatral, dirigida por Sam Mendes (Cabaret). Más de veinte años después de eso, y a quince años de su primer montaje en México, Diego del Río, bajo la producción de Tercera Llamada y con la traducción de Paula Zelaya y comentarios de Anacarsis Ramos, propone una nueva lectura de este texto que, basado en la novela La ronda de Arthur Schnitzler, reúne diez historias de diez parejas y sus relaciones detrás de la puerta.  La prostituta, el taxista, la niñera, el estudiante, la esposa, el político, la modelo, el dramaturgo, la actriz y el aristócrata se encuentran, se someten, se confrontan, se entregan, se hieren y se conectan entre ellos. Y son Zuria Vega y Pierre Louis, al igual que Naian González Norvind y Alfredo Gatica, quienes (alternando funciones) les dan vida a estos seres que comparten su intimidad y una habitación. Zuria, quien es dueña de una de las trayectorias más interesantes de esta generación, celebra el formar parte de esta experiencia: "Hay un texto de la obra

Sucedió en Canadá a principios del siglo XX: tres amigos atendieron al rumor y fueron a escarbar en las piedras para encontrar oro. Y aunque se hicieron del precioso metal, también hallaron una tormenta invernal que los confinó en una casa perdida en el pueblo de Klondike. De la ambición al hastío y de la monotonía al absurdo. Afuera de la casa, el frío, una mercenaria, un Perro Muerto y la locura los asechan para penetrar en sus fragilidades y poniendo en tela de juicio el que esos tres sean en verdad, amigos.Escrita por José Emilio Hernández Martín, quien recientemente mereció el Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo, la obra es la nueva creación de la Vincent Company para Actores y no Actores Fracasados, una compañía que en su nombre explica mucho de su maliciosa y delirante visión de la vida y del teatro. Anteriormente, presentaron La ciencia de la despedida, un texto sobre poesía y disidencia rusa coproducido por La Capilla y, auspiciados por Teatro UNAM, El lenguaje de los monos, una peculiar reescritura sobre el Popol Vuh para niños y jóvenes.Olinmenkin Sosa Nájera, siempre presente en las obras de la compañía, dirige a un elenco de jóvenes a los que hay que poner mucha atención: Emiliano Cassigoli, Itzhel Razo, Laura de la Maza, Fernando Olguín y Héctor Sandoval. Este último celebra volver a trabajar con el dramaturgo, el director y la productora Ana Galán: “Es entrar en un mundo creativo insospechado, rico y hermoso; ellos parten de las ganas de hacer

Cuando cree que ve al fantasma de su esposa muerta, un hombre acude con un psiquiatra y, en el proceso, ambos descubren fantasmas menos visibles pero más acechantes y perturbadores: los propios. Conocido por su sobrio manejo del misterio y lo paranormal, el dramaturgo irlandés Conor McPherson, uno de los más destacados y prolíficos del teatro actual en lengua inglesa — recientemente estrenó un musical con canciones de Bob Dylan y su versión del Tío Vanya de Chéjov—, es escenificado por primera vez en nuestro país con la que es su obra más celebrada, entre otras cosas, debido a los puntos de vista que ofrece sobre el tema de la muerte, que en Irlanda, como en México, conlleva un significado muy especial. Tras desempolvar el texto original, Pablo Perroni decidió llevarla a escena como actor y productor, y de paso, continuar con la dupla de trabajo que ha formado con el director y traductor Miguel Septién. Es este último quien propone que los cuatro personajes de la obra se confronten no en Dublín, sino en Querétaro, para acercar aún más al público mexicano a esta ficción que, si bien está permeada por elementos sobrenaturales, todo el elenco la define como “profundamente humana”. Cada vez más presente como actor, el también director teatral Alberto Lómnitz encabeza junto con Perroni el reparto, que además incluye a los jóvenes Gloria Toba y Miguel Narro. Sobre el reto de traer al español el lenguaje de Mcpherson, Septién afirma que, “es complejo, porque hay monólogos largos y l

Carolina Politi es una persona deprimida. O al menos eso es lo que reflejará la actriz sobre el escenario cuando, en solitario, se enfrente al público para lanzarles, a través del humor, La persona deprimida.  Esta historia originalmente pertenece al escritor estadounidense David Forster Wallace y de la cual se apropió el prestigiado dramaturgo y director Daniel Veronese. Él, luego de estrenarla exitosamente en Argentina, se unió al productor Arturo Barba con el objetivo de lograr el montaje mexicano, para el cual Barba eligió a la actriz, quien es una de las más sólidas de nuestro teatro. El trabajo de Politi en montajes como En la meta, Play Medea y Edipo, nadie es ateo, le han conferido la autoridad para asumir este monólogo en el que una mujer hace un recorrido por los momentos de su vida que devinieron en una depresión patológica. Esta ficción teatral tiene su base en la ficción literaria, pues es un relato del libro Entrevistas breves con hombres repulsivos, uno de los más celebrados del autor de culto. Aunque el tema se antoja denso, la actriz asegura que está trazado desde otra óptica, la de la evasión y, a la vez, la de la empatía. "Todo está abordado con mucha amorosidad y humor. La obra mira desde la afectación que produce en las personas el dolor. Uno a partir del dolor no está en un sufrimiento evidente, sino tratando de contar al otro que no le está pasando eso. Es lo que hacemos las personas para ser aceptadas y poder ser parte: corremos y escapamos de lo que n

Han pasado 25 años desde que Mark Ravenhill le arrojó al público británico, en su cara, verdades incómodas que no eran más que el reflejo de una sociedad descompuesta, enajenada con el consumismo e interesada en llegar al extremo del sexo, las drogas y el rock and roll.Ravenhill, al igual que sus contemporáneos Sarah Kane, Patrick Marber, Martin McDonagh,  Jezz Butterworth Anthony Neilson, Martin Crimp y Philip Ridley —de quienes se ha escenificado al menos una obra en nuestro país—, inauguraron en los noventa un teatro sucio, vulgar y crudo, pero tremendamente poético, profundo y, ahora lo sabemos, muy vigente. No hay muchos cambios de aquellos años a nuestros días del nuevo milenio. Quizá el más significativo es que los temas aludidos en esta obra están cada vez más insertos en una discusión mundial y hay cada vez más voces levantadas para hacerlos audibles y visibles. Por ello, que la obra emblemática del in yer face theatre, Shopping & Fucking nos llegue con cinco lustros de retraso, no importa. Lo que vale es que a través de la nítida traducción de Juan Carlos Franco y la vertiginosa dirección de Sixto Castro Santillán podemos conocer los encuentros y desencuentros que viven Lulu, Mark y Robbie, los tres roomies que roban cuanto pueden para sobrevivir, se alimentan de cereal y de heroína y refuerzan susconflictos, gracias a Brian y Gary. Estos últimos son personajes sórdidos envueltos en colores estridentes y símbolos noventeros, a los que no es difícil ubicarles su sími

Si hay algo que se antoja al pasear por las calles de Mérida, es sentarse en una silla junto a las mujeres que conversan en el pórtico de sus casas. Ahí hablan sobre sus propias historias familiares y acerca de la historia de su mundo. Pláticas al calor del sol y del xtabentún (licor de origen maya que se sirve en Yucatán), al sabor de la cochinita pibil y al rumor de los boleros de Guty Cárdenas y Pastor Cervera. Afortunadamente, el viaje para atestiguar esas charlas se puede vivir gracias a la deliciosa pluma de Conchi León y la certera dirección de Francisco Franco (La sociedad de los poetas muertos). En la obra de teatro La tía Mariela se reúnen historias que oscilan entre lo real y la ficción para hablar de mujeres y sus muy personales entornos. Mujeres que, si bien son oriundas de Yucatán y pertenecen a distintas épocas del siglo XX, enlazan las diversas realidades de violencia, abuso, ilusión, trabajo, éxito, desencanto y superación que ha enfrentado la mujer mexicana, y la mujer en el mundo. Todo esto abordado desde el ingenio de un lenguaje que mueve a la risa y al genuino goce de las anécdotas lanzadas por tres primas que evocan a sus numerosas tías, pilares de una familia que, como la mayoría de las familias mexicanas, se sustenta en el matriarcado. Además de escribir, Conchi León actúa. Junto a ella, Monserrat Marañón saca lo más sólido de sus recursos humorísticos para lograr un dúo mordaz y muy digno. Por si fuera poco, esta obra es un musical de mediano formato

Gabriela y Marlene están de regreso. La dupla femenina clásica del teatro mexicano ha vuelto dispuesta primero a pelear por el mismo señor y, después, a entenderse y aliarse. Para transitar de un estado al otro, recurren a las palabras de Emilio Carballido, dramaturgo mayor de nuestro teatro que nos legó comedias entrañables y listas para llevar a escena, aunque no por ello exentas de darles una nueva perspectiva que las ajuste a las necesidades de un nuevo milenio, a las de un director de vanguardia y a las de dos primeras y queridas actrices que le aportan su experiencia de vida y oficio a estos personajes. Estrenada en la década de los ochenta y tras varios montajes y reposiciones con diferentes producciones y elencos, Rosa de dos aromas es producida por Rubén, ahora bajo la dirección de Hugo Arrevillaga, quien hace a un lado las texturas densas y emotivas que han distinguido a obras como Incendios, Clausura del amor y Hermanas, para entregarse a la comedia y dirigir a dos lobas de la mar histriónica: Sylvia Pasquel y Rocío Banquells, quienes por fin se reúnen en escena para darle vida a dos mujeres que ante el dolor del engaño recurren al ingenio primero para enfrentarse y luego para acompañarse.  Rosa de dos aromas fue estrenada en gira por la República Mexicana a principios del 2020. Ahora llega a la Ciudad de México, en donde el público podrá disfrutar la mancuerna del director con estas dos figuras del espectáculo que en cada diálogo denotan no nada más su probado tal

En un taller de dramaturgia, a Belén Aguilar y José Juan Sánchez les recomendaron leer Canción de tumba. Al abrir la primera página de la premiada novela de Julian Herbert, el impacto fue inmediato: el protagonista inicia presentando a su madre, que se llama Guadalupe y nació un 12 de diciembre. Exactamente igual que la madre de Belén y que la madre de José Juan. Tras esta coincidencia, supieron que algo tenían que hacer juntos con esas páginas, en las que resuena la letra de un viejo bolero cubano de rompe y rasga: flores negras del destino/nos apartan sin piedad/pero el día vendrá en que seas/para mí nomás, nomás...Al echar mano de elementos cinematográficos —dirigidos por Ernesto Madrigas— y musicales —a cargo de Cristóbal Maryán—, Belén dirige a José Juan, quien interpreta a un actor que narra la vida de su madre, una prostituta enferma de cáncer; retrato crudo de dos vidas enmarcadas en el contexto de violencia que ha azotado a este país en las últimas décadas. “Son temas sórdidos, pero con personajes plenos de luz y empatía”, aclara Belén, quien invitó a su maestra, la actriz y bailarina Lorena Glinz, a participar a través del video. Aunque lo rodean diversos elementos, José Juan está solo en el escenario y eso, confiesa, lo lleva a un estado muy particular. “Me siento como si fuera en uno de los trenes en los que Julián recorrió la República Mexicana, sin freno, sintiendo el viento en mi cara”. Para él, tomar a un personaje que viene de la literatura le ha permitido “e

¿Qué somos capaces de hacer por ver a nuestros seres más queridos siempre con vida? ¿Qué haríamos con tal de ver a la mujer que nos dio la vida alegre y con deseos de seguir luchando? Una de las opciones de los dramaturgos ingleses Duncan Macmillan y Jonny Donahoe es crear una lista de todo aquello, grande o pequeño, que sea capaz de maravillar a cada uno de los sentidos de un individuo. Dicho listado no podía haber caído en mejores manos: Sebastián Sánchez Amunátegui, director de comedias ácidas y entrañables como La lechuga y El loco y la camisa, enfrenta nuevamente —con una deliciosa traducción de Pilar Ixquic Mata— un texto agridulce que habla sobre la depresión materna y cómo trastoca, silenciosa e invisible, la vida de un hombre desde la infancia hasta la adultez. El montaje de Puras cosas maravillosas es sencillo, concreto y demandante para actor y público. Lo más sutil del estilo de Sánchez Amunátegui está puesto sobre la escena. Además del director, esta obra le corresponde a su actor y productor; Pablo Perroni y su personaje se plantan en el escenario con una sonrisa, así entendemos que ambos están mimetizados. Él cuenta su historia, comparte el soundtrack de su vida, invita a algunos miembros del público para que lo ayuden a recrear momentos fundamentales y, por supuesto, desgrana una lista infinita de cosas maravillosas —una más sorprendente y certera que la otra—, a partir de los sólidos recursos del guion y el encanto del actor. Se trata de un evento teatral que

Aunque al interior de esta antigua casona en la colonia Del Valle todo está perfectamente ordenado para el placer de ver, hojear, leer y comprar libros, su dueño no tiene problema en asumir que todo es un desastre. Alonso Salmerón estudiaba la carrera de Derecho en la UNAM cuando el llamado de las letras y el mundo editorial fue cada vez más insistente. Tanto, que sin pensarlo en exceso se lanzó a la creación de una nueva librería dedicada, principalmente, a las editoriales mexicanas independientes, un nicho que cada vez cobra más fuerza en el ámbito del libro en este país. Si bien al principio pensó en Coyoacán, encontró la casa ideal en la Del Valle, consiguiendo que la actividad cultural y libresca, recargada justo en barrios como Coyoacán, Roma y Condesa, se desplace hacia esta colonia mitad apacible y mitad inquieta. Al interior, amén de la sala que alberga a editoriales como Almadía, Elefanta, Antílope, Paraíso Perdido, Sexto Piso, Grano de Sal, SuVersión y Argonáutica —cuyos títulos se pueden consultar desde un confortable sillón—, hay una sección de libros para niñas y niños, un espacio para editoriales comerciales, un salón para talleres o exposiciones, además de una amplia barra de preparación de café y bocadillos y una terraza que invita a instalarse allí por horas, bebiendo café, leyendo libros, expandiendo el home office, siendo feliz. El Desastre Café + Libros, tal vez para honrar a su nombre, abrió en enero de este año, cuando la contingencia sanitaria aún esta

Es tanta la pasión con la que se entregan al juego cuatro vecinas y amigas, que cuando lanzan la pelota al más puro estilo de los profesionales, sucede lo inevitable. Ésta va a parar a la ventana de su vecina, la Señora Tú, detonando así un muy divertido juego de travesuras, acusaciones y revanchas en el que se asoma un asunto del que todos nos percatamos, pero muy poco hablamos y reclamamos: la eliminación de espacios públicos al aire libre para el genuino esparcimiento de niñas y niños.El cierre de un parque recreativo debido a la próxima edificación de un centro comercial, es el pretexto para que Valentina Sierra, como dramaturga y directora, lance la bolita y ponga sobre la cancha el tema del derecho al libre esparcimiento y rieguen el pasto con una tesis sobre la importancia de la organización y la unión. El texto y el montaje de Sierra son infalibles en su forma y fondo, y quedan redondeados con la experiencia de disfrutarlos en un espacio amplio y abierto, donde el escenario evoca un campo de béisbol y el público se sienta en gradas y desde allí acompaña con risas, palmadas, aplausos y frases sueltas a las cuatro niñas, a sus peculiares mamás y papás y a la tremenda Señora Tú, quien hacia el mitad de la obra cambia la amargura por un tributo sencillo pero muy significativo hacia todos aquellos que han luchado por defender su ideología y causas justas, necesarias y no siempre visibilizadas. Esta es una inmejorable oportunidad para hablar de confinamientos, libertades, d

Mariana Garza está feliz. La actriz y cantante regresa al escenario para ofrecer al público un poco de luz y esperanza a través de las pequeñas grandes cosas que promete el título de esta puesta en escena. Es la versión mexicana del montaje neoyorquino escrito y protagonizado por Nia Vardalos, quien es a su vez responsable de la adaptación del libro homónimo en el que se recopilan las cartas que la columnista Cheryl Strayed recibió de los lectores de su blog Dear Sugar, así como las respuestas que ella les daba; plenas de vivencias personales y consejos sencillos y profundos a la vez.El éxito del montaje de Pequeñas grandes cosas producido en 2016 por el espléndido Public Theater de Nueva York, motivó a Morris Gilbert a traerla a nuestro país. Para lograrlo, invitó a Mariana a ser Sugar, la protagonista, lo cual ella aceptó de inmediato, pues los puntos de identificación y empatía con el personaje central y con las historias relatadas, son muchos. “Los personajes te buscan. Llegan justo en el momento en el que tal vez tienes algo que aprender o enfrentar, algo a lo que le has dado la vuelta y de pronto te lo ponen ahí, en el personaje. Sugar ha vivido cosas muy distintas a las que yo he vivido, pero ambas buscamos cómo hacer que algo funcione. Cómo algo que estuvo de la fregada y me revolcó, ahora me permite levantarme y seguir. Me emociona muchísimo que, a través de lo que a mí me gusta hacer, que es el teatro, puedo dar un apapacho en tiempos en los que no sabemos cuándo no