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Iván Islas

Iván Islas

Articles (6)

Conoce las actividades con las que el Museo Tamayo celebra sus 40 años

Conoce las actividades con las que el Museo Tamayo celebra sus 40 años

Inaugurado en 1981, el Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo es ya parte emblemática de la Ciudad de México. Situado en una de las zonas más bellas de la urbe, Chapultepec, el recinto dedicado al arte actual celebra 40 años de vida y lo hace con una exposición virtual —y posteriormente con una presencial en octubre de este año, si las condiciones sanitarias lo permiten—. El museo que lleva el nombre del gran artista oaxaqueño alberga más de 850 obras, mismas que se han exhibido a lo largo de las ya cuatro décadas de exitosa trayectoria en el ámbito de la difusión del arte contemporáneo. Su misión siempre se ha reafirmado al mostrar la obra del propio Tamayo y, de forma temporal, el trabajo de artistas contemporáneos de primer nivel. Asimismo, ha promovido e impulsado el arte joven a partir de convocatorias y encuentros. Por otra parte, también ha desarrollado programas educativos para niños y adolescentes con el fin de un acercamiento a la obra del artista fundador y del arte en general. En esta ocasión, Tamayo 40 expone, en una suerte de conteo regresivo hacia la exposición presencial, material de archivo y videos, sobre el proceso de construcción del edificio, el cual ya de entrada se erigió como una pieza artística. Asimismo, se pone a disposición del público una “hemeroteca virtual” #casi40, misma que comparte titulares de medios impresos previo a su inauguración, allá en el año 1981. Por otra parte, también se ha creado una “plataforma televisiva” por internet, la cu

Clavo, un nuevo movimiento durante la semana del arte

Clavo, un nuevo movimiento durante la semana del arte

Se autodefine como un “movimiento”, no una feria. Es, según sus impulsores, Amado Cabrales y Diego Beyró, un modelo expositivo novedoso. De manera creativa, Clavo resultará un espacio para la venta del arte contemporáneo “de muy bajo riesgo económico y de muchas posibilidades de éxito”; se trata de un formato más colaborativo y justo, que pocas veces vemos en el circuito artístico mexicano. Clavo nace como una idea de Grupo Equis, creadores de otros proyectos como Casa Equis y la feria FAIN. Bajo el precepto de que la iniciativa propia es crucial, así como el trabajo colaborativo, Clavo se presentará en Casa Versalles el fin de semana del 30 de abril al 2 de mayo, justo en el contexto de ZsONAMACO. “Se tratará de una  propuesta de exhibición que congrega galerías, editoriales y algunos emprendimientos relacionados con el arte”, lo anterior, según los que encabezan el proyecto, será una alternativa a los circuitos establecidos del arte contemporáneo en el país. Confianza y beneficio compartido son dos de los valores que soportan al movimiento Clavo. Por mencionar algunos: la renta del espacio a bajo costo para las galerías y sólo un pequeño porcentaje de las ventas sería destinado a la iniciativa. La entrada tiene un módico costo de 150 pesos e incluye una bebida. Clavo está consciente de la situación de pandemia por la que estamos atravesando, por lo que se adhiere a todos los protocolos establecidos por las autoridades respectivas. Ya van más de 30 proyectos inscritos, así c

Exposición Otrxs Mundxs en el Museo Tamayo

Exposición Otrxs Mundxs en el Museo Tamayo

El Museo Tamayo da cabida a 40 artistas de la Ciudad de México emergentes y algunos ya consolidados en la exposición Otrxs Mundxs, un diálogo que se establece entre jóvenes artistas que interiorizan los paradigmas y fracasos del capitalismo tardío. La propuesta de los curadores Humberto Moro y Andrés Valtierra se extiende a lo largo de las salas y del patio principal del museo, y también se puede recorrer de manera digital. Los cuatro temas principales son: capitalismo y dominación, serialidad, identidad y obliteración, entropía, especulación y visualización, y cuerpo y materialidad. En su interés por mostrar la mirada alternativa de la creación artística de la CDMX, la exposición aborda un conjunto de piezas que, si bien pueden resultar disímiles, todas aluden a problemáticas de lo contemporáneo. Transitar por las salas principales del museo es, en efecto, pasar de un microcosmos a otro. Las referencias y motivos tienen una constante: resistencia, una mirada de rebeldía que se encarna en las piezas. Cabe resaltar el trabajo Ubicación no revelada: máquina para el ermitaño intermitente, a cargo de Tezontle (Lucas Cantú y Carlos Matos). De grandes dimensiones, es una construcción sólida; pieza imponente no solo en cuanto a sus materiales y colores, sino también respecto al argumento que la sustenta: lugar utópico para reflexionar acerca de las posibilidades de una existencia holística fuera de la ciudad. La pieza está inspirada en las ruinas de ermitas coloniales alrededor de l

Néstor Jiménez. La importancia de ser autosuficiente

Néstor Jiménez. La importancia de ser autosuficiente

⭑⭑⭑⭑✩ Ser útil a los demás para ser autosuficiente, tal paradoja, es el motivo principal de la serie de Néstor Jiménez que actualmente se exhibe en la prestigiosa galería Proyectos Monclova en la exposición La importancia de ser autosuficiente. El joven artista refiere con su obra plástica a una época que al unísono podría catalogarse como contradictoria y fascinante, a los años del socialismo real y sus implicaciones más individuales y a la vez sociales. A partir de pinturas con técnica mixta, 28 piezas dialogan con la escuela del arte socialista de la antigua Unión Soviética y reflejan peculiares motivos arquitectónicos mexicanos e iconografía de aquél modelo económico-social, que al parecer ha quedado en el pasado, pero que aún ronda en el imaginario colectivo como un fantasma. Es interesante cómo Jiménez logra captar en su concepto y en su implementación la estética de aquellos años, pero también la lógica de ciertas ideas o preceptos del llamado socialismo real, en donde los individuos eran formados para el trabajo colectivo, no solo en una suerte de ideología, sino también de un sacrificio “cuasireligioso”, proveniente más bien de un dogma. Para Néstor Jiménez, la autosuficiencia está precisamente en ese trabajo para los otros; hay una tensión, según el artista, entre la independencia del individuo y su codependencia social. La obra del artista mexicano que conforma la exhibición titulada La importancia de ser autosuficiente muestra colorido, formas geométricas, así com

Exposición en línea Espacio entre mundos

Exposición en línea Espacio entre mundos

⭑⭑⭑✩✩ Como alternativa para quienes gustan del arte, de ir a museos y galerías, resulta una opción explorar el trabajo de jóvenes artistas a través de los páginas de internet. En esta ocasión, sugerimos echar un vistazo al trabajo de María Fernanda Carlos (México, 1977), que actualmente se exhibe en el sitio electrónico de la Galería Rebelde, con sede en ciudad de Guatemala, dirigida por la curadora Jimena de Tezanos. La exposición de Carlos lleva por título Espacio entre mundos. Mayormente dedicada a la pintura, la instalación y la fotografía, la artista María Fernanda Carlos expone un conjunto de piezas de variada confección, mismas que detentan una constante, su alusión a “las posiciones intermedias”, pero no solo en los cruces que se ubican entre territorios, identidades, sino también en lo puntos medios de emociones, ideas, sentimientos. A partir de fotografías, videos y textos, algunos de corte poético, Galería Rebelde presenta virtualmente el trabajo de Carlos (obra que ya se encuentra instalada físicamente en la Galería). Asimismo, nos ofrece algunos videos que complementan o son parte de las  mismas piezas. Del conjunto de obras de Espacio entre mundos, que por cierto pueden apreciarse a detalle por el diseño amigable y limpio del sitio web, destaco la serie Puentes, fotografías digitales que tienen como motivos telas dobladas y apiladas intercaladas con piedras, objetos que encuentran armonía por su forma, aunque no por su naturaleza, pues se combina lo sólido y lo

Qué ver en la exposición Siembra de Kurimanzutto

Qué ver en la exposición Siembra de Kurimanzutto

La galería Kurimanzutto da continuidad a Siembra, un proyecto que emergió en febrero pasado de este 2020 y que fue interrumpido por la pandemia del COVID-19. Siembra es un experimento de ocupación del espacio galerístico sin normas temporales estrictas y, algo no tan usual, un diálogo entre galerías. El fluir de las propuestas se concreta en las siete salas de la galería de la Colonia San Miguel Chapultepec. Son siete proyectos distintos, originados bajo diferentes conceptos. Las motivaciones y resultados van desde dibujos a lápiz, pasando por una instalación, hasta activaciones y performances. A continuación, te contamos sobre lo que no puedes perder de vista en Siembra. Kurimanzutto: Gob. Rafael Rebollar 94, San Miguel Chapultepec. Martes-jueves 11am-6pm, viernes-sábado 11am-4pm. Gratis.

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Espiral para sueños compartidos

Espiral para sueños compartidos

4 out of 5 stars

La artista conceptual radicada en Los Ángeles, Carolina Caycedo, quien propone una reflexión profunda acerca de la afectación a los entornos naturales, en este caso apunta al intento, a veces logrado, de privatizar el agua y todas consecuencias que esto ha implicado. Las motivaciones de la autora de formación colombiana tienen que ver con una intensión que ha perseguido desde 2002, a raíz del colapso de los ecosistemas, las afectaciones a las economías locales y la consecuente crisis ambiental. Espiral para sueños compartidos es parte de un trabajo surgido en 2012 llamado Be Dammed o Represa-Represión (en español), que examina cómo grandes infraestructuras afectan los cuerpos de agua, pero a decir de la artista, también los cuerpos que cohabitan los del agua; las comunidades de pescadoras, los campesinos… las formas de vida en toda la extensión de la palabra. La obra consiste en trece redes artesanales colgadas en el atrio del recinto, organizadas por tamaño y construidas en espiral (en referencia a los ciclos). Los tejidos fueron realizados por comunidades de mujeres y hombres de Oaxaca, Nayarit y Baja California Sur, que le imprimieron distintos estilos y colores, por lo que fue una obra colaborativa en todos los sentidos. Se trata, según la autora, de una metáfora acerca de la manera expansiva y siempre cambiante de las redes sociales y acciones comunitarias que se entrelazan. Es, asimismo, una acción que señala de forma estética las consecuencias que ha generado la indust

Psicotropical

Psicotropical

4 out of 5 stars

La galería Proyectos Monclova presenta en esta temporada de la semana del arte Psicotropical, exposición plástica sugerente que consiste en dos series de Gabriel de la Mora: Lepidóptera e Ígnea. La primera de ellas emplea fragmentos de alas de mariposas  adquiridas en mariposarios de Perú, Indonesia y Madagascar, especímenes muertos por causas naturales que han cumplido su función, para generar mosaicos con motivos geométricos y patrones que dan un efecto fractal. A lo lejos el espectador percibe imágenes con dicha constante, por lo que la sala de la galería se viste de distintos cuadros con imágenes en variadas tonalidades y hasta texturas. El trabajo detrás de cada una de estas piezas fue titánico, milimétrico y artesanal. Esta serie resulta compleja más allá del deleite visual que podría provocar, ya que detrás de las piezas hay un sugerente argumento que da pauta al tipo de obra plástica que se presenta. De la Mora transforma un aparente final en el inicio de algo más, esto es, al emplear los restos de mariposas que han muerto por causas naturales, la intervención —que se da con todos los permisos respectivos– del artista incorpora dichos restos los transforma en un trabajo creativo y estético. Resulta impresionante ver las formas y detalles que se generan de la utilización de los trozos de alas, aunque ahora ya como producto de la mano del artista. Por su parte, en la serie Ígnea, confeccionada con láminas fragmentadas de materialespétreos, en este caso de obsidiana y an

No Sound of Water

No Sound of Water

4 out of 5 stars

Arte Abierto en la Plaza Artz Pedregal nos ofrece una experiencia inmersiva que apela a la reflexión acerca del actuar del ser humano en su entorno. Lo hace por medio de una instalación y un video: No sound of Water y Terminal Beach, respectivamente, del Colectivo Troika, constituído por los artistas Eva Rucki, Conny Freyer y Sebastian Noel. En combinación armónica, las dos piezas, dialogan y proporcionan al lector los elementos hacia varias interrogantes: ¿Nuestro paso por el mundo nos llevará a un escenario desolado e inhóspito?, ¿los avances tecnológicos nos conducirán a la descomposición de la Tierra? Para acceder a la instalación No Sound of Water el visitante tiene que recorrer un largo pasillo —un túnel con efectos sonoros y lumínicos— que desemboca en un imponente espacio: una gran sala con paredes blancas. La superficie está cubierta de una especie de arena blanca, que aunque a simple vista no se aprecia su constitución, evoca a la nieve. Es un escenario que intenta emular, probablemente, un espacio gélido, pero que no lo es. Es un espejismo, ya que como lo dicen sus autores, se trata de un “ecosistema ficticio'', pues en realidad es sal esparcida por toda la superficie. El espacio, en sus dos extremos, uno da cabida a una cascada, o por lo menos, algo que a lo lejos parece serlo. Cuando el visitante se acerca, se dará cuenta que no se trata de ningún líquido, sino de la misma sal que brota desde lo alto de un dispositivo (máquina de procesamiento industrial) y que c

Siembra 26-31

Siembra 26-31

4 out of 5 stars

Tal como Karimanzutto anunció hace ya más de un año, Siembra, proyecto galerístico donde se “generan polinizaciones cruzadas, cultivos de ideas y experimentos en diversidad para alcanzar una eventual cosecha”, continúa al no haber fecha de término, “hasta donde el estado del tiempo lo permita”. En primera instancia, mencionaremos el trabajo de Abraham Cruzvillegas, quien propone Rastrojo (Siembra 26), tres esculturas a base de elementos que ha recuperado de exhibiciones previas en combinación con objetos “descartados” de lo cotidiano y materiales “encontrados in situ”. El artista sugiere una nueva configuración de dichos elementos, algunos de ellos testigos de su trayectoria artística, y otros que simplemente los incorpora de manera armónica. Hay una lógica que le permite juntarlos, y a decir de Cruzvillegas, esa nueva conjunción los convierte en “mediadores de nuevas relaciones”, y por tanto, de nuevas significaciones. Por su parte, Gabriel Kuri presenta lo que ha llamado un ejercicio escultórico, Encubrimiento estadístico(Siembra 27). Su instalación presenta objetos recargados en un muro sobre una alfombra de forma secuencial. Aparecen armónicos a partir de su forma y disposición, así como derivado de la intervención del artista (los uniforma al pintarlos). Sin embargo, ante la mirada detallada, uno puede distinguir que dichos objetos proceden de distinta naturaleza. Titular la pieza como Encubrimiento estadístico es una nominación sugerente, pues encierra de forma clara el

Cerámica

Cerámica

4 out of 5 stars

Formas orgánicas y aguda exploración de materiales, en este caso el barro, son los aspectos esenciales de las piezas de Gustavo Pérez que se exhiben en la Galería Proyectos Monclova, actualmente ubicada en el corazón de Polanco. Monclova reúne 50 piezas del trabajo de Pérez de 10 años, las cuales muestran una constante: explora las posibilidades de la arcilla como recurso expresivo. Las piezas muestran la refinada técnica del artista  que combina el dibujo sobre el barro y el relieve. Se puede decir que el autor genera formas estéticamente limpias y sencillas, con líneas y contornos de formas orgánicas, pero al mismo tiempo con toques personales, mucho más hacia lo emotivo. Puedo resaltar, ese juego que provocan sus piezas, que evocan formas de lo natural y al mismo tiempo objetos que podrían adquirir alguna función, aunque eso ya viéndolas a detalle no resulta posible. La obra de Gustavo Pérez se ha presentado en los principales museos del país, incluídos el de Bellas Artes, el Carrillo Gil y el de Arte Moderno. Asimismo, sus piezas son parte de colecciones permanentes de instituciones como Los Angeles County Museum of Art, Los Ángeles; El Museo de Arte Moderno, México; The Museum of Ceramic Art, Shiga, Japón; y The Museum of Fine Arts, Quebec, Canadá, entre otros. No pierdas la oportunidad de conocer la obra reunida de Gustavo Pérez y de visitar la Galería Monclova en sus bellas instalaciones en la zona de Polanco. Recomendado: Exposiciones que puedes ver en la CDMX.

Luz instante

Luz instante

4 out of 5 stars

¿La luz crea espacio? Es justamente una de las preguntas que sustentan esta exposición, que en realidad es una selección y conjunción de piezas trasladadas de un laboratorio a una sala de exhibición, de la autoría de Julia Carrillo, matemática por la UNAM y maestra en Artes Visuales por la Academia de San Carlos. La muestra Luz instante está basada en argumentos provenientes de una reflexión sobre la óptica geométrica y la física. Arte Abierto, espacio dedicado al arte contemporáneo dentro de Artz Pedregal, brinda a sus visitantes la oportunidad de adentrarse en una experiencia no solo estética, sino también reflexiva acerca de nuestra manera de percibir los objetos. En este caso, Carrillo, quien también realizó estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, propone a lo largo de las distintas salas y secciones de éstas, juegos ópticos generados a partir de disponer objetos en conjunción con iluminación. El propósito de Julia Carrillo es generar reflexión acerca del rol de la luz en la percepción del espacio y de los objetos. Su trabajo ha sido continuo, por lo que sus notas, lecturas y experimentos son lo que ha detonado la propuesta que hoy se presenta en Luz instante. Ella misma ha llevado a cabo la curaduría y ha sugerido acerca de la museografía, el concepto de Arte Abierto lo permite y el resultado es afortunado. Dos de las piezas a manera de instalación que destacan son las llamadas: Tiempos lumínicos y Forma y Apariencia. La primera consiste en una lente diná

laNao

laNao

4 out of 5 stars

En el corazón de la Condesa, a unos paso de la esquina de Michoacán y Tamaulipas, ya se encuentra abierta la galería laNao, llamada así en referencia a la Nao de China y que juega con la idea de “galería como nave” que transporta a otros lugares. Dicho espacio, fundado por los artistas Nekane Irigoyen e Ismael Sentíes, pretende ser un sitio que dé cabida al arte emergente en un modelo horizontal que conjugue exhibición e impulso de proyectos. laNao no solo pretende exhibir piezas y promover su adquisición, sino cumplir con varias funciones, como proveer de plazas formales de producción, exposición, difusión, venta y análisis del trabajo de artistas. El espacio es la adaptación de una casa típica de la Condesa, rodeada de cafés y restaurantes. El inmueble fue reinterpretado por el despacho Topfloor para cumplir con su misión de albergar trabajos artísticos. La entrada en la planta baja conecta directamente con salas de exhibición. En la parte intermedia, se encuentra la escalera rediseñada que da realce a la construcción. Como una de las innovaciones de la galería, en la planta alta se sitúan dos estudios, lo que resulta una posibilidad de intercambio entre galeristas y artistas; Carlos Vielma (Saltillo, 1982) y Jorge Rosano (Ciudad de México, 1984) ya desarrollan ahí su trabajo. Asimismo, a decir de los fundadores, se pretende que el espacio contribuya a que se generen proyectos de manera horizontal; además buscan que la IaNao se convierta en una incubadora de trabajos artíst

A veces las cosas funcionan por las razones equivocadas

A veces las cosas funcionan por las razones equivocadas

Galería RGR presenta una exposición del reconocido artista Darío Escobar, curada por Daniel Garza Usabiaga, quien a través de un sólido argumento hace converger la cultura popular y la alta cultura. La idea del autor devino de su aguda observación de cuando circulaba sobre las carreteras y percatarse de un universo de objetos geométricos emplazados de manera intuitiva. Aquello le hizo reflexionar sobre cómo se asume la idea de lo geométrico en una confrontación entre el occidente y las culturas latinoamericanas de la región, incluso como signos históricos de una concepción que proviene seguramente de antes de la colonia. Las piezas son parte de las series Construcciones geométricas y Construcciones modulares, iniciadas por el guatemalteco en 2012. La exposición A veces las cosas funcionan por las razones equivocadas consiste en varias “cajas” de camiones de carga o redilas, aparentemente reinterpretadas y descontextualizadas. Justamente en apariencia porque no fueron intervenciones ni mucho menos parte de un proyecto de ready made, sino lecturas y creaciones en sí mismas. Las cajas, además, a través de su color y formas, hacen referencias a ciertos movimientos artísticos, referencias incluso institucionalizadas. Hay una trampa según Darío Escobar, pues, en efecto, dan la sensación de ser piezas extraídas de la calle e intervenidas; sin embargo, sostiene el artista plástico que hay un trabajo de investigación detrás y una creación singular, así como la confección a cargo de ca

Furia y poesía. 10 años de Atelier Romo

Furia y poesía. 10 años de Atelier Romo

4 out of 5 stars

El arte es un proceso; un trayecto que implica no solo talento, sino también estudio y práctica. Las obras artísticas contemporáneas requieren aún más el entendimiento del proceso, de los argumentos detrás y del contacto del público. Muestra de ello es la exposición de la fundación Arte Abierto, Furia y Poesía. 10 años de Atelier Romo, que muestra el registro y la recreación de algunas de las actividades del taller de artista Atelier Romo, el cual cumple 10 años de fundación, a cargo de Sebastián Romo.De dicho taller han egresado generaciones de jóvenes de variados intereses artísticos. Ellos, regularmente preuniversitarios, han confeccionado trabajos colectivos e individuales, como dice Sebastián, y también han dado la pauta para construir la currícula, que tiene un sentido horizontal y local (no hay una tropicalización) y responde a un concepto de “educación profunda”. Furia y Poesía invita a ingresar a su amplia sala a partir de dos especies de muros encontrados con un espacio en medio. Son dos grandes murales, mismos que con tipografía gigantesca anuncian el nombre de la exposición. Y al entrar, los visitantes pueden documentarse sobre el proyecto Atelier, así como observar obras resultado del paso de varias generaciones. De acuerdo con los responsables del espacio, se trata de “experimentar y develar los procesos que dan vida a las ideas de los creadores, cómo son pulidas y llevadas al límite, a su producción”. Atelier Romo tiene como líneas de trabajo el pensamiento vis

Ballad of Disaster

Ballad of Disaster

4 out of 5 stars

La Galería Proyectos Monclova nos invita a recorrer su sala principal y presencial la exposición The Ballad of Disaster, del artista francés Théo Mercier. La visita es un goce estético al palpar la pulcritud de la confección de las piezas expuestas; esculturas que semejan réplicas de objetos de lo cotidiano, mercancías. De igual forma, la colocación de las mismas que evoca su venta, posiblemente en un mercado sobre ruedas, o en alguna tienda, de esta forma vemos vitrinas y estantes, lo cual también, y paradójicamente, hace alusión a los propios museos. Para Mercier se trata de un paseo, de un recorrido que nos impulsa a la catástrofe. Es una historia contada, pues los objetos están colocados para visualizar su próxima caída, por lo que dice el artista “mis esculturas son dramas”, y en efecto, las esculturas adquieren dinamismo a partir de su colocación y aparente estática. Podemos ver, por ejemplo, un garrafón de agua arriba de un banco, y a la vez piedras de mar sobre el mismo contenedor en una escena que precisamente simula el estado previo al derrumbe; otro caso es el de una llanta de auto sobrepuesta a un conjunto de piedras de mar; o una charola llena de piedras formando una torre sobre una vitrina, misma que al situarse en un extremo da la impresión de su frágil estado. Aunque hay muchos elementos conceptuales en juego, por lo menos los que plantea explícitamente el autor, considero que su principal mérito es lograr la armonía entre los distintos motivos que encarnan la

Siembra

Siembra

Proyecto Siembra, que dio inicio en febrero de 2020 como festejo del 20 aniversario de la galería Kurimanzutto en una suerte de diálogo y convergencia, continúa presentando trabajos y propuestas colectivas en siete salas, con obras provenientes de diferentes galerías. Mencionaré algunas piezas que se pueden visitar bajo medidas sanitarias respectivas en esta reapertura. Se exhibe la tercera etapa de Salón Silicón Sex. Esta vez toca el turno a SEXtrauma, la cual a partir de técnicas mixtas y arte objeto busca trasmitir, a decir de los creadores, “el querer que te quieran: la desilusión del amor romántico, las represiones, la enfermedad, el envejecimiento, el recuerdo erótico que te avergüenza”. Por su parte, otra de las siete salas muestra el trabajo de la Galería Agustina Ferreyra. Las piezas expuestas son imágenes fotográficas y un trabajo de escultura. Los artistas Ramiro Chávez y Ulrik López exploran aspectos de la naturaleza y el mundo de la cultura en una suerte de arqueología de objetos. Chávez propone una escultura de gran tamaño,  hecha de adobe, que trasluce su trabajo y su interés e investigación en torno a las montañas como personajes vivos, haciendo un especial hincapié en el concepto de la “montaña artificial”, “arquetípica”. Asimismo, se exhiben una serie de fotografías de parte de Ulrik López, trabajos pulcros en su composición, sustentados en documentación de diferentes formas de estar en y con espacios arquitectónicos, animales, ambientes creativos, espacios

Siembra. Segunda parte

Siembra. Segunda parte

4 out of 5 stars

En continuidad al proyecto expositivo Siembra de la Galería Kurimanzutto, donde han transitado distintas galerías y sus respectivos artistas, tres nuevas muestras llegan para cerrar el 2020: Siembra 12 de Miguel Calderón, Siembra 15 de Roberto Gil, y Siembra 16 de Daniel Guzmán. Miguel Calderón propone en la obra Amenaza Cocotera imágenes realizadas durante su estancia en la sierra de Guerrero en el contexto de la pandemia. Bajo la anécdota de haberse ido para alejarse de los contagios y la posible enfermedad que podría conducir a la muerte, en aquel pueblo alejado descubre que la gente ahí podría morir no necesariamente por una enfermedad, pero sí de un golpe proveniente de la caída de un coco. Tal anécdota o conocimiento popular le hace reflexionar acerca de lo vulnerable del humano en el mundo y de las posibles causas de una muerte más allá del COVID-19 u otras enfermedades. La ironía de la vida la traslada a imágenes con acuarela y dibujo a color, donde se observan las palmeras en una suerte de versión onírica que representa la amenaza mortal de los cocos a punto de caer. Por su parte, Gil de Montes explora imágenes escondidas o emanadas a partir de lo cotidiano, en una mezcla que resulta un “imaginario de incongruencia y color”. En lienzos de excelente técnica pictórica, el artista, quien ha expuesto en importantes museos de Los Ángeles, mezcla elementos imaginarios y realistas; un híbrido que paradójicamente resulta armónico, producto de un ejercicio de subjetividad que