Iván Islas

Inaugurado en 1981, el Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo es ya parte emblemática de la Ciudad de México. Situado en una de las zonas más bellas de la urbe, Chapultepec, el recinto dedicado al arte actual celebra 40 años de vida y lo hace con una exposición virtual —y posteriormente con una presencial en octubre de este año, si las condiciones sanitarias lo permiten—. El museo que lleva el nombre del gran artista oaxaqueño alberga más de 850 obras, mismas que se han exhibido a lo largo de las ya cuatro décadas de exitosa trayectoria en el ámbito de la difusión del arte contemporáneo. Su misión siempre se ha reafirmado al mostrar la obra del propio Tamayo y, de forma temporal, el trabajo de artistas contemporáneos de primer nivel. Asimismo, ha promovido e impulsado el arte joven a partir de convocatorias y encuentros. Por otra parte, también ha desarrollado programas educativos para niños y adolescentes con el fin de un acercamiento a la obra del artista fundador y del arte en general. En esta ocasión, Tamayo 40 expone, en una suerte de conteo regresivo hacia la exposición presencial, material de archivo y videos, sobre el proceso de construcción del edificio, el cual ya de entrada se erigió como una pieza artística. Asimismo, se pone a disposición del público una “hemeroteca virtual” #casi40, misma que comparte titulares de medios impresos previo a su inauguración, allá en el año 1981. Por otra parte, también se ha creado una “plataforma televisiva” por internet, la cu

Se autodefine como un “movimiento”, no una feria. Es, según sus impulsores, Amado Cabrales y Diego Beyró, un modelo expositivo novedoso. De manera creativa, Clavo resultará un espacio para la venta del arte contemporáneo “de muy bajo riesgo económico y de muchas posibilidades de éxito”; se trata de un formato más colaborativo y justo, que pocas veces vemos en el circuito artístico mexicano. Clavo nace como una idea de Grupo Equis, creadores de otros proyectos como Casa Equis y la feria FAIN. Bajo el precepto de que la iniciativa propia es crucial, así como el trabajo colaborativo, Clavo se presentará en Casa Versalles el fin de semana del 30 de abril al 2 de mayo, justo en el contexto de ZsONAMACO. “Se tratará de una  propuesta de exhibición que congrega galerías, editoriales y algunos emprendimientos relacionados con el arte”, lo anterior, según los que encabezan el proyecto, será una alternativa a los circuitos establecidos del arte contemporáneo en el país. Confianza y beneficio compartido son dos de los valores que soportan al movimiento Clavo. Por mencionar algunos: la renta del espacio a bajo costo para las galerías y sólo un pequeño porcentaje de las ventas sería destinado a la iniciativa. La entrada tiene un módico costo de 150 pesos e incluye una bebida. Clavo está consciente de la situación de pandemia por la que estamos atravesando, por lo que se adhiere a todos los protocolos establecidos por las autoridades respectivas. Ya van más de 30 proyectos inscritos, así c

El Museo Tamayo da cabida a 40 artistas de la Ciudad de México emergentes y algunos ya consolidados en la exposición Otrxs Mundxs, un diálogo que se establece entre jóvenes artistas que interiorizan los paradigmas y fracasos del capitalismo tardío. La propuesta de los curadores Humberto Moro y Andrés Valtierra se extiende a lo largo de las salas y del patio principal del museo, y también se puede recorrer de manera digital. Los cuatro temas principales son: capitalismo y dominación, serialidad, identidad y obliteración, entropía, especulación y visualización, y cuerpo y materialidad. En su interés por mostrar la mirada alternativa de la creación artística de la CDMX, la exposición aborda un conjunto de piezas que, si bien pueden resultar disímiles, todas aluden a problemáticas de lo contemporáneo. Transitar por las salas principales del museo es, en efecto, pasar de un microcosmos a otro. Las referencias y motivos tienen una constante: resistencia, una mirada de rebeldía que se encarna en las piezas. Cabe resaltar el trabajo Ubicación no revelada: máquina para el ermitaño intermitente, a cargo de Tezontle (Lucas Cantú y Carlos Matos). De grandes dimensiones, es una construcción sólida; pieza imponente no solo en cuanto a sus materiales y colores, sino también respecto al argumento que la sustenta: lugar utópico para reflexionar acerca de las posibilidades de una existencia holística fuera de la ciudad. La pieza está inspirada en las ruinas de ermitas coloniales alrededor de l

⭑⭑⭑⭑✩ Ser útil a los demás para ser autosuficiente, tal paradoja, es el motivo principal de la serie de Néstor Jiménez que actualmente se exhibe en la prestigiosa galería Proyectos Monclova en la exposición La importancia de ser autosuficiente. El joven artista refiere con su obra plástica a una época que al unísono podría catalogarse como contradictoria y fascinante, a los años del socialismo real y sus implicaciones más individuales y a la vez sociales. A partir de pinturas con técnica mixta, 28 piezas dialogan con la escuela del arte socialista de la antigua Unión Soviética y reflejan peculiares motivos arquitectónicos mexicanos e iconografía de aquél modelo económico-social, que al parecer ha quedado en el pasado, pero que aún ronda en el imaginario colectivo como un fantasma. Es interesante cómo Jiménez logra captar en su concepto y en su implementación la estética de aquellos años, pero también la lógica de ciertas ideas o preceptos del llamado socialismo real, en donde los individuos eran formados para el trabajo colectivo, no solo en una suerte de ideología, sino también de un sacrificio “cuasireligioso”, proveniente más bien de un dogma. Para Néstor Jiménez, la autosuficiencia está precisamente en ese trabajo para los otros; hay una tensión, según el artista, entre la independencia del individuo y su codependencia social. La obra del artista mexicano que conforma la exhibición titulada La importancia de ser autosuficiente muestra colorido, formas geométricas, así com

⭑⭑⭑✩✩ Como alternativa para quienes gustan del arte, de ir a museos y galerías, resulta una opción explorar el trabajo de jóvenes artistas a través de los páginas de internet. En esta ocasión, sugerimos echar un vistazo al trabajo de María Fernanda Carlos (México, 1977), que actualmente se exhibe en el sitio electrónico de la Galería Rebelde, con sede en ciudad de Guatemala, dirigida por la curadora Jimena de Tezanos. La exposición de Carlos lleva por título Espacio entre mundos. Mayormente dedicada a la pintura, la instalación y la fotografía, la artista María Fernanda Carlos expone un conjunto de piezas de variada confección, mismas que detentan una constante, su alusión a “las posiciones intermedias”, pero no solo en los cruces que se ubican entre territorios, identidades, sino también en lo puntos medios de emociones, ideas, sentimientos. A partir de fotografías, videos y textos, algunos de corte poético, Galería Rebelde presenta virtualmente el trabajo de Carlos (obra que ya se encuentra instalada físicamente en la Galería). Asimismo, nos ofrece algunos videos que complementan o son parte de las  mismas piezas. Del conjunto de obras de Espacio entre mundos, que por cierto pueden apreciarse a detalle por el diseño amigable y limpio del sitio web, destaco la serie Puentes, fotografías digitales que tienen como motivos telas dobladas y apiladas intercaladas con piedras, objetos que encuentran armonía por su forma, aunque no por su naturaleza, pues se combina lo sólido y lo

La galería Kurimanzutto da continuidad a Siembra, un proyecto que emergió en febrero pasado de este 2020 y que fue interrumpido por la pandemia del COVID-19. Siembra es un experimento de ocupación del espacio galerístico sin normas temporales estrictas y, algo no tan usual, un diálogo entre galerías. El fluir de las propuestas se concreta en las siete salas de la galería de la Colonia San Miguel Chapultepec. Son siete proyectos distintos, originados bajo diferentes conceptos. Las motivaciones y resultados van desde dibujos a lápiz, pasando por una instalación, hasta activaciones y performances. A continuación, te contamos sobre lo que no puedes perder de vista en Siembra. Kurimanzutto: Gob. Rafael Rebollar 94, San Miguel Chapultepec. Martes-jueves 11am-6pm, viernes-sábado 11am-4pm. Gratis.

La artista conceptual radicada en Los Ángeles, Carolina Caycedo, quien propone una reflexión profunda acerca de la afectación a los entornos naturales, en este caso apunta al intento, a veces logrado, de privatizar el agua y todas consecuencias que esto ha implicado. Las motivaciones de la autora de formación colombiana tienen que ver con una intensión que ha perseguido desde 2002, a raíz del colapso de los ecosistemas, las afectaciones a las economías locales y la consecuente crisis ambiental. Espiral para sueños compartidos es parte de un trabajo surgido en 2012 llamado Be Dammed o Represa-Represión (en español), que examina cómo grandes infraestructuras afectan los cuerpos de agua, pero a decir de la artista, también los cuerpos que cohabitan los del agua; las comunidades de pescadoras, los campesinos… las formas de vida en toda la extensión de la palabra. La obra consiste en trece redes artesanales colgadas en el atrio del recinto, organizadas por tamaño y construidas en espiral (en referencia a los ciclos). Los tejidos fueron realizados por comunidades de mujeres y hombres de Oaxaca, Nayarit y Baja California Sur, que le imprimieron distintos estilos y colores, por lo que fue una obra colaborativa en todos los sentidos. Se trata, según la autora, de una metáfora acerca de la manera expansiva y siempre cambiante de las redes sociales y acciones comunitarias que se entrelazan. Es, asimismo, una acción que señala de forma estética las consecuencias que ha generado la indust

Arte Abierto en la Plaza Artz Pedregal nos ofrece una experiencia inmersiva que apela a la reflexión acerca del actuar del ser humano en su entorno. Lo hace por medio de una instalación y un video: No sound of Water y Terminal Beach, respectivamente, del Colectivo Troika, constituído por los artistas Eva Rucki, Conny Freyer y Sebastian Noel. En combinación armónica, las dos piezas, dialogan y proporcionan al lector los elementos hacia varias interrogantes: ¿Nuestro paso por el mundo nos llevará a un escenario desolado e inhóspito?, ¿los avances tecnológicos nos conducirán a la descomposición de la Tierra? Para acceder a la instalación No Sound of Water el visitante tiene que recorrer un largo pasillo —un túnel con efectos sonoros y lumínicos— que desemboca en un imponente espacio: una gran sala con paredes blancas. La superficie está cubierta de una especie de arena blanca, que aunque a simple vista no se aprecia su constitución, evoca a la nieve. Es un escenario que intenta emular, probablemente, un espacio gélido, pero que no lo es. Es un espejismo, ya que como lo dicen sus autores, se trata de un “ecosistema ficticio'', pues en realidad es sal esparcida por toda la superficie. El espacio, en sus dos extremos, uno da cabida a una cascada, o por lo menos, algo que a lo lejos parece serlo. Cuando el visitante se acerca, se dará cuenta que no se trata de ningún líquido, sino de la misma sal que brota desde lo alto de un dispositivo (máquina de procesamiento industrial) y que c

En el corazón de la Condesa, a unos paso de la esquina de Michoacán y Tamaulipas, ya se encuentra abierta la galería laNao, llamada así en referencia a la Nao de China y que juega con la idea de “galería como nave” que transporta a otros lugares. Dicho espacio, fundado por los artistas Nekane Irigoyen e Ismael Sentíes, pretende ser un sitio que dé cabida al arte emergente en un modelo horizontal que conjugue exhibición e impulso de proyectos. laNao no solo pretende exhibir piezas y promover su adquisición, sino cumplir con varias funciones, como proveer de plazas formales de producción, exposición, difusión, venta y análisis del trabajo de artistas. El espacio es la adaptación de una casa típica de la Condesa, rodeada de cafés y restaurantes. El inmueble fue reinterpretado por el despacho Topfloor para cumplir con su misión de albergar trabajos artísticos. La entrada en la planta baja conecta directamente con salas de exhibición. En la parte intermedia, se encuentra la escalera rediseñada que da realce a la construcción. Como una de las innovaciones de la galería, en la planta alta se sitúan dos estudios, lo que resulta una posibilidad de intercambio entre galeristas y artistas; Carlos Vielma (Saltillo, 1982) y Jorge Rosano (Ciudad de México, 1984) ya desarrollan ahí su trabajo. Asimismo, a decir de los fundadores, se pretende que el espacio contribuya a que se generen proyectos de manera horizontal; además buscan que la IaNao se convierta en una incubadora de trabajos artíst

Arte Abierto es un recinto dedicado a albergar exhibiciones de artistas contemporáneos nacionales e internacionales, ubicado dentro del centro comercial plaza Artz Pedregal. Arte Abierto es una asociación civil sin fines de lucro fundada en 2019, que como objetivo esencial busca transformar a la sociedad a través del arte. Se dedica a la creación y difusión de proyectos culturales y obras de primer nivel que pretenden intervenir diferentes espacios del complejo arquitectónico de Artz Pedregal –desarrollado y diseñado por Sordo Madaleno Arquitectos– y que se trasladarán, más adelante, a otros espacios en la República Mexicana. En total armonía, el museo Arte Abierto se sitúa al centro, en una especie de gran terraza en el segundo piso del centro comercial. El espacio dedicado a las exposiciones temporales es una gran estructura arquitectónica, una especie de contenedor rectangular a lo alto, por sus dimensiones, diseñado expresamente para proyectos de arte contemporáneo y rodeado de jardines y caminos. Por otra parte, el proyecto Arte Abierto aloja de manera permanente tres piezas al aire libre: una corresponde a Daniel Buren, De la rotonda de la fuente. Cinco colores para México; del afamado Ai Weiwei, hay una escultura llamada Forever (referida a un conjunto de bicicletas); y de Tania Candiani, Kiosko sonoro. Obras prestadas, proyectos de sitio específico para espacios abiertos e intervenciones de carácter arquitectónico semi-permanente. Este resulta un lugar ideal para obra

En pleno corazón del barrio de Tacubaya se ubica un espacio multifacético que sorprende a vecinos y extraños: Mártires de la Conquista. Así como la peculiaridad del nombre retomado de la calle donde se encuentra, se trata de un objeto arquitectónico resignificado y revitalizado por un grupo de jóvenes emprendedores. Mártires de la Conquista fue en su momento una imprenta, de la que aún queda rastro y funciona en parte (hay máquinas y operadores en algunos turnos). No obstante, el trabajo de sus fundadores ha sido detonar actividades creativas y convertir el inmueble prácticamente en una hoja en blanco para la “acción cultural”, en el más amplio sentido. No solo se involucra a artistas, sino también a la propia comunidad vecina. Así, el espacio busca explotar la creatividad en diversos sentidos: desde un lugar para la realización de una sesión de fotografía (Vogue México lo utilizó para una sesión con la bailarina Elisa Carrillo), pasando por un espacio para realizar y exponer instalaciones (como lo fue 12 horas, en el contexto de Open House CDMX); muestras y subastas de arte, obras de teatro, talleres (pintura, tipografía, fotografía análoga), proyecciones de cine, hasta la posibilidad de realizar una fiesta. Incluso actualmente pueden rentarse estudios, sobre todo para la actividad plástica. La edificación, orgánicamente dividida en secciones, da la impresión de ser una gran bodega, un taller o el comedor de una casa abandonada. Algunos vestigios d