Jesús Chavarría

Muy pocas obras como esta han logrado reflejar el drama sobre el que se sustenta el emblemático personaje de Superman, con todos sus matices, anacronismos y las implicaciones de ser el representante por excelencia del concepto del superhéroe, ese que surgió como una proyección del ideal al que aspiraba el ser humano, tanto físicamente como en estatura moral, y al cual aquí le otorgan un nuevo sentido mientras le rinde homenaje. Y es que esta historia escrita por Grant Morrison, que viene acompañada de las evocadoras ilustraciones llenas de luz y colores vibrantes realizadas por Frank Quitely –ambos artistas responsables del estupendo cómic AW3–, explora con seductora parsimonia los distintos matices de la soledad inherente al heroísmo, a través de quien como sobreviviente de un mundo extinto y afanado en proteger un planeta al que nunca pertenecerá por completo, al saber que pese a sus poderes extraordinarios está muriendo de forma acelerada, apuesta por una melancólica resignación para luego buscar darle utilidad a su estoicismo. Quizás el único pero sea que su alter ego, es decir, Clark Kent, por momentos sea disminuido al extremo con su personalidad que raya en lo pusilánime y hasta en lo ridículo y sin el toque de humor que pudiera aligerar las situaciones. Sin embargo se trata de una obra maestra con un tratamiento adulto, y no porque tenga algún grado de violencia o por lo gráfico y oscuro que pudieran ser sus imágenes –nada más alejado de la realidad–,

En contraste con la de Supermán, la muerte de Batman comúnmente conocida como ¿Que le pasó al Vengador enmascarado? no es tan referida como debiera. Quizás porque no es tan espectacular, pero a final de cuentas es lo que corresponde. Se trata de la despedida de un ser que decidió ser la conciencia ajustadora de cuentas de una ciudad, que con cada acción reivindicó el espíritu marginal e hizo de la clandestinidad su mayor aliada.  Tenía que ser así, íntima e introspectiva, con la épica trágica ahogándose en el misterio mientras los villanos y aliados del encapotado cuentan su propia versión del como murió en relatos que rompen los límites entre las diferentes variantes de ellos mismos, provenientes de distintas realidades que para este único evento funeral confluyen en el tristemente célebre Callejón del Crimen. Todo entre romances enfermizos y distintos niveles de locura y obsesión que, irónicamente, son lo que le da sentido al trance patológico y la extravagancia teatral que define el universo al que pertenecen, el de Ciudad Gótica.  Te podría interesar: Lánzate a la carrera temática de El Caballero de la Noche en Coyoacán Por supuesto nadie mejor para narrar esta, o más bien estas historias, en compañía de los trazos de Andy Kubert que se da a la tarea de homenajear las formas en que el personaje ha sido representado por diferentes artistas, que el mismísimo Neil Gaiman, quien además se da el lujo de culminar llevándolo todo a los terrenos que más le gustan, los de la fanta

El concepto de los cazadores de monstruos aquí es revitalizado no solo por sus apuntes espeluznantes al steampunk y una narrativa salvaje que no da respiro, sino al tener de  personajes centrales a una familia del Harlem de los años 20 heredera de una larga tradición de combatir seres sobrenaturales o curar almas, pero separados a causa de lo dispar de sus métodos, y cuyas andanzas son parte de una ucronía donde los apuntes a hechos históricos son fugaces pero contundentes a la hora de darle forma a las motivaciones de los villanos y demás antagonistas. Menciones como la de la masacre perpetrada en Tulsa Oklahoma en 1921, se manifiestan como cicatrices que supuran miedo y resentimiento alimentado por el racismo, para terminar así de redondear una propuesta de horror social tan siniestro y retorcido como vertiginoso en el que se incluyen hombres lobos, infectados, demonios o similares, que nos recuerda películas de género que en los últimos años han calado hondo en el colectivo popular como ¡Huye! (2017), y novelas del tipo Territorio Lovecraft, la cual ya se convirtió también en una serie para la pantalla chica.  Foto:Cortesía Bitter Root La aventura presenta arquetipos clásicos, dígase el grandulón afable y algo bromista, el chico voluntarioso y el renegado amargado, que a partir de situaciones desesperadas apuntan al tema de la equidad de además de la necesidad de nuevos modelos de personaje, extendiendo una conversación muy acorde y necesaria con nuestros tiempos, por ej

"Snikt!" es la onomatopeya con la que representan el sonido que, como escalofriante resultado del choque entre metal y hueso, producirían las garras de adamantium al salir de los puños de Wolverine. Término que en este caso sirve de título para una breve aventura de dicho personaje, y que bien podemos tomarle como una analogía del concepto que nos presenta, resultado de la conjunción del cómic estadounidense y el manga, el cual fue parte de una serie de productos lanzados por Marvel a principios de este siglo, época en la que para la mayoría de los fans del ya mencionado estilo asiático eso era prácticamente un sacrilegio, pero que a final de cuentas fue solo parte del natural intercambio entre dos expresiones artísticas, y en términos generales aquí redundó en interesantes resultados. Te podría interesar: Daredevil, amor y guerra, la belleza que revela las almas atormentadas Sobre todo en lo que se refiere a la propuesta visual que explota desde las mismas portadas y contraportadas con viñetas sobre negro donde las figuras de rostros pálidos emergen cual si fuera manchones de tinta, entre escenarios que se materializan con pinceladas de colores asfixiantes, entregando secuencias recargadas, inquietantes y hasta terroríficas. Destaca además el dramático contraste en las atmósferas del mundo post apocalíptico en el que se desarrolla la acción, definidas por tonos naranjas para los exteriores que de ese modo lucen siempre hostiles e incandescentes, y azulados para las laberínti

Esta obra maestra protagonizada por el justiciero y abogado ciego conocido como Daredevil, además de representar la sugestiva asociación de uno de los guionistas clásicos y definitorios del personaje, el mismísimo Frank Miller (Sin City, Batman: The Dark Knight Returns) y su ímpetu disruptivo alimentado por el cine negro, con uno de los artistas cuyo estilo pictórico refrescara las tendencias visuales predominantes de los 80s, Bill Sienkiewicz -Elektra: Assassin, Voodoo Child: The Ilustrated Legend Jimi Hendrix-; fue uno de los mejores ejemplos de los alcances que podían tener los cómics de superhéroes, aún en ese momento menospreciados y catalogados como producto menor y destinado solo para niños.   Cortesía Se trata de un drama oscuro y desolador en forma de introspección cuyo desarrollo parte de la inquietud del monólogo interno, para luego irse retorciendo con los lineamientos de contención tomados del thriller, mostrando al diablo vigilante de Hell’s Kitchen prácticamente convertido en un ente urbano cuyo alter ego apenas existe; para así enfocarse en dimensionar con ironía de la tragedia personal de Wilson Fisk alias Kingpin y su amada Vanesa sumergida en la enfermedad, cuya personalidad producto del maltrato y la megalomanía solo en ella encuentra el alivio.  Esto va a la par con los devaneos de romanticismo enfermizo de otras almas perdidas en la criminalidad y factibles de convertirse en herramientas de los poderosos encumbrados en la corrupción, cuya percepción a

Aquí un ejemplo del Aquaman que nos gustaría ver en la pantalla grande, ese que más que solo un superhéroe es un personaje factible de múltiples y complejos acercamientos. Como en este caso que se nos presenta debatiéndose entre la nostalgia por un mundo terrestre lleno de cosas simples pero maravillosas, y su naturaleza que le reclama como habitante y emperador de un mundo acuático que seduce y atemoriza por igual, que consume los sueños y a veces se convierte en una pesada carga  Cortesía Panini Sin duda es el justo protagonista de la que es una historia de fantasía y ciencia ficción con un drama que empuja a desencantados cuestionamientos sobre la condición humana, mientras se afana en proyectar esa sensación de inquietud que provocan los misterios del océano. Vinculándola con la abrumadora profundidad del universo a través de la transgresión que representa el que las naciones terrestres hundan en sus aguas los restos de los cohetes usados para la exploración espacial, así como con el interés político, científico y militar que genera un posible primer contacto extraterrestre. Amén, de que esto llevara a la aparición del célebre Black Manta.    Para los diálogos cautos y melancólicos que entrega Ram V, la sugestiva compañía llega de la mano de Christian Ward, cuyas ilustraciones son de una belleza hipnotizante en secuencias donde los márgenes simulan la geometría dentro de los submarinos según sea el caso, dando como resultado una especie de vitrales incipientes que alime

Estamos ante uno de los mas interesantes y mejor logrados replanteamientos del concepto creado por los legendarios Stan Lee y Steve Ditko en 1962. No solo se trata de un simple What iff, sino de un amargo estudio de personaje que transita entre el terror y el drama sin reticencia a que la muerte se haga presente con suma violencia tanto física como emocional, terminando por darle un nuevo sentido al grado de tragedia que lleva a Spiderman a ser un héroe.  Es cierto que aquí una vez más el traje negro y el simbionte son el pretexto para ir detonando el lado más oscuro de su personalidad; sin embargo, la diferencia es que lo llevan con toda alevosía hasta sus últimas consecuencias para mostrarlo cometiendo actos irremediables que afectan a sus amigos, sus aliados y su familia, pero sobretodo contra supervillanos a los que como nunca antes vemos que son presas de la desesperación y el miedo, ni siquiera Kingpin escapa de la vorágine castigadora. Foto: Cortersía     Es esto lo que acentúa el estatus de paria del otrora buen arácnido, mientras recorre un camino aparentemente fácil aunque al borde del delirio, donde enfrenta obsesiones y errores que dimensionan verdades que hubiera preferido ignorar.    Foto: Cortersía Por si fuera poco el irreverente Chip Zdarsky -responsable de esa genial locura llamada Sex Criminal-, aprovecha las libertades creativas que ofrece el ser un What if para apostar por un desencantado tono de ironía que refrenda la idea de que todo se trata de de

La inquietud y despiadada reflexión consecuencia de que el hombre haga conciencia de su insignificancia ante el universo, aquí se ve reinterpretada con la mórbida transgresión que provoca el hacer valer las posibilidades de su lugar en el espacio profundo para además de buscar sobrevivir, trascender su circunstancia. En Solo los encontramos cuando están muertos de Al Ewing, también guionista del estupendo El Inmortal Hulk, nos plantea un futuro donde la humanidad tiene como principal fuente de recursos los gigantescos cadáveres de los Dioses que flotan impávidos en el espacio, dando pie a una variante de tétrica minería con comercio incluido, escarbando, cosechando y vendiendo carne y hueso. Es ahí donde una nave comandada por el frío capitán Malik, a quien le atormenta el peso de la culpa, decidirá romper las leyes dando el pretexto ideal para los afanes de venganza de una Agente de Guardia que le sigue los pasos, mientras sale en busca de lo aparentemente inalcanzable.  La propuesta visual del italiano Simone Di Meo, quien ha colaborado en títulos como Mighty Morphin Power Rangers/Teenage Mutant Ninja Turtles, definida por reflejos espectrales que se alargan en viñetas sobre fondos de lúgubre sobriedad y perspectivas marcadas por puntos de fuga que evidencian una soledad interminable sobre las que deambulan vehículos con aire a los usados en las antiguas guerras en la tierra, se conjuga con parcas conversaciones de desencantada alevosía y cinismo, para dar como resultado se

Las atmósferas de misterio y zozobra que logró proyectar el exitoso podcasts del mismo nombre y su sugestivo estilo traído de la tradición de la radionovela, son materializadas aquí a través de visiones de recalcitrante desolación y naturaleza hostil por donde deambula una comunidad consumida por el rezago y la marginalidad, que debido a una serie de asesinatos llama la atención de una agencia especial de investigaciones. Claro, tales hechos no tardan de relacionarlos con la aparente presencia de un viejo conocido con garras letales.  El armado conservador de las secuencias con que Marcio Takara da replica al guion de Benjamin Percy, que solo se permite exaltarse en el momento adecuado con alguna ilustración a gran tamaño e incluso sangrienta, ofrece una conveniente y fría contención para la inquietante elocuencia de figuras silueteadas sobre colores pálidos  que las consumen proyectando con las mustias pinceladas aportadas por el artista Matt Milla, lo inclemente de un lugar que pareciera perderse en el fin del mundo.  Estamos ante un thriller de envolvente parsimonia que no por ello es menos poderoso, el cual entre lo tribal e insano de los cultos y leyendas que se mezclan con el narcotráfico, la corrupción corporativa y el lado más oscuro de la cultura alrededor de las teorías de conspiración, explora las implicaciones de haber sido convertido en un arma viviente programada para servir de contundente herramienta sin memoria, alejándose de la espectacularidad con la que sue

A partir de la investigación encabezada por James Gordon, sobre el asesinato cometido aparentemente sin sentido por el Acertijo, la cual da pie a inquietantes interrogatorios, violentas pesquisas y sangrientos escapes, entregando de paso cruentas declaraciones que hacen referencia a joyas del mundo de las viñetas como Batman: Killing Joke, las cuales van más allá del simple fanservice, adquiriendo un fatídico peso dramático dentro de la trama; se desarrolla otro más de los acostumbrados y siempre interesantes acercamientos de Tom King a los rasgos patológicos latentes en la mitología de los superhéroes, en este caso la generada alrededor del vigilante de Ciudad Gótica, quien esta vez luce más despiadado, asqueado y enfermo que nunca. Yendo y viniendo entre su pasado escolar y de violencia familiar que detonó su obsesión por los enigmas que de ser su peor pesadilla pasan a ser su estilo de vida, y su presente de retorcidas y despiadadas manipulaciones que hacen de la coacción un sangriento mecanismo que cobra víctima tras víctima y empuja a sus oponentes a un callejón del que solo hallarán la salida si trastocan de forma irremediable sus principios y abandonan sus escrúpulos, es que aquí son expuestos los orígenes de quien es conocido como el Acertijo. Los trazos delgados que recorren como grietas las pinceladas granosas de color, sobre viñetas que se desdibujan como los límites entre la razón y la demencia, en secuencias recargadas que se pasman en ilustraciones a página comp

¡Qué forma tan envolvente y espeluznante de seguir las reglas del thriller! En este cómic dota de realidad a un clásico cuento de monstruos. En esta obra íntima se refiere a un tema de lamentable vigencia. En este caso, se ubica en los parajes de la América profunda, con sus prejuicios y vida rutinaria que pareciera atrapada en los anacronismos. Esta brutal pesadilla, escrita por James Tynion IV e ilustrada por Werther Dell’edera y Miquel Muerto, cuyos trazos se extienden como grietas para formar las figuras sobre fondos diluidos que contrastan escenarios pálidos con toques azulados y rojos espectrales, se escurre entre las sombras que a veces son las siluetas de árboles retorcidos. Lo que nos cuenta es el desentendimiento e incredulidad del mundo adulto hacia lo que los niños perciben, lo que los deja desamparados, convirtiéndolos en víctimas potenciales ante los peligros de nuestra época, representados por criaturas sobrenaturales que asesinan entre los recovecos de lo cotidiano. Mientras tanto, una organización secreta, no exenta de lo que implican los intereses políticos, los juegos de poder y las tradiciones oscuras, se empeña en seguirles la pista y destruirlos. Foto: Cortesía Planeta La sobriedad en el desarrollo, que sigue al pie de la letra las reglas del género, permite además presentar a una protagonista con todo el potencial para ganarse un lugar propio en el colectivo popular. Como hábil cazadora de las ya mencionadas criaturas asesinas, entre intensas pesquisa

Hablar dentro del universo Marvel sobre conceptos como la muerte y el infierno no es especialmente novedoso; sin embargo, cuando esto se hace a partir de la figura de Hulk, como todo lo que se relaciona con él, cobra otras colosales dimensiones. Y no solo nos referimos a la cuestión de su físico que luce cada vez más deforme luego de un fallido intento de suicidio de Banner que solo liberó el lado más cínico y sádico del monstruo, lo cual reconecta el concepto con su antecedente primario, El extraño caso del Doctor Jeky ll y Mr. Hyde; sino a las disertaciones que su naturaleza atormentada da pie y que nunca, como en esta ocasión en que transita entre visiones de demencial desasosiego por los parajes de un Nuevo México apocalíptico, son tratadas con todo el salvajismo de una introspección acorde a la furia que suele liberar.   Foto: Cortesía Panini Es así que, mientras desfilan hordas de espeluznantes criaturas y aparecen los espectros de personas importantes de su pasado, dígase Rick Jones y el General Ross, entre la impotencia para entender su maldición y que por primera vez exprese el sufrimiento que le provoca, surgen cuestionamientos sobre la razón del por qué a veces esta es vista como un don o llega a ser tolerada y hasta respetada. Si esto tiene relación con el estatus de su alter-ego como hombre blanco privilegiado, y también se pregunta si acaso no es una pequeña representación del lado ciego de Dios o incluso si es que este tiene su propio Hulk. Por supuesto, resu

No sonaba nada mal la idea de regresar a los monstruos clásicos y desarrollar un concepto en el que la interacción entre los mismos estuviese planeada con mucho mayor detalle y aprovechar el actual gusto del público por los universos cinematográficos. Sin embargo, luego de ver esta primera entrega, es evidente que no lo hicieron así y el llamado Dark Universe empezó con el pie izquierdo. En La Momia el director Alex Kurtzman —guionista de Transformers 1 y Transformers 2— nunca conjuga ni los distintos elementos de los que echa mano para la propuesta, ni los objetivos que pretende con ella. Así la película se debate entre el horror, la aventura, la acción y el cine de referencias, mientras bosqueja lo que habrán de ser las reglas —endebles— para las futuras entregas de la franquicia y termina casi por rayar en el humor involuntario; lo que quizás hubiera sido más interesante, si ese hubiera sido el plan desde el inicio, o al menos tuviera algo de encanto e ingenio. Por si lo anterior fuera poco, esta serie de inconsistencias, que incluyen personajes estereotipados como el de la coprotagonista y una buena cantidad de lugares comunes, no hacen sino acentuar la presencia de Tom Cruise siendo Tom Cruise, algo que suele funcionar cuando todo el asunto está puesto de inicio a su servicio como usual héroe de acción, pero este no es el caso. Estamos ante una producción con efectos especiales atractivos, entretenida medianamente pero que falla en sus pretensiones y cuya narrativa hace

Según estudios, tres de cada cien niños en nuestro país, tienen el potencial para convertirse en genios. Jeremías es uno de ellos, el problema es que como suele suceder con muchos otros talentos mexicanos, ni su familia, ni el sistema educativo, están preparados para, ya no digas impulsarlos, sino para entenderlos. Es así como el pequeño, luego de soportar la frustración y el bullying en la escuela, decide tomar las riendas de su corta vida y lanzarse a la búsqueda de darle un objetivo decidiendo qué quiere ser de grande. Esa es la premisa de esta simpática comedia escrita por Ana Sofía Clerici y dirigida por Anwar Safa, que transpira frescura y se convierte en una muy agradable sorpresa. Y es que además de lucir una estilizada propuesta visual, el director apuesta por delinear personajes de una simpleza encantadora, que a través de diálogos ingeniosos pero no rebuscados, hilvanan un inteligente y algo sarcástico – y por lo mismo más disfrutable– acercamiento a un tema pocas veces atendido. Es cierto, el discurso crítico no termina de ser contundente, pero nunca cae en la frivolidad, amén de que transcurre con agilidad. A destacar la espontaneidad que logran las interpretaciones, sobre todo la del niño protagonista (Martín Castro) y su madre (Karem Momo) que son bien apoyadas por la sutileza y eficacia acostumbrada de actores como Daniel Giménez Cacho y, por supuesto, el innegable oficio de la ya célebre Isela Vega. Sin duda, El Jeremías, es la mejor lograda de las comedias m