Ka Penichet

Los teatros de Madrid acogen los espectáculos más importantes del panorama español. Desde grandes musicales hasta representaciones independientes, desde los teatros más bonitos de Madrid, las representaciones del Centro Danza Matadero, monólogos, la cartelera de capital está en constante renovación. Para que no te pierdas nada, hemos seleccionado los espectáculos que debes ver en la capital. Horarios, precios, sinopsis… ¡entérate de todo! RECOMENDADO: Las mejores exposiciones de la ciudad  

Hay veranos en los que el teatro parece salir de los edificios porque dentro ya no cabe. No por exceso de público, aunque ojalá fuera siempre por eso, sino porque ciertas palabras necesitan piedra antigua, aire caliente, campanas lejos, murallas, plazas y esa oscuridad azulada de julio que hace que todo parezca un poco más serio. Este 2026, la ruta teatral española vuelve a proponer algo más que una agenda de festivales. Propone una manera de mirar el país: desde sus ruinas, sus patios, sus castillos, sus ciudades monumentales y esos escenarios al aire libre en los que un verso bien dicho puede cortar la respiración. El conjunto de estos siete festivales dibuja un verano teatral generoso, ambicioso y, por momentos, muy emocionante. Almagro custodia el verso barroco con una mezcla de respeto y curiosidad. Olmedo lo acerca al oído. Escenario Patrimonio convierte la comunidad en mapa sensible. Escenas de Verano recuerda que la cultura también se construye desde la cercanía. Peñíscola mira al clásico desde una roca frente al mar. Olite le da un aire de cuento inquieto. Mérida se sienta sobre la piedra romana y vuelve a preguntarnos por el destino.  RECOMENDADO: Festivales de pequeño formato para una escapada musical en plena naturaleza

Hay obras que se quedan dentro durante años. A mí me ocurrió en octubre de 2021 con 'Hilda Peña', cuando se presentó en la sala Nueve Norte. Salí con esa sensación rara de haber visto algo verdadero. Sin alardes. Sin humo. Un texto preciso, doloroso, lleno de humanidad, sostenido por una interpretación que entendía que la emoción funciona mejor sin adornos. Desde entonces he pensado muchas veces que aquella pieza merecía seguir viajando, encontrar otros públicos, otras ciudades y otras conversaciones. Por eso la llegada de Chilescénicas 2026, primera edición de un festival dedicado a la creación escénica chilena contemporánea en Madrid, tiene algo de buena noticia y de justicia poética. Del 7 al 30 de mayo, las salas Nave 73 y El Umbral de Primavera acogerán cinco propuestas (cuatro teatrales y una de danza/performance) además de un taller impartido por Ramón Griffero, una figura capital del teatro iberoamericano reciente. El proyecto que no nace desde el escaparate institucional sino desde la necesidad El festival está impulsado por Jéssica Huerta y Ricardo Goñi, artistas chilenos afincados en Madrid que conocen bien lo que supone crear lejos del lugar de origen. Y quizá ahí está una de las claves del proyecto que no nace desde el escaparate institucional sino desde la necesidad. La necesidad de generar comunidad, de dar espacio a dramaturgias poco visibles aquí y de conectar escenas que comparten idioma pero no siempre circuitos. Madrid presume, con razón, de cartelera amp

Hay festivales que nacen con una idea clara y otros que se van encontrando a sí mismos con el tiempo. En el caso de Teatralia, probablemente han ocurrido ambas cosas. Lo que empezó hace tres décadas como una apuesta de la Comunidad de Madrid por acercar las artes escénicas a la infancia y la juventud se ha convertido, con los años, en una referencia internacional para las artes escénicas dirigidas a todos los públicos. Este 2026 el Festival Internacional de Artes Escénicas para Todos los Públicos de la Comunidad de Madrid celebra su trigésima edición y lo hace con una programación que, de alguna manera, resume su historia: diversidad de lenguajes, una fuerte presencia internacional y una curiosidad constante por las nuevas formas escénicas. Del 6 al 29 de marzo, 29 compañías procedentes de 11 países presentarán 30 espectáculos repartidos entre la capital y 17 municipios de la región. El teatro para la infancia y la juventud puede ser también un territorio de riesgo, de belleza y de experimentación En tres décadas, por Teatralia han pasado casi 400 compañías extranjeras y más de 300 españolas, se han presentado alrededor de mil espectáculos y se han celebrado más de seis mil funciones en cerca de un centenar de espacios escénicos. Son cifras que impresionan, sí, pero lo verdaderamente significativo es otra cosa: la sensación, compartida por muchos espectadores que crecieron con el festival, de que el teatro para la infancia y la juventud puede ser también un territorio de rie

Del 12 de febrero al 1 de marzo, los Teatros del Canal vuelven a convertirse en un territorio fértil para el circo contemporáneo con la II edición de Riesgo, un festival joven, apenas va por su segundo asalto, pero con una idea muy clara de lo que quiere ser. No tanto una muestra de "lo mejor del circo actual" (esa frase ya nos la sabemos), sino un espacio donde el circo se cruza sin complejos con otras disciplinas, se contamina de teatro, danza, música, pensamiento, y se atreve a mirar de frente sus propias contradicciones. Riesgo se consolida este año como una apuesta decidida por un público juvenil y adulto, dispuesto a dejarse sacudir. Un público que no busca necesariamente el aplauso fácil ni el virtuosismo vacío, sino experiencias que se sostengan desde el cuerpo, la imagen y la inteligencia. Un festival que crece hacia dentro Si la primera edición funcionó como una especie de carta de presentación, esta segunda entrega afina el tiro. "Queríamos profundizar", explica su directora artística Eva Luna García-Mauriño, "ver cómo el circo se construye hoy desde la hibridación, cómo dialoga con otras artes y cómo ese cruce genera nuevas dramaturgias". Y eso se nota en una programación que no se dispersa: seis espectáculos de cinco países (España, Bélgica, Francia, Suiza y Canadá), todos con una identidad muy marcada, que basculan entre lo íntimo y lo expansivo, entre la crudeza y la adrenalina. Hay algo común a todas las propuestas: el deseo de contar. No de exhibir destreza,

Hay años en los que las artes escénicas parecen alinearse para ofrecernos algo más que programación: una especie de cartografía emocional de nuestro tiempo. 2026 es uno de esos años. En Madrid se asoman a la temporada estrenos de grandes nombres, versiones esperadísimas, revisiones de textos fundamentales, retornos míticos, ópera contemporánea, danza radical y pequeñas joyas capaces de sacudirnos como solo el teatro vivo puede hacerlo. De Lorca a Unamuno, pasando por el multiverso de Nick Payne, la mirada radical de La Zaranda, el circo contemporáneo expansivo de Oriol Pla, la sensibilidad de Alberto Conejero, la primera ópera de Nao Albet y Marcel Borràs o la poesía escénica de Romina Paula, 2026 se presenta como un año imprescindible para quien disfrute del teatro como lugar de pensamiento, emoción y memoria. Aquí va una selección de lo que no queremos perdernos, pieza a pieza, para que puedas planificar tu calendario cultural con tiempo (y sin quedarte sin entradas, que con varios de estos títulos será difícil). RECOMENDADO: Todos los espectáculos que tienes que ver en Madrid: teatro, musicales, danza, circo... Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Hay funciones que se miden por el silencio con el que termina el aplauso. Otras, por las conversaciones que provocan al encenderse las luces de la sala. Con 'Las que gritan' me ocurrió esto último. Apenas había salido del Teatro Maravillas cuando escuché a una espectadora resumir la experiencia con una frase espontánea: "¡La vida misma!". No creo que exista una definición más acertada de la propuesta de Antonio Rincón-Cano y José María del Castillo. La obra parte de una reunión familiar aparentemente sencilla. Tres hermanas acuden a la llamada de su madre, una mujer que, tras enviudar, ha decidido romper con la imagen que todos tenían de ella. Cambia las normas, se sube a una Harley, quiere lanzarse en paracaídas y, sobre todo, vivir sin pedir permiso. A partir de ahí comienza una sucesión de confesiones, reproches, recuerdos y reconciliaciones que cualquiera puede reconocer, porque todas las familias esconden conversaciones pendientes que nunca encuentran el momento adecuado para salir. La propuesta se mueve con comodidad entre la comedia y la emoción. El humor ocupa buena parte de la función y conecta de inmediato con el público. De hecho, pocas veces se escucha un patio de butacas tan entregado a la risa durante prácticamente toda la representación. Las carcajadas aparecen con naturalidad, sin forzar el chiste, gracias a situaciones reconocibles y a unos personajes que cualquiera podría identificar con alguien de su propia familia. Quizá ahí esté la principal fortaleza del

Hay momentos de 'Bestias' en los que una se descubre encogida en la butaca. No por el impacto fácil ni por la violencia explícita, sino por la cercanía con la que Carla Novi obliga a mirar ciertas heridas. Su nueva pieza deja una extraña mezcla de angustia y ternura que acompaña bastante tiempo después de salir del teatro. Quienes hayan seguido el recorrido de la creadora mexicana reconocerán enseguida algunas constantes de su trabajo. Si en 'Luchadoras' ponía el foco en la violencia machista y en 'RarEs' exploraba las identidades disidentes a través del universo 'drag king', en esta nueva pieza la mirada se desplaza hacia un territorio más incómodo. Novi ya no pregunta qué ocurre con las víctimas, sino qué sucede con aquellos cuerpos que la sociedad decide señalar como monstruosos. La pregunta es arriesgada y, precisamente por eso, resulta estimulante. La historia parte de un preso condenado a cadena perpetua y de la relación con su hermana gemela, una exbailarina marcada por una lesión que truncó su carrera. Entre ambos se instala una especie de danza emocional hecha de reproches, recuerdos, humor inesperado y una ternura que aparece cuando menos se espera. La pieza, que podría haberse convertido en un discurso moral, acaba transitando un camino mucho más interesante, el de las contradicciones. Diana, la hermana de Nico le hace una propuesta: participar en un programa experimental donde la danza se usa para canalizar la agresividad. Detrás, un antropólogo escocés llamado Ju

Hay funciones de las que una sale pensando en la puesta en escena, en el texto o en una interpretación brillante. Y luego están las que te obligan a sentarte un rato antes de volver a casa porque todavía sigues removida por dentro. A mí me pasó con Soledad. Vida y obra de mi abuela, el unipersonal de Selu Nieto que puede verse estos días en el Teatro Lara. Selu toca lugares muy delicados. Habla de la depresión, del duelo, de la culpa, de la ansiedad y de esa generación de mujeres que nunca tuvieron tiempo para preguntarse cómo estaban porque siempre había una casa que atender y alguien a quien cuidar. Sobre el escenario aparece Soledad, la abuela del actor. Pero, en realidad, también aparece Yaya, mi abuela. Y sospecho que la de buena parte del público. Porque detrás de esa mujer andaluza que friega, cocina, se preocupa por todos y se olvida sistemáticamente de sí misma, reconocemos a tantas abuelas españolas que crecieron sin estudios, trabajando desde niñas y sosteniendo familias enteras con una fuerza que hoy sigue resultando difícil de comprender. Yo nací en Canarias y, sin embargo, todo ese costumbrismo que atraviesa la función me resultó profundamente familiar. Cambian algunos acentos, algunas comidas o ciertos nombres, pero el paisaje emocional es exactamente el mismo. Mientras escuchaba a Soledad hablar por teléfono, preguntar si habías comido o preocuparse por los suyos, era imposible no pensar en mi propia abuela. Cuando me vine a vivir a Madrid la llamaba todos los

Llegué al Teatro Valle-Inclán y antes siquiera de entrar a sala ya había algo incómodo flotando en el ambiente. En el hall, entre elementos de escenografía teñidos de un azul turquesa muy presente, aparecía una pregunta escrita que funcionaba como una advertencia suave y también como una invitación: "¿Qué es el colonialismo para ti?". Quien conozca el trabajo de The Cross Border Project sabe que Lucía Miranda acostumbra a abrir ese tipo de grietas antes de que empiece la función. Ya ocurría en 'Fiesta, Fiesta, Fiesta' o en 'Casa'. Aquí vuelve a hacerlo, pero con una puntería especialmente delicada. Ese azul turquesa me acompañó durante toda la función. A mí me llevaba constantemente al mar de Filipinas, a esa idea de travesía, de distancia, de isla y memoria. Después supe que Miranda buscaba precisamente un color desplazado de la realidad, algo menos naturalista, casi mágico, como si la selva filipina hubiese sido atravesada por un filtro extraño. Y funciona. Hay algo onírico en la propuesta visual que convive muy bien con el caos emocional de la obra. Porque 'Las últimas' tiene bastante de caos del bueno, del que obliga a recolocarte continuamente en la butaca. El arranque me golpeó de lleno. Belén Ponce de León aparece y se presenta como la Matria. Tiene cáncer. Un cáncer agresivo, en grado 4. La metáfora del colonialismo entrando en el cuerpo como enfermedad podría sonar demasiado evidente sobre el papel, pero dicha así, casi sin protegerse, llega como un puñetazo seco en

Hay un momento muy bonito en 'Guayominí' en el que Roi recuerda cómo veía Eurovisión con su madre y su hermana desde el salón de casa, jugando a repartir puntos entre países mientras sonaba Madonna de fondo y la vida todavía parecía algo sencillo. La escena dura apenas unos minutos, pero ahí está condensada buena parte de lo que propone la función de Laura Garmo y Pablo Martínez Bravo: hablar del éxito y del fracaso desde un lugar profundamente doméstico. Quitarle solemnidad al mito de la estrella para devolverlo al comedor familiar, a la habitación donde uno canta solo, a esa necesidad un poco absurda y muy humana de que alguien nos mire y diga "vas bien". La obra parte de una imagen poderosa. Un cantante español, Roi, se queda en blanco durante tres segundos durante su actuación en Eurovisión. Tres segundos que separan la gloria del meme nacional. El referente inevitable es el de Manel Navarro, aunque nunca se le nombre, el eco está ahí. Ese joven convertido de pronto en fenómeno nacional, triturado después por el mismo mecanismo que primero lo elevó. La obra toma claramente elementos de aquel episodio doloroso y los transforma en otra cosa más amplia, un relato sobre la industria del entretenimiento, la precariedad emocional y la velocidad salvaje con la que hoy fabricamos ídolos para después abandonarlos. 'Guayominí' tiene la inteligencia de no convertir aquello en caricatura ni en ajuste de cuentas. Lo que hace es algo más interesante. Toma ese episodio reconocible de la

Era lógico abrir el festival con 'Hilda Peña', de Isidora Stevenson, una autora de enorme sensibilidad para escribir desde lo íntimo sin perder el contexto político. La historia sucede en la Navidad de los años noventa. Hilda es peluquera, madre y mujer trans. Mientras prepara el almuerzo escucha por televisión la noticia de un tiroteo en un banco del barrio alto. Todavía no sabe que una de las víctimas es su hijo, el muchacho al que no parió, pero sí recogió, crió y quiso. Dicho así parece una tragedia cerrada, pero la obra va por otro camino. Lo que conmueve no es el golpe de efecto argumental, sino cómo esa voz reconstruye una vida hecha de contradicciones, de ternura áspera, de supervivencia y orgullo. Stevenson escribe sin sentimentalismo. Vi aquella versión madrileña de 2021 dirigida por Romina Gutiérrez e interpretada por Javier Ubilla, y sigo recordando la precisión con la que el personaje se iba armando ante nosotros. Como si cada frase colocara una pieza nueva del rompecabezas. Si esta nueva oportunidad conserva esa verdad escénica, estamos ante una cita imprescindible del festival. Además, 'Hilda Peña' tiene algo que pocas obras consiguen: habla de maternidad, de género, de clase y de memoria histórica sin parecer una tesis dramatizada. Simplemente pone a una mujer delante del público y la deja hablar. A veces basta con eso.

Hay creaciones que dialogan con los clásicos desde la reverencia. 'Otra Primavera', de La Merce Matus y Alan Ibáñez, hace lo contrario, entra en ellos para agitarlos. El punto de partida es 'La consagración de la primavera' de Stravinsky, pieza sísmica de la historia de la música y la danza. Pero aquí no se trata de reproducirla ni citarla con solemnidad sino que abre melones como ¿qué cuerpos quedaron fuera de aquel imaginario? ¿Quién era sacrificado? ¿Quién tenía derecho a representar lo humano, lo natural, lo deseable? La propuesta se sitúa en un cuerpo disidente que ocupa el centro de la escena y desde ahí desmonta la lógica del sacrificio, del mandato reproductivo y de las categorías fijas. Hay algo muy estimulante en esa operación, apropiarse de un gran monumento cultural para poner en cuestión los valores que lo sostuvieron. También es importante que Chilescénicas incluya una pieza donde la danza y la performance entren en juego. El teatro chileno contemporáneo lleva tiempo trabajando en zonas híbridas, y esta obra parece asumirlo con libertad. Será una de las funciones más observadas por quienes siguen nuevas tendencias escénicas.

Entre tanta discusión sobre identidad nacional, fronteras y pertenencia, aparece 'Era una vez un bosque', una obra de teatro documental que prefiere hablar desde la biografía concreta. Tres intérpretes procedentes de distintos territorios de Chile ponen en escena relatos personales que conectan origen, migración y memoria. El hallazgo conceptual está en relacionar esas vidas con árboles nativos: raíces humanas y raíces botánicas como espejo mutuo. Puede sonar delicado, incluso peligroso si se tratara con exceso de poesía. Pero por lo que revela su dossier, la pieza trabaja desde materiales reales, testimonios y archivos. Eso le da peso. Y permite pensar el bosque no como decorado romántico, sino como territorio arrasado, memoria viva, lugar perdido. En una ciudad como Madrid, hecha de llegadas constantes, esta función puede tocar fibras muy distintas. Quien migró reconocerá algo. Quien no, quizá también. Todos venimos de algún sitio, aunque a veces lo olvidemos.

Una de las apuestas más contundentes del festival será 'Edmundo', escrita, dirigida e interpretada por Ernes Orellana. La pieza parte del caso de Edmundo Rodríguez, considerada la primera víctima mortal del Sida en Chile en 1984, y desde ahí reconstruye una memoria quebrada por el estigma, el miedo y el borrado social. Orellana trabaja desde la autoficción, la performance y el activismo queer. No busca ilustrar una época, busca discutir el presente. Porque el VIH sigue cargando silencios, prejuicios y desinformación. Y porque cada vez que los discursos autoritarios regresan, también regresan ciertas violencias sobre los cuerpos. Hay artistas que convierten el escenario en tribuna y otros que lo convierten en altar narcisista. Orellana parece ir por otro sitio usando el cuerpo propio como archivo político. Eso puede resultar incómodo, y mejor así. El teatro no está para dejarnos tranquilas todo el tiempo.

La programación se cierra con 'Demolición', de Héctor Freire y Teatro La Letra Rota, un monólogo protagonizado por una mujer encerrada en su piso mientras se acerca la demolición del edificio. La imagen es poderosa. Y bastante reconocible. La vivienda convertida en amenaza, el hogar como espacio inestable, la mente erosionada por un mundo que exige rendimiento constante. El texto se adentra en eso que algunos llaman capitalismo digital y que muchos experimentan como cansancio crónico, ansiedad difusa y la sensación de llegar siempre tarde. Freire incorpora referencias teóricas, pero lo relevante será ver cómo se traducen en escena. Si encuentra forma teatral para ese malestar, puede ser una de las sorpresas del ciclo. Porque hablar del presente inmediato siempre entraña riesgo, todavía no tenemos distancia, todavía nos está pasando.

Salir de esta función con la tentación de contarla es casi inevitable. Y, sin embargo, hacerlo sin destriparla se convierte en un pequeño ejercicio de contención, casi de ética, que una no siempre logra dominar. Me acordé, mientras bajaban las luces, de aquella frase de 'Grandes esperanzas': "No voy a contar la historia al pie de la letra, la contaré como yo la recuerdo…". Quizá sea la forma más honesta de acercarse a lo que aquí ocurre, porque asumir que lo que una ha visto no es exactamente lo que otro verá, ni siquiera lo que volverá a ver si repite. La pieza se presenta, en apariencia, bajo una estructura reconocible: una conferencia sobre la mentira, un coloquio posterior en el que se analiza lo que acabamos de ver, y un concierto que vuelve a insistir, o a dinamitar, esa misma idea. Pero pronto se entiende que todo está levemente desplazado. No es exactamente una conferencia, ni un coloquio, ni un concierto. Es, si acaso, una especie de simulacro consciente de serlo, una pseudoconferencia, un pseudodebate, un pseudoconcierto que se permiten el lujo de no responder ante nadie más que ante su propio juego. La pregunta aparece sin avisar: ¿quién tiene el control del relato? Y ahí empieza lo interesante. Porque la obra no solo habla de la mentira, la practica, la exhibe, la desmonta… y la vuelve a montar delante de tus ojos sin pedir permiso. Hay un momento (no diré cuál, por puro respeto a quien aún no la haya visto) en el que una anécdota situada en octubre de 2006 parec

Estos días puede verse en el Teatro Fernán Gómez esta versión de '1984' que firman Carlos Martínez Abarca y Javier Sánchez Collado. Hacía tiempo que no sentía tanta incomodidad física y tanta tensión en una butaca. La propuesta de Escorzo Teatro, con dirección de Carlos Martínez-Abarca, no busca reinventar el texto de George Orwell, ni falta que le hace. Más bien lo toma con una seriedad poco habitual, sin ironías ni guiños contemporáneos obvios, y confía en que la palabra, y lo que esa palabra despierta, haga su trabajo. Y vaya si lo hace. Porque una entra sabiendo lo que va a ver, pero no necesariamente preparada para lo que va a sentir. Desde el principio, la atmósfera es densa, casi irrespirable. Hay algo en ese espacio, en los materiales, en cómo se disponen, en cómo los cuerpos se relacionan con ellos, que genera rechazo y atracción a partes iguales. No es una escenografía que quiera gustar; es una que incomoda. Y ahí está uno de los mayores aciertos del montaje, entender que '1984' no puede ser bonita, ni siquiera sugerente. Tiene que ser áspera. Y lo es. No es una escenografía que quiera gustar; es una que incomoda Los cuatro intérpretes sostienen un dispositivo exigente, en el que los cambios de rol, de energía y de registro son constantes. David Lázaro construye un Winston frágil pero obstinado, alguien que parece a punto de quebrarse en cualquier momento y quizá por eso mismo resulta tan reconocible. Frente a él, Javier Ruiz de Alegría compone un O’Brien inquietant