Ka Penichet

Hay festivales que nacen con una idea clara y otros que se van encontrando a sí mismos con el tiempo. En el caso de Teatralia, probablemente han ocurrido ambas cosas. Lo que empezó hace tres décadas como una apuesta de la Comunidad de Madrid por acercar las artes escénicas a la infancia y la juventud se ha convertido, con los años, en una referencia internacional para las artes escénicas dirigidas a todos los públicos. Este 2026 el Festival Internacional de Artes Escénicas para Todos los Públicos de la Comunidad de Madrid celebra su trigésima edición y lo hace con una programación que, de alguna manera, resume su historia: diversidad de lenguajes, una fuerte presencia internacional y una curiosidad constante por las nuevas formas escénicas. Del 6 al 29 de marzo, 29 compañías procedentes de 11 países presentarán 30 espectáculos repartidos entre la capital y 17 municipios de la región. El teatro para la infancia y la juventud puede ser también un territorio de riesgo, de belleza y de experimentación En tres décadas, por Teatralia han pasado casi 400 compañías extranjeras y más de 300 españolas, se han presentado alrededor de mil espectáculos y se han celebrado más de seis mil funciones en cerca de un centenar de espacios escénicos. Son cifras que impresionan, sí, pero lo verdaderamente significativo es otra cosa: la sensación, compartida por muchos espectadores que crecieron con el festival, de que el teatro para la infancia y la juventud puede ser también un territorio de rie

Del 12 de febrero al 1 de marzo, los Teatros del Canal vuelven a convertirse en un territorio fértil para el circo contemporáneo con la II edición de Riesgo, un festival joven, apenas va por su segundo asalto, pero con una idea muy clara de lo que quiere ser. No tanto una muestra de "lo mejor del circo actual" (esa frase ya nos la sabemos), sino un espacio donde el circo se cruza sin complejos con otras disciplinas, se contamina de teatro, danza, música, pensamiento, y se atreve a mirar de frente sus propias contradicciones. Riesgo se consolida este año como una apuesta decidida por un público juvenil y adulto, dispuesto a dejarse sacudir. Un público que no busca necesariamente el aplauso fácil ni el virtuosismo vacío, sino experiencias que se sostengan desde el cuerpo, la imagen y la inteligencia. Un festival que crece hacia dentro Si la primera edición funcionó como una especie de carta de presentación, esta segunda entrega afina el tiro. "Queríamos profundizar", explica su directora artística Eva Luna García-Mauriño, "ver cómo el circo se construye hoy desde la hibridación, cómo dialoga con otras artes y cómo ese cruce genera nuevas dramaturgias". Y eso se nota en una programación que no se dispersa: seis espectáculos de cinco países (España, Bélgica, Francia, Suiza y Canadá), todos con una identidad muy marcada, que basculan entre lo íntimo y lo expansivo, entre la crudeza y la adrenalina. Hay algo común a todas las propuestas: el deseo de contar. No de exhibir destreza,

Hay años en los que las artes escénicas parecen alinearse para ofrecernos algo más que programación: una especie de cartografía emocional de nuestro tiempo. 2026 es uno de esos años. En Madrid se asoman a la temporada estrenos de grandes nombres, versiones esperadísimas, revisiones de textos fundamentales, retornos míticos, ópera contemporánea, danza radical y pequeñas joyas capaces de sacudirnos como solo el teatro vivo puede hacerlo. De Lorca a Unamuno, pasando por el multiverso de Nick Payne, la mirada radical de La Zaranda, el circo contemporáneo expansivo de Oriol Pla, la sensibilidad de Alberto Conejero, la primera ópera de Nao Albet y Marcel Borràs o la poesía escénica de Romina Paula, 2026 se presenta como un año imprescindible para quien disfrute del teatro como lugar de pensamiento, emoción y memoria. Aquí va una selección de lo que no queremos perdernos, pieza a pieza, para que puedas planificar tu calendario cultural con tiempo (y sin quedarte sin entradas, que con varios de estos títulos será difícil). RECOMENDADO: Todos los espectáculos que tienes que ver en Madrid: teatro, musicales, danza, circo... Clica aquí si quieres más información sobre nuestros estándares editoriales y nuestras directrices éticas para crear este contenido.

Estos días puede verse en el Teatro Fernán Gómez esta versión de '1984' que firman Carlos Martínez Abarca y Javier Sánchez Collado. Hacía tiempo que no sentía tanta incomodidad física y tanta tensión en una butaca. La propuesta de Escorzo Teatro, con dirección de Carlos Martínez-Abarca, no busca reinventar el texto de George Orwell, ni falta que le hace. Más bien lo toma con una seriedad poco habitual, sin ironías ni guiños contemporáneos obvios, y confía en que la palabra, y lo que esa palabra despierta, haga su trabajo. Y vaya si lo hace. Porque una entra sabiendo lo que va a ver, pero no necesariamente preparada para lo que va a sentir. Desde el principio, la atmósfera es densa, casi irrespirable. Hay algo en ese espacio, en los materiales, en cómo se disponen, en cómo los cuerpos se relacionan con ellos, que genera rechazo y atracción a partes iguales. No es una escenografía que quiera gustar; es una que incomoda. Y ahí está uno de los mayores aciertos del montaje, entender que '1984' no puede ser bonita, ni siquiera sugerente. Tiene que ser áspera. Y lo es. No es una escenografía que quiera gustar; es una que incomoda Los cuatro intérpretes sostienen un dispositivo exigente, en el que los cambios de rol, de energía y de registro son constantes. David Lázaro construye un Winston frágil pero obstinado, alguien que parece a punto de quebrarse en cualquier momento y quizá por eso mismo resulta tan reconocible. Frente a él, Javier Ruiz de Alegría compone un O’Brien inquietant

Hay algo profundamente reconocible, y a la vez incómodo, en Borde[R], la nueva pieza de la Compañía del Sr. Smith que regresa estos días a la Sala Cuarta Pared. Una entra pensando que va a reírse (y se ríe, vaya si se ríe), pero sale con una sensación más difícil de nombrar. Como cuando te das cuenta, ya en frío, de que quizá aquella vez te enfadaste más de la cuenta. O muchas más. Yo la vi en su estreno en el festival SURGE Madrid y, curiosamente, la memoria que me ha quedado no es la de una obra cerrada, sino la de una experiencia que se te queda adherida, como ese zumbido leve que no sabes muy bien de dónde viene. Ahora, en esta nueva temporada, esa sensación sigue ahí, quizá más afinada, más consciente de sí misma. La premisa es sencilla, casi doméstica: un conflicto en una oficina de registro del Ayuntamiento. Gente que discute, que se empuja, que pierde los papeles. Y, sin embargo, lo que hace Pedro Casas no es contarnos qué ha pasado, sino por qué hemos llegado hasta ahí. Y ese "hemos" no es casual. La obra tiene algo de espejo deformante, pero no tanto por la exageración como por la cercanía. Es fácil reconocerse en esos personajes que, poco a poco, van desgranando sus pequeñas tragedias cotidianas. La obra tiene algo de espejo deformante, pero no tanto por la exageración como por la cercanía La estructura fragmentaria, que podría ser un riesgo, aquí juega a favor. Vamos viajando hacia atrás en el tiempo, encajando piezas de un puzzle emocional que no siempre encaja

Una escalera puede ser muchas cosas: un obstáculo, una meta, un camino o simplemente un objeto cotidiano. En 'Ákri', el acróbata catalán Manel Rosés la convierte en el eje de todo el espectáculo. La escalera, de 22 peldaños, se transforma en una metáfora de la vida: subir, caer, volver a intentar, perder el equilibrio, encontrarlo de nuevo. Rosés combina acrobacia, humor y reflexión con una naturalidad que sorprende. Hay momentos de auténtica destreza física y otros en los que el artista juega con la lógica y el absurdo, planteando preguntas que parecen profundas… o completamente inútiles. Depende de cómo se mire. El resultado es un espectáculo de circo contemporáneo muy personal, premiado en varios festivales y que confirma a Rosés como una de las voces interesantes del circo actual. Edad recomendada: A partir de 6 años. Género: circo.

Pensada para la primera infancia, 'Terra (Tierra)' propone una experiencia sensorial y poética donde un simple círculo de tierra se convierte en el centro de un pequeño universo. La actriz Sandra Vargas, acompañada por música en directo de guitarra y violonchelo, desentierra objetos cotidianos, una cuchara, una concha, una flor, que evocan recuerdos familiares y afectos profundos. La tierra se transforma en jardín, mar o cielo mientras la obra habla, con enorme delicadeza, de la memoria, los vínculos afectivos y el amor que nos conecta con nuestras raíces. Una pieza que demuestra que incluso los espectadores más pequeños pueden acceder a una experiencia teatral cargada de belleza. Edad recomendada: A partir de 6 meses. Género: teatro y música en directo.

Hay artistas que han construido un lenguaje propio a lo largo de los años, y Eugenia Manzanera es uno de esos casos. Lleva más de tres décadas explorando el teatro para público familiar con una mezcla muy personal de clown, narración oral, objetos y música. En ¡Ay qué lío!, su nuevo espectáculo unipersonal, decide enfrentarse a algo aparentemente sencillo y, al mismo tiempo, imposible de atrapar: el tiempo. ¿El tiempo que pasa? ¿El tiempo que perdemos? ¿El que parece no llegar nunca? Manzanera convierte todas esas preguntas en un pequeño laboratorio escénico donde las palabras se retuercen, los objetos cobran vida y las historias aparecen y desaparecen como si fueran pensamientos fugaces. No hay una trama cerrada, ni falta que hace. Más bien se trata de un viaje lleno de humor y de pequeños hallazgos poéticos donde la actriz despliega su talento para conectar con el público. Ella misma lo llama “filosofía de andar por casa”, pero en realidad es algo más: una forma muy libre y juguetona de pensar el mundo en voz alta. Edad recomendada: A partir de 5 años. Género: teatro y títeres.

Dos payasos, un disco giratorio en escena y ninguna palabra. A partir de ahí sucede algo curioso: no parece pasar nada… y, al mismo tiempo, pasan muchas cosas. El espectáculo suizo Actapalabra se inspira en el teatro del absurdo y en las vanguardias surrealistas y dadaístas para construir una especie de poema escénico sobre la vida cotidiana. Los intérpretes Joan Mompart y Alexandre Ethève trabajan desde el silencio, pero ese silencio está lleno de ritmo, de gestos y de pequeñas situaciones que oscilan entre lo cómico y lo delicadamente poético. La pieza habla, sin decirlo explícitamente, de la incomunicación, del ritmo frenético de la vida urbana o de esa sensación universal de levantarse demasiado temprano para ir a la escuela o al trabajo. Y lo hace con una ligereza que, curiosamente, deja poso. Edad recomendada: A partir de 4 años. Género: teatro.

La madera es el corazón de Tumbalafusta, un delicado espectáculo de teatro de objetos que convierte simples trozos de madera en paisajes, casas, ciudades y personajes. A través del juego entre cuatro manos y una caja llena de piezas, los intérpretes construyen historias que hablan de la infancia, la imaginación, la amistad y el paso del tiempo. Poco a poco, ese material aparentemente inerte se transforma en un universo lleno de vida. Con música original en directo y una estética íntima y poética, la pieza, estrenada en el Festival Grec 2024, obtuvo el Premio FETEN 2025 al mejor espectáculo de teatro de objetos, confirmando el talento de Xavier Bobés en la manipulación escénica y la sensibilidad creativa de La Ruta 40. Edad recomendada: A partir de 5 años. Género: teatro de objetos.

Entre tantas propuestas lúdicas o visuales, 'Mambrú volvió de la guerra' introduce una nota de memoria histórica en la programación de Teatralia 2026. El espectáculo reflexiona sobre el olvido y la transmisión de las historias familiares, recordando cómo las guerras, incluso cuando parecen lejanas, dejan huellas profundas en la memoria colectiva. Es una propuesta que demuestra que el teatro para público joven también puede abordar temas complejos con sensibilidad y respeto. Edad recomendada: A partir de 6 años. Género: teatro.

El circo contemporáneo tiene una capacidad especial para dialogar con la naturaleza… incluso cuando se desarrolla en medio de un escenario urbano. Wild, de la compañía británica Motionhouse, parte precisamente de esa tensión. En escena aparece una especie de bosque de mástiles verticales por el que los intérpretes se desplazan con una mezcla de acrobacia, danza aérea y movimiento físico. El espectáculo explora la relación entre lo humano y lo salvaje, recordándonos que, por muy urbanizados que estemos, seguimos siendo parte de la naturaleza. La pieza combina virtuosismo físico con una estética visual muy potente, característica del trabajo de Motionhouse, una de las compañías más reconocidas del circo-danza europeo. Edad recomendada: Todos los públicos. Género: circo.

Hay espectáculos que invitan a mirar. Y otros que invitan a entrar. 'AN-KI', de la compañía catalana Ortiga, pertenece claramente al segundo grupo. La propuesta plantea una experiencia teatral inmersiva donde el público, especialmente los jóvenes a partir de ocho años, se convierte en parte activa del recorrido escénico. La obra explora el concepto de identidad y transformación a través de un viaje sensorial que mezcla teatro, instalación y performance. No es un espectáculo convencional, ni pretende serlo. Más bien funciona como un espacio de exploración donde cada espectador construye su propia experiencia. Edad recomendada: A partir de 8 años. Género: experiencia teatral inmersiva.

Durante años nos han enseñado que copiar está mal. Pero si lo pensamos un momento… aprendemos copiando desde que nacemos. A partir de esa idea tan simple como provocadora, la compañía catalana Animal Religion construye Copiar, un espectáculo inmersivo que rompe la barrera entre escenario y público. Al comienzo de la función, el artista Quim Giron invita a varios niños y niñas a subir al escenario. Sin ensayos, sin preparación previa. Lo que sucede después es imprevisible. A través del juego de la imitación, los participantes improvisan una coreografía colectiva guiada por el intérprete y acompañada por una elaborada dramaturgia de luces y sonido. El resultado suele ser tan espontáneo como contagioso. Y, de paso, el espectáculo cuestiona la idea de originalidad porque quizá copiar también sea una forma de crear. Edad recomendada: Todos los públicos. Género: espectáculo inmersivo.

En una casa blanca vive un escritor excéntrico rodeado de manías y fantasías. Cerca de él parece existir una mujer cuya voz escuchamos, aunque nunca llegamos a verla del todo. ¿Quiénes son? ¿Se conocen? 'Smile' construye una historia sobre la ausencia, la memoria y el amor que permanece a pesar del paso del tiempo. Inspirado en el universo de Charles Chaplin, el espectáculo mezcla teatro gestual, humor y poesía para abordar un tema profundo con una sorprendente delicadeza. La pieza está dedicada al poeta palestino Refaat Alareer, recordando que incluso en los tiempos más difíciles las historias pueden seguir sembrando esperanza. Edad recomendada: A partir de 7 años. Género: teatro gestual.