Marcos López: “Me interesa que la obra no sea algo que se mira en una pared”

¿Cómo presentar a Marcos López? Ahondar en su trayectoria demandaría un espacio mucho mayor al disponible para esta entrevista. Con nuestro mayor poder de síntesis, podemos decir que es fotógrafo y artista. Que nació y creció en la provincia de Santa Fe, pero vive en Buenos Aires hace cuatro décadas. Que es reconocido por su estética pop y profundamente latinoamericana, marcada por los colores saturados, el kitsch, el humor y la crítica. Y que, a lo largo de su carrera, convirtió escenas cotidianas, personajes populares y otros símbolos de nuestra cultura en imágenes exageradas y barrocas, con una mirada única sobre la periferia.

Entre retrospectivas y nuevos proyectos –como ser artista invitado de honor en la feria Arte Pequeño Formato® en junio–, López se sienta a hablar con Time Out sobre cómo cambió su forma de trabajar: de la obra cerrada a un universo en expansión donde el arte circula, se transforma y busca públicos más allá de los circuitos de siempre.

Tu obra construyó un imaginario muy propio dentro de la cultura latinoamericana. ¿Qué cosas sentís que siguen vigentes hoy y cuáles necesitaste revisar o transformar?

Mi trabajo no es tanto una estética como una forma de mirar. El color y el humor vinieron después. Lo que sigue vigente es esa necesidad de entender dónde estoy parado. América Latina es un territorio raro: trágico y cómico al mismo tiempo. Eso no cambió. Lo que fui revisando es la forma, no el fondo: cómo decir lo mismo sin repetirme, sin quedarme en una fórmula que ya funcionó.

Durante mucho tiempo se habló de “Pop Latino” para definir tu trabajo. Hoy, ¿te sigue representando esa idea o sentís que tu práctica se desplazó hacia otro lugar?

Fue útil en su momento: me permitió entrar en conversación y ubicar el trabajo en un mapa. Pero nunca trabajé para sostener una etiqueta. Siempre fui detrás de algo más incómodo, más personal, incluso contradictorio. Si después eso se nombra de una u otra manera, es secundario. Lo importante es que siga teniendo verdad para mí.

Lo popular no es un tema, es un territorio emocional. Y ahí hay cosas que el arte más correcto no siempre quiere mirar

En un contexto donde muchas imágenes buscan impacto inmediato, tu obra sigue teniendo una densidad narrativa particular. ¿Qué te interesa que pase cuando alguien se queda mirando una imagen tuya?

Me interesa que primero te atrape y después te genere una duda. Que no se agote rápido. Que haya algo que no termina de cerrar, una pequeña incomodidad. Cuando la imagen es demasiado clara, se vuelve descartable. Prefiero que quede dando vueltas, que te acompañe un poco más.

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Hay algo en tu trabajo que toma lo popular y lo vuelve escena. ¿Qué te interesa activar hoy en esa relación entre lo cotidiano y lo simbólico?

Lo popular no es un tema, es un territorio emocional. Es de donde vengo. Y ahí hay cosas que el arte más correcto o más institucional no siempre quiere mirar. Me interesa llevarlo a una escena donde se vuelva visible y revele algo más profundo, incluso incómodo.

Sin solemnidad

Si hay un punto de ebullición para tomarle el pulso a la escena actual, es la feria Arte Pequeño Formato®. Con una consigna clara —obras de hasta 50 x 50 centímetros—, el recorrido apuesta por la cercanía y desafía la escala tradicional sin perder intensidad. Entre nuevas voces y nombres consolidados, este espacio condensa miradas en clave ágil y sin solemnidad.

Este año sos artista invitado de honor en Arte Pequeño Formato®. ¿Qué te interesó de una feria que pone el foco en obras accesibles?

Me interesa la idea de abrir el juego. El arte durante mucho tiempo fue bastante cerrado sobre sí mismo. Esta feria permite no solo llegar a nuevos públicos, sino también proponer otro tipo de acceso y de vínculo. Es saludable que existan estos espacios donde la relación con la obra sea más directa.

Tu trabajo suele tener una presencia muy fuerte. ¿Qué te pasa al pensar la obra en una escala más íntima?

Es otro tipo de intensidad. Lo pequeño te obliga a ser más preciso, a concentrar más. La escala no hace a una obra menor, sino distinta: cambia la cercanía, se vuelve más directa. Me interesa mucho esa relación sin tanta intermediación: más simple, más honesta, donde la obra entra en otro registro.

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La feria busca acercar nuevos públicos al arte. ¿Qué creés que hace falta para que alguien que nunca compró obra se anime a hacerlo?

Que no sienta que entra a un mundo cerrado. Que no haya una barrera simbólica. Tiene que ser una relación más directa, menos intimidante. Entender que no es lejano, sino algo con lo que puede convivir.

¿Qué tipo de piezas vas a presentar en esta edición? ¿Hay algo pensado específicamente para ese contexto?

Voy a presentar mi proyecto Mundo López, que desarrollé junto a [la plataforma] Oficina de Proyectos. Es una forma de abrir el imaginario de mis obras para que otros lo habiten y lo hagan propio. En ese sentido, las piezas están pensadas para circular en distintos formatos y niveles de acceso, no solo como obra única.

Me interesa que la obra salga del lugar solemne, que no sea algo que se mira en una pared

Se puede decir que Mundo López aparece como una expansión de tu obra hacia un formato más colectivo y abierto. ¿Cómo nace esa necesidad de salir del formato tradicional del artista individual?

Nace de un límite. El formato clásico del artista empezó a quedarme chico. Durante mucho tiempo trabajé dentro de un sistema bastante claro, y en un momento sentí que quería que mi universo circulara de otra manera, más directa, más viva. Mundo López es una expansión. Me interesa que la obra salga del lugar solemne, que no sea algo que se mira en una pared. Que aparezca en otros formatos, que entre en otros vínculos.

Este proyecto también propone otra forma de producir y sostener obra. ¿Qué creés que puede aportar a las nuevas generaciones de artistas?

Que la obra no es solo el resultado, sino todo el sistema que la sostiene: cómo se produce, se financia y circula. Entender eso te da más autonomía.

La muestra en Fundación Larivière recorre varias décadas de tu trabajo. ¿Qué mirada aparece cuando ves tu obra en perspectiva?

Aparece una continuidad, pero también muchas dudas. Ves obsesiones que se repiten, temas que vuelven y, al mismo tiempo, momentos en los que no sabías bien qué hacer. Y eso está bien: forma parte del recorrido. No es una línea recta.

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¿Hay algo que descubriste o entendiste de tu propio recorrido a partir de esta exhibición?

Que muchas veces trabajé sin comprender del todo hacia dónde iba. Que el sentido aparece después, con el tiempo. No es tan claro en el momento. Y eso, de algún modo, también te da cierta tranquilidad.

¿Cómo dialoga esta muestra más institucional con proyectos más abiertos y experimentales como Mundo López?

Son dos caras de lo mismo. Una más ordenada, institucional y legible. La otra, más abierta y en proceso. Me interesa esa tensión.

Muchos artistas hoy están buscando cómo sostener su práctica en el tiempo. Desde tu experiencia, ¿qué creés que es clave construir además de la obra?

Un sistema, una forma de sostener lo que hacés, un entorno que te permita seguir produciendo. Si no, dependés siempre de que alguien te valide o te habilite. Y eso, a la larga, te deja afuera.

*Arte Pequeño Formato® podrá visitarse del 10 al 14 de junio, en el Museo de Arquitectura y Diseño (MARQ), Av. Libertador 999, Recoleta.