Mariela Ivanier

From August through December, Colección Rivarola – El Local presents a program bringing together memory, landscape, textile art, photography, painting and contemporary experimentation in one of Buenos Aires’ most distinctive cultural spaces. Crossing Pasaje Rivarola feels like discovering a fold in the heart of Buenos Aires. Just steps from the frenetic pace of Microcentro, time seems to slow down among centuries-old façades, quiet galleries and an urban scale that invites you to wander without rushing. It is one of those places that many porteños pass through without realizing that, behind one of its doors, there is a small universe devoted to contemporary art. This is where Colección Rivarola – El Local comes in, a platform that moves beyond the traditional gallery format to become a meeting point for artists, disciplines and perspectives. Each exhibition offers a different experience, but they all share the same purpose: to make art into an intimate conversation capable of awakening memories, questions and new ways of seeing the world. A look at the upcoming exhibitions August: Memory and Nature The second-half program confirms that spirit. From August through December, painting, photography, drawing, collage, ceramics, textile art, sumi-e and interdisciplinary projects come together in a journey where memory, childhood, landscape, color and imagination take center stage. The season began on August 8 with Fallacies of Memory, by Eduardo Markarian, an exhibition in which me

Entre agosto y diciembre, Colección Rivarola – El Local despliega una programación que reúne memoria, paisaje, arte textil, fotografía, pintura y experimentación contemporánea en uno de los espacios culturales más singulares de Buenos Aires. Cruzar el Pasaje Rivarola es como encontrar un pliegue en el centro de Buenos Aires. A pocos pasos del ritmo frenético del microcentro, el tiempo parece desacelerar entre fachadas centenarias, galerías silenciosas y una escala urbana que invita a caminar sin prisa. Es uno de esos lugares que muchos porteños atraviesan sin saber que, detrás de una de sus puertas, funciona un pequeño universo dedicado al arte contemporáneo. Allí está Colección Rivarola – El Local, una plataforma que escapa al formato tradicional de galería para convertirse en un espacio de encuentro entre artistas, disciplinas y miradas. Cada exposición propone una experiencia distinta, pero todas comparten una misma vocación: hacer del arte una conversación cercana, capaz de despertar recuerdos, preguntas y nuevas formas de observar el mundo. Un recorrido por las próximas exposiciones Agosto: memoria y naturaleza La programación del segundo semestre confirma ese espíritu. Entre agosto y diciembre, pintura, fotografía, dibujo, collage, cerámica, arte textil, sumi-e y proyectos interdisciplinarios construyen un recorrido donde la memoria, la infancia, el paisaje, el color y la imaginación se transforman en protagonistas. La temporada comenzó el 8 de agosto con Falacias de la

Between the historic palace and the contemporary architecture of Palacio Duhau – Park Hyatt Buenos Aires, the Duhau Arts Walk presents Paintings and Reliefs, Elena Clément’s latest exhibition. The show engages with a space where art transforms the experience of moving through the hotel. History, design, and contemporary artistic production coexist within its walls. Open to the public and accessible 24 hours a day, this cultural corridor invites visitors to experience art as part of their everyday journey, seamlessly integrating each exhibition into the hotel’s architectural landscape. Palacio DuhauPark Hyatt Buenos Aires To move from the historic Palacio Duhau on Avenida Alvear to the contemporary tower on Posadas Street, visitors pass through an underground gallery. Over time, this passage has evolved from a simple connection between two buildings into one of Buenos Aires’ most distinctive cultural spaces. Each new exhibition reshapes the experience of those who walk through it. Through August 30, Paintings and Reliefs by Elena Clément occupies this unique setting. The exhibition brings together 25 works created between 2024 and 2026 from the series Samsara, Fragmented Stories, and Echoes. “The work resists the idea of a definitive form: each piece is a living organism that preserves the traces of its previous transformations,” explains the artist. Palacio DuhauPark Hyatt Buenos Aires Images are cut apart, transferred onto new materials, and reappear in different forms.

Entre el palacio histórico y la arquitectura contemporánea de Palacio Duhau – Park Hyatt Buenos Aires, el Paseo de las Artes Duhau presenta Pinturas y Relieves, la nueva exposición de Elena Clément. Una muestra que dialoga con un espacio donde el arte transforma la experiencia de recorrer el hotel. Entre sus muros conviven historia, diseño y producción artística contemporánea. Con acceso libre y abierto las 24 horas, este corredor cultural invita a descubrir el arte como parte del recorrido cotidiano, integrando cada muestra al paisaje arquitectónico del hotel. Palacio DuhauPark Hyatt Buenos Aires Para pasar del histórico Palacio Duhau sobre Avenida Alvear a la torre contemporánea de la calle Posadas hay que atravesar una galería subterránea. Con el tiempo, ese trayecto dejó de ser solo una conexión entre dos edificios para convertirse en uno de los espacios culturales más singulares de Buenos Aires. Cada nueva exposición modifica la experiencia de quienes lo recorren. Hasta el 30 de agosto, ese recorrido recibe Pinturas y Relieves, de Elena Clément. La exposición reúne 25 obras realizadas entre 2024 y 2026, pertenecientes a las series Samsara, Historias fragmentadas y Ecos. "La obra resiste la idea de una forma definitiva: cada pieza es un organismo vivo que conserva las huellas de sus transformaciones anteriores", explica la artista. Palacio DuhauPark Hyatt Buenos Aires Las imágenes se cortan, cambian de soporte y vuelven a aparecer bajo otra forma. Pintura, instalación

There is something that defines the contemporary experience of looking: the difficulty of stopping. Images accumulate and flash by at such speed that we barely register them before they disappear. Within this constant flow, attention has become an increasingly scarce resource and contemplation a fragile practice. Perhaps that is why spaces that propose a different temporality—one in which the gaze can linger, explore, and discover—feel particularly relevant today. Arte Pequeño Formato® is built on an idea that is as simple as it is challenging: a reduction in scale not as a limitation, but as a condition of possibility. Works measuring no more than 50 by 50 centimeters do not seek to dominate a space; instead, they encourage a different relationship with the viewer—one that is closer, more intimate, and more personal. Julieta ChristofilakisFrancisco Medail, asesor curatorial de Arte Pequeño “Small format compels us to stop and pay attention, to establish a different kind of connection,” says Francisco Medail, the project's curatorial advisor. Embedded in that idea is something that goes beyond the material object itself: the possibility of recovering a less automatic, more conscious, and more available way of seeing. You may also be interested in: 4 museums in Buenos Aires everyone should visit at least once But this sense of closeness is not only perceptual—it is also symbolic. Small-format works challenge traditional expectations of art, where scale is often associated wi

Hay algo que se repite en la experiencia contemporánea de mirar: la dificultad de detenerse. Las imágenes se acumulan y se suceden a tal velocidad que apenas alcanzamos a registrarlas antes de que desaparezcan. En ese flujo constante, la atención se vuelve un recurso cada vez más escaso y la contemplación, una práctica frágil. Quizás por eso, los espacios que proponen otra temporalidad —en la que la mirada puede demorarse, explorar y descubrir— adquieren hoy una relevancia particular. Arte Pequeño Formato® parte de una idea tan simple como desafiante: la reducción de escala no como límite, sino como condición de posibilidad. Obras que no superan los 50 por 50 centímetros no buscan imponerse en el espacio, sino habilitar otra forma de relación con quien las mira, más cercana e íntima. Julieta ChristofilakisFrancisco Medail, asesor curatorial de Arte Pequeño “El pequeño formato obliga a detenerse y prestar atención, a establecer otro tipo de contacto”, señala Francisco Medail, asesor curatorial del proyecto. En esa idea aparece algo que excede lo material: la posibilidad de recuperar una mirada menos automática, más disponible, más consciente. También podría interesarte: 4 museos en Buenos Aires que hay que visitar al menos una vez Pero esa cercanía no es solo perceptiva, también es simbólica. El pequeño formato implica un desplazamiento respecto de ciertas expectativas tradicionales del arte, según las cuales la escala se asocia a la monumentalidad o el impacto. Aquí, en cam

How do you introduce Marcos López? To fully explore his trajectory would require far more space than this interview allows. In the briefest terms possible, we can say he is a photographer and artist. He was born and raised in the province of Santa Fe, but has lived in Buenos Aires for four decades. He is known for his pop and deeply Latin American aesthetic, marked by saturated colors, kitsch, humor, and critique. And throughout his career, he has transformed everyday scenes, popular characters, and other symbols of our culture into exaggerated, baroque images, offering a unique perspective on the periphery. Between retrospectives and new projects — including serving as the guest artist of honor at the Arte Pequeño Formato fair in June — López sat down with Time Out to talk about how his way of working has changed: from the closed-off artwork to an expanding universe where art circulates, transforms, and seeks audiences beyond the usual circuits. Oficina de ProyectosMarcos López Your work has built a very distinct visual universe within Latin American culture. What aspects do you feel remain relevant today, and what have you needed to revisit or transform? My work is not so much an aesthetic as it is a way of looking. Color and humor came later. What remains relevant is that need to understand where I’m standing. Latin America is a strange territory: tragic and comic at the same time. That hasn’t changed. What I’ve been revising is the form, not the substance: how to say th

Autumn in Buenos Aires has that certain je ne sais quoi, and this year it comes with a museum agenda worth diving into. With Art Day and several anniversaries along the way, institutions like the Moderno, the Bellas Artes, MALBA, and MACBA have refreshed their programs with proposals that pull you out of your routine. You can celebrate the Moderno’s 70th anniversary with its ambitious Inhabiting the Future program, feel like you’re underwater in Antarctica with the immersive experience Inner Ocean, or stop by the café to see Ana Gallardo’s intervention—an invitation to linger and chat. What makes this circuit great is that there’s something for everyone: from the fascination with Egyptian mummies and myths at the Bellas Artes (note: it ends on April 19!) to the textile mysticism of Olga de Amaral at MALBA or the dissident surrealism of the exhibition Dark Continent at MACBA. This isn’t a rush-through plan—it’s about walking the city, taking your time, and letting a work of art blow your mind a little. Because in the end, that’s what it’s about: finding new ways to look at what surrounds us while slowing down.

¿Cómo presentar a Marcos López? Ahondar en su trayectoria demandaría un espacio mucho mayor al disponible para esta entrevista. Con nuestro mayor poder de síntesis, podemos decir que es fotógrafo y artista. Que nació y creció en la provincia de Santa Fe, pero vive en Buenos Aires hace cuatro décadas. Que es reconocido por su estética pop y profundamente latinoamericana, marcada por los colores saturados, el kitsch, el humor y la crítica. Y que, a lo largo de su carrera, convirtió escenas cotidianas, personajes populares y otros símbolos de nuestra cultura en imágenes exageradas y barrocas, con una mirada única sobre la periferia. Entre retrospectivas y nuevos proyectos –como ser artista invitado de honor en la feria Arte Pequeño Formato® en junio–, López se sienta a hablar con Time Out sobre cómo cambió su forma de trabajar: de la obra cerrada a un universo en expansión donde el arte circula, se transforma y busca públicos más allá de los circuitos de siempre. Oficina de ProyectosMarcos López Tu obra construyó un imaginario muy propio dentro de la cultura latinoamericana. ¿Qué cosas sentís que siguen vigentes hoy y cuáles necesitaste revisar o transformar? Mi trabajo no es tanto una estética como una forma de mirar. El color y el humor vinieron después. Lo que sigue vigente es esa necesidad de entender dónde estoy parado. América Latina es un territorio raro: trágico y cómico al mismo tiempo. Eso no cambió. Lo que fui revisando es la forma, no el fondo: cómo decir lo mismo

Buenos Aires en otoño tiene ese “no sé qué”, y este año trae una agenda de museos para aprovecharlo a fondo. Con varios aniversarios de por medio, salas como las del Moderno, el Bellas Artes, el MALBA y el MACBA se renovaron con propuestas que te sacan de la rutina. Podés celebrar el cumpleaños 70 del Moderno con su ambicioso programa Habitando el futuro o pasar por el café a ver la intervención de Ana Gallardo, que es una invitación a quedarse charlando. Lo mejor de este circuito es que hay para todos los gustos: desde internarse en el surrealismo disidente de la exposición Continente oscuro en el MACBA hasta sumergirse en las aguas antárticas con la experiencia inmersiva Océano interior en el Moderno. No es un plan para ir a las corridas, sino para caminar la ciudad, entrar con tiempo y dejar que alguna obra nos vuele un poco la cabeza. Porque, al final, se trata de eso: encontrar nuevas formas de mirar lo que nos rodea mientras bajamos un cambio.

Buenos Aires is the cultural heart of Argentina and one of Latin America’s great artistic capitals. Vibrant, intense, and always awake, it combines European heritage with Latin American energy in a creative scene that spans neighborhoods, generations, and styles. Its galleries reflect this energy: they are not just exhibition spaces, but true cultural laboratories where emerging artists, historical figures, and new movements coexist and engage with the international scene. Think of this as your GPS for a first route through five galleries that capture the city’s creative pulse.

Buenos Aires es el corazón cultural de la Argentina y una de las grandes capitales artísticas de América latina. Vibrante, intensa y siempre despierta, combina herencia europea y energía latinoamericana en una escena creativa que atraviesa barrios, generaciones y estilos. Sus galerías reflejan esta energía: no son solo espacios de exhibición, sino auténticos laboratorios culturales donde conviven artistas emergentes, referentes históricos y nuevas corrientes que dialogan con la escena internacional. Aquí, a modo de GPS, un primer recorrido por cinco galerías que capturan el pulso creativo de la ciudad.

En el año en que celebra su 25° aniversario, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) reafirma su rol como institución clave de la escena cultural con una muestra que no solo revisa el pasado, sino que dialoga de lleno con el presente. Ideas correspondientes, 1964–1984, dedicada a Margarita Paksa, propone un recorrido por dos décadas fundamentales de la artista y confirma algo evidente: Paksa no solo estaba adelantada a su tiempo, todavía incomoda y hace pensar. Curada por Nancy Rojas, la exposición reúne más de 60 obras; instalaciones, piezas gráficas, objetos, documentación y proyectos, que permiten entender por qué Paksa fue una figura central del arte contemporáneo argentino y una pionera en el cruce entre arte, tecnología, sonido y pensamiento político. Leé la nota completa acá.

La muestra “Energía y optimismo para toda la vida” es un paseo entre las obras de más de sesenta artistas que han escrito la historia de Ruth Benzacar. Una celebración especial y emotiva. Cada recorrido por una muestra de arte es único. La manera en la que las obras se exhiben, invita a adentrarse a un mundo distinto y, por un momento, ajeno a la realidad. Se trata de un paseo sumamente personal, guiado por la curaduría del espacio y la impronta de una muestra que se construye bajo un concepto en especial. Leé la nota completa.

En el corazón de Palermo, el Parque Tres de Febrero es un precioso lugar para recorrer y pasear. Entre sus bosques y caminos, se encuentra el Museo Sívori, con su encantador jardín, una estupenda cafetería y exposiciones de arte que deslumbran a cada visitante. En esta ocasión, el museo presenta la maravillosa muestra “Un puñado de tierra” del artista visual Andrés Paredes. Un recorrido por la naturaleza de la selva misionera y una invitación a regresar al lugar de origen, a las raíces de nuestra tierra. Leé la nota completa.

La muestra de Debora Staiff, en exhibición hasta el 7 de julio en el Museo Nacional de Arte Oriental de Buenos Aires con entrada libre y gratuita, es un testimonio conmovedor de la capacidad del arte para sanar y transformar. Con el título "De crisálida y vuelos de mariposa", la exposición no solo nos presenta la maestría técnica de Staiff en el arte del bordado japonés, sino también una profunda narrativa personal de recuperación y renacimiento. Te contamos más sobre esta maravillosa exposición. En su muestra, Staiff expone su propia historia y sus propias heridas Staiff, con su destreza en el bordado de una técnica tradicional japonesa, Sashiko, crea obras de arte que trascienden lo decorativo. Deby va más allá y nos deslumbra con una colección de textiles autobiográfica en donde expone su propia historia y sus propias heridas. Durante su tratamiento de cáncer recibió 16 sesiones de quimioterapia y entonces, decidió recolectar una pequeña piedra en las caminatas que realizaba al día siguiente de cada aplicación. Una forma de convertir en otra materialidad el proceso, una forma de hacer externo un padecimiento propio, personalísimo e intransferible.  Leé la nota completa.

Si bien el protagonismo de la mujer actual en el arte, compite aún con el famoso “techo de cristal”, la mayoría de los más importantes galeristas de la Argentina son mujeres. Siempre, y cada una, con una sensibilidad especial. Destacamos 7, pero hay tantísimas más. 1. Florencia Giordana Braun Ph: German Romani Florencia, dueña de la Galería Rolf, es una de las galeristas más jóvenes y rutilantes de la escena local y tiene un perfil internacional extremadamente marcado. Rolf es una caja lumínica extraordinaria que nos sorprende siempre con fotografías e instalaciones muy potentes y con un marcado input de arte político.  “Mi galería se especializa en arte visual contemporáneo de América Latina. Se centra en la fotografía y sus límites, interpelando la representación de imágenes de lo político en los límites de la fotografía, considerando el contexto social y económico de la producción artística como un factor determinante para la interpretación del arte. Claramente, creo que el género en el arte sí marca una diferencia”, cuenta Florencia. “Recuerdo una charla con Marta Minujín en la que decía que el arte no tiene sexo. Yo creo que sí, que claramente hay una diferencia. Es distinto el encare que cada uno tiene. Cómo se aborda cualquier acción desde un lugar femenino es distinto de algo masculino”, afirma. Dónde: Esmeralda 1353. 2. Orly Benzacar Orly Bencazar Orly es la continuadora de una tradición de mujeres galeristas que se inició con su madre, Ruth Benzacar, y que conti