Aina Mercader

El 2020 será recordado como el año del naufragio. Solo empezar, el barco de la cultura zarpó con grandes expectativas en el horizonte, pero una tormenta terrible lo sacudió con violentas olas hasta reventarlo. Únicamente quedaba agarrarse a las maderas que flotaban y sacar la cabeza para respirar: restricciones horarias y de aforo, cierres totales y parciales, cancelaciones, reprogramaciones... El mundo cultural ha tenido que redoblar sus esfuerzos para hacer frente al temporal y no solo sobrevivir, sino incluso regalarnos espléndidas obras de teatro, exposiciones, discos y películas que hemos podido ver, vivir y sentir durante los últimos doce meses en Barcelona y que no olvidaremos: son nuestros tesoros rescatados en este naufragio. NO TE LO PIERDAS: Los mejores libros de 2020

L'any 2020 serà recordat com l'any del naufragi. Només començar, el vaixell de la cultura va salpar amb grans expectatives a l'horitzó, però una tempesta terrible va sacsejar-lo amb violentes onades fins a esbotzar-lo. Només quedava agafar-se a les fustes que suraven i treure el cap a respirar: restriccions horàries i d'aforament, tancaments totals i parcials, cancel·lacions, reprogramacions... El món cultural ha hagut de redoblar els seus esforços per fer front al temporal i no només sobreviure sinó fins i tot regalar-nos esplèndides obres de teatre, exposicions, discos i pel·lícules que hem pogut veure, viure i sentir durant els últims dotze mesos a Barcelona i que no oblidarem: són els nostres tresors d'aquest naufragi. NO T'HO PERDIS: Els millors llibres del 2020

Friendly warning! We're working hard to be accurate. But these are unusual times, so please check that venues remain open.   Calling all lovers of painting, photography, sculpture, and art in general: we know one of the biggest things to do in Barcelona for you is to check out the best exhibitions on in the city right now. This is our selection of what you won't want to miss in Barcelona's museums and galleries.

Los jóvenes artistas americanos de los 60 recuperaron del ostracismo el grabado como medio de expresión. CaixaForum propone un viaje por Estados Unidos, desde la irrupción del pop art y hasta nuestros días, a partir de doscientas piezas de obra gráfica de sesenta creadores. Una buena ocasión para ver en directo las serigrafías y litografías archiconocidas de Andy Warhol, Jasper Johns, Roy Lichtenstein y las Guerrilla Girls, y constatar cómo, en los últimos años, el sueño americano se ha ido transformando en algo que se parece a una pesadilla.

Joseph Beuys es una artista fascinante. Revolucionario, para algunos; un simple provocador y un charlatán, para otros. En cualquier caso, es una figura clave para comprender el devenir del arte contemporáneo. Esta exposición se acerca a su producción a partir de los proyectos que presentó en la Documenta de Kassel en las ediciones de 1972, 1977 y 1982. Una aproximación al universo del creador alemán que proclamaba la democratización del arte y defendía la idea radical que todos somos artistas.

A lo largo de más de cincuenta años de carrera profesional, la fotógrafa americana Mary Ellen Mark se interesó por la vida en los márgenes retratando situaciones complejas, abusos y pobreza, y la mujer se convirtió en el centro de su trabajo. Fotografió la vida de pacientes de hospitales psiquiátricos, misioneras y trabajadoras sexuales. Destaca especialmente la investigación sobre Erin Blackwell, conocida como Tiny, una adolescente fugitiva y sus compañeros que, a principios de los 80, se vieron obligados a malvivir en la calle. Una historia que, por cierto, inspiró la sobrecogedora película 'Streetwise'.

Esta es una exposición en construcción, un proyecto imprevisible al estilo de lo que ya nos tiene acostumbrados Martí Anson. Se inauguró con pocas piezas, pero con los materiales para montar el resto. Una muestra que se va definiendo y transformando día a día, abierta a las intervenciones de los visitantes. Este punto de partida singular invita a volver asiduamente a la Fabra i Coats durante los meses que el proyecto estará en cartel (hasta el 23 de mayo), para participar y ver como toma forma de manera colectiva 'Una exposició de debò'.

In the early '90s, shortly after inaugurating the foundation that bears his name, Antoni Tàpies created a set of works from the synthetic textiles that he used to cover and protect the floor in his studios in Campins and Barcelona. Tàpies recovered waste material and transformed old, scratched, ripped textiles covered in footprints and spatters, into suitable canvases to display, with varnish, collage and plastic paint, his own iconic repertoire. Driven by his interest in constantly searching for materials and techniques, he decided to work for the first time with these cloths for industrial use that are especially fragile, with irregularities and undulations; a foundation upon which he based a whole series of images, typical work spaces, which ended up marked like a manifesto or an artistic testament. In 1991, Manuel Borja-Villel, then director of the Tàpies Foundation, brought together around 20 of these works in the exhibition 'Profound certainty', with the idea of ​​showing the artist's firm conviction with his art. Now, 28 years later,  the Foundation is showing this block of work in its entirety, including pieces that have not been exhibited before, and accompanying it with a series of bronze and chamotte clay sculptures from the same period. The result is a compilation that's like a road map you can use to travel through the work, touched by a certain melancholy with the artist's usual references to the passage of time, disease, pain and death.

Mientras Sergio Leone rodaba 'La muerte tenía un precio' en Almería, un joven Carlos Pérez Siquier deambulaba cámara en mano por la paupérrima barriada andaluza de La Chanca, no muy lejos de los escenarios del spaghetti western. Corría el 1965 y el fotógrafo hacía tiempo que se dedicaba a retratar la vida y los habitantes de este suburbio, que durante años encandiló a artistas de todo tipo y al que Juan Goytisolo dedicó un libro, censurado hasta los 80. Se trata de una fotografía humanista, influenciada por el cine neorrealista italiano. Las primeras imágenes de esta serie de finales de los 50, que dignifica la vida en las casas-cueva, son en un blanco y negro imponente. Con los años, seducido por la riqueza cromática del entorno, Pérez Siquier se pasa al color, y se convierte en un pionero mundial en este ámbito. Del 1972 al 1980, contratado por el Ministerio de Información y Turismo, recorre el litoral mediterráneo a la caza de los primeros turistas que colonizan las playas y se desnudan al sol. Aparece un Pérez Siquier juguetón, ante las paradojas de un país que busca abrirse al mundo. De las vistas generales, pasa a impúdicos primeros planos sobre cuerpos semidesnudos. Un voyeurismo de regusto pop con derivadas groseras y kitsch. Esta amplia retrospectiva, con la que la Fundación MAPFRE despide de la Casa Garriga Nogués, se completa con reportajes más recientes, una producción cada vez más íntima y sosegada de uno de los grandes de la fotografía española.

Mentre Sergio Leone rodava 'La muerte tenía un precio' a Almeria, un jove Carlos Pérez Siquier deambulava càmera en mà per la paupèrrima barriada andalusa de La Chanca, no gaire lluny dels escenaris de l'spaghetti western. Corria el 1965 i el fotògraf feia temps que es dedicava a retratar la vida i els habitants d'aquest suburbi, que durant anys va encisar artistes de tota mena i al qual Juan Goytisolo va dedicar un llibre, censurat fins als 80. Es tracta d'una fotografia humanista, influenciada pel cinema neorealista italià. Les primeres imatges d'aquesta sèrie de finals dels 50, que dignifica la vida a les cases-cova, són en un blanc i negre imponent. Amb els anys, seduït per la riquesa cromàtica de l'entorn, Pérez Siquier es passa al color, i esdevé un pioner mundial en aquest àmbit. Del 1972 al 1980, contractat pel Ministeri d’Informació i Turisme, recorre el litoral mediterrani a la caça dels primers turistes que colonitzen les platges i es despullen al sol. Apareix un Pérez Siquier juganer, davant les paradoxes d'un país que busca obrir-se al món. De les vistes generals, passa a impúdics primers plans sobre cossos seminus. Un voyeurisme de regust pop amb derivades grolleres i kitsch. Aquesta àmplia retrospectiva, amb la qual la Fundación MAPFRE s'acomiada de la Casa Garriga Nogués, es completa amb reportatges més recents, una producció cada cop més íntima i assossegada d'un dels grans de la fotografia espanyola.

El treball de l'artista i activista Daniela Ortiz (Cusco, 1985) s'enarbora a partir d'un feminisme decolonial, contra el racisme i el classisme. Entre el 2012 i 2017 realitza diverses accions entorn del 12 d'octubre, qüestionant les commemoracions del Dia de la Hispanitat. El 2016, embarassada del seu fill, rep una transfusió de sang d'un ciutadà espanyol en la performance 'Jus Sanguinis' per denunciar els criteris jurídics per a la concessió de la nacionalitat. 'Esta tierra jamás será fértil por haber parido colonos' és la primera revisió antològica sobre la seva trajectòria i reuneix 31 projectes concebuts al llarg de la darrera dècada. En les seves propostes, transita per les múltiples violències institucionalitzades envers la població migrant. Investiga la situació de les treballadores domèstiques, explora els abusos perpetrats per part de l’Agència Europea de Control de Costes i Fronteres i pels responsables de retirar la custòdia de menors. Amb 'Pintures de castes' recupera un gènere pictòric conreat durant el segle XVIII que catalogava les castes i barreges racials als territoris colonitzats, com en el cas del virregnat del Perú governat pel tirà Manuel d'Amat i de Junyent, qui va manar, per cert, la construcció del palau de La Virreina. L'artista manlleva els elements iconogràfics per recriminar l'actual normalització del racisme a tots nivells i ho exposa justament a la sala presidida pel retrat del virrei. Ortiz es pren, així, anys després, la seva particular 'vende

El azar, siempre caprichoso, ha hecho que Àngels Ribé, la artista que firma la escultura 'Laberinto', a partir de la cual se vertebra 'En caída libre', haya sido distinguida con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura, en octubre, pocos días después de la inauguración de la exposición. El acierto del comisario, João Laia, sin embargo, va más allá de esta casualidad que ahora puede convertirse en un reclamo para visitar la muestra, surgida de la 'Convocatoria de comisariado. Nuevas miradas sobre la Colección "la Caixa"'. Tomando como punto de partida la crisis estructural en la que vivimos, Laia articula una reflexión en torno a la inestabilidad ecológica, económica, política, social... El sinuoso laberinto de plástico amarillo de Ribé, presentado por primera vez en el castillo de Verderonne en 1969 y expuesto nuevamente el MACBA en 2011, funciona como un campo magnético a partir del cual orbitan trece obras, realizadas entre finales de los sesenta y la actualidad, de once artistas –Dara Birnbaum y Dan Graham, Andreas Gursky, Georg Baselitz o Rosemarie Trockel, entre otros–. La gran instalación en espiral, que transparenta los transeúntes que transitan desorientados, ejemplifica la angustia y el malestar del discurso curatorial y condiciona un recorrido circular, sin inicio ni final. En este bucle, destaca especialmente la pieza 'Ondas gravitacionales', a partir de la cual el poeta Eduard Escoffet se apodera del dispositivo de la audioguía para poner vo

L'atzar, sempre capriciós, ha fet que Àngels Ribé, l'artista que signa l'escultura 'Laberint', a partir de la qual es vertebra 'En caiguda lliure', hagi estat distingida amb el Premi Nacional d'Arts Plàstiques del Ministeri de Cultura, a l'octubre, pocs dies després de la inauguració de l’exposició. L'encert del comissari, João Laia, però, va més enllà d'aquesta casualitat que ara pot esdevenir un reclam per visitar la mostra, sorgida de la 'Convocatòria de comissariat. Noves mirades sobre la Col·lecció ”la Caixa”'. Prenent com a punt de partida la crisi estructural en la qual vivim, Laia articula una reflexió entorn de la inestabilitat ecològica, econòmica, política, social... El sinuós laberint de plàstic groc de Ribé, presentat per primer cop al castell de Verderonne el 1969 i exposat novament al MACBA el 2011, funciona com un camp magnètic a partir del qual orbiten tretze obres, realitzades entre les acaballes dels seixanta i l'actualitat, d'onze artistes –Dara Birnbaum i Dan Graham, Andreas Gursky, Georg Baselitz o Rosemarie Trockel, entre altres–. La gran instal·lació en espiral, que transparenta els transeünts que hi transiten desorientats, exemplifica l'angoixa i el malestar del discurs curatorial i condiciona un recorregut circular, sense inici ni final. En aquest bucle, destaca especialment la peça 'Ones gravitacionals', a partir de la qual el poeta Eduard Escoffet s'apodera del dispositiu de l'audioguia per posar veus i sons a les obres. El projecte funciona, com a

Just a few days after the opening of 'In Free Fall' (Catalan: 'En caiguda lliure'), Àngels Ribé, the artist who created the exhibition's central piece 'Labyrinth', just happened to win the National Prize of Plastic Arts, awarded by the Ministry of Culture. Curator João Laia's talent, however, goes beyond this coincidence that of course helps boost visits to the exhibition. Taking the structural crisis in which we live as a starting point, Laia has commissioned a space for reflection on ecological, economic, political and social instability. Ribé's sinuous yellow plastic maze, which was first presented at Verderonne Castle in 1969 and again exhibited at Barcelona's MACBA in 2011, functions as a magnetic field around which 13 works orbit. The works in turn were created between the late 1960s and the present by a total of 11 artists, among them Dar Birnbaum and Dan Graham, Andreas Gursky, Georg Baselitz and Rosemarie Trockel. Ribé's large spiral installation, through which you can watch the disorientated visitors zig and zag (and you can as wel), represents the anguish and discomfort of curatorial discourse and carves out a circular path, conceivably with no beginning or end. Another standout work is the sound art piece 'Gravitational Waves' ('Ones gravitacionals'), in which creator and poet Eduard Escoffet takes over the audioguide device to put voices and sounds to the works. As a counterpoint to the imposing structure, the sound art helps you to get your bearings and offer po

Con la resaca de las movilizaciones masivas del 8M, el CCCB pone el foco en las diferentes expresiones feministas en el arte. Bajo la etiqueta '¡Feminismos!' se presentan dos exposiciones interconectadas: 'La vanguardia feminista de los años 70. Obras de la Verbund Collection' y 'Coreografías del género'; una extensa propuesta que muestra los vínculos y desacuerdos entre el feminismo de vanguardia y la actual. La primera es una gran retrospectiva en torno a la eclosión feminista que reúne 200 obras de sesenta creadoras. Artistas que, a través de la foto, el vídeo y la performance, y utilizando su cuerpo con altas dosis de parodia y provocación, reescribieron el canon de la historia del arte. Una multiplicidad de voces –Ana Mendieta, Francesca Woodman, Valie Export, Martha Rosler y Esther Ferrer, entre otros– que se enfrentaron a las mismas problemáticas ofreciendo una nueva representación de la mujer. '¡Feminismos!' hace un salto de medio siglo hasta llegar a nuestros días. El feminismo se ha diversificado y apunta hacia múltiples direcciones: se cuestiona a sí mismo, se escribe en plural y se alía con otras luchas sociales. Las artistas que forman parte de 'Coreografías...' –Lúa Coderch, Maria Llopis, Nuria Güell y Mireia Sallarés, por citar algunas– son una nueva generación que tiene interiorizado lo que ya exploraron las pioneras: "Lo que es personal es político", pero van más allá y denuncian el racismo, la transfobia, el especismo, la homofobia... y es que ¡la revolución