Kaoru Hoshino

タイムアウト東京 > カルチャー >「ARTE TOKYO」でしかできない5のこと 秋は、東京でアートやカルチャーを楽しむのにぴったりの季節。年末にかけて芸術祭やパフォーマンスなど、多彩なイベントが各地で開催される。 今年はさらに、東京の街を舞台に、アートや演劇、音楽、イルミネーション、エンターテインメントなど、さまざまな文化芸術を結びつける新たなフェスティバル「ARTE TOKYO」の登場で、今秋の東京は例年以上に盛り上がりそうだ。 ARTE TOKYOでは、2026年10月10日から12月31日（木）まで、臨海、日比谷・丸の内、代々木・渋谷の3つのエリアを中心に、多彩なプログラムが展開。さらに、各地で開催されるイベントと連携し、130を超える「パートナープログラム」もラインアップする。 本記事では、お台場の街を舞台にしたサーカスから、「浜離宮恩賜庭園」の夜を舞台にアートが創り出す幻想的な体験まで、ARTE TOKYOで体験したいプログラムを5つのテーマに分けて紹介。この秋ならではのアート体験をしに出かけてみては。

タイムアウト東京 > アート&カルチャー > 2026年下半期、見逃せない芸術祭5選 地域の魅力を再発見しながら、国内外の芸術に浸れる芸術祭。本記事では、2026年下半期に国内で開催される注目の芸術祭を紹介する。 先鋭的な建築が並ぶ群馬県前橋市の「前橋国際芸術祭」や、下呂温泉を舞台に開催される「下呂 Art Discovery 2026」など、初開催の芸術祭も充実。過ごしやすい秋の気候の中、アートを目的に旅へ出かけてみては。 関連記事『ウェルビーイングをレベルアップ、『Time Out Japan Magazine』第5号が8月31日発行』

This autumn, immerse yourself in art from Japan and around the world, all while rediscovering the appeal of local communities in regional cities. Here are some of our top picks for notable art festivals happening across Japan from September to December 2026. Highlights include first-time festivals such as the Maebashi Biennale in the capital of Gunma prefecture, known for its creative scene with numerous art galleries and striking contemporary architecture, as well as Gero Art Discovery, held in the historic Gero Onsen, a popular hot spring destination in Gifu. With mild, pleasant weather in the forecast, why not take an art-focused trip this autumn?

From Shogun and shokunin to city pop and Pokémon, Japan’s already Godzilla-sized global cultural footprint is still growing – not least thanks to a hungry new generation of artists and artisans who aren’t content with competing domestically, instead setting their sights on capturing the hearts and feeds of the world from the get-go. Here are a few names you’re bound to hear more about very soon.

Alongside Jean-Michel Basquiat and Keith Haring, Kenny Scharf was one of the artists who helped define the New York art scene in the 1980s, captivating audiences with a psychedelic world full of anthropomorphic, organic forms. His distinctive character-based visual language, with hyper-vibrant, expressive cartoon faces, has been recognised as a precursor to many trends in 21st-century pop art. Scharf’s work can now be viewed in Tokyo, with Nanzuka Underground in Harajuku hosting the artist’s solo exhibition ‘Shimishimikao!’ until Saturday June 27. The exhibition centres on a new series of the same name, inspired by the Rorschach-esque phenomenon of seeing faces in blobs. The show also features works from the series Moodz, composed of expressive circular faces, and Dire Headlines, which incorporates newspaper clippings, among other works spanning Scharf’s nearly five-decades-long career. We spoke with Scharf during his visit to Tokyo to open the exhibition, quizzing the street art legend about the inspiration behind his new series and about how he stays driven after half a century at the forefront of the contemporary scene. First, what’s the meaning behind the title of the exhibition, ‘Shimishimikao!’? I love creating new words when I’m coming up with titles for my artwork and exhibitions. This new series is all about blobs, and when I heard the Japanese word for ‘blob’, shimi, I really liked the sound of it.   Photo: Kisa ToyoshimaKenny Scharf   Shimmy, in English, is the d

タイムアウト東京 > カルチャー > インタビュー：Kenny Scharf ジャン＝ミシェル・バスキア（Jean-Michel Basquiat）やキース・ヘリング（Keith Haring）と並び、1980年代のニューヨークのアートシーンを牽引（けんいん）したアーティスト、ケニー・シャーフ（Kenny Scharf）。コミックやポップカルチャーから着想を得た彼の作品は、擬人化された有機的なフォルムが漂う、幻覚的で躍動感のある世界観で人々を魅了してきた。また、独自のキャラクター表現を発展させたそのスタイルは、21世紀型ポップアートの潮流を先取りしたものとして評価されている。そんなシャーフによる個展「ShimiShimiKao!」が、原宿の「NANZUKA UNDERGROUND」で2026年6月27日（土）まで開催中だ。 同展では「シミが顔のように見える」という現象から着想を得た新シリーズ「ShimiShimiKao!」を中心に展開。感情豊かな円形の顔で構成された「MOODZ」シリーズや、新聞の切り抜きを用いた「ダイアー・ヘッドライン」（悲劇的な見出し）など、約50年にわたるキャリアの中で生み出されてきた多彩な作品群が並ぶ。 展覧会に併せて来日したシャーフに、新シリーズのアイデアや、半世紀近く第一線で制作を続けている原動力について話を聞いた。 ―まず、ユニークな展覧会タイトル「ShimiShimiKao!」についてお聞かせください。 作品や展覧会のタイトルを付ける時に、新しい言葉を作るのが大好きなんです。今回の新シリーズの着想源は「stain（染み）」なのですが、日本語では「シミ」と発音すると聞いた時、その響きがとても気に入りました。 Photo: Kisa Toyoshimaケニー・シャーフ 英語の「shimmy」には、体をくねらせながら踊ると言う意味があるのですが、それとも音の響きが似ているでしょう？　それに、私が子どもの頃に聴いていた『Shimmy Shimmy Ko Ko Bop』という歌も思い出しました。 「Shimi Shimi」という言葉自体が、まるで歌のようで楽しいですよね。日本語としても意味が通じるし、私なりの言葉遊びとしても成立しています。そこに「Kao（顔）」が加えて、「ShimiShimiKao!」というタイトルが生まれたんです。 Photo: Kisa Toyoshimaケニー・シャーフ『SHIMISHIMIKAO!』（2026年） ―新作では、シミが顔に見えることが出発点になっていますが、普段こうした顔を日常の中で見つけるのですか？ 私は子どもの頃から、身の回りにある物が顔に見えてしまうんです。私は子どもの頃から、身の回りにある物が顔に見えてしまうんです。実はこの現象には「パレイドリア（Pareidolia）」という名前があります。 私は1958年生まれで、ロサンゼルスで育ちました。当時のアメリカ車を見れば分かると思いますが、ヘッドライトが目で、グリルが口のように見えて、どの車にも表情があるんですよね。 ロサンゼルスは車だらけでしたから、どこを見ても顔がありました。家だってそうです。窓が2つあって、その下にドアがあれば顔に見えてくるでしょう。 私の人生は、ずっとこのパレイドリアとともにありました。そしてこの「症状」の面白いところは、あらゆるものに人格を与えられるところです。 人や動物だけでなく、身の回りの物にも個性を見いだすことができる。まるで全ての物が生きているかのように感じられるんです。そうすると、世界は

タイムアウト東京 > カルチャー > インタビュー：片岡メリヤス  ふわふわのボディに、どこか捉えどころのない表情。ぬいぐるみ作家の片岡メリヤスが生み出す、放っておけないたたずまいのぬいぐるみたちは、日本のみならず国外の人々をとりこにしている。 2011年の活動以来、ぬいぐるみ制作を軸に、ペインティングや自ら脚本・出演をこなす人形劇など、活動は多岐にわたる。2021年には「横浜人形の家」で活動10周年の集大成となる展覧会を開催。ユニークな世界観は、ソウルや台南での展覧会を通じ、国境を超えて多くのファンに愛されている。 制作の根底にあるのは、自然の観察や、自分にとっての「好き」を貫くこと。そして、何よりも素直でいることだという。その姿勢は素材への向き合い方にも表れている。制作過程で出るフェイクファーの端切れも「二度と出合えないかもしれない生地をギリギリまで大切にしたい」という思いから保管され、それらを縫い合わせることでまた新たな作品へと生まれ変わらせる。 Photo: Time Out Tokyo『Time Out Japan Magazine』Special Issueの表紙 ―制作を始めたきっかけを教えてください。 ぬいぐるみは「作ろう」と意気込んで始めたのではなく、子どもの頃からぬいぐるみが好きだから自然な流れで作っている、という感覚です。 私は勉強も運動も全然できない子どもで、周りの子が自分より先に成長して「自分を武装するもの」を一つずつ獲得していくのを見てきました。ですが、大人になってから私が作ったものを「欲しい」と言ってくれる人がいて、やっと世界が振り向いてくれたというか、救われたような気がしました。 Photo: Naohiro Tsukadaターボくん ― 「ぬい旅」や「ぬい撮り」が広がっていますが、この現象についてどう感じていますか？ 私は家でぬいぐるみとしゃべっているんですが、そういうことって普段あまり言えないじゃないですか。でも展示すると、お客さんが自分のぬいぐるみをこっそり見せて、その子がどういう子かを聞かせてくれるんです。 ぬい活は人と出会う一つのきっかけにもなるので、もっと広がればいいなと思いますね。 ― ぬいぐるみ文化が広がっている、と感じる場所はありますか？ 最近は、山にぬいぐるみを連れてきている人が確実に増えています。山って、荷物を減らすことが正義とされる場所ですが、それでもぬいぐるみを連れてくる人がいるのが面白いですよね。 私は登山が趣味で、「シンゴ」というぬいぐるみをよく連れていくのですが、過酷な場所だから一緒にいると安心するし、強風が吹いていても寝袋の中に一緒に入れると癒やされます。それに、シンゴは電源コードから栄養を取るんですが、疲れてもすぐに回復するので山向きなんです。 ぬいぐるみは、自立した世界を生きています。温泉宿を経営して従業員を雇っている子もいれば、毎晩お風呂に入れるよう要求してくる子もいるんです。持ち主とぬいぐるみがどのような関係なのか、そこには、その人の世界との関わり方までが見えてくるようで興味があります。 人形劇の様子 ― 海外での展示のリアクションは？ 実は、日本とあまり変わりません。私の展示に来てくださる方は、控えめな方が多いというか、いい人が多いんですよ。海外だと反応の違いがあるのかなと思っていましたが、実際は日本と似ていて驚きました。 ぬいぐるみは、はっきり言ってしまえば生命を持たない、生きていないものです。でも、お客さんは「生きていないもの」に対して命を感じようとする

タイムアウト東京 > Things to Do> 幡ヶ谷でしかできない16のこと 渋谷区の中でも下町的な空気が残り、地元の人々のつながりが色濃いローカル感あふれる街・幡ヶ谷。駅周辺は再開発を免れ、今も4つの商店街が活気を残すほか、裏路地には個豊かな飲食店やカフェ、ギャラリーが点在している。 近年は若い感性を持つオーナーによる新店舗も増え、知る人ぞ知るクリエーティブな街として注目されている。散歩しながら気になる店をホッピングできるのも魅力の一つだ。 また、明治期に玉川上水の水を引くための新水路が整備されたことにより築かれた高い土手が街に独特の起伏を生んだ。坂道沿いにユニークな店が肩を並べる景色はここにしかないだろう。  今回は、Time Out Tokyo（タイムアウト東京）の読者やフードライター、編集部の英語・日本語チーム、さらに地元の人々からも情報を集め、多角的に幡ヶ谷の魅力をまとめた。きっと訪れてみたくなるはずだ。  関連記事『世界で最もクールな20の街』

タイムアウト東京 > Tokyo Insider > Tokyo Insider #25 片岡メリヤス ふわふわのボディと、どこかつかみどころのない表情のぬいぐるみを生み出し、国内外に多くのファンを持つぬいぐるみ作家の片岡メリヤスに、おすすめの「かわいい」店を聞いてみた。 関連記事『インタビュー：片岡メリヤス』

タイムアウト東京 > Things To Do > 進化する「ぬい活」の現在地 ぬいぐるみは、大量生産されるおもちゃの一つでありながら、大人たちの人生に寄り添う「パートナー」へとその定義を変えつつある。日本の「ぬい活」はもはや一過性のブームを超え、現代社会の孤独やストレスを癒やす「セルフケア」の一形態として定着した。 そして今、その活動はさらなる進化を遂げている。物と人間の新しい関係性をデザインし直す「ぬい活」の現在地に迫る。 関連記事『人生を変える「ぬい撮り」』

Art direction: Steve Nakamura | Photography: Naohiro Tsukada 「タイムアウトジャパン」は、旅と日常をつなぐ新しいライフスタイルを提案するマガジン『Time Out Japan Magazine』の特別号（英語のみ）を、2026年4月30日（木）に発行する。 『Time Out Japan Magazine』は、日本全国の旅と日常をつなぎ、それらを循環させることで生まれる体験の相互作用に着目し、人生をアップデートしながら豊かな時間を手に入れることをコンセプトに、2025年10月に創刊した新しいマガジンだ。 テーマは「The New Kawaii」、アップデートし続ける「かわいい」を掘り下げる かつて「かわいい」は、愛らしさを感じさせる整ったフォルムや、社会へのカウンターとしての意味を含むものだと考えられてきた。しかし、現在ではその前提は揺らぎ、説明しきれない違和感やゆがみすらも「かわいい」と感じられるようになっている。 今号の表紙を飾るのは、2人のアーティストの作品。一人は、戦後の日本家庭を象徴する「花柄毛布」を用いた大規模なインスタレーションで知られるアーティスト・江頭誠。そしてもう一人は、ふわふわのボディと、どこかつかみどころのない表情のぬいぐるみを生み出す片岡メリヤスだ。 Photo: Time Out Japan 花柄毛布に包まれた独特の世界観や、絶妙なアンバランスさを持つぬいぐるみ。かつては見過ごされていたものが、今は斬新なかわいさとして熱い視線を浴びている。特集では、2人の言葉を通じて新しいかわいさの正体を探っていく。 インタビューのほかにも、ぬいぐるみ専用の最新サービス事情や、「ぬい撮り」のコツ、ひとクセあるキャラクターなどをピックアップ。池袋は、独自のかわいい路線を貫く店やスポットの宝庫だ。そんな知られざる街の一面を巡るガイドを収録するなど、さまざまな角度から日本独自のかわいい文化を掘り下げる。 Photo: Time Out Japan ナイトライフや知られざる酒蔵の街も 「かわいい」の感性に浸った後は、一転して、東京・大阪・京都で今注目のナイトライフスポットを厳選して紹介。さらに、六本木エリアのアートシーンを切り取ったガイドも見逃せない。 Photo: Time Out Japan また、日本の「三大酒処」の一つでありながら、その魅力がまだ広くは知られていない広島県東広島市西条の特集も掲載。蔵元が立ち並ぶ街並みや、豊かな食文化を深掘りする。 「かわいい」を入り口に日本を再発見できるのはもちろん、旅の体験をより豊かにするためのヒントが詰まった一冊だ。 『Time Out Japan Magazine』特別号（言語：英語）は、全国主要都市の商業施設・空港・ホテル・「タイムアウトマーケット大阪」などで順次無料配布。全ての記事は、発行日からウェブ版・デジタル版でも見ることができる。日本語版も同日からウェブ限定で配信するので、ぜひチェックしてほしい。   

With their uncanny shapes, elusive facial expressions and strange yet natural-looking motifs, Meriyasu Kataoka’s plushies are a different (stuffed) animal. Since going professional in 2011, Japan’s soft-toy artist extraordinaire has attracted a loyal international following with her inimitable weird-cute creations, and expanded her artistic activities to include painting and puppet theatre. She celebrated her tenth anniversary as an artist with a sweeping retrospective at the Yokohama Doll Museum and has recently held successful exhibitions in South Korea and Taiwan. But no matter how popular her adorably strange companions have gotten, Kataoka has stayed true to her calling of making authentic art that speaks to her honest feelings. She has deep respect for nature, cherishing every last piece of fabric when transforming scraps of faux fur into mellow but magnetic characters like the cedar treeling on the alternate cover of Time Out Japan’s May 2026 special issue. Who better then to tell us what kawaii means in 2026? Photo: Time Out JapanTime Out Japan special issue, May 2026 How did you get into making plushies? I didn’t set out with the intention of making plushies – it just felt like a natural progression because I’ve loved them since I was a child. I was terrible at both schoolwork and sports, and quickly realised that kids around me grew up faster than I did. It wasn’t until adulthood, when people told me they wanted the things I made, that I felt like the world had ta

海と山に挟まれた神奈川大磯町で、うつわの祭典「大磯うつわの日」が開催されている。会期は2026年10月23日（金）〜25日（日）の3日間。全国からうつわ好きが集まる、特別な週末だ。 このイベントの特徴は、街の至る場所で同時に展覧会が行われること。街なかのカフェや古民家などがギャラリーへと姿を変え、陶器や木工、ガラスなどを扱う作家たちのうつわが所狭しと並ぶ。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 始まりは2011年。数名の作家が、大磯町内で複数の展示を同時開催する企画を立ち上げたことがきっかけだ。年々ファンを増やし、14回目となる2026年は過去最大級にスケールアップした。73もの会場で、108人・組の作家たちがそれぞれの作品を披露している。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 大磯駅に到着したら、無料配布されているガイドブックを手に入れたい。ページをめくって目当ての作品を探しに行くのも楽しいが、あえて地図を見ずに、古い民家が並ぶ路地を気ままに歩きながら会場を巡るのもおすすめの楽しみ方だ。 Photo: Kisa Toyoshima「服月洋装店」での展示 駅周辺には会場が凝縮しているので、数メートル歩くごとに新たな作品に出合える。人だかりができている場所も多く、マップをこまめに確認しなくても、展覧会場が見つけられるだろう。 個性豊かな会場 会場それぞれがユニークな点も、このイベントの魅力。かつてパン屋兼駄菓子屋だったレトロな空間を生かし、月に3日だけオープンする「花の仕立て屋『Yurari』」では、店内に残るガラスケースの中に、ガラス作家の繊細な作品が陳列されている。 Photo: Kisa Toyoshima「花の仕立て屋『Yurari』」外観 Photo: Kisa Toyoshima「花の仕立て屋『Yurari』」での展示 珍しい観葉植物が店先を飾る「烏」では、注目の陶芸作家、青柳あづみの器を展示・販売している。初日から彼女の作品を目当てにファンが訪れ、賑わいを見せていた。店頭では、逗子市や二宮町を拠点にするスペシャルティコーヒーブランド「Zig Zag Coffee」のコーヒースタンドも登場。特別な1杯を片手に街歩きするのも至福のひとときだ。 Photo: Kisa Toyoshima「烏」外観 Photo: Kisa Toyoshima「烏」での展示 夜にはバーになるという、シックな釣具店「1925 LLC STORE」も立ち寄ってほしいスポット。木を削り出して作られた一点もののマグカップは、美しい木目に加え、軽く、手に馴染むフォルムも秀逸だ。 Photo: Kisa Toyoshima「1925 LLC STORE」での展示 散策の途中で気付くのは、大磯には古民家の魅力を生かした店が数多くあること。看板犬が出迎えてくれるカフェ「Sara」や「福月洋装店」もその一つ。どちらも、空間の雰囲気とうつわが調和し、実際にどんな料理を盛り付けようかと想像がふくらむ。 Photo: Kisa Toyoshima「Sara」外観 Photo: Kisa Toyoshima「Sara」での展示 会場によっては作家が在廊しているため、運が良ければ作家に直接話を聞くこともできるかもしれない。制作の話やうつわの使い方などを尋ねれば、手に入れた作品への愛着も増すだろう。 Photo: Kisa Toyoshima「服月洋装店」の外観 Photo: Kisa Toyoshima「服月洋装店

落ち着いた街並みのあちこちに、センスあふれる個人店が点在する世田谷の街並み。そこに、つい足が向いてしまう新たなスポットが生まれた。 駒沢と三軒茶屋の中間辺り、上馬の通り沿いに、古本屋と喫茶店を併設する「本と喫茶パラード」が移転オープンした。弦巻通りに面した大きなガラス窓からは店内に並ぶ本棚が見え、行き交う人々の目を引きつけている。 Photo: Kisa Toyoshima外観 2025年4月に渋谷で営業を開始した同店は、建物の建て替えを機に移転を決意。2026年9月11日、上馬で新たなスタートを切った。コバルトブルーに塗られた床に木製の家具が配された店内は、どこか子どもの頃の部屋を思わせる、アットホームな雰囲気に包まれている。 Photo: Kisa Toyoshima内観 入り口に置かれた机に並ぶのは新刊本。国内外の小説、料理本や漫画まで、数は少ないがジャンルは幅広い。本屋担当の川瀬佐千子は、雑誌や単行本、広告コピー制作などに携わる現役の編集ライターだ。 児童文学と料理をテーマにした連載コラムをまとめた著書『おいしいおはなし』『続おいしいおはなし』（ともにグラフィック社）も並ぶ。すぐ脇の棚には、子どもの頃から今も好きだという彼女のいち押し、児童文学が古本で揃う。 Photo: Kisa Toyoshima『おいしいおはなし』のほか、新刊が並ぶ机の上 子どもの頃に夢中になった物語を読み直す楽しみはもちろん、当時は知らなかった物語に触れてみるのもいい。大人であっても新鮮な発見に出合えるはずだ。 Photo: Kisa Toyoshima内観 Photo: Kisa Toyoshima児童書が並ぶ棚 さらに奥の棚を埋めるのは、さまざまな人の手を渡ってきた味わい深い古本の数々。科学や心理学などジャンルは多岐にわたり、特定の分野に偏らない自由なラインアップが魅力的だ。そこには、「これから先も残ってほしい」という川瀬の思いが込められている。 Photo: Kisa Toyoshima店内奥の棚 1980年代に発行されたレシピ本を手に、「YouTubeなどの手がかりがなかった時代だからこそ、昔の本は作り方がとても丁寧に書かれているんです」と彼女は語る。情報が簡単に手に入る時代だからこそ、一冊の古い本とじっくり向き合う時間は貴重である。本を探す時間も、この店で味わいたい贅沢の一つだ。 Photo: Kisa Toyoshima内観 書店スペースから区切りなく広がる喫茶スペースでは、本に囲まれた心地よいひとときが過ごせる。 喫茶の看板メニューは、グラフィックデザイナーでもある喫茶担当の宇佐美慶洋が作る自家製のカレー。「きょうのカレー」「きのうのカレー」（各1,200円、以下全て税込み）と、その2種類を一度に味わえる「2種盛り」（1,400円）を用意する。豚肩ロースを日本酒で煮込んださっぱりとしたポークカレーと、スパイスが香るチキンカレーがあり、「きょう」「きのう」がそれぞれ日々入れ替わる。 Photo: Kisa Toyoshima喫茶スペースの内観 渋谷に店舗を構えていた際には、ポークカレーを食べに、1カ月の滞在中毎日のように通い詰めた海外からの旅行客もいたというほど熱心なファンを持つ一皿。チキンカレーもスパイスが豊かに香り、さらりと食べられてしまう軽やかさがちょうどいい。それでいて「ここはあくまで喫茶店」という点にこだわり、どちらも誰もが親しみやすく楽しめる味わいに仕上げている。 Photo: Kisa Toyoshima

大胆なプリントと鮮やかな色使いで、日本にも多くのファンを持つフィンランド発のブランド「マリメッコ」。その創立75周年を記念した展覧会「マリメッコ展 模様のちから」が、2026年10月3日（土）から12月20日（日）まで、目黒の「東京都庭園美術館」で開催されている。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 まずは、マリメッコとはどんなブランドなのか。デザインやファッションにさほど興味がなくても、大きな花柄のテキスタイルや、フィンランド発のブランドであることは知っているという人も多いだろう。 一方で、その75年にわたる歴史について知る機会は、意外と少ない。ここでは、展覧会を見る前に、その歩みを少し振り返ってみたい。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 マリメッコが誕生したのは、第二次世界大戦終結から間もない1951年。人々が暗い時代を抜け、自由を求めていたフィンランドで、それまで印刷会社に勤めていたアルミ・ラティア（Armi Ratia）によって創設された。アルミは、友人のマイヤ・イソラ（Maija Isola）をはじめとするアーティストをファブリックデザイナーとして起用し、明るく大胆なプリントを世に送り出していった。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 それまでの「窮屈で、他人の目を意識した服」に対してマリメッコが提案したのは、体を自由にする開放的なデザインだった。アルミの革新的な思想は当時の女性たちから支持を集め、やがてマリメッコのドレスをまとったモデルが「ELLE」誌の表紙を飾るまでになる。さらに、ジャクリーン・ケネディ（Jacqueline Kennedy）がマリメッコのドレスを愛用したことをきっかけに、その名は世界へと広がっていった。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 そんなマリメッコの歩みを紹介する同展だが、単なる回顧展ではない。会場には60点以上の貴重なドレスやテキスタイルが並び、マリメッコが75年にわたって育んできた美学や哲学を、空間そのものを通して体感できる構成になっている。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 かつて邸宅だった同美術館ならではの、一部屋、一部屋を巡るような展示も印象的だ。進むにつれて、カラフルで大胆なテキスタイルやドレスが次々と目に飛び込み、部屋ごとにマリメッコの多彩な表情が見られる。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 同展で提示されるのは、プリントを単なる平面的な模様として見るのではなく、その中に入り込み、身体的に体験するという視点。その考え方を象徴するのが、ファッションブランド「ミナ ペルホネン」のデザイナー、皆川明によるインスタレーションだ。 マリメッコのホーム＆プリンツ デザイン・ディレクターのミンナ・ケメル＝クトゥヴォネン（Minna Kemell - Kutuvonen）と皆川が、観客がどのようにファブリックを体感できるかを対話しながら制作したという同作では、マリメッコの16種類のテキスタイルが、巨大な輪飾りのようにつながり、空間いっぱいにつり下げられており、祝祭感溢れる空間を作り出している。 Photo: Kisa Toyoshima皆川明によるインスタレー

ゴッホ、ミッフィー、チューリップ、洗練されたデザイン。日本から見たオランダには、いくつもの定番のイメージがある。しかし、現地の最先端シーンに目を向けるとそれは一変する。 移民問題や植民地主義の歴史、気候変動、ジェンダー、そして都市と地方の断絶など、社会が抱える課題に、クリエーターたちはアートやファッション、舞台芸術を通して鋭い問いを投げかけている。 私たちに見えている景色の向こうで、今何が起きているのか。カルチャーシーンの現場から現状をひもとく。 見過ごされてきた歴史に光を当てる 複雑な社会課題と向き合う時、まず必要なのは、誰の視点から歴史を見るのかということである。オランダでは今、これまで語られてこなかった人々の声を現在へとつなぎ、未来を考えるための場が各地で生まれている。 170カ国以上の人々が暮らす多文化都市・ロッテルダムに誕生した「FENIX」は、移民をテーマにしたアートミュージアム。歴史的資料やアートを通して、人々が国境を超えて移動してきた歴史にフォーカスする。 Photo: Titia Hahne「FENIX」前の埠頭に設置されたウィレム・デ・クーニング（Willem de Kooning）の3つの彫刻 もう一つ注目すべきは、見過ごされがちだった視点から歴史を記録するアーカイブ「The Black Archives」だ。オランダの黒人作家や研究者が残した2万点以上の資料を収蔵し、人種差別や植民地主義、ジェンダーなどをテーマにした展覧会や教育プログラムを通して、知られざる歴史を開かれた対話として社会に還元している。 Photo: Les AduThe Black Archives 服を作ることは社会を作ること ファッションは、もはや単なるトレンドを追うものではない。アイデンティティーやジェンダー、サステナビリティといった課題を考えるメディアへと進化を遂げている。 アムステルダムを拠点に活動するアヌーク・ベッカーズ（Anouk Beckers）は、衣服を対話のツールとして扱うデザイナー。彼女の代表的なプロジェクト「JOIN Collective Clothes」では、トップスやスカートなど、衣服のパーツを参加者がそれぞれ作り、一つの衣服へと完成させていく。衣服を消費されるものから、人々とともに作るものへとシフトさせ、ファッションの在り方そのものを根底から問い直す試みだ。 Image left: The garment pieces on the photo are made by Thijs Beckers, Iris Ebel, Charlie Winkel and Timia Rugenbrink. Photography by Aldo Buscalferri - Matto Magazine. Image right: The garment pieces on the photo are made by Camiel Fortgens, Cheong il Ryu, Dewi Bekker (Das Leben Am Haverkamp), Elena Blazquez, Thijs Beckers and Timia Rugenbrink. Photography by Scheltens & Abbenes「JOIN Collective Clothes」 一方、テキスタイルを通してクィアアイデンティティーを表現するのが、ヤムナ・フォルツァーニ（Yamuna Forzani）。アクティビストとしても活動する彼女

障害の有無や年齢、性別、国籍などの違いを超えて、多様な人々がともに踊る「インクルーシブダンス」は、1980年代から欧米を中心に数多く試みられてきた。それは、ダンスという身体表現を通して社会の中に存在するさまざまな境界や固定観念を問い直し、異なる体が共存することの可能性を探る実践でもある。 「2025年日本国際博覧会」（大阪・関西万博）でオランダの公式プログラムの一つとして上演された『UNUM』も、その実践から生まれた作品の一つ。オランダと日本、それぞれ異なる文化や背景を持つ人々が集い、誰もが参加できる社会とは何かを問いかけた。 Photo: Eiji FuruichiUNUM 振付を手がけたのは、オランダ最大級のバレエカンパニーの一つであり、インクルーシブダンスの先駆的な活動に取り組むINTRODANSの振付家兼演出家、エイドリアン・ルテイン（Adriaan Luteijn）。そして、日本国内で同様の活動を推進してきた「LAND FES」のアーティスティックディレクター・松岡大である。 それぞれの場所で活動を積み重ねてきた2人のアーティストが交わり、UNUMは生まれた。その背景にあったのが、大阪・関西万博でオランダパビリオンが掲げた「コモングラウンド」というテーマだ。異なる文化や価値観を持つ人々が出会い、互いに分かち合いながら新たな価値を生み出すという考えは、2人の創作活動とも重なっている。 Photo: Daisuke UzunamiUNUM 両者がコラボレーションのテーマに選んだのは「親子」の関係性だった。誰にとっても身近である関係を入り口に、異なる他者とどう関わり、互いの違いを認めながらともに生きていくのかを考えられるのではないか――そんな問いから制作は始まった。 作品作りには、日本とオランダ、それぞれの国の親子たちが参加。障害のある家族を持つ親子や、プロフェッショナルのダンサー、そしてダンスを専門としない参加者も加わった。制作の場では、上手な人が教え、できない人が合わせるのではなくそれぞれが身体感覚や経験を持ち寄り、交換することで一つの作品を作り上げていったのである。 Photo: Daisuke UzunamiUNUM 「違いがあるからこそ衝突が生じ、そこから新しい身体表現が生まれる」。ルテインは、そんな考えを振付に取り入れる。日常的なスキンシップが比較的少ない日本と、より身近なオランダ。それぞれ異なる親子関係はダンスにどのような影響をもたらしたのか、彼は次のように語る。 「オランダと日本では、親子関係における文化的な違いがたくさんあります。でも、どちらの国にも親子だからこそ生まれる、言葉では簡単に説明できないつながりがあります。文化が違っても、親子の間にある愛情は変わらないのです。 母親や父親と一緒に踊ることを想像できますか？　父親をリフトしたり、息子の上に座ったり、娘と一緒にクレイジーなダンスを踊ったり。親子で踊ることは、ダンサーにとって、とても興味深い旅になります。UNUMの制作過程では、親と子が手探りで体を動かしながら少しずつ互いの距離を縮め、関係を深めていく姿が見られました。それは、日本でもオランダでも同じです」 Photo: Daisuke UzunamiUNUM 親と子の間の身体的接触は、日常生活の中では時に少し気まずく感じられることがあるが、それをダンスに置き換えることで、次第に異なる意味を帯びていくという。ダンスを創作する際に重視されているのは、境界を取り払うことではなく、むしろ、制作の過程で自分

After much anticipation, Nanzuka – one of Tokyo’s premier contemporary art galleries – has opened its brand-new flagship space in Shibuya Axsh, marking the gallery’s return to Shibuya after a 20-year absence. Officially opened on September 12, the new gallery aims to make contemporary art more accessible through its concept of ‘social friendship’, bringing people together through art. Its open design features a doorless entrance and minimal walls, creating a welcoming space that naturally draws visitors into the exhibitions. © Keiichi Tanaami. Courtesy of NANZUKA展示風景 The inaugural exhibition celebrates contemporary Japanese artist Keiichi Tanaami with his solo show ‘Do Not Bomb’. Spanning works from the 1960s to unreleased pieces made before his death in 2024, the exhibition explores his memories of war through around 60 works, including silkscreens, collages, paintings, animations, sculptures and videos.  © Keiichi Tanaami. Courtesy of NANZUKA展覧会会場 Tanaami’s artwork also features in the gallery’s new logo. © Keiichi Tanaami. Courtesy of NANZUKA展示風景 Drawing on childhood memories, Tanaami incorporated elements of post-war popular culture, from American comics and advertising to films and manga, into his work. The exhibition traces around 60 years of his artistic career, focusing on the ‘memories of war’ he continued to depict until shortly before his death. © Keiichi Tanaami. Courtesy of NANZUKA‘Do Not Bomb’ at Nanzuka The work closest to the entrance is ‘Do Not Bomb’,

現代アートギャラリー「NANZUKA」の新たなフラッグシップギャラリー「NANZUKA」が、2026年9月12日（土）に渋谷駅直結の商業施設「渋谷アクシュ」の3階にオープンする。2005年に「NANZUKA UNDERGROUND」として渋谷に誕生したNANZUKAが、20年余りの時を経て再び渋谷に拠点を構えることになる。 新たなフラッグシップギャラリーでは、「Social Friendship」をコンセプトに、より多くの人に開かれたギャラリーを目指す。新しいものが次々と生まれる一方、アートの拠点としては捉えられてこなかった渋谷で、アートとの新たな接点を作りたいという代表の思いも背景にあるという。  © Keiichi Tanaami. Courtesy of NANZUKA展示風景 そんな思いを表すように、ギャラリーの入り口には扉などは設けず、気軽に中へ入れる開かれた作りになっている。展示スペースも壁などで細かく仕切られておらず、自然と展示スペースへと引き込まれる開放的な空間だ。 こけら落としとなる展覧会は、所属作家だった田名網敬一の展覧会「DO NOT BOMB」。田名網は「国立新美術館」での大規模個展「田名網敬一 記憶の冒険」が開幕したわずか2日後、この世を去った。同展では、1960年代から2024年までに制作されたシルクスクリーン、コラージュ、ペインティング、アニメーション、立体・映像作品など約60点を展示する。 © Keiichi Tanaami. Courtesy of NANZUKA展示風景 幼少期に経験した戦争の記憶を原点に、アメリカンコミックや広告、映画、漫画など、戦後の大衆文化を表現に取り込んできた田名網。同展は、逝去する直前まで描き続けた「戦争の記憶」を軸に、その約60年にわたる創作活動をたどるものだ。 © Keiichi Tanaami. Courtesy of NANZUKA展示風景 会場入り口に最も近い位置に展示されているのは、2024年の大規模個展の準備中に制作された『DO NOT BOMB』。世界各地で戦争が続く状況を背景に制作された作品で、画面の中央には、砲弾を思わせるようにこちらへまっすぐと向かってくる金魚が描かれている。 ©Keiichi Tanaami Courtesy of NANZUKA田名網敬一 Keiichi Tanaami DO NOT BOMB 2024 Pigmented ink, acrylic silkscreen medium, crashed glass, glitter, acrylic paint on canvas H141 x W100 cm 金魚の周囲には爆発による破片を思わせるように、バラの花弁が舞う。戦争の恐怖を直接的に描くのではなく、幻想的なイメージに変換してきた田名網独自の表現が凝縮された作品だ。 会場には、『DO NOT BOMB』につながる「NO MORE WAR」シリーズも並ぶ。1967年に制作されたこのシリーズは、アメリカの雑誌『Avant Garde』が1968年に主催した反戦ポスターコンテストに出品され、優秀作に選ばれたもの。ポップアートの影響を受けたシルクスクリーンによる作品には、田名網が早くから関心を寄せていた、複製によってより多くの人にイメージを届けたいという姿勢も表れている。 © Keiichi Tanaami. Courtesy of NANZUKA展覧会会場 約60年の時を経て、同じ反戦のメッセージが『DO NOT BOM

原宿を拠点とするオークションハウス「NEW AUCTION」が、ファッションブランド「Maison Martin Margiela（メゾン・マルタン・マルジェラ）」のアーカイブを一堂に集めたオークション「Maison Martin Margiela, 1989–2009: The Private Archive Collection」を開催する。 オークションに先駆け、2026年9月18日（金）から25日（金）まで、「RAYARD MIYASHITA PARK」の「South」3階にあるアートギャラリー「SAI」でプレビューを実施。アートギャラリーに立ち寄るような感覚で、誰でも気軽に会場を訪れることができる。 画像提供：NEW AUCTIONキービジュアル 画像提供：NEW AUCTIONStockman Jacket, Spring-Summer 1997 出品されるのは、一人のコレクターが約20年にわたって収集してきた300点を超えるプライベートコレクション。マルジェラがメゾンを率いた時代に生み出されたオブジェや衣服を通して、創作の歴史がたどれる。 画像提供：NEW AUCTIONReplica Doll Denim Pants, Spring-Summer 1999 コレクションには、「Artisanal」「Replica」「Doll (Barbie) Series」をはじめ、メゾンを象徴するシリーズのほか、それぞれのコレクションを支えたエッセンシャルピースも含まれる。1995年秋冬の「赤のコレクション（The Red Show）」を象徴する「Red Paint-Coated Denim Jacket」や、1997年春夏の「Stockman Jacket」なども出品予定だ。 画像提供：NEW AUCTIONRed Paint-Coated Denim Jacket, Autumn-Winter 1995 画像提供：NEW AUCTIONTwin Bag, Spring-Summer 2003   画像提供：NEW AUCTIONReversible Wrap Skirt Made from a Duvet Cover, Autumn-Winter 1999 プレビューの開催時間は11時から20時までで、最終日のみ17時まで。オークションは9月26日（土）に同会場で行われる。全ての出品作品は、オンラインカタログでも確認できるので、ぜひチェックしてほしい。 気になっていたアイテムが手に入れられるかもしれないこの機会。お気に入りの一着を見つけてみては。 関連記事 『池尻大橋の元ガソリンスタンドがカルチャースペース「Ikejiri SS」に』 『新設リスニングルームを完備した「Analog Market」が亀有SKACで初開催』 『最もよく眠れた人に222万円、「マットレース by Koala」が開催』 『東京国立近代美術館で「ぬいぐるみお泊り会」が開催へ』 『ロンドン発の音楽ディスカバリープラットフォーム「ROVR」が日本初イベントを無料開催』 東京の最新情報をタイムアウト東京のメールマガジンでチェックしよう。登録はこちら

「帝国ホテル 東京」の光壁『黎明』や皇居の新宮殿のシャンデリア『光造形』など、建築と一体となった作品をはじめ、数多くの野外彫刻を手がけた多田美波。光や反射といった現象を取り込みながら、独自の表現を追求した彼女の没後初となる大規模回顧展「多田美波―光、凛と ゆれる」が、清澄白河の「東京都現代美術館」で、2026年12月6日（日）まで開催されている。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 1924年に台湾・高雄で生まれ、2014年に逝去した多田は、絵画から彫刻、照明、建築空間まで幅広く手がけた彫刻家。同展では、約70年にわたる活動から、初期の絵画をはじめ、アルミニウムやアクリルを用いた彫刻、作家が「光造形」と呼んだ照明作品まで、およそ70点を展示する。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 同展は、初期の絵画から幕を開ける。高度経済成長真っただ中の1950年代後半、30代前半の多田が繰り返し描いたモチーフの一つが「変電所」だ。電線や鉄塔が交差するその姿は、成長を続ける当時の日本を象徴する存在だったのだろう。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 一見すると白と黒を基調とする絵の具で描かれているようだが、近づいてよく観ると、下地にカラフルな色が潜んでいることが分かる。既にこの頃から、光が内包する複雑な色彩を追い求めていたことがうかがえる。 Photo: Kisa Toyoshima『変電所』（1958年） 会場を進むにつれ、平面だった作品は徐々に抽象的かつ立体的なアプローチへと変化していく。1960年ごろからは、キャンバスに絵の具を垂らしたり、小石やガラス片を貼ったり、表面を切りつけたりと、手の痕跡をぬぐいたいという意識が感じられる作品を手がけるようになる。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 Photo: Kisa Toyoshima作品の部分（題不詳・制作年不詳） その後、彼女が注目したのがアルミニウムだった。ハンマーでたたき、バーナーで熱することで「手癖」から離れ、コントロールしきれない表現を生み出していった。その代表例が「周波数」シリーズだ。 Photo: Kisa Toyoshima展示風景 1960年代後半になると、当時の新素材であったアクリルにも積極的に取り組むようになる。アクリルにアルミニウムを貼り付けた鏡面仕上げの作品『Phase-Space 6943』（1969年）では、シンバルのような形状をした3つの円状がモーターによってゆっくりと回転することで、周囲の環境や鑑賞者の姿を映し込み、刻々と変化する表情を生み出す。 Photo: Kisa Toyoshima『Phase-Space 6943』（1969年） 「環境を芸術の中に入れるだけでなく、芸術を環境化する」と多田が語ったように、彼女が追求したのは、作品を置くことで周囲の空間そのものを変え、鑑賞者を作品の外側ではなく取り巻く環境ごと巻き込むことだったのだ。 会場の奥へ進むと、多田の代表作ともいえる野外彫刻の作品が展示されている。全国各地で野外彫刻展が盛んになった1960〜1970年代、多田も数多くの展覧会に参加し、屋外空間を前提とした大規模な彫刻を手がけるようになった。作品のスケールが大きくなるにつれて、制作は一人の作家だけで完結するものではなくなり、「多田美波研究所」のスタッフとの協働によって進められていった。 Photo: Kisa Toyoshima『スペース』（2009年） 吹

2026年8月31日（月）から9月5日（土）まで、「Rakuten Fashion Week TOKYO」が開催。今季は28ブランドが参加し、うち9ブランドが海外から参加する。 日本のブランドを世界へ発信するだけでなく、海外ブランドを東京へ呼び込む動きも加速している。設立20周年を迎え、「これからの20年」を見据える今季の見どころを紹介しよう。 画像提供：一般社団法人日本ファッション・ウィーク推進機構キービジュアル TOKYO FASHION AWARD受賞ブランドが集結 今季は、「TOKYO FASHION AWARD」などを通じて選出され、国内外で活動してきたブランドが再び東京のランウェイに登場する。 継続的にコレクションを発表しているブランドに加え、しばらく東京でのフィジカル発表から離れていたブランドが戻ってくるのも特徴。「soduk」など、デジタル発表を経て再びリアルな会場で新作を披露するブランドもあり、ファッションウィークにおけるフィジカルの価値を改めて感じさせるシーズンとなりそうだ。 画像提供：一般社団法人日本ファッション・ウィーク推進機構「kotohayokozawa」 スペイン、フランス、台湾、中国からも参加 今季は海外から9ブランドが参加。スペインの「SONIA CARRASCO」をはじめ、フランス、台湾、中国などからブランドが東京に集まる。 中国から参加する「WHiTENOOK」は、前シーズンに続き登場。前回の東京での発表を通じて中国国内での認知度が高まったことから、今回は単独での発表が決まったという。また、台湾を拠点に国際的な人気を集める「CHARINYEH」は東京で初めてコレクションを発表するなど、アジア圏から東京への注目も高まっている。 画像提供：一般社団法人日本ファッション・ウィーク推進機構「FDMTL」 ANDAMとの連携で海外ブランドを東京へ 今回特に注目したいのが、フランスのファッションコンテスト「ANDAM」との連携だ。前シーズンから始まったパートナーシップを継続し、ANDAMに関連する海外ブランドが東京で発表する機会を創出する。 さらに、フランス発のショールーム「RUN x ANDAM FASHION AWARDS PARIS」も8月31日から9月2日（水）まで「渋谷ヒカリエ 8/COURT」で開催される。東京を日本ブランドの海外発信拠点にするだけでなく、海外ブランドにとってのアジア市場への入り口としても位置づけることで、国際的なファッション都市としての東京の存在感を高めていく。 画像提供：一般社団法人日本ファッション・ウィーク推進機構©JFWO「pays des fées」 ファッションをもっと身近に 業界関係者だけでなく、一般の人が参加できる企画にも注目したい。「渋谷ヒカリエ」では、来場者がファッションスナップを撮影できる特別ステージを設置。ブランドの発表を「見る」だけでなく、自分自身もファッションウィークの一部として楽しめる。 設立20周年を迎えた「Rakuten Fashion Week TOKYO」。今季は、東京が世界とアジアをつなぐファッション都市としてどのように印象を強めていくのかに注目したい。 関連記事 『永遠のファッションアイコン、マリー・アントワネットを見つめ直す展覧会が横浜で開幕』 『CHANELの体験型ビンテージショップ「NUIR ART」が渋谷にオープン』 『下北沢駅前に「和」をテーマにしたチャイを提供するカフェバー「OCHER」がオープン』 『LAの老舗

1862年にフランス・パリで創業して以来、160年以上にわたり、高級菓子とともに、パリの「サロン・ド・テ」の歴史を作り上げ、ゆったりと非日常的な空間や美食を通して優雅な時間を提供してきた老舗パティスリー「ラデュレ」。2枚のマカロン生地の間にクリームを挟む、現在では馴染みの「マカロン・パリジャン」のスタイルを考案したメゾンとしても知られ、世界的な知名度を誇る。 Photo: Kisa Toyoshima「マカロン」 そんなラデュレの日本における新業態「カフェ・ラデュレ」が、2026年7月24日、JR大宮駅構内の商業施設「エキュート大宮」にオープンした。日本ではこれまで、百貨店内のブティックやアフタヌーンティーなどが楽しめるサロン・ド・テを中心に展開してきたラデュレだが、カフェ・ラデュレは名古屋に続く国内2店舗目であり、関東では初出店となる。 Photo: Kisa Toyoshima「ドーナツ」（左）と「イスパハン・ラテ」 ラデュレがなぜエキナカでカフェを始めたのか？ 創業以来、ラデュレは「フランス流アール・ド・ヴィーヴル（生活の美）」をブランドの核としてきた。しかし、人々のライフスタイルの変化を受け、気軽に立ち寄れるカフェ業態としてアップデートしたのが同店だ。 この新業態は、パリやロンドン、ニューヨークなど海外の主要都市でも展開されており、まさに日常的に利用できる近所の身近なカフェとして親しまれている。そのため、店頭には、公園でも移動中でも食べやすい「フィンガーパティスリー」（各1,188円、以下全て税込み）をはじめ、ドリンクといったテイクアウトを中心としたラインアップが並ぶ。 Photo: Kisa Toyoshima店内で一つ一つ丁寧に作られる「ドーナツ」 Photo: Kisa Toyoshima店内のアトリエでドーナツを作る様子 2号店はなぜ大宮だったのか？ 名古屋に続く国内2号店に選ばれたのは、エキュート大宮だった。2024年度の統計によると、JR大宮駅の1日平均乗車人員は25万4220人で、JR品川駅に次ぐ7位。新幹線も乗り入れる日本有数のターミナル駅であり、通勤・通学客に加え、旅行者も数多く利用するこの場所は、「日常使いできるラデュレ」を体現するのにふさわしい立地といえる。 Photo: Kisa Toyoshima「焼きたてフィナンシェ」 ラデュレ初となるドーナツが登場 同店最大の注目は、ラデュレ初となる「ドーナツ」（テイクアウトは各594円、イートインは各605円）。店内で一つ一つ作られるドーナツには、厳選した強力粉とフランス産小麦の薄力粉をブレンドした生地を使用している。きめ細かな口当たりと、バターの豊かな香りが特徴だ。 表面は滑らかなフォンダンでコーティングし、バタークリームや金箔（きんぱく）を飾り付けることで、まるでパティスリーのように華やか。日本でもドーナツ専門店が相次いで登場する中、ラデュレらしいエレガンスを表現したスイーツとなっている。 Photo: Kisa Toyoshimaフレーバーは、濃厚なピスタチオが味わえる「ピスタッシュ」（左）、ヘーゼルナッツとチョコレートを組み合わせた「プレジール・シュクレ」（上）、ローズとフランボワーズが香る「イスパハン」の3種類 さらに、大宮店限定で販売される「焼きたてフィナンシェ」（テイクアウトは378円、イートインは385円～）も見逃せない。毎日11・13・17時の3回、店内で丁寧に焼いている。焼き上がりの時間帯には行列ができることもあるため、確実に購入

歴史上最もファッショナブルな王妃として、映画やアニメなど数々の作品の題材となり、今なお世界中で影響を与え続けるマリー・アントワネット（Marie Antoinette）。そんな彼女を「ファッションとスタイルのアイコン」として捉え直す展覧会「マリー・アントワネット・スタイル」が「横浜美術館」で、2026年11月23日（月・祝）まで開催されている。 Photo: Kaoru Hoshinoフランソワ＝ユベール・ドルーエ『コートドレスのマリー・アントワネット』（1773年） 同展は、ロンドンの「ヴィクトリア＆アルバート博物館」が企画した展覧会の日本巡回展であり、日本では横浜美術館のみで開催。ドレスやジュエリー、家具、工芸品など約200点を通して、250年以上にわたりファッションやデザインに受け継がれてきた彼女のスタイルの系譜をたどる。 Photo: Kaoru Hoshino展示風景 Photo: Kaoru Hoshino『ヘアスタイル「独立」あるいは「自由の勝利」』（1778年刊行） Photo: Kaoru Hoshino『エクストラヴァガンザ（豪壮な催し）』（1776年） なぜ今、マリー・アントワネットなのか？ 同展は同時に「浪費家の王妃」という固定化されたイメージを見直す試みでもある。14歳でオーストリアから見知らぬフランスへ嫁ぎ、王妃、妻、母として生き、革命の時代を駆け抜けた一人の女性としての姿を描き出す。 そもそも、なぜ今マリー・アントワネットに焦点を当てるのか。その理由は、展覧会の冒頭に掲げられたメッセージに表れている。 Photo: Kaoru Hoshino『マリー・アントワネットの肘かけ椅子』（1788年） 18世紀後半の芸術は彼女の夫の名をとって「ルイ16世様式」と呼ばれているが、それを「マリー・アントワネット様式」、すなわち「マリー・アントワネット・スタイル」として見直したらどのような発見があるのか。この問いが、同展を貫くテーマだ。 横浜美術館館長の蔵屋美香は、次のように語る。「直線的で左右対称なデザインを特徴とする『ルイ16世様式』を『マリー・アントワネット・スタイル』と読み替えた瞬間、それまで視野に入ってこなかったファッションや宝飾品、食器など、身の回りを彩るものに起きた新しい変化が見えてきました」 Photo: Kaoru Hoshino『皇后ウジェニーの昼用ボディス』（左、1855年ごろ）、『皇后ウジェニーの昼用ボディス』（1857〜1860年） 新たな王妃像 実際、マリー・アントワネットは宮廷の慣習にとらわれなかった。コルセットで体を締め付ける宮廷服に代わり、より自然なシルエットのドレスを流行させたほか、王室としては初めて自ら母乳で子どもを育てるなど、新しい価値観を積極的に取り入れた。展示されている「乳房ボウル」は、そうした逸話を象徴する作品の一つだ。 Photo: Kaoru Hoshino『乳房ボウル』（1787年） 彼女は与えられた環境の中で、自分が美しいと思うものを大切にし、新しいライフスタイルを築こうとした改革精神と情熱を持った人物であった。その洗練された美意識は、衣装や宝飾品だけでなく、フランスの職人文化やラグジュアリー産業の発展にも大きな影響を与えたのだ。 Photo: Kaoru Hoshino日本初公開の『マリー・アントワネット旧蔵の天然真珠とダイヤモンドの3連ネックレス』（18世紀後半） Photo: Kaoru Hoshino通称「サザーランド・ダイヤモンド」