Eurico de Barros

Tanto cinema, tão pouco tempo. Há filmes em cartaz para todos os gostos e de todos os feitios. Das estreias em cinema aos títulos que, semana após semana, continuam a fazer carreira nas salas. O que encontra abaixo é uma selecção dos filmes que pode ver no escurinho do cinema, que isto não dá para tudo. Há que fazer escolhas e assumi-las (coisa que fazemos, com mais profundidade nas críticas que pode ler mais abaixo nesta lista). Nas semanas em que há estreias importantes de longas-metragens no streaming, também é aqui que as encontra. Bons filmes. Recomendado: Os melhores filmes de 2025 até agora

A história do cinema de terror já vai longa. Desde o início do século XX que inúmeros realizadores expandem e redefinem os limites do género. Esta amplitude referencial e estética está bem patente na nossa lista dos 100 melhores filmes de terror de sempre. Já a oferta de filmes de terror na Netflix é muito mais limitada; ainda assim, encontram-se na popular plataforma de streaming alguns filmes indispensáveis, como o oscarizado Foge ou esse clássico de culto que é A Dança da Morte. Estes são os melhores filmes de terror na Netflix. Recomendado: Clássicos de cinema para totós: especial terror

Nem só de medo, suspense e sobrenatural vivem o Dia das Bruxas e os filmes que o tomam como tema. Há sempre espaço para o humor (que pode ser muito negro), para a comédia e até para produções para toda a família, em filmes de imagem real ou de animação. Por isso, divirta-se com alguns dos melhores filmes de Halloween, ambientados no Dia das Bruxas e à sua volta, desde o clássico Halloween – O Regresso do Mal (1978) até Beetlejuice, Beetlejuice (2024), uma série de histórias interligadas, filmadas por vários realizadores. Estes são alguns dos melhores filmes de Halloween, disponíveis em várias plataformas. Recomendado: Halloween em Lisboa

Uma realizadora convidada egípcia, Hala Elkoussy; os filmes do também convidado vietnamita Min Quy Truong, a solo e com o seu colaborador Nicolas Graux; e uma retrospectiva do pioneiro actor, produtor e realizador negro norte-americano William Greaves (1926-2014), para ver na Cinemateca, são três dos grandes destaques do Doclisboa 2025, que se realiza entre 16 e 26 de Outubro. A 23.ª edição do festival vai mostrar 211 filmes vindos de 54 países. Destes, 31 são portugueses, e dos 12 títulos da Competição Nacional, sete são estreias mundiais, um estreia europeia e quatro estreias nacionais. Entre os homenageados das várias secções contam-se o recentemente falecido Robert Wilson, e Luciano Berio, no centenário do seu nascimento. O Doclisboa decorre na Culturgest, nos cinemas São Jorge e Ideal e na Cinemateca. Seleccionámos da programação sete filmes com outros tantos olhares documentais e ficcionais sobre o real, de Gaza ao Japão, de Portugal ao Irão. A programação completa pode ser consultada aqui.

Outubro chega carregado de estreias que atravessam géneros, épocas e universos distintos, da comédia policial de Ethan Coen em Honey Don’t! ao regresso à ficção científica em TRON: Ares. Há espaço para a memória do cinema com Lumière! A Aventura Continua, para a biografia com Mr. Burton e para adaptações literárias como The Salt Path. Luca Guadagnino regressa com Depois da Caçada, com Julia Roberts em destaque, enquanto Isabelle Huppert assume um drama moral em Os Novos Vizinhos. Keanu Reeves surge como anjo improvável em Good Fortune, e Yorgos Lanthimos encerra o mês com o enigmático Bugonia, protagonizado por Emma Stone. Tudo somado, estas são as estreias de cinema para ver em Outubro. Recomendado: Os filmes em cartaz esta semana

A presença de Thierry Frémaux, delegado-geral do Festival de Cannes e director do Institut Lumière, que traz o seu novo documentário, Lumière: A Aventura Continua!, e da actriz Marina Foïs, entre outros convidados; a Retrospectiva Alain Delon na Cinemateca, em Outubro; a exibição, em cópia restaurada, de O Fabuloso Destino de Amélie, o filme de culto de Jean-Pierre Jeunet; uma nova secção dedicada às curtas-metragens, Curtas, e Petits Cinéphiles, um programa de cinema e workshop dedicado às crianças e às famílias, destacam-se na programação da 26.ª Festa do Cinema Francês, que tem lugar em Lisboa (Cinema São Jorge e Cinemateca) entre os dias 2 e 12 de Outubro, em Lisboa, e de 2 a 8 de Outubro, no Porto (Cinema Trindade). Serão exibidos mais de 60 filmes inéditos (seis deles em competição), nas habituais secções, bem como oito já estreados em Portugal, mas nunca vistos no contexto da Festa, na secção Deuxième Chance. Como já é hábito, a Festa do Cinema Francês irá passar por várias outras cidades portuguesas até ao final de Novembro. Eis a nossa selecção, feita de entre a programação deste ano. Recomendado: As melhores coisas para fazer este mês

A 19.ª edição do MOTELX – Festival Internacional de Cinema de Terror de Lisboa decorre entre os dias 9 e 15 de Setembro, no Cinema São Jorge e na Cinemateca Portuguesa, e este ano, segundo a organização, tendo “a condição feminina e a representação da mulher no cinema” como “tema central da programação deste ano”. Foi assim criado um novo galardão, o Prémio Noémia Delgado, “dedicado a mulheres que se tenham distinguido no género do terror”, e baptizado com o nome da poeta e realizadora que viveu entre 1933 e 2016, assinou o documentário Máscaras (1976) e entre 1981 e 1983 rodou para a RTP a minissérie Contos Fantásticos Portugueses, em que adaptou sete obras curtas de outros tantos escritores nacionais, incluindo Eça, Júlio Dinis e Mário de Sá-Carneiro.  A primeira galardoada com este novo prémio é a produtora Gale Ann Hurd (O Exterminador Implacável, Aliens: O Recontro Final, O Abismo, Palpitações, O Incrível Hulk, a série The Walking Dead, entre muitos outros), que estará presente no festival como convidada de honra, apresentará alguns dos filmes que tutelou e dará uma masterclass. Ainda nesta linha, a secção paralela Quarto Perdido deste ano é dedicada ao poder feminino, simbolizado pela figura da bruxa, levando o subtítulo ‘O Baile das Bruxas’ e exibindo apenas filmes portugueses em que esta personagem marca presença, caso de O Crime da Aldeia Velha, de Manuel Guimarães, Alma Viva, de Cristèle Alves Meira, ou A Noite de Walpurgis, de Noémia Delgado, este incluído na refer

Setembro traz às salas portuguesas um alinhamento de estreias onde cabem regressos esperados, adaptações literárias e retratos biográficos. Entre os destaques está o capítulo final de Downton Abbey. Já em Hollywood, Paul Thomas Anderson assina o seu filme mais caro até à data, Batalha Atrás de Batalha, com Leonardo DiCaprio à frente de um elenco de luxo e uma história inspirada num livro de Thomas Pynchon. Pelo meio, há espaço para thrillers psicológicos, documentários urgentes, histórias reais e até Nicolas Cage a declarar guerra a uma praia australiana. Estas são as estreias de cinema para ver em Setembro. Recomendado: As estreias de cinema a não perder nos próximos meses

Com o calor do Verão a intensificar-se, aproveitámos o tempo à sombra para fazer os primeiros balanços do ano. E como não resistimos a uma boa lista fomos vasculhar entre as estreias de cinema a que Portugal já assistiu em 2025 e escolhemos os filmes que mais se destacaram até ao momento. Entre longas-metragens vindas do Irão, da China, da Roménia ou de França, de realizadores consagrados e de estreantes, nos géneros mais variados, do terror ao romance, da animação ao suspense, estes são os melhores filmes de 2025 até agora (dois dos quais que já estão no streaming). Recomendado: Os melhores filmes de 2024

Se é daquelas pessoas que prefere a noite e o escuro, em vez do calor, sol e praia, temos boas notícias. Agosto é perfeito para passar dentro da sala de cinema – e não é só por ser mais fresquinho. A contrariar as tendências, o cartaz deste mês está repleto de grandes filmes de terror, como os chocantes Hora do Desaparecimento, de Zach Cregger, ou Eddington, de Ari Aster, que neste novo trabalho decidiu olhar para as teorias da conspiração e para a pandemia, apoiado por actores como Joaquin Phoenix, Pedro Pascal ou Emma Stone. Se não quer sair do cinema com um arrepio na espinha, tem sempre a oportunidade de ver Noiva em Apuros ou Um Dia Ainda Mais Doido, protagonizado por Jamie Lee Curtis e Lindsay Lohan.  Recomendado: As estreias de cinema a não perder nos próximos meses

Com o aproximar do Verão abre-se a janela dos blockbusters. Prova disso são os dois grandes destaques deste mês, duas produções que fazem regressar ao ecrã caras conhecidas (e focinhos famosos). Primeiro, o poderoso extra-terrestre Kar-El, por cá conhecido como Super-Homem e desta vez interpretado por David Corenswet. Neste Superman, o homem da câmara é James Gunn. De regresso estão também os dinossauros de Mundo Jurássico, no sétimo filme da franquia iniciada em 1993. Mas nesta lista também há espaço para produções independentes, muitas delas europeias (o britânico Mike Leigh, por exemplo), e vários géneros, do terror à comédia. Descubra os dez filmes a não perder neste mês de Julho. Recomendado: Os 100 melhores filmes de sempre

Há dois mundos cinematográficos que este mês regressam ao cinema (e um é mesmo o fim do mundo). Por um lado, a saga John Wick apresenta mais um título, este um pouco diferente dos quatro filmes interpretados por Keanu Reeves: Ballerina. Entalada entre os capítulos 3 e 4 da saga, a nova história tem uma nova heroína, Eve Macarro, e uma nova assassina de serviço, interpretada por Ana de Armas. E por outro, 28 Anos Depois, a terceira parte dos filmes pós-apocalípticos 28 Dias Depois (2002) e 28 Semanas Depois (2007). E em Junho temos também Brad Pitt a alta velocidade, com F1. Estas são as dez estreias de cinema que queremos ver em Junho. Recomendado: The Bear, Squid Game e mais sete séries para ver em Junho

Filme de animação dos japoneses Nobuhiro Yamashita e Yoko Kuno, com co-produção francesa. Karin, uma adolescente precoce e órfã de mãe, é posta pelo seu irresponsável pai a viver com o avô, um sacerdote budista, no templo de que este cuida. É aí que conhece o enorme e afanoso Anzu, um gato fantasma imortal que tem um telemóvel pendurado ao pescoço, anda de moto e dá massagens terapêuticas aos locais, com o qual começa por embirrar solenemente. Baseado numa manga, Gato Fantasma Anzu não pode ser comparado com os filmes dos Estúdios Ghibli e de Hayao Miyazaki, mas o seu sentido de humor insólito e surreal, a delirante galeria de personagens saídas da mitologia nipónica e da sua tradição de histórias fantásticas e sobrenaturais, as desconcertantes peripécias do enredo, que levam Karin e Anzu ao Reino dos Mortos e a ser perseguidos por demónios, e a animação tradicional, parte dela feita sobre imagens reais com actores, satisfazem plenamente.

A nova fita de Luca Guadagnino, o realizador de Chama-me pelo Teu Nome e Challengers, tem Julia Roberts no papel de uma professora de Filosofia da Universidade de Yale, que vê a sua integridade e a sua carreira postas em causa, quando uma estudante sua favorita acusa um docente mais novo, e que é um dos seus melhores amigos, de violação. À medida que o caso ganha amplitude e se torna público, e a aluna a envolve nele, ela é forçada a confrontar um segredo traumatizante de juventude, que nunca revelou nem ao marido, os limites da sua responsabilidade pessoal e institucional, e a sua consciência. Também com Andrew Garfield, Chloë Sevigny, Michael Stuhlbarg e Ayo Edebiri. Através desta história, Guadagnino questiona os fundamentalismos ideológicos, o fanatismo woke e a “cultura do cancelamento” que assolam as universidades dos EUA, assim como o movimento #MeToo, ao mesmo tempo que retrata duas mulheres, a professora de Julia Roberts, e a aluna de Ayo Edebiri, que de uma relação harmónica passam a uma relação de confronto, reveladora das verdadeiras naturezas de cada uma.

Harry Lawley interpreta um jovem Richard Burton (então ainda Richard Jenkins), a viver na cidade galesa de Port Talbot, durante a II Guerra Mundial, e preso entre as pressões de uma família com vários problemas, com destaque para o pai alcoólico e indiferente, o devastador conflito e as suas ambições de ser actor. O seu talento em bruto é então reconhecido por um professor, Philip Burton (Toby Jones), que o vai orientar e acabar por se tornar no seu pai adoptivo. Burton assumiu o apelido de Philip, e dele disse mais tarde: “Devo-lhe tudo”. Marc Evans realiza este filme em que os louros vão todos para os actores. Toby Jones é um digno e dedicado Philip, que oculta de todos a sua homossexualidade e projecta no promissor pupilo, um talento em bruto, os seus sonhos teatrais frustrados, Harry Lawley convence no jovem Richard Burton e até lhe apanha o rico e denso tom de voz e os maneirismos, e a sempre excelente Lesley Manville faz a afectuosa e compreensiva Ma, a senhoria de Philip Burton e sua melhor amiga.

Depois de, em 2016, ter apresentado, em Lumière!, mais de 100 filmes restaurados dos irmãos Lumière, entre os mais de 1400 que eles fizeram, Thierry Frémaux, director do Instituto Lumière, do Festival de Cinema Lumière e do Festival de Cannes, está de volta com Lumière! A Aventura Continua, mostrando mais uma leva de fitas rodadas por Auguste e Louis Lumière, e pelos seus operadores enviados para todo o mundo, de novo cuidadosamente restaurados, para aprofundar a história da invenção e da afirmação do cinema no mundo. Tal como no primeiro filme, Frémaux encarrega-se da narração, de forma erudita mas nunca presunçosa ou complicada, e sempre informativa. E os Lumière e a sua equipa voltam a encantar-nos com a sua curiosidade, a sua imaginação, a sua destreza técnica, desenvoltura formal e sentido estético, e a maneira como contribuíram para que o cinema fosse a arte do século XX por excelência.

Fatma Hassouna era uma fotojornalista palestiniana de 25 anos que, depois da invasão israelita, ficou em Gaza a documentar, com as suas imagens, os bombardeamentos, a gradual destruição da cidade, a dor da população e também a sua capacidade de resistência e de manter um semblante de vida quotidiana no meio da devastação, da falta de comida e água e do luto pelos familiares e amigos mortos. A realizadora iraniana Sepideh Farsi, refugiada no Ocidente desde os anos 80, conheceu-a através de um amigo comum, e fez dela a protagonista do seu documentário Com a Alma na Mão, Caminha, uma frase que Hassouna lhe disse durante uma das suas muitas conversas telefónicas. Fatma e Sepideh nunca estiveram juntas. O filme é composto a 90 por cento das suas conversas, pontuadas aqui e ali com imagens dos canais televisivos de notícias sobre a situação em Gaza, e também por fotografias tiradas por Fatma, que foi filmada pela realizadora no seu telemóvel durante as videochamadas que fizeram, ao longo de mais de 200 dias, e nas quais aquela lê também alguns dos poemas que escreveu, e canta. Ocasionalmente, aparecem alguns membros da sua família, caso dos irmãos, ou vizinhos. Fatma corre perigo todos os dias e conta o que é estar debaixo de fogo constantemente, viver em condições precárias, com o abastecimento de água e luz racionado, e a Internet a ir e vir, estar praticamente sem comida durante vários dias e perder familiares, amigos e vizinhos nos bombardeamentos. Que por vezes acontecem duran

Escrito, como sempre, por Julian Fellowes, este terceiro filme deverá ser o derradeiro dos que foram feitos após o colossal sucesso internacional da série homónima criada por aquele. É também o primeiro sem Maggie Smith, cuja personagem morreu no anterior, Downton Abbey: A Nova Era (2022), realizado, como este, por Simon Curtis. Estamos em 1930, logo após o enorme e trágico crash financeiro que abalou os EUA e as bolsas mundiais. Lady Mary vê-se envolvida num escândalo público devido ao seu muito mediatizado divórcio, e a família enfrenta problemas de liquidez, por causa dos investimentos desastrados do bem-intencionado mas incompetente tio americano, Harold (interpretado por Paul Giamatti). Assim, os Crawley são forçados a abraçar a mudança, com a geração seguinte a liderar Downton Abbey para o futuro e garantir a continuidade do seu bom nome, da propriedade e da tradição. E há também uma importante passagem de testemunho ao nível do pessoal da centenária casa senhorial. Fellowes, Curtis e todo o elenco e equipa técnica sabem muito bem o que fazem, da recriação da época à elaboração do enredo e à interacção das personagens, e Downton Abbey: Grand Finale, dedicado a Maggie Smith, é um final lógico e uma despedida ao melhor nível para a saga da família Crawley e dos seus fiéis e dedicados empregados, também eles uma “família” em si. E tem a participação especial de uma das maiores celebridades da época, Noel Coward, que, usando o seu carisma, talento e afabilidade, vai ajudar

O realizador francês Luc Besson dá aqui a sua interpretação da história clássica de Bram Stoker, com Caleb Landry Jones como Drácula e Zoë Bleu num duplo papel, o de Maria, por quem o aristocrático vampiro se apaixona loucamente, e o da sua mulher, Elisabeta, morta no século XV durante a invasão dos otomanos. A história passa-se agora na Paris de finais do século XIX, e Besson explora a eterna busca por amor e a esperança de reencontrar a alma gémea através dos tempos, mais do que a componente de terror sobrenatural do livro de Stoker. Drácula é agora um anti-herói trágico e romântico, castigado por desafiar Deus, blasfemar e ter morto um bispo, há boas ideias (o ataque final do exército romeno ao castelo do vampiro) a coexistir com outras menos felizes (a busca pelo perfume irresistível), uma curiosa ambiência de banda desenhada ao longo de todo o filme (lembremos que o realizador já adaptou ao cinema as aventuras de Valerian e de Adèle Blanc-Sec), Christoph Waltz personifica um imperturbável padre caçador de vampiros que é a versão eclesiástica de Van Helsing, e o final é uma original surpresa. + ‘Drácula: Uma História de Amor’: o vampiro apaixonado

Passado na Nova Iorque de final dos anos 90 e partilhando do espírito dos filmes de acção de Quentin Tarantino, dos policiais de Elmore Leonard e de títulos intrinsecamente nova-iorquinos como Nova Iorque Fora de Horas, de Martin Scorsese, ou Good Time, dos irmãos Safdie, Apanhado a Roubar tem Austin Butler no papel de um jovem que podia ter sido uma estrela do basebol mas foi impedido por um trágico acidente de automóvel, trabalha agora como barman, faz o favor a um vizinho de tomar conta do gato dele durante uns dias, e acaba a fugir pela cidade fora com o bicho ao colo, enquanto é perseguido por mafiosos russos brutos como portas, latinos de gatilho fácil, dois irmãos judeus ortodoxos que matam tudo o que mexe e uma polícia corrupta. Darren Aronovsky assina aqui o seu melhor filme desde Cisne Negro, um thriller ultraviolento, ágil, intenso e cheio de humor ácido e personagens perigosamente extravagantes, um entretenimento escapista da melhor confecção. Nova Iorque é uma protagonista activa e não um mero cenário para o enredo, não é preciso conhecer as regras do basebol para seguir a história e o gato Bud quase que “rouba” a fita aos humanos.

Longa-metragem de estreia do australiano Michael Shanks filmada nos EUA, Together – Juntos tem Dave Franco e Alison Brie, casados na vida real, interpretando um casal em crise que se muda da cidade para uma casa no campo, numa tentativa de pôr a sua relação nos eixos. Depois de passarem uma noite de tempestade abrigados num buraco em que caíram na floresta, e onde há vestígios da igreja de um insólito culto New Age que ali esteve instalado alguns anos antes, tudo muda entre eles, mas não como estavam à espera. Filme de terror físico schlocky e com algum humor, ora sensual, ora negro e incómodo, Together – Juntos dá uma nova e muito perturbante dimensão à expressão “a minha cara metade”, e um novo significado à canção “2 Become One”, das Spice Girls. E é também um novo e muito forte argumento a favor de se ficar solteiro.

Mais um filme onde Quentin Dupieux, o mais “jarryesco” dos realizadores franceses, cultiva o seu apurado sentido do nonsense e da bagunça formal criativa, pondo em cena, no restaurante no meio do nada com o mesmo nome do título, um quarteto de personagens que não se portam como seria de esperar delas num filme. Florence (Léa Seydoux) está perdidinha de amores por David (Louis Garrel), que não a quer ver nem pintada, e quer atirar para os braços do seu amigo Christian (Raphaël Quenard). Inesperadamente, entra na equação Guillaume (Vincent Lindon), o pai de Florence, a quem ela quer apresentar o seu apaixonado. Dupieux dinamita esta historieta pondo os intérpretes a fugirem constantemente do guião e a falarem das suas vidas pessoais, amorosas e profissionais (há ainda um “secundário” tão nervoso que nem sequer consegue servir o vinho à mesa, e membros da equipa técnica que aparecem aqui e ali), e tornando O Segundo Acto numa charge gostosamente sarcástica ao meio do cinema, às vaidades, rivalidades e ridículos dos actores, ao wokismo e ao #MeToo, e ainda à Inteligência Artificial aplicada à produção de filmes, que nos deixa levemente arrepiados. E, mais uma vez, nos 76 minutos que os seus filmes costumam durar. Se não existisse, Quentin Dupieux tinha que ser inventado.

Marianne Jean-Baptiste é a principal intérprete da nova realização do britânico Mike Leigh, no papel de Pansy, uma dona de casa londrina que está muito longe de ser feliz, é atormentada por toda uma série de fobias e de pequenas paranóias, embirra violenta e amargamente com tudo e todos, e tem conflitos constantes com o muito paciente marido, que trabalha como canalizador, e com o filho, que passa o dia a preguiçar e se sente esmagado e tolhido por ela. Já a sua irmã Chantelle (Michele Austin), mãe solteira, é completamente diferente de Pansy em tudo. Leva uma vida estável e organizada, é dona de um próspero cabeleireiro e as filhas têm bons empregos. Leigh não dirigia Marianne Jean-Baptiste desde Segredos e Mentiras (1996), e tira aqui dela uma interpretação notável de intensidade agressiva e de azedume em jacto contínuo, fazendo dela o oposto polar da sempre alegre e militantemente optimista Poppy de Sally Hawkins em Um Dia de Cada Vez (2008). Onde aquela é solar e o filme exuberante, Pansy é sombria e Verdades Difíceis crispado. Mike Leigh não nos decifra esta intragável personagem – decerto a mais problemática e antipática das várias deste tipo que já filmou, ficcionais ou reais –, embora no final deixe no ar algumas vagas pistas que poderão ajudar; nem nos pede compaixão para ela (temos pena é dos familiares, dos conhecidos e dos estranhos que ela atormenta e destrata ao longo da fita…) ou trata como um estereótipo de melodrama ou tragicómico, abstendo-se ainda de qualqu

Grande produção norueguesa passada durante a II Guerra Mundial, Comboio do Ártico é realizada por Henrik Martin Dahlsbakken. O filme acompanha, no Verão de 1942, os 35 navios civis que formam um comboio que transporta, pela perigosa rota do Árctico, material bélico e abastecimentos vitais para a União Soviética invadida pelos alemães. De súbito, há ordens para o comboio ser desfeito e os cargueiros optarem para continuarem a seguir para Murmansk, o seu destino, ou regressarem à Islândia, de onde partiram. Dahlsbakken passa então a centrar a acção num barco que fica isolado e à mercê das minas e dos ataques dos submarinos e aviões inimigos. Comboio do Ártico transforma-se então num filme de suspense eficaz e muito realista, e passa a focar-se nos conflitos, nas tensões e nas relações entre os membros da tripulação, que não deixam de fora o comandante. Este quer prosseguir na rota definida mas o imediato é da opinião que se deve ou regressar, ou ir para águas geladas mais seguras. A fita foi rodada num velho barco de transporte de carvão que participou nas duas guerras mundiais e foi preservado, o que contribui muito para a autenticidade da atmosfera vivida a bordo.

Em 1980, Bruce Springsteen tinha já gravado cinco discos, o último dos quais, The River, saído nesse mesmo ano, tinha sido o primeiro a atingir a tabela dos 200 álbuns mais vendidos da revista Billboard. A editora de Springsteen, a Columbia, entusiasmada com as vendas de The River, com o sucesso dos concertos da respectiva digressão, e com a crescente popularidade do músico nos EUA e internacionalmente (neste caso, desde o terceiro disco, Born to Run, de 1975), queria que ele se pusesse a trabalhar num novo álbum o mais depressa possível. Mas Springsteen tinha outras ideias. Especificamente, um álbum a contracorrente dos que tinha feito até aí. E que sairia apenas em 1982, intitulado Nebraska.  Em 2023, Warren Zanes, crítico de música, professor e autor, entre outros, de livros sobre Tom Petty e Dusty Springfield, publicou Springsteen: Deliver Me From Nowhere, em que conta a história pouco conhecida da criação de Nebraska, o atípico disco de Bruce Springsteen, que o gravou sozinho, no quarto de uma casa de campo isolada de um rancho, que havia alugado em Colts Neck, no seu estado de Nova Jérsia, usando material de gravação básico, com a presença apenas, para apoio técnico, do seu engenheiro de som, Mike Batlan. É um álbum totalmente acústico, em que Springsteen toca todos os instrumentos, e cujas dez canções, bem como a sua identidade sonora e lírica, despojada, melancólica e sombria, são fruto de várias influências. Estas vão desde filmes como Noivos Sangrentos, de Terrence

Parece anedota, mas é verdade. Em 1982, um filme de ficção científica tecnologicamente inovador foi impedido pela Academia de Hollywood de concorrer ao Óscar de Melhores Efeitos Especiais, porque aquela considerou ser “batota” recorrer a computadores para gerar os ditos. Esse filme chama-se Tron, foi produzido pela Walt Disney e realizado por Steven Lisberger (também autor do argumento) e foi pioneiro na utilização de efeitos computacionais em escala alargada no cinema, e o primeiro a passar-se no interior de um jogo de vídeo, tendo como herói um programa de computador que assume a forma do engenheiro informático que o concebeu (Jeff Bridges interpreta ambos os papéis).  Apesar de ter feito boa bilheteira e números ainda melhores em termos de vendas de merchandise, a Disney não ficou muito contente com os resultados globais de Tron. Os críticos dividiram-se, apontando o simplismo da história, mas houve uma quase unanimidade quanto ao elogio dos vistosos efeitos computacionais, também combinados com imagem real, e das sequências passadas no mundo digital, em que o herói tem que participar numa série de jogos mortais para conseguir anular um poderoso programa, maléfico e megalómano. No que é ajudado por um programa de segurança, o Tron do título (Bruce Boxleitner também num duplo papel, fora e dentro do computador em que decorre parte da acção, tal como o vilão, interpretado por David Warner).  DRBruce Boxleitner e Jeff Bridges em ‘Tron’ (1982) O filme ganhou estatuto de cult

No edifício do Largo do Calvário que foi residência, de Verão e permanente, de vários reis de Portugal, e onde desde 1904 funcionava a Sociedade Promotora de Educação Popular, fundada para instruir e formar crianças e adultos, visando “assistir aos nosso operariado dissipando as trevas do analfabetismo, lançando sem telhas a luz no espírito da classe trabalhadora”, abriu em 1915 um cinema, no primeiro andar, cujas receitas iriam ajudar a enfrentar os encargos da instituição. Foi baptizado Animatographo Promotora e veio juntar-se aos vários que já existiam em Lisboa, como o Chiado Terrasse, o Salão Olympia ou o Salão Loreto. Em 1931, e tendo em conta os bons resultados financeiros da sala, a direcção da Sociedade Promotora de Educação Popular decidiu construir um novo cinema no edifício, agora no rés-do-chão, e que se chamou Cinema Promotora. Tinha gerência profissional, lotação para 480 espectadores, plateia, 1.º e 2.º balcão, e poucos anos após a abertura passou a ter equipamento para projectar filmes sonoros, sendo um dos primeiros cinemas de bairro a fazê-lo. A programação era de filmes populares, dando também atenção ao público infantil. O Promotora funcionou até 1989, e nos mais de 50 anos da sua vida, sofreu algumas obras de alteração. A Sociedade Promotora de Educação Popular continua activa, e no rés-do-chão do prédio funciona agora a Videoteca Municipal. Coisas e loisas de outras eras + Precisa de óculos? Vá ao Rodrigues Oculista + Noite & Dia, o “self-service” e “sn

Fatma Hassouna era uma fotojornalista palestiniana de 25 anos que, depois da invasão israelita, ficou em Gaza a documentar, com as suas imagens, os bombardeamentos, a gradual destruição da cidade, a dor da população e também a sua capacidade de resistência e de manter um semblante de vida quotidiana no meio da devastação, da falta de comida e água e do luto pelos familiares e amigos mortos. A realizadora iraniana Sepideh Farsi, refugiada no Ocidente desde os anos 80, conheceu-a através de um amigo comum, e fez dela a protagonista do seu documentário Com a Alma na Mão, Caminha, uma frase que Hassouna lhe disse durante uma das suas muitas conversas telefónicas. Fatma e Sepideh nunca estiveram juntas. O filme é composto a 90 por cento das suas conversas, pontuadas aqui e ali com imagens dos canais televisivos de notícias sobre a situação em Gaza, e também por fotografias tiradas por Fatma, que foi filmada pela realizadora no seu telemóvel durante as videochamadas que fizeram, ao longo de mais de 200 dias, e nas quais aquela lê também alguns dos poemas que escreveu, e canta. Ocasionalmente, aparecem alguns membros da sua família, caso dos irmãos, ou vizinhos. Fatma corre perigo todos os dias e conta o que é estar debaixo de fogo constantemente, viver em condições precárias, com o abastecimento de água e luz racionado, e a Internet a ir e vir, estar praticamente sem comida durante vários dias e perder familiares, amigos e vizinhos nos bombardeamentos. Que por vezes acontecem duran

No tempo em que era o centro comercial, social, cultural e de entretenimento de Lisboa, pelo menos até à década de 80 do século passado, antes do grande incêndio do Chiado, a Baixa estava cheia de letreiros e reclames luminosos. Um dos que certamente não foram esquecidos por quem era criança nessa altura e ia com familiares à Baixa, às compras ou passear e ver as montras à noite, era o da casa Rodrigues Oculista: a enorme cabeça de uma mulher, com uns óculos de armação negros e olhos fixos, que a faziam parecer saída de um filme de terror ou de ficção científica. Aberta em finais do século XVIII na Rua da Prata, a Rodrigues Oculista passou a ser gerida, desde 1886, por um dos seus empregados, Eduardo Artur Rodrigues, que a recebeu de um dos antigos proprietários, tornando-se a partir daí num negócio de família, com oficina de fabrico e de reparações própria, e num estabelecimento de referência do seu ramo na Baixa. Nas publicidades publicadas então na imprensa, destacava ser uma “óptica moderna” e praticar “preços sem concorrência”, e teve um anúncio na rádio na década de 60, cujo slogan, simples e eficaz, ficava logo no ouvido: “Precisa de óculos? Vá ao Rodrigues Oculista”. Já neste século, a casa que tinha ultrapassado os 200 anos de existência foi reconvertida num moderno centro óptico. Mas sem o anúncio luminoso da cabeça da senhora com óculos. Coisas e loisas de outras eras + Noite & Dia, o “self-service” e “snack bar” que mexeu com Lisboa há 60 anos + Roupa branca “eleg

Este artigo foi originalmente publicado na revista Time Out Lisboa, edição 673 — Primavera 2025 “Parece que estamos na América!”, dizia, de tabuleiro na mão, à reportagem da televisão, um cliente do Noite & Dia, o self-service e snack-bar que tinha acabado de abrir na Avenida Duque de Loulé, nesse distante dia de Outubro de 1965, e que era a mais recente sensação de Lisboa em termos de lugares onde se podia ir comer. Projectado pela célebre dupla de arquitectos Victor Palla e Bento de Almeida (também responsáveis, na capital, pelo Galeto, pelo Pique-Nique ou pelo Pam-Pam, dos quais apenas o primeiro existe ainda), o Noite & Dia era o segundo self-service a abrir em Lisboa (o pioneiro foi o Solar de Aviz, um pouco mais abaixo, na Avenida da Liberdade), mas foi o primeiro a juntar a componente “self” e a “snack”, e depressa se tornou mais popular do que este. O self-service funcionava ao nível da rua, enquanto que o snack estava localizado na cave.  O Noite & Dia teve também, naturalmente, os seus detractores, que viam com desagrado esta forma de se comer “à americana”, em que as pessoas tinham que fazer fila para escolher a comida em vez de serem servidas por um empregado, e depois andarem de tabuleiro na mão à procura de mesa para se sentarem. Um sacrilégio, no país dos almoços e jantares longos, bem saboreados, com muita conversa pelo meio, rematados com café, cigarros e um digestivo. Mas o Noite & Dia era um sinal (mais um, de muitos na década de 60) de que os hábitos, o ri

O Conde Drácula criado por Bram Stoker no seu livro clássico publicado em 1897, é a personagem da literatura de terror personificada por mais actores no cinema e na televisão do que qualquer outra. Entre os muitos que já o interpretaram contam-se nomes como Bela Lugosi, Christopher Lee, John Carradine, Klaus Kinski, Max Schreck, Leslie Nielsen, David Niven, Rutger Hauer, Louis Jourdan, Francis Lederer, Jack Palance, Frank Langella, Gary Oldman, Thomas Kretschmann, Ray Liotta, Nicolas Cage, Bill Skarsgard, George Hamilton, Denholm Elliott, John Carradine, Udo Kier ou Claes Bang, entre muitos outros. O Drácula de Lugosi foi eleito o 33.º Melhor Vilão do Cinema pelo American Film Institute, e uma votação da revista inglesa Empire elegeu Christopher Lee a sétima Maior Personagem da História do Cinema de Terror. Os filmes de Drácula são numerosíssimos, muitas centenas, e vão desde o terror puro e duro até à comédia, incluindo mesmo a pornografia, em títulos tão curiosos como Sex and the Single Vampire (1970) ou Dracula and the Boys (1969), esta a primeira fita homossexual de vampiros (há ainda bastantes séries de televisão, telefilmes, curtas-metragens e animações). O crítico e autor de livros de terror e ficção científica inglês Kim Newman, grande conhecedor de cinema de terror e especialista na figura de Drácula, tem-se dedicado a recensear, meticulosamente, no seu site (johnnyalucard.com), todos os filmes em que o vampiro mais famoso do mundo aparece, desde produções clássicas

Nos anos 80 e 90, as iniciais ZAZ eram, em Hollywood, sinónimo de comédia nonsense de grande quilate. Entre 1980 e 1994, altura em que se separaram, David Zucker, Jim Abrahams e Jerry Zucker, irmão daquele, e amigos desde a infância, foram responsáveis (nalguns casos, também com a colaboração de Pat Proft), pela produção, escrita e realização de títulos de enorme sucesso comercial e de crítica como Aeroplano! (1980), paródia brilhante aos filmes-catástrofe de aviação, Ultra Secreto (1984), gozo pegado às fitas passadas na II Guerra Mundial e de espionagem (e de passagem, aos surf movies e aos musicais), e a uma trilogia, Aonde é que Pára a Polícia?. Esta reduzia jubilatoriamente a pó as séries e filmes policiais em todos os seus estereótipos, situações feitas, enredos preguiçosos e personagens tipificadas, e saiu de uma série de televisão também dos ZAZ, Polícias à Parte (1982), que teve apenas seis episódios e passou em Portugal na RTP. Esta série, e os três filmes que se lhe seguiram, Aonde é que Pára a Polícia? (1988), Aonde é que Pára a Polícia? Parte 2 ½: O Aroma do Medo (1991) e Aonde é que Pára a Polícia 33 1/3 (1994), deram ao veterano Leslie Nielsen o papel do tenente Frank Drebin, da Polícia de Los Angeles, o agente da lei mais insondavelmente burro e inacreditavelmente desastrado da história do cinema cómico, émulo americano do Inspetor Clouseau de Peter Sellers. Depois de 15 anos de triunfos, e de terem associado os seus nomes ao melhor do cinema de comédia absurd

Até o Tio Sam foi mobilizado para publicitar a Loja da América, inaugurada na Baixa, na Rua do Ouro, em 1872. Com efeito, num anúncio de jornal de 1900, reproduzido no blogue Restos de Colecção, a figura que personifica os EUA surge a publicitar uma “Exposição de Rouparia para senhoras, homens e crianças (…), com “Modelos das primeiras casas de Paris, Berne e Valência”, feitos expressamente para a LOJA DA AMÉRICA”. Sem faltar os “enxovaes completos para noivas e baptisados”. Hoje quase totalmente esquecida, a Loja da América foi uma das mais célebres e bem afreguesadas da Baixa. Vendia tudo o que fosse “roupa branca”, quer de uso pessoal, quer doméstico, com um acervo que ia das camisas, lenços, camisolas interiores e dos referidos “enxovaes”, aos panos de linho, algodão e americanos, guardanapos, lençóis, colchas e “robes-chambres”, tudo em “modelos exclusivos” e do mais “elegante e chic”. O proprietário da Loja da América tinha também a Camisaria Americana, situada uns números mais abaixo, especializada em camisas, e que a complementava neste tipo de artigos de vestuário masculino. A Camisaria Americana foi a primeira a fechar, no final da I Guerra Mundial. A Loja da América encerrou no início dos anos 50, não resistindo à concorrência das lojas mais recentes e modernas. Coisas e loisas de outras eras + O Monte Carlo, uma lenda do Saldanha + Os carrinhos de pedais do Jardim Zoológico + A sapataria requintada da Rua Garrett + O Salão Central que depois foi Central Cinema

O título deste filme de Matt Shakman, O Quarteto Fantástico: Primeiros Passos (estreia-se esta semana) induz em erro, sobretudo os menos atentos a estas coisas dos comics de super-heróis e do cinema. Estes não são, de forma alguma, os primeiros passos das quatro super-personagens criadas em 1961 para a Marvel por Stan Lee e Jack Kirby, seja nos filmes, seja na televisão, seja na animação, ou mesmo na rádio (em 1975, houve uma adaptação radiofónica das aventuras do Quarteto Fantástico, e quem deu voz ao Tocha Humana foi... Bill Murray, então um quase desconhecido que se preparava para entrar no Saturday Night Live, e iniciar a sua caminhada para a fama).  Com efeito, o Quarteto Fantástico – Sr. Fantástico, Mulher Invisível, Tocha Humana, A Coisa – já foi protagonista de quatro séries de desenhos animados na televisão, entre 1967 e 2006, e de nada mais, nada menos, do que quatro filmes de longa-metragem em imagem real. O primeiro, The Fantastic Four, data de 1994, foi produzido por Roger Corman e nunca se estreou comercialmente, por questões relacionadas com direitos, e só pode ser visto em versão pirata; o segundo, Quarteto Fantástico, feito em 2005, teve uma continuação em 2007, Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado; finalmente, em 2015, surgiu Quarteto Fantástico, um reboot da fita de 1994. As críticas destes três filmes não foram boas, mas os dois primeiros portaram-se bem nas bilheteiras (ao contrário da versão de 2015, que falhou com estrondo). A ideia de mais um film

No final dos anos 90 e no início deste século, Kevin Williamson era um dos argumentistas mais prolíferos, populares e solicitados em Hollywood, e mais dedicados ao thriller de terror, ao fantástico e à ficção científica. Williamson escreveu, então, entre outros, filmes como Gritos (1996) e Gritos 2 (1997), de Wes Craven, Mistério na Faculdade (1998), de Robert Rodriguez, Amaldiçoados (2005), também de Wes Craven, criou a série Dawson’s Creek (1998-2003) e assinou o argumento e a realização do muito curioso – embora também muito maltratado pela crítica –, O Rapto da Senhora Tingle (1999), com Helen Mirren no papel principal, o de uma exigente professora de liceu que entra em conflito radical com uma aluna finalista. Um dos maiores sucessos de Kevin Williamson nessa altura foi Sei o que Fizeste no Verão Passado (1997), de Jim Gillespie, um teen slasher um pouco menos convencional e bastante menos sangrento do que o habitual neste subgénero do terror. É a história de quatro adolescentes que uma noite, de volta da praia, atropelam uma pessoa na estrada. Em pânico, e depois de outro amigo do grupo ter passado por eles de carro, os jovens decidem atirar o corpo ao mar, embora o homem ainda dê sinais de vida. O quarteto jura nunca mais falar no que aconteceu e cada um deles segue o seu caminho. Um ano mais tarde, uma das raparigas recebe uma carta anónima em que se lê apenas: “Sei o que fizeste no Verão passado”. E a seguir, uma figura vestida com um chapéu e um oleado de pescador c

Em 1979, Azar Nafisi, uma jovem iraniana recém-formada em Literatura Inglesa nos EUA, regressou ao seu país com o marido, Bijan, confiando que o novo regime revolucionário islâmico que pouco tempo antes tinha derrubado o governo do Xá Reza Pahlevi iria mudar o país para melhor. E ela e Bijan queriam muito contribuir para isso. Nafisi foi recebida de braços abertos e começou a dar aulas da sua especialidade na Universidade de Teerão. Mas cedo começou a perceber que as coisas iam mudar no Irão, sim, mas para pior, e que sob a tutela do soturno ayatollah Khomeini, o país ia ser transformado numa teocracia da qual as mulheres estariam entre as principais vítimas. Além de ser obrigada a usar véu, Azar Nafisi viu a universidade onde leccionava tornar-se cada vez mais sufocante em termos de liberdade de ensino, de troca de opiniões e de debate, até tudo ficar completamente submetido aos ditames do Corão e da lei islâmica. Farta e revoltada, Nafisi acabou por ser expulsa, passando a ensinar noutra universidade em 1981, da qual se demitiria em 1987. Entre 1995 e 1997, formou um clube de leitura em sua casa, com seis das suas antigas e melhores alunas, cujas vidas tinham entretanto dado muitas voltas, dedicado à leitura e discussão de vários clássicos da literatura, caso de Lolita, de Vladimir Nabokov, O Grande Gatsby, de Scott Fitzgerald, Daisy Miller, de Henry James, e Orgulho e Preconceito, de Jane Austen (estão todos proibidos no Irão), assim como As Mil e Uma Noites. Para elas, a