Eurico de Barros

Tanto cinema, tão pouco tempo. Há filmes em cartaz para todos os gostos e de todos os feitios. Das estreias em cinema aos títulos que, semana após semana, continuam a fazer carreira nas salas. O que encontra abaixo é uma selecção dos filmes que pode ver no escurinho do cinema, que isto não dá para tudo. Há que fazer escolhas e assumi-las (coisa que fazemos, com mais profundidade nas críticas que pode ler mais abaixo nesta lista). Nas semanas em que há estreias importantes de longas-metragens no streaming, também é aqui que as encontra. Bons filmes. Recomendado: Os melhores filmes de 2025

O calendário de estreias de cinema é vasto e obriga a escolhas. Entre produções há muito esperadas, pérolas insuspeitas e títulos que chegam sem grande alarido, há muito para ver nas próximas semanas. Seleccionámos seis filmes que justificam a ida ao cinema em Abril. Se estes não lhe bastarem, pode sempre contar com propostas fora do circuito comercial: os festivais e ciclos de cinema em Lisboa continuam a dar personalidade, vanguarda e memória à agenda da cidade, onde não faltam salas de cinema entre as melhores do mundo e para todos os gostos. Recomendado: Os melhores filmes em cartaz esta semana

O 23.º IndieLisboa – Festival Internacional de Cinema de Lisboa decorre entre 30 de Abril e 10 de Maio, apresentando um total de 241 filmes nas habituais secções, entre curtas e longas-metragens, de ficção, documentais, de animação experimentais, com o selo do cinema independente. Destes, 29 serão vistos na Competição Nacional (oito longas e 21 curtas). A retrospectiva deste ano é dedicada ao Mockumentary, o documentário falso, simulado ou satírico, com o subtítulo Isto Não é Um Documentário. Para o ajudar a navegar num dos maiores festivais de cinema de Portugal, seleccionámos dez filmes imperdíveis. Espalhada por vários espaços da cidade, da Culturgest à Cinemateca, dos cinemas São Jorge, Fernando Lopes e Ideal à Piscina da Penha de França, a programação completa do IndieLisboa 2026 pode ser consultada aqui. Recomendado: IndieJúnior: seis motivos para levar a família toda ao cinema

É entre 9 e 19 de Abril que decorre a 19.ª edição da Festa do Cinema Italiano. Em Lisboa, a programação regressa aos cinemas São Jorge, UCI El Corte Inglês e à Cinemateca, com 12 filmes em antestreia nacional e um variado panorama do cinema italiano contemporâneo. O evento assinala os 50 anos da morte de Pasolini com o ciclo Pier Paolo Pasolini – Raridades, assim como da inesquecível comédia Feios, Porcos e Maus. Claudia Cardinale, que morreu em 2025, é homenageada. Na secção Cinema Transfronteiriço, está em destaque a Eslovénia. Entre os eventos paralelos, contam-se uma oficina criativa para crianças destinada à criação de cartazes de cinema, stand-up comedy italiana, colóquios ou conversas com convidados. Haverá também as habituais extensões a uma série de cidades, começando pelo Porto, de 9 a 11 de Abril. Seleccionámos seis fitas e uma retrospectiva de entre toda a oferta. A programação completa e demais informações podem ser consultadas aqui. Recomendado: O roteiro dos melhores festivais e ciclos de cinema em Lisboa

A cerimónia dos Óscares não é perfeita e também se faz de falhas e erros. A mais recente, e provavelmente a mais grave, aconteceu em 2017, quando houve uma troca de envelope na entrega do prémio de Melhor Filme. O erro demorou a ser corrigido e só quando a equipa de La La Land – A Melodia do Amor já estava em palco, com os discursos de agradecimento a decorrer, é que se percebeu que o verdadeiro vencedor era Moonlight. Ao longo dos anos, porém, não foi caso único. Entre trocas de nomes e momentos insólitos – incluindo um homem nu em palco –, a cerimónia soma vários episódios embaraçosos. Recomendado: Os filmes com nomeações aos Óscares que pode ver em casa

Desde a primeira cerimónia dos Óscares, em 1929, centenas de actores e actrizes receberam a prestigiada estatueta dourada. No entanto, repetir o feito é bem mais raro: pouco mais de quatro dezenas de intérpretes conseguiram duas vitórias ao longo da carreira. Ultrapassar esse número é ainda mais excepcional. Katharine Hepburn continua a ser a mais premiada de sempre, com quatro Óscares de Melhor Actriz, conquistados entre 1934 e 1982. Logo atrás surgem Frances McDormand, Daniel Day-Lewis, Meryl Streep, Jack Nicholson, Ingrid Bergman e Walter Brennan. A lista pode crescer já na cerimónia de 2026, caso Sean Penn (Batalha Atrás de Batalha) e Emma Stone (Bugonia) vençam nas respectivas categorias. Recomendado: Os filmes que ganharam mais Óscares

Tal como a maior parte das cerimónias de prémios, os Óscares tendem a privilegiar um certo tipo de filmes – mais sérios, por assim dizer – em detrimento de quase tudo o resto. Embora haja sempre excepções, as comédias raramente estão nas boas graças da Academia de Hollywood. Uma tendência que foi recentemente contrariada, em 2025, graças a Anora. De resto, ao longo dos anos, só oito filmes cómicos levaram para casa o cobiçado Óscar de Melhor Filme. Frank Capra, Leo McCarey, Billy Wilder, Tony Richardson, Woody Allen, a dupla Daniel Kwan e Daniel Scheinert, e Sean Baker foram os realizadores dos filmes premiados. Recomendado: Os filmes que ganharam mais Óscares

Hollywood continua a ser implacável com algumas das caras mais conhecidas do cinema. Timothée Chalamet, a jovem coqueluche da indústria, espera conseguir contrariar a tendência este ano. Na cidade dos anjos contam-se histórias que traduzem amores e desamores da condição humana, histórias de força e superação, histórias de desastre e redenção, para que nos seja possível suportar a existência. Mas, no fim, há mais em jogo do que uma linha que nos estremece ou um monólogo que nos acompanha como bíblia para o resto dos dias. A estatueta dourada é a bitola que separa o que é bom do que é divino, mas nem sempre é consensual. Esta é a lista das actrizes e dos actores que nunca ganharam o Óscar. Recomendado: As actrizes e os actores com mais Óscares

O ano de 2021 foi marcado pela produção da primeira série portuguesa para a Netflix, Glória, uma história de espionagem passada em Portugal no tempo da Guerra Fria e antes do 25 de Abril. Não foi a única. Houve outras séries que se destacaram na produção nacional, mostrando que o investimento na ficção televisiva e para streaming começa a apresentar resultados apreciáveis, com a RTP a funcionar como catalisador na maior parte dos casos. Ainda assim, continuam a estrear-se muitos títulos medíocres ou esquecíveis. Pesando prós e contras, estas são as melhores séries portuguesas exibidas este ano. Recomendado: As melhores séries do momento

Ben-Hur, Titanic e a terceira parte da trilogia O Senhor dos Anéis lideram a lista dos filmes com mais estatuetas douradas na história dos Óscares, cada um com 11 prémios. A versão de 1961 de West Side Story – Amor sem Barreiras, distinguida com dez, é outro dos filmes em destaque. Apesar de hoje em dia a Academia optar por dividir os prémios por várias produções –, existem títulos que, teoricamente, podem ultrapassar o recorde em 2026. Pecadores fez história ao tornar-se o filme com mais nomeações de sempre (16). O que não quer dizer nada: nem sempre os filmes com mais nomeações são os que saem da cerimónia com mais prémios. Outros filmes com oportunidade para entrar neste top incluem Batalha Atrás de Batalha (13 nomeações), Frankenstein, Marty Supreme e Valor Sentimental (todos com nove). Recomendado: Todos os filmes com nomeações aos Óscares que pode ver em casa

A televisão foi a primeira grande culpada. Depois vieram os clubes de vídeo, os VHS e os DVD, a pirataria na internet. Agora é o streaming. Há mais de 60 anos que a queda no número de espectadores nas salas de cinema gera preocupações, dilemas e estratégias para a combater. Nem todas funcionam. Por cá, propomos a única solução ao nosso alcance: sugerir bons filmes. Pelo menos, filmes que queremos ver. Até ao final do ano, haverá muito mais, mas destacamos 26 longas-metragens que chegam aos cinemas em 2026. Do cinema independente aos grandes blockbusters, há espaço para todos. Estas são as estreias de cinema a não perder. Recomendado: Os melhores filmes de 2025

Toda a gente conhece filmes de Natal clássicos e reconfortantes, com o Pai Natal no papel de herói. Esta lista vai noutra direcção: reúne alguns dos piores e mais estranhos filmes alguma vez feitos com o bom velhinho no centro da acção. Produções falhadas, ideias absurdas e execuções desastrosas que, em muitos casos, acabaram por ganhar estatuto de culto precisamente por serem tão más. Há demónios, marcianos, wrestlers, fadas, canções embaraçosas e muita falta de noção. Para os mais curiosos, há ainda uma boa notícia: a maioria destes filmes pode ser vista gratuitamente no YouTube. Recomendado: Os melhores filmes de Natal para ver em família

Comédia satírica do realizador iraniano Ali Asgari, centrada num cineasta e na sua produtora que, após não conseguirem a obrigatória autorização das autoridades culturais para estrearem o seu novo filme, dado que é falado em turco e não em farsi, vão tentar exibi-lo sem terem a licença oficial. Um risco para eles, bem como para quem aceder a ajudá-los. E não vai ser nada fácil concretizar este plano. Pondo um colega realizador que já foi censurado e a sua sobrinha, uma jovem actriz que está proibida de trabalhar há alguns anos pelo Ministério da Cultura, mas não fez caso desta interdição, nos papéis principais de Divina Comédia, Ali Asgari assina um filme sobre os constrangimentos, a estupidez gritante e os absurdos da burocracia e da censura no Irão, ao mesmo tempo que pisca o olho ao cinema de realizadores como Woody Allen ou Nanni Moretti.

Vinte anos depois do primeiro filme, Meryl Streep e Anne Hathaway estão de regresso aos papéis de Miranda e Andy, tal como Stanley Tucci ao de Nigel. Emily (Emily Blunt), a antiga assistente de Miranda, é agora a influente executiva de uma grande marca de produtos de luxo, o tipo de anunciante que Miranda precisa para salvar a Runway, a prestigiada revista que dirige e que está em declínio de tiragens, vendas e influência, e sob o efeito negativo de um artigo desleixado que desencadeou uma onda de críticas e de troça nas redes sociais. Entra então em cena Andy, agora uma jornalista de renome, nomeada editora de reportagens pelo proprietário, para ajudar a melhorar a situação e a imagem da publicação. O realizador David Frankel e a argumentista Aline Brosh McKenna conseguem um filme melhor do que o original, mantendo o registo de comédia sofisticada e satírica, e incorporando na história, mesmo que com ligeireza, o tema da crise dos media tradicionais, em especial da imprensa escrita, e do advento e crescente influência da internet, do digital e das redes sociais. Os actores, todos impecáveis, fazem o resto, e é uma delícia ver Meryl Streep divertir-se a interpretar uma Miranda que agora tem que pendurar ela o casaco quando chega à revista e que voar em Económica.

Com narração de Jane Fonda, Lisa Azuelos e Thierry Teston contam-nos tudo sobre uma das canções mais célebres, mais carismáticas, com mais versões e mais cantadas do planeta, “nascida” em França nos anos 60 com o título “Comme d’habitude” e co-assinada cantada e gravada por Claude François, comprada e trazida para os EUA por Paul Anka, que a retrabalhou, deu-lhe um novo título e a passou a Frank Sinatra, que a popularizou mundialmente e a tornou no seu hino pessoal, apesar de ter acabado por se fartar dela. Mas há muito mais para dizer sobre “My Way”, e Azuelos e Teston conseguem esgotar o tema, tocando até nalguns aspectos insólitos em redor da canção, caso da remota associação de David Bowie com ela ou dos tiroteios mortais nos clubes de karaoke das Filipinas.

Toni Servillo volta a ser o principal intérprete do novo filme de Paolo Sorrentino, interpretando Mariano De Santis, um Presidente da República italiano fictício, um viúvo conservador, católico e muito consciencioso, e estimado e admirado pela população e pelos seus colaboradores. De Santis está a seis meses de acabar o mandato e tem de tomar duas grandes decisões antes de ir para casa. Promulgar ou vetar uma lei da eutanásia, e conceder ou não perdões a um homem e uma mulher que mataram os respectivos cônjuges. Ao mesmo tempo, atormenta-se diariamente por não saber com quem a falecida mulher, que adorava, o traiu. Desconfia do seu amigo mais antigo que é ministro do actual governo, e a sua melhor amiga e da mulher, sabe quem é, mas jurou a esta nunca lho dizer. Com contenção, sobriedade, um conhecimento profundo da natureza humana e um superior sentido da composição cinematográfica, Paolo Sorrentino assina um filme sobre os dilemas morais e éticos de um homem que sempre se guiou pela sua consciência e se sente desconfortável a tomar decisões socialmente fracturantes, que é também uma meditação sobre o peso e a solidão do poder, sobretudo em momentos determinantes e dramáticos da vida política. Toni Servillo tem mais uma interpretação notável no papel de De Santis, dizendo quase tudo o que é preciso com um olhar, uma expressão, uma postura, uma frase seca e curta.

Há filmes que aparecem de vez em quando (embora cada vez menos) que parece que foram metidos numa máquina do tempo no passado e enviados para serem vistos na nossa época. É o caso de Good Boy – Terapia de Choque, do polaco Jan Komasa. Ajudará talvez dizermos que por trás dele está o veterano dramaturgo, actor e realizador polaco Jerzy Skolimowski, um dos nomes maiores do cinema de Leste, quase à beira dos 90 anos e autor de fitas como Adolescente Perversa, O Uivo, Moonlighting ou EO, Prémio do Júri do Festival de Cannes em 2022. Good Boy – Terapia de Choque aparenta ter vindo directamente desses anos 70 abundantes em fitas originais, inquietantes, fora dos formatos convencionais, que desafiavam rótulos e classificações, e fugiam a identificações com tendências, escolas ou géneros bem específicos. Komasa é o autor do muito bom Corpus Christi – A Redenção (2019), nomeado ao Óscar de Melhor Filme Internacional, e do menos conseguido Anniversary – Mudança Radical, rodado nos EUA. Juntamente com Jeremy Thomas, Jerzy Skolimowski é também o produtor do filme (e não teríamos estranhado se tivesse decidido realizá-lo), escrito em polaco e passado originalmente em Varsóvia, e que foi adaptado para língua inglesa e ambientado no Yorkshire. Tommy (Anson Boon) é um rapaz de 19 anos completamente destravado e dado a todo o tipo de excessos e de comportamentos delinquentes, que filma com o telefone e depois partilha no Tik Tok. Uma noite, e quando Tommy vai a cambalear para casa, é raptado.

Vencedor do Festival de San Sebastián e de cinco Goyas, este drama da cineasta espanhola Alauda Ruiz de Azúa centra-se em Ainara (Blanca Soroa), uma jovem de 17 anos que perdeu a mãe precocemente e vive em Bilbau com o pai, dono de um restaurante, e com as duas irmãs mais novas. Há ainda a avó, e a tia, irmã do pai, que trata a sobrinha mais velha como uma filha, e é casada com um argentino, do qual tem um rapazinho. Ainara espalha a confusão e a apreensão na família quando anuncia que quer ser freira e professar numa ordem de clausura logo que acabar o secundário. A tia, muito em especial, pelo amor que nutre a Ainara mas também por ser anti-clerical, é quem encara com mais revolta e temor a decisão da rapariga. Magnificamente escrito, serenamente filmado e muito bem interpretado por todo o elenco, principal e secundário, Os Domingos é um filme exemplar de objectividade e honestidade intelectual, ao tratar um tema tão delicado e controverso como este, com justeza, equilíbrio e atenção aos argumentos e pontos de vista das partes envolvidas, sem o menor viés ou qualquer suspeita de proselitismo, pró ou anti-religioso. Blanca Soroa é notável na jovem, tranquila e convicta Ainara, que tem toda a certeza da sua vocação, e de ter sido chamada a ela por um poder maior e indizível, que não consegue explicar aos seus mais próximos, que temem por ela porque a amam muito. Tanto como o amor que ela sente por Cristo, a quem vai entregar a sua vida no convento. Filme singular, a contrape

Toni Servillo e Elio Germano são os principais intérpretes desta fita de Fabio Grassadonia e Antonio Piazza, em que um antigo político e autarca siciliano corrupto sai da cadeia e é levado pelos serviços secretos italianos a ajudar a encontrar e capturar o seu afilhado, o último grande chefe mafioso ainda livre, e que está escondido algures na ilha. O Último Padrinho não é o típico filme policial e de acção sobre a Máfia, é antes uma história de dignidade perdida que se quer recuperar através da traição, tendo como pano de fundo o complexo ecossistema de relações familiares, laços de amizade e ódios, e de lealdades e favores da sociedade siciliana e da sua componente criminosa. Servillo é, como sempre, muito bom no autarca caído em desgraça perante todos (e muito em especial a sua família), e Germano está à sua altura no mafioso que usa óculos tintados mesmo dentro de casa e gosta de ler e citar a Bíblia. Só faltou a Grassadonia e Piazza terem dado um pouco mais de ritmo a O Último Padrinho, que por vezes se arrasta demais.

O francês Sylvain Chomet, realizador das geniais longas-metragens de animação Belleville Rendez-Vous (2003) e O Mágico (2010), não fazia um filme animado de grande fôlego desde este último (a comédia de imagem real Attila Marcel, de 2013, é o seu trabalho recente mais significativo). Chomet acalentava há alguns anos um projecto ambicioso em termos de animação: uma fita sobre Victor Hugo baseada nos desenhos do autor de Os Miseráveis, que estava a começar a preparar quando foi abordado por Nicolas Pagnol, neto do escritor, dramaturgo e realizador Marcel Pagnol, que lhe propôs contar a vida do avô em desenhos animados, para assinalar, em 2025, os 130 anos do nascimento do autor de César e A Mulher do Padeiro. E Chomet aceitou a proposta, pondo na gaveta o filme sobre Victor Hugo e realizando, em animação tradicional, desenhada à mão, como é seu apanágio, Marcel e Monsieur Pagnol. Marcel Pagnol (1895-1974) é uma das maiores figuras da cultura e das artes francesas do século XX, do qual se diz que “deu a conhecer à França o sotaque dos naturais do Sul do país”. Nascido em Aubagne, na Provença, Pagnol tem uma vasta obra teatral, literária, ensaísta e cinematográfica, e as suas peças e filmes passam-se quase todas no Sul, nomeadamente em Marselha. O que não impediu o terem-se tornado populares e aclamadas em toda a França, bem como internacionalmente, transformando-o num autor cujo regionalismo, longe de lhe tolher o alcance, o converteu num dos mais bem-amados em França e fez atin

É num livro de Andy Weir, o autor de O Marciano (filmado por Ridley Scott) que se baseia Projecto Hail Mary, realizado pela dupla Phil Lord e Christopher Miller (O Filme Lego). O herói é Ryland Grace (Ryan Gosling), um professor de Ciências e que acorda numa nave espacial e constata que não só está perdido no cosmos, como também perdeu a memória e os outros dois tripulantes morreram durante o hipersono. Não se recorda de quem é, da razão por que está naquela nave ou da missão que tem que desempenhar. Em vez de perder a cabeça de vez, Ryland consegue manter a calma, concentrar-se e procurar pistas que o esclareçam, e pouco a pouco vai-se lembrando de tudo. É o único sobrevivente de uma tripulação que foi enviada ao sistema de Tau Ceti para procurar uma solução para um acontecimento catastrófico que se deu na Terra, e que ameaça a sobrevivência da humanidade: umas estranhas partículas, os Astrofagos, estão a “comer” a luz do Sol e o nosso planeta tem 30 anos antes de mergulhar na escuridão e numa era glaciar permanentes. Para se manter vivo e conseguir cumprir a sua missão, Ryland vai ter que confiar nos seus vastos conhecimentos científicos, no seu engenho e na vontade humana. Mas ao contrário do que pensa, a sua busca por respostas para resolver ao que se passa na Terra não será solitária, já que contará com uma ajuda completamente inesperada. Ela virá de um extraterrestre chamado Rocky, uma espécie de cruzamento de uma rocha com um aracnídeo, também ele único sobrevivente da

Na sua origem, Kill Bill era para ser um só filme com quatro horas de duração, tal como Quentin Tarantino o havia pensado. Por razões comerciais, alguma pressão do produtor e porque Tarantino queria ter mais tempo disponível para trabalhar naquele que seria o segundo filme, foi lançado em duas partes e o realizador apenas passou a versão de quatro horas (que teve estreia mundial no Festival de Cannes de 2006, fora de competição) em visionamentos privados, para amigos e gente da indústria cinematográfica, com uma breve estreia comercial na sala de cinema de que é dono em Los Angeles. Ei-la agora enfim nos cinemas, combinando os Volumes 1 e 2, com cenas eliminadas na montagem e planos alternativos, uma remasterização da luta dos Crazy 88 com a Noiva de Uma Thurman, um acrescento à sequência de anime e uma nova curta-metragem de 10 minutos, feita em 2025. Total: 4 horas e 35 minutos de filme, com intervalo incluído.

Quem é Vladimir Putin? Como é que ele apareceu na paisagem política da Rússia após o fim do comunismo? Quem é que o ajudou na sua ascensão ao poder e a instalar-se no Kremlin? Foi para responder a perguntas como esta que o consultor político e escritor italo-suíço Giuliano da Empoli assinou O Mago do Kremlin, uma obra de ficção com alicerces na realidade, publicada em 2022, pouco antes do início da guerra na Ucrânia. O narrador, um investigador que foi à Rússia em trabalho, é contactado, em Moscovo, por Vadim Baranov, antigo encenador de teatro e produtor de reality shows, que ajudou a levar Vladimir Putin ao poder e se tornou na sua “eminência parda” e homem de total confiança, antes de se retirar da vida política activa. Baranov, cuja figura é inspirada muito livremente por Vladislav Surkov, um publicitário, homem de negócios e político, e durante muitos anos o principal conselheiro político de Putin, conta então toda a sua vida antes de entrar nos bastidores do poder e se tornar unha com carne com Putin. O que abrange cerca de três décadas da história recente da Rússia, começando nos anos 90, no pós-comunismo, abrangendo a Perestroika, a presidência de Boris Ieltsin, o advento dos oligarcas e o ambiente de total liberdade e de euforia social e artístico-cultural, mas também de violência e de caos político, e de desastre económico eminente vivido na Rússia de então. Segue-se o aparecimento de Vladimir Putin, um homem do FSB (o organismo sucessor do KGB), escolhido pelo olig

A nova animação da Pixar/Disney põe em cena Tamara, uma rapariga de 19 anos que adora animais, em especial castores, e que aproveita uma nova tecnologia que transfere a mente humana para animais robóticos, para incarnar num castor e ir avisar aqueles que vivem perto da sua cidade que uma nova obra da Câmara Municipal ameaça destruir o seu habitat. Só que o alarme vai causar uma insurreição em todos os animais da zona, que ameaça os humanos, e muito em especial o velhaco presidente da Câmara. O antropomorfismo sempre deu bons resultados para a Disney, e o mesmo se pode dizer para a Pixar em Saltitões, uma animadíssima e muito bem-disposta comédia passada no reino animal (com alguns gags cinéfilos lá pelo meio, caso de um que remete para Tubarão, de Steven Spielberg), que veicula uma simpática (e nunca intrometida) mensagem em prol da conservação da natureza. E que pode ser apreciada igualmente por miúdos e crescidos.

A literatura policial já nos deu todo o tipo de detectives, policiais e particulares, mas nunca animais. Muito menos ovelhas. Isto até que, em 2005, a escritora policial alemã Leonie Swann publicou um livro chamado Three Bags Full: A Sheep Detective Story (título inglês, Glennkill: Ein Schafskrimi no original germânico). A história passa-se em Glennkill, na Irlanda, onde um pastor chamado George Glenn tem o hábito de ler livros todas as noites às ovelhas do seu rebanho. Um dia, George é encontrado assassinado e as ovelhas decidem investigar por conta própria e encontrar o criminoso. Os animais percebem o que os humanos dizem (até mesmo George o ignorava), mas não conseguem comunicar com eles, o que, naturalmente, complica a sua acção detectivesca. (Pormenor saboroso: uma das ovelhas chama-se Miss Maple, em homenagem à idosa mas argutíssima detective amadora criada por Agatha Christie). O livro foi um sucesso doméstico e internacional, tendo sido traduzido em 30 línguas até agora (embora ainda não para português). Em 2010, Swann escreveu uma continuação, Garou, publicada o ano passado em inglês com o título Big Bad Wool. A veterana produtora americana Lindsay Doran leu o primeiro livro pouco depois de ter sido traduzido em inglês, gostou muito e passou-o ao argumentista e realizador Craig Mazin (A Ressaca Parte II, Chernobyl) para o transformar num guião. No entanto, Doran apenas conseguiu adquirir os direitos para cinema de Three Bags Full: A Sheep Detective Story vários anos

Construído em 1888 num terreno entre o final da Avenida da Liberdade e a Rua dos Condes, onde se tinham erguido o Teatro Chalet e antes deste o Teatro da Rua dos Condes, e financiado pelo riquíssimo Francisco Grandella, o futuro dono dos Armazéns Grandella, o Teatro Novo da Rua dos Condes contrastava com os seus dois antecessores por apresentar uma programação mais cuidada e variada, e ser “muito fresco, muito elegante e muito aceado”, como então escreveu o dramaturgo, escritor e jornalista Gervásio Lobato. A abertura do Teatro Novo da Rua dos Condes teve honras de monólogo interpretado pelo lendário actor Taborda, e na cave do edifício havia um restaurante onde se reunia o grupo maçónico Os Makavenkos, fundado pelo mesmo Francisco Grandella, e do qual faziam parte, entre outros, Rafael Bordalo Pinheiro e Bulhão Pato. Foi lá que se conspirou contra a monarquia e preparou a revolução de 5 de Outubro de 1910. Este restaurante comunicava com o restaurante Abadia, aberto em 1917 nas caves do Palácio Foz, por meio de um túnel secreto, e nele os Makavenkos também se juntavam para comer e conviver. O túnel seria destruído, meio século mais tarde, pelas obras do Metro. Em 1915, e após sofrer obras, o Teatro Novo da Rua dos Condes passou a Cinema Condes. Foi demolido em 1951, para dar lugar ao novo Cinema Condes, que fecharia em 1997. Hoje está lá o Hard-Rock Café. Coisas e loisas de outras eras + As longas noites do Porão da Nau + Star, o cinema das cadeiras como nuvens + Cafés e chá

Há filmes que aparecem de vez em quando (embora cada vez menos) que parece que foram metidos numa máquina do tempo no passado e enviados para serem vistos na nossa época. Good Boy – Terapia de Choque, do polaco Jan Komasa, rodado na Polónia e em Inglaterra, é um desses filmes. Ajudará talvez dizermos que por trás dele está o veterano dramaturgo, actor e realizador polaco Jerzy Skolimowski, um dos nomes maiores do cinema de Leste. Quase à beira dos 90 anos e ainda activo, Skolimowski é o autor de fitas como Adolescente Perversa, O Uivo (um dos filmes de culto da década de 70), Moonlighting, Quatro Noites com Ana ou EO, Prémio do Júri do Festival de Cannes em 2022.  Good Boy – Terapia de Choque aparenta ter vindo directamente desses anos 70 abundantes em fitas originais, inquietantes, fora dos formatos convencionais, que desafiavam rótulos e classificações, e fugiam a identificações com tendências, escolas ou géneros bem específicos. O polaco Jan Komasa é o autor do muito bom Corpus Christi – A Redenção (2019), nomeado ao Óscar de Melhor Filme Internacional, sobre um jovem delinquente que sente uma vocação espiritual e vai para uma aldeia onde finge ser padre; ou do menos conseguido Anniversary – Mudança Radical, um thriller político rodado nos EUA. Foi o seu compatriota Skolimowski quem o abordou para lhe oferecer o argumento de Good Boy – Terapia de Choque, após ter visto, precisamente, Corpus Christi – A Redenção. Juntamente com Jeremy Thomas, Jerzy Skolimowski é também o pr

Charles Aznavour, Rita Pavone e Sammy Davis Jr., Adamo e Ella Fitzgerald, Art Blakey, Louis Armstrong e Sylvie Vartan, todos eles visitaram o Porão da Nau, uma das mais lendárias boates de Lisboa, levados por Vasco Morgado após actuarem no Monumental, que ficava mesmo ali ao lado. Inaugurada nos anos 60, com decoração a cargo de Octávio Clérigo, que reproduziu o interior de uma nau antiga, com modelos de canhões, os respectivos projécteis e tudo, o Porão da Nau ficava na cave de um prédio, no gaveto entre a Avenida Fontes Pereira de Melo e a Rua Pinheiro Chagas. Ponto de encontro de meia Lisboa, era frequentada por cidadãos anónimos, boémios e jornalistas, gente do teatro, da rádio, da televisão e da canção, futebolistas (Eusébio era um dos clientes habituais), músicos e actores, e muitos outros noctívagos, no tempo em que os jornais matutinos fechavam às duas da manhã e depois do cinema e do teatro se ia cear e beber um copo a uma boate. A banda residente era o Thilo’s Combo de Thilo Krasmann, e o Rádio Clube Português fez de lá várias emissões em directo. Por cima, ao nível da rua, havia um restaurante, O Convés, o primeiro a servir pizza em Portugal. Alguns anos após o 25 de Abril, o Porão da Nau transformou-se numa discoteca para a juventude de tarde, funcionando como clube de strip à noite. Encerrou na década de 90 e o prédio está hoje entaipado e devoluto. Coisas e loisas de outras eras + Star, o cinema das cadeiras como nuvens + Cafés e chás é na Mariazinha há quase 10

O cinema de ficção científica está cheio de astronautas perdidos no espaço, sozinhos ou em equipa, mas foi na televisão que apareceu o primeiro título memorável sobre o tema, com a série Lost in Space (1965-1968), produzida por Irwin Allen. Inspirada no clássico da literatura juvenil A Família Robinson Suíça, escrito em 1812 por Johann David Wyss, Lost in Space põe em cena os Robinsons, uma família de colonos espaciais que fica perdida no cosmos após um acidente causado por um sabotador, e vai protagonizar uma série de aventuras, ao mesmo tempo que procura sobreviver nas profundezas do espaço sideral. Em 1998, Stephen Hopkins assinou uma versão para cinema, Perdidos no Espaço, e a série teve dois remakes televisivos no nosso século, The Robinsons: Lost in Space (2004) e Lost in Space (2018). Entre os vários filmes que glosam este mesmo tema, de forma mais realista e com preocupações de rigor científico, ou dando asas à especulação e incluindo elementos extraterrestres, podemos citar Perdidos no Espaço, de John Sturges (1969), Missão a Marte, de Brian De Palma (2000), Stranded, de Maria Lidón (2001), que conta com Joaquim de Almeida no elenco, Pandorum – Universo Paralelo, de Christian Alvart (2009), Relatório Europa, de Sebastián Cordero (2013), Interstellar, de Christopher Nolan (2014), Passageiros, de Morten Tyldum (2016), ou Perdido em Marte, de Ridley Scott (2015), este baseado no livro The Martian, de Andy Weir (publicado em Portugal como O Marciano). É precisamente nout

“É como se estivéssemos sentados numa nuvem”, dizia um espectador do Cinema Star sobre as suas cadeiras a um jornalista de um vespertino no dia da inauguração da sala, que ficava na Avenida Guerra Junqueiro e abriu em 1975 com O Gato, o Medo, o Rato e o Amor, de Claude Lelouch. O qual, alguns anos depois, em 1981, daria ao Star o seu maior sucesso de bilheteira, Uns e os Outros, que ali ficaria em cartaz muitos meses a fio. Mas, além de privilegiar o cinema francês, o Star ficaria também conhecido pelo invulgar conforto das cadeiras, verdadeiras poltronas, que se tornaram na sua imagem de marca.  Os 18 mil contos que custou foram alvo de muitos comentários, porque Portugal vivia então em pleno as convulsões do PREC, e um investimento desta monta ia a contraciclo do clima económico do país. Da decoração e da comodidade à qualidade da projecção, o dinheiro ali empregue estava bem visível, e ajudado por uma programação cuidadosa, o Star encontrou logo o seu público e singrou. Mesmo que alguns lhe chamassem “o cinema das tias”, devido à zona em que estava localizado e ao tipo de filmes que exibia, ao gosto da chamada classe média. Fechou em 1992, vítima, tal como muitas outras salas lisboetas, dos multiplexes, do home video e das pressões imobiliárias. Hoje, está lá uma loja de vestuário. Mas quem frequentou o Star nunca mais se esqueceu das suas magníficas cadeiras. Coisas e loisas de outras eras + Cafés e chás é na Mariazinha há quase 100 anos + Xarope de Rosas e Pó da Visconde

O uso de animais robóticos, ou “espiões animais”, está a vulgarizar-se em várias áreas do estudo e da captação de imagens do reino animal. Estes bichos electrónicos altamente realistas são usados por estações de televisão e produtoras e realizadores de documentários sobre o mundo animal, caso da PBS ou da BBC, entre outras; pelos estudiosos dos habitats ou do comportamento da fauna de todo o mundo; por governos e instituições públicas ou privadas visando a vigilância e a protecção e limpeza de ecossistemas; ou ainda para a interacção com vários espécies ou grupos de animais, para melhor os estudar sem causar perturbações ou tensões no seu seio. Estes animais robóticos com funções de rodagem de filmes documentais, de investigação científica e de vigilância ecológica já andam em terra, no ar e na água, contando-se entre eles tubarões, baleias, crocodilos, pássaros, macacos, esquilos e até mesmo elefantes. Foi neles que se inspirou Daniel Chong, o realizador e co-argumentista (com Jesse Andrews) de Saltitões, a nova longa-metragem animada da Pixar/Disney, para conceber e escrever o filme, que conta com produção de um dos nomes históricos da casa, Pete Docter. “Achei que era uma ideia que estava madura para ser explorada em comédia, esta forma como os humanos tentam tão esforçadamente entrar no mundo animal, e as situações insólitas que daí resultam”, disse Chang numa entrevista.   Feito com um orçamento digno de uma superprodução, 150 milhões de dólares, Saltitões tem como heroí

Dizer que nada corre bem a Linda, a heroína de Se Eu Tivesse Pernas, Dava-te um Pontapé, de Mary Bronstein, e interpretada por Rose Byrne, é dizer pouco. Parece que o mundo lhe desabou em cima. Ela tem uma filha pequena que sofre de uma doença que não é explicada mas que a obriga a ter uma sonda no umbigo e estar ligada a uma máquina, que tem que ser a mãe a manejar; o marido (Christian Slater) é comandante de barcos de cruzeiro, costuma estar muito tempo fora de casa e ausentou-se por um mês; o tecto do quarto do casal cedeu porque houve uma inundação no andar de cima e Linda e a menina tiveram que se instalar num motel; e o empreiteiro que ela contactou para ir fazer as obras no quarto não foi a melhor das escolhas, porque depois de aceitar o serviço, comunicou-lhe que tem que se ausentar por alguns dias por motivos familiares.   Linda é terapeuta, mas está num tal estado de nervos que começou a consultar um colega que trabalha na mesma instituição, e que por sua vez tem cada vez menos paciência para a aturar; e está com problemas com os seus pacientes, nomeadamente uma jovem e insegura mãe que acaba por fugir durante uma consulta e deixa Linda com o seu bebé nos braços. À medida que o filme progride, o calvário de Linda torna-se cada vez mais grave. Ela começa a embirrar com toda a gente, nomeadamente com aqueles que simpatizam com a situação e a podem e querem ajudar, como é o caso do seu colega terapeuta, da médica da filha ou do jovem gerente do motel.  Com cada gesto,

Ainda o cinema não falava quando foi rodada a primeira adaptação de O Monte dos Vendavais, de Emily Brontë, em 1920, realizada por um inglês, A.V. Bramble, que também era actor, e que se julga perdida para sempre, já que não há registo de nenhuma cópia. Quase 20 anos depois, em 1939, William Wyler assinou, para a MGM, aquela que é, ainda hoje, a mais carismática e marcante versão cinematográfica da história de amor arrebatado e funesto entre Cathy e Heathcliff nas paisagens agrestes do Yorkshire, interpretados por Merle Oberon e Laurence Olivier. No elenco surgem ainda David Niven, Flora Robson ou Donald Crisp. Apesar de tomar bastantes liberdades com a narrativa, este sumptuoso O Monte dos Vendavais foi nomeado para oito Óscares, tendo ganhado o de Melhor Fotografia. A primeira versão para televisão deste clássico absoluto da literatura data de 1953. Foi escrita para a BBC pelo lendário Nigel Kneale, um nome que associamos muito mais ao cinema de ficção científica e fantástico, do que histórias como a de O Monte dos Vendavais. As interpretações foram de Richard Todd e Yvonne Mitchell. Cinco anos mais tarde, em 1958, foi a vez da televisão americana estrear a sua adaptação, pela mão da CBS, embora com dois britânicos nos papéis principais: Richard Burton e Rosemary Harris. Seguiram-se os franceses, com Les Hauts de Hurlevent, em 1964, produzida pela ORTF, a estação estatal. A partir daí, nunca mais o cinema e a televisão deixaram de apresentar regularmente novas versões do li

Cafés e chás, mas também biscoitos de todo o tipo, farinhas, frutos secos e frutas cristalizadas, chocolates e rebuçados, são as especialidades de A Mariazinha, cujas portas estão abertas há quase um século em Lisboa e é uma das Lojas com História da capital. Foi inaugurada em Janeiro de 1934, na Baixa, na Rua Barros Queirós, ali ao Largo de São Domingos, e o fundador, Jerónimo Pinto Vicente Coutinho, deu-lhe o nome da sua filha. Num dos curiosos anúncios publicados um ano depois na imprensa, e reproduzido pelo blogue Restos de Colecção, lia-se: “O Mundo dá muita volta… Mas o café d’A Mariazinha é sempre o mesmo”. Noutro engraçado anúncio, anos mais tarde, A Marizinha enunciava os seus 10 Mandamentos, entre os quais constavam: “Usar de honestidade. Pessoal disciplinado e produtivo. Compras feitas em excepcionais condições de qualidade e preço. Tudo preparado por suas mãos, pelos processos mais rápidos e perfeitos. Não fia. Portanto… não têm uns de pagar o que outros ficam a dever”. A casa teve uma sucursal no Porto, na década de 50, e em Dezembro de 1957 abriu uma segunda loja, em Alvalade, na Avenida Rio de Janeiro. A loja original fechou em finais dos anos 70, mantendo-se a de Alvalade, comprada em 1992 pelos actuais proprietários e gerentes. Como manda a tradição, e tal como há quase 100 anos, o café continua a ser moído no local. Coisas e loisas de outras eras + Xarope de Rosas e Pó da Viscondessa, só na Farmácia Durão + Quarteto, uma aventura que começou há 50 anos + Os

Não faltam séries e filmes sobre William Shakespeare, muito menos obras de ficção sobre ele e a sua existência. No seu livro Hamnet, publicado em 2020, a escritora britânica Maggie O’Farrell escolheu um ponto de vista diferente para falar dele, da mulher e da sua vida familiar. Hamnet centra-se no casamento entre o dramaturgo e a sua mulher Agnes (ou Anne), e também no filho de ambos, Hamnet, que morreu quando tinha apenas 11 anos, pensa-se que vítima de peste bubónica, e que terá influenciado a escrita de uma das peças subsequentes de Shakespeare, e uma das mais celebradas, Hamlet. O’Farrell disse numa entrevista que sempre tinha estranhado “as raras menções a Hamnet nas biografias e nos estudos literários”, tendo por isso “decidido escrever um romance sobre ele, para lhe tentar dar uma voz e uma presença”. O livro dá assim mais destaque à figura de Hamnet, bem como à da sua mãe, dramatizando a doença do rapaz e o seu impacto sobre a família Shakespeare, bem como as consequências emocionais e psicológicas da sua morte sobre William e Agnes. Maggie O’Farrell combinou factos e ficção sobre a vida de William Shakespeare e a época histórica em que ele e a sua família viveram, e especula ainda sobre as causas da morte de Hamnet, bem como sobre a forma como esta tragédia poderá estar directamente ligada à criação de Hamlet. A obra já vendeu mais de dois milhões de exemplares e foi traduzida em 40 línguas, tendo ganhado, entre outros, o Women’s Prize for Fiction no Reino Unido, e o

Grande Prémio do Festival de Cannes, Globo de Ouro de Melhor Actor Secundário (para Stellan Skarsgard), seis Prémios do Cinema Europeu (incluindo Melhor Filme e Realizador) e nove nomeações para os Óscares. Este é o (bom) lastro de galardões e indicações com que Valor Sentimental, do norueguês Joachim Trier, chega aos cinemas portugueses (ganhou muitos outros até agora, mas estes são os mais destacados). O filme consta também na lista dos Melhores de 2025, de críticos de publicações como The Hollywood Reporter, Indiewire, Variety, Slate ou The Washington Post, ou ainda da BBC, só para citar títulos e meios de língua inglesa. Autor da chamada “Trilogia de Oslo”, composta pelos filmes Reprise (2006, este a sua longa-metragem de estreia), Oslo, 31 de Agosto (2011) e A Pior Pessoa do Mundo (2021, e que revelou a actriz Renate Reinsve), Trier consolida-se assim como o nome mais destacado, e internacionalmente considerado e premiado, de um cinema norueguês que tem vindo a dar nas vistas nos últimos anos, pela qualidade e pela variedade da sua produção. Que vai desde filmes de ambiente contemporâneo como os do autor de Valor Sentimental, ou de Dag Johan Haugerud (realizador da trilogia Sex, Love e Dreams, este último vencedor do Festival de Berlim) até títulos biográficos, fantásticos, policiais ou históricos, passados, por exemplo, durante a II Guerra Mundial (e isto sem falar nas séries de televisão). No país, fala-se de uma “idade de ouro” do cinema norueguês, que agora pede meça